Black Beach (2020)

critica black beach

El petróleo es el recurso natural mas importante de los paises industrializados. Su búsqueda y explotación se ha transformado en un negocio multimillonario en el que intervienen determinados agentes de poder. Las multinacionales o empresas transaccionales operan en el mercado petrolífero delimitando puntos estratégicos/geográficos para continuar y extender su operatividad. Sobre esta base de poder económico se ubica Black Beach donde las empresas tienen un rol determinante en la economía de los paìses subdesarrollados.

La historia nos introduce en el mundo de las operaciones comerciales en donde Carlos se desenvuelve perfectamente en el manejo de la información financiera. Su tarea es la de compra y venta de acciones empresariales en una multinacional a la que apunta ser socio de la firma. Para llegar a ese objetivo deberá realizar un peligroso encargo: intervenir como mediador en un paìs africano en donde se produjo el secuestro de un ingeniero de una empresa petrolera norteamericana.

Los altos directivos le advierten la importancia de encontrar con vida al ingeniero de la compañía petrolífera para que la ONU autorice las operaciones petroleras en ese lugar. La organización internacional quiere asegurarse de que no haya una guerra civil en un pueblo presuntamente democrático.

Carlos es abogado y no tiene ninguna experiencia en operaciones de inteligencia. Es ante todo un hombre común pero con un temperamento frío y calculador producto de las operaciones de mercado que frecuenta. Sin embargo las autoridades de la firma lo eligen para destrabar el conflicto por el solo hecho de conocer el lugar y al presunto secuestrador.

El director madrileño Esteban Crespo desarrolla una situación narrativa compleja pero sin dejar de ser interesante. Sus primeros minutos son cruciales y requieren de especial atención porque se encuentran narrados con un ritmo demasiado ágil para lo que sugiere el relato. En los primeros minutos de metraje se visualiza un trasfondo familiar en la que se vincula el protagonista. Su mujer se encuentra embarazada esperando una niña y su madre ejerce un alto cargo en la ONU.

En cuanto al paìs africano se presume que es una zona de Guinea. Si bien no se menciona ningún nombre en la película hay ciertos datos informativos y visuales que permiten individualizar la región de África Occidental. Es precisamente la ubicación de la cárcel de Black Beach y la bandera de guinea ecuatorial impresa en los vehículos y uniformes de los soldados los que evidencian al pais africano.

Ghana, Canarias, Toledo, Madrid y Bruselas fueron parte del rodaje internacional.

Hacia esa región se traslada Carlos en donde comenzará la búsqueda del ingeniero desaparecido sin que ello implique rememorar un antigua situación amorosa que lo vincula con la tarea encomendada. A partir de aquí comienza un relato de intrigas en donde no todo es lo que parece y en la que Carlos tendrá que dilucidar con la ayuda de una antigua compañera.

Black Beach parte de una secuencias narrativa con dos géneros estructurales bien diferenciados. Su primera etapa configura un thriller en donde se mezcla la intriga internacional con el rol que cumplen las organizaciones y empresas dedicadas a esos fines.

En su segundo acto y por circunstancias que no es posible develar se aborda el campo de la acción. Ante ello hay que decir que se ha elaborado una impecable puesta en escena de las localizaciones. Las vistas aéreas de las aldeas enchapadas de la regiòn como su enfoque en llano no deja de ser más que destacable. En ellas se desarrollan las secuencia de acción en donde los movimientos de cámara respetan el trayecto del personaje. Es tanta la grandilocuencia del campo visual en cuanto a escenario se refiere que el cineasta respeta la regla de oro: las escenas se entienden y no marean al observador. Se destaca una impactante escena de derribo del helicóptero en donde se demuestra su impecable despliegue técnico/visual.

Carlos en el interior del establecimiento carcelario Black Beach

La violencia que se exhibe es dura y cruda pero es el reflejo de una sociedad que se encuentra en guerra civil. Las desigualdades sociales son evidentes. La pobreza marca un estilo de sociedad que aprovechan la multinacionales para desarrollar y expandir sus negocios. Este punto está muy bien retratado y es la característica que trasciende en la película. Los paises desarrollados con sus multinacionales se enriquecen en un territorio rico en petróleo pero pobre en condiciones sociales y económicas. No obstante ello el largometraje retrata una situación carcelaria en donde los internos son sometidos a tratos inhumanos y degradante. Es la cárcel de Back Beach (cuyo titulo lleva la película), un lugar donde no hay derechos humanos ni condiciones de higiene. Este cruel establecimiento será clave en la búsqueda y en el ánimo del protagonista.

Black Beach es una producción a gran escala de notable apartado técnico y que transcurre en diferentes localizaciones. La fotografía y el montaje empleado es sobresaliente. Solo se le reprocha su rápido contenido narrativo inicial y sus múltiples entornos de poder. Pero el resultado no deja de ser satisfactorio logrando un buen entretenimiento de calidad.

Disponible en el catálogo de Netflix

ELENCO

Raúl Arévalo interpreta a Carlos. Su labor es correcta pero no alcanza a transmitir empatía. Quizás el perfil frío de su personaje le haya jugado en contra pero flaquea un poco en la secuencia de acción. Le faltó transmitir esa emotividad que logran los elegidos. No obstante ello se desenvuelve bien en el costado dramático.

Candela Peña interpreta a Ale y es la amiga/cómplice de Carlos que lo ayudará en la búsqueda del ingeniero secuestrado. La actriz a diferencia de su compañero logra transmitir las situaciones de peligro y angustia que frecuenta.

Paulina García interpreta un doble rol. La actriz chilena es la madre de Carlos y desempeña un alto cargo en la ONU teniendo pocos minutos en pantalla pero no menos eficaz.

El resto del reparto cumplen una correcta labor. Especialmente el hermano del presidente africano que parce saber mas de lo que cuenta y que disfruta sin disimulo su poderío económico.

PUNTOS POSITIVOS

  • Las localizaciones. Siendo su fotografía de sobrada calidad.
  • La persecución y derribo del helicóptero están muy bien ejecutadas.
  • El mensaje que denuncia la película en cuanto a las condiciones económicas que transita el continente africano.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Demasiados organismos de poder en la trama.
  • El inicio narrativo podría haber sido más pausado a tono con el ritmo del relato.

RESUMEN

Black Beach es un thriller de intriga internacional y de acción bien elaborado que denuncia los arreglos de las multinacionales en desmedro de los paìses subdesarrollados. Su impecable despliegue técnico y visual hacen un producto de calidad satisfactoria.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!

THE DIG (2021)

critica the dig

El cine británico siempre se ha caracterizado por tener una identidad propia en sus proyectos. La utilización de sus técnicas narrativas difieren de las hollywoodenses al imprimirle una estética realista y de vocación teatral a cada secuencia. Estas características se potencian en el genero dramático donde la academia actoral británica tiene sus máximos exponentes. The Dig (La excavación) exhibe el talento actoral ingles atreves de una relato basado en hechos reales.

En 1938 se llevo adelante el más grande descubrimiento arqueológico de Sutton Hoo. En esta localidad situada en Suffolk en el Reino Unido se encontró un barco anglosajón del siglo VII con números tesoros. El hallazgo fue importante por el valor histórico que representaban estas piezas y para determinar el origen de la descendencia británica ya que el barco pertenecía a un pueblo vikingo que invadió Gran Bretaña en el siglo V.

El hecho real descripto es la base argumental de The Dig en donde el presente se basa en el pasado para perdurar en el futuro.

La historia comienza con dos personajes que construyen las bases interpretativas del relato y en el que se desenvuelve su costado dramático. Basil Brown, interpretado por Ralph Fiennes, es un estudioso excavador de formación agrícola que trabaja en el museo local de Ipswich. Carece de formación profesional porque abandonó el colegio a los 12 años pero su extensa experiencia en el manejo de la tierra y sus amplios conocimientos en arqueología y astronomía impulsan su contratación para excavar una finca con varios montículos en su interior.

Edith Perry, interpretada por Carey Mulligan, es la viuda terrateniente que contrata a Brown. Su presentimiento de que hay algo oculto debajo de los montículos es retratado con total simpleza en el rostro de la actriz británica. Juntos emprenderán un viaje de exploración hacia lo desconocido donde el inicio de la segunda guerra mundial se encuentra latente.

El director Simon Stone va llevando el relato con un ritmo narrativo a tono con la época en la que transcurre la historia. Su lento pero agradable desarrollo permite disfrutar de una bella fotografía del pueblo londinense.

El logro del cineasta es haber captado los gestos interpretativos de los protagonistas donde una mirada dice más que mil palabras.

La relación del excavador con la terrateniente trasciende lo laboral configurando una especie de amor platónico entre ambos. La situación narrativa es tratada con total delicadeza sin perder el eje de la historia. Este primer acto resulta muy satisfactorio por la sencillez del relato y por la historia personal de los protagonistas.

La excavación atrae la atención de un conocido arqueólogo de Cambridge que toma el mando de la obra. Declara la búsqueda de interés nacional y conforma un equipo de trabajo. Esta inclusión narrativa va generando sub-tramas con diferente resultados.

El menosprecio del profesional explorador a Basil Brown tiene sus idas y vueltas. Si bien se tratan con respeto en cuanto diálogo se refiere, la negación al Sr. Brown se debe a que es un autodidacta. Su falta de titulo habilitante genera desconfianza en el jefe del equipo al ignorar la experiencia y los conocimientos del longevo excavador.

Las relaciones amorosas no funcionan como deberían.

En vez de continuar la linea argumental en donde se fortalece la empatía a Basil Brawn la trama gira en el desarrollo de un fallido triangulo amoroso que aporta poco a la historia pero sirve para dejar asentado algún que otro consejo de la vida.

Aquí se produce un desfasaje en el relato. Desviando la atención en el conflicto matrimonial que tiene una pareja de arqueólogos que se suman a la excavación. Estas relaciones parecen sacada fuera de contexto y lucen un poco trivial teniendo en cuenta el tono elegante y delicado que se venía imprimiendo a la trama.

Sin perjuicio de ello la película se destaca por la convincente labor de sus protagonistas y por una historia que logra ser complaciente en su hora y cincuenta y dos minutos de duración.

The Dig es una historia de descubrimiento en donde las emociones se solidifican en la búsqueda de algo oculto que representa los cimientos de la historia del Reino Unido.

ELENCO

Ralph Fiennes desarrolla una impecable labor a tono con su extensa y exitosa carrera actoral. Imprime un nivel gestual sobresaliente sin perder de vista la estampa de un hombre de trabajo dedicado al manejo de la tierra.

Carey Mulligan sigue la misma linea que Fiennes. Refleja en pantalla diferentes estados sentimentales y no le hace falta ningún diálogo narrativo que la respalde. Las miradas gestuales con Fiennes es de lo mejor de la película.

El resto del elenco cumple correctamente en una producción británica que se destaca por su formación artística teatral.

PUNTOS POSITIVOS

  • Las interpretaciones.
  • La bella Fotografía y la Historia. El hecho de ser un relato basado en la vida real de un pueblo londinense no deja de tener una lectura interesante. La idea de encontrar el pasado para trascender en el futuro es la meta impuesta en sus dos protagonistas.

PUNTOS NEGATIVOS

  • El fallido triangulo amoroso. Irrumpe la linea argumental con una intempestiva aparición y que no se sostiene por el desinterés de uno de los cónyuges.

RESUMEN

The Dig es una complaciente y delicada película que se destaca por sus valores interpretativos. La base de su historia real configura un atractivo visual producto de su hermosa fotografía.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!

PEQUEÑOS SECRETOS (2021)

critica pequeños secretos

Los crímenes seriales siempre han sido motivo de interés en el cine. La conducta patológica de una persona que vive pensando en matar a otra para saciar su deseo íntimo es producto de un análisis criminológico.

El guion narrativo cinematográfico muchas veces toma ciertas pautas de aquella disciplina para solidificar su relato. Es decir se nutre de ciertos elementos metódicos que forman parte del análisis criminal para lograr la probanza de una conducta homicida. Esta situación conceptual se evidencia en Pequeños Secretos donde la conducta delictual reiterada se analiza a partir de los pequeños detalles.

Denzel Washington, Rami Malek y Jared Leto construyen las bases interpretativas de un largometraje ambientado en la década del noventa. Su característica no es el impacto visual con lo que las escenas de asesinatos o sufrimientos de victimas se dejan de lado. Se dan por sentadas en un relato que da preferencia al rol detectivesco. Elcritico.com.ar aclara esta situación para evitar comparaciones con otras cintas de genero similar. Aquí la trama gira en averiguar la imputabilidad de un sujeto que ha cometido crímenes seriales.

Joe Deacon (Washington) es un sheriff que presta servicios en el condado de Kern, en el norte de Los Ángeles. Su jefe lo manda a la gran ciudad en busca de una evidencia para que sea probada en juicio. Para ello deberá transitar por su antiguo empleo.

En este momento se nos adelanta que Joe fue un detective exitoso pero un caso no resuelto lo llevo a perder el cargo. Su trastorno de conducta repercutió en su familia y en su salud. Su divorcio y un by pass coronario lo alejaron de la gran ciudad en la que se desempeñaba como investigador.

Hasta que se encuentra con el detective Jim Baxter, interpretado por Rami Malek, quién se encuentra a cargo de una serie de crímenes que azotan la tranquilidad de la ciudad de Los Angeles. Se trata de asesinatos de jóvenes adolescentes. Todos con el mismo modus operandi y por el que no tienen ningún indicio de culpabilidad.

El detective Baxter recurre al talento de Joe para poder averiguar el autor de los crímenes. Ambos emprenderán una búsqueda exhaustiva en donde cada detalle es un peldaño para llegar al asesino.

Jared Leto interpreta al sospechoso en cuestión. Su desconocido porte, su actitud desmejorada y su comportamiento antisocial será analizado por el dúo policial.

Joe Lee Hancok realiza una película desactualizada en el buen sentido. Su puesta en escena es pausada y con un desarrollo narrativo lento. Esta característica le sienta a gusto a la trama ya que su enfoque se centra en la cansina labor de los investigadores en la búsqueda de la verdad material.

La ambientación de los ángeles en los años noventa esta estupendamente retratada. No solo los autos de aquella época están presentes sino también los artefactos tecnológicos. En esa época no había celulares ni otros elementos necesarios para determinar una investigación. Solo se contaba con un conjunto de pruebas en donde las huellas dactilares eran las protagonistas absolutas de las escena del crimen.

La banda sonora es otro recurso importante con la que se vale el cineasta. La utilización de una melodía pausada acompaña sutilmente la investigación. Esta específicamente diseñada para valorar el transcurso de cada escena.

The Little Thing es una película de sociedad investigativa. No hay lugar para la competencia ni para el ego personal. Solo la movilización por la búsqueda de ciertas pistas que puedan imputar al criminal.

ELENCO

  • Denzel Washigton vuelve a realizar una impecable labor. La carga moral que lleva a cuestas y en el cual el director se encarga de retratar mediante uso de flashbacks está muy bien interpretada. Es un actor de carácter y de fuerte presencia en pantalla con lo cual el recorrido hacia su redención engrandece el balance final de la película.
  • Rami Malek puede llegar a ser evaluado al comienzo por los observadores ya que su rostro genera interrogantes. Sus gestos de mandíbula como su fijación de mirada puede no gustar al principio pero se terminará acostumbrando a los rasgos de un actor que puede llegar a ser una promesa. Su complementación con Washington es satisfactoria.
  • Jared Leto desempeña el papel mas difícil. Su caracterización es acorde pero da la sensación que no terminó de encontrar al personaje. No obstante ello el aspecto de hombre abandonado y principalmente de “sospechoso” esta muy bien configurado.

Ahora el hecho de tener buenos interpretes en una historia llamativa por el contenido narrativo puede generar insatisfacción en el producto final. Es precisamente en su desenlace donde las preguntas pueden no llegar a tener respuestas o las respuestas pueden llegar a generar preguntas, dejando un posible final abierto.

PUNTOS POSITIVOS

  • Las interpretaciones con Denzel Washington a la cabeza.
  • La ambientación de Los Ángeles. El ritmo pausado en el que se desarrolla la trama.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Su posible final abierto.

RESUMEN

Pequeños Secretos (The Little Things) es un entretenido thriller filmado como en épocas pasadas. La eficaz labor interpretativa y el pausado ritmo narrativo cubren los posibles defectos de su desenlace final.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!

Psycho Goreman (2020)

critica pg goreman

Los monstruos han sido fuente de inspiración de numerosas películas. La idea de representar terror en un ser deforme y con poderes sobrenaturales fue un éxito en la generación de los años 70 y 80.

Actualmente la ejecución de esa idea es obsoleta porque las mentes de las nuevas generaciones se encuentran preparadas para absorber otra clase de temores.

Entonces la pregunta sería: ¿Cómo puede triunfar una película donde su eje central es un monstruo que viene de otra galaxia para sembrar el caos? La respuesta la tiene el texto narrativo de Psycho Goreman donde su guion disparatado y absurdo se presta al servicio de la comicidad.

Psycho Goreman es un alienígena malvado que ha destruido varios planetas. La unión de seres planetarios comandados por los templarios lo encarceló junto a una gema que tiene poderes sobrenaturales. Su ubicación es descubierta por una niña y su hermano luego de que uno de ellos perdiera una apuesta en un juego llamado “Crazy Ball”.

El director Steven Kostanski nos muestra indirectamente como fue evolucionado la mente de los niños. Lo que antes asustaba ahora simplemente no lo hace posicionando los conceptos de incredulidad e indiferencia en los pequeños protagonistas ante la aparición espeluznante del monstruo.

Mimi y Luke son hermanos. La presencia dominante de la primera hace que se apodere de la gema que se encontraba enterrada bajo tierra. Su consecuencia traerá tres situaciones: la liberación del monstruo, el dominio del mismo y el intento de los seres de otra galaxia de encarcelarlo nuevamente.

Bajo este premisa se comienza elaborar una serie de situaciones disparatadas. Algunas muy bien logradas donde el eje central es la comicidad y la idea de lo absurdo. La trama está desarrollada para un público preferiblemente adulto y que ha transitado el lenguaje del genero de terror.

Los monstruos están confeccionados artesanalmente. Sus cuerpos están hechos a base de látex y de goma. Como lo eran allá por los años ochenta donde el impresionismo se daba a partir de la presencia horrorosa del personaje. Esta elección no deja de ser un punto positivo ya que su estética es acorde a lo que plantea su trama. La seriedad y el tecnicismo están ausentes en esta propuesta pero que es disfrutable por la nostalgia que representan aquellos viejos tiempos.

Los diálogos y las situaciones son desopilantes. Principalmente en su primera mitad donde Mimi se muestra indiferente antes la cataratas de agresiones que le propina el monstruo. Resulta gracioso ver como una pequeña niña manipula constantemente a un alienígena que dice ser el destructor de universos. Mimi tiene la gema con lo que Psycho German no tiene más remedio que obedecer cualquier directiva de la niña por mas ridícula que sea.

Si bien es una película para adultos (que llevan un niño en su interior) las escenas de violencia no son tan sangrientas como podrían haber sido. Tiene una buena introducción del personaje donde demuestra sus poderes imprimiendo un estilo sangriento y gore pero lamentablemente se van diluyendo a medida que avanza la trama.

El elenco desempeña una notable tarea teniendo en cuenta el terreno imaginario en el que han tenido que desenvolverse. Pero la que realmente se destaca es Mimi, interpretada por Nita-Josee Hanna. La niña en cuestión representa a las niñas y niños de la actual generación. Su actitud arrogante de no creer nada y de no dar importancia a la explicación de los orígenes del monstruo está muy bien logrado. A Mimi le gusta todo la información rápida sino se aburre. Más o menos como los chicos de ahora donde sus mentes van de la mano con la tecnología. Tampoco le asusta las advertencias de muerte del monstruo al cual hará callar cuando lo crea conveniente.

Psycho Goreman es un recuerdo a los monstruos del pasado que valorarán los adultos por la cantidad de situaciones desopilantes que tiene. Sin perjuicio de ello habrá quienes la tilden de tonta y desactualizada pero justamente eso es lo que se plantea por lo que habrá que preguntarle al niño que llevamos dentro si el resultado es satisfactorio.

PUNTOS POSITIVOS

  • El elenco, principalmente la interprete que caracteriza a la niña Mimi.
  • La voz y el aspecto de Psycho Goreman. Los diálogos y las situaciones disparatadas

PUNTOS NEGATIVOS

  • Puede llegar aburrir a la actual generación por la imagen narrativa absurda que presenta.

RESUMEN

Psycho Goreman es absurda, desopilante y graciosa. Su contenido narrativo está recomendado para un publico adulto quién es el que en definitiva valorará las diferentes situaciones que presenta.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!

Ready Player One (2018)

critica reedy player one

El mundo de los videojuegos siempre fue una atracción para las personas de cualquier edad. El hecho de elegir un juego en base a nuestro gusto personal implica relacionarse mentalmente con un apartado gráfico creado a tal fin.

Ser un piloto de carreras, un futbolista o un luchador son unos de los tantos ejemplos que una persona puede experimentar prendiendo una consola.

Ahora bien esto no hubiese sido posible sin el desarrollo constante de una tecnología que avanza a pasados agigantados. Quien haya transitado este camino se habrá dado cuenta la evolución que han tenido las consolas de videojuegos.

Atari, Family Game, Megadrive, Nintendo, Xbox y PlayStation fueron las consolas elegidas por miles de familias a lo largo de varias generaciones. Su fin siempre fue el mismo lo que fue variando fue el desarrollo de la tecnología.

A mayor tecnología mayor realismo. Este concepto se magnifica en Ready Player One en donde la tecnológica supera a la realidad en un tiempo no muy lejano.

Corre el año 2045 y la sociedad escapa de los problemas cotidianos. La creación de un mundo virtual llamado “Oasis” permite a los jugadores conectarse a través de un lente y poder desarrollar cualquier actividad imaginable. En este mundo salvo comer, dormir e ir al baño se puede hacer y ser lo que uno quiera.

La sociedad está conectada las 24 horas. Vive más en el universo de la realidad virtual que su propia vida. Cuando fallece su creador se pone a disposición un rompecabezas en el Oasis que los jugadores tendrán que descubrir. Para ello deberán resolver tres acertijos que propinarán tres llaves que conducirán al premio final: el control total del Oasis.

Steven Spielberg es un director que no necesita presentación. Sus películas marcaron una época en la historia del cine. Siempre fue un cineasta con mucha visión en el plano artístico. En Ready Player One vuelve a demostrarlo independiente de que guste o no su producto.

Aquí se plantea un gusto desmedido por los juegos de la realidad virtual. El Oasis ha aprisionado las mentes de los cibernautas porque su mundo es más interesante y sobre todo menos estresante.

Imagínense un mundo donde no se paguen impuestos. Donde se transite sin temor a que lo roben o maten. Donde podamos tener el físico que queramos y llevarlo sin tapujos. Todo esto es resuelve en el Oasis donde el jugador elige un avatar para poder transitar y relacionarse con quien uno quiera.

Esta visión de Spielberg tiene dos análisis. Una a nivel entretenimiento y otra social. La película es ante todo un simple entretenimiento donde el realizador homenajea a distintos personajes de consolas y a la cultura pop.

El mundo virtual al que llaman Oasis es desarrollado con un nivel imaginario sorprendente. La estética de animación computarizada es muy semejante a la de Avatar y es en donde se desarrolla la mayor cantidad del largometraje.

En el mundo virtual se encuentran un grupo de amigos que no se conocen en la realidad pero que trabajarán juntos para llegar al ansiado premio. Aquí se encuentran semejanzas con “los Goonies” pero llevado al campo virtual en donde los jóvenes enfrentarán a un villano empresario que quiere apoderarse del Oasis.

Ready Player One es una película especialmente elaborada para un público consolero quién la disfrutará más que cualquier otro por los constantes guiños a personajes de videojuegos del pasado. Asimismo se mantendrán expectante por lo que pueda llegar a venir en un futuro si se cumplen los lineamientos de la película.

Entrando en el análisis social no podemos ver más que un futuro apocalíptico. Si la virtualidad logra ganar demasiado terreno puede llegar a desconectar al ser humando de su entorno social.

La época en que se encuentra transitando la sociedad mundial por el coronavirus ha hecho que el ser humano se vuelque en el ostracismo buscando diferentes modos de entretenimiento para paliar el encierro. Los servicios de streaming y los videojuegos son la distracción elegida. Siendo el segundo el que más adeptos tiene y el que más logra captar el tiempo en dedicación.

Ready Player One puede trazar un paralelismo con el videojuego de descarga gratuita Fortnite donde los jugadores eligen una skin (apariencia) para desenvolverse en los distintos modos del juego. La comunicación con otros jugadores es on line y por intermedio de un auricular en donde jóvenes de todo el mundo participan.

El tiempo y la concentración de algunos jugadores han puesto en alerta a los padres por la adicción inmediata que causa el juego. Si esto lo ocasiona una consola con un joystick y un auricular imagínense lo que causaría un mundo virtual como el que plantea la película.

PUNTOS POSITIVOS

  • Los efectos generados por computadora. Recomendado para un público ávido de los juegos.
  • La visión futurista.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Desinterés en las personas ajenas al mundo interactivo electrónico.
  • Algunos efectos visuales pueden causar agotamiento.

RESUMEN

Ready Player One está pensada y dirigida para un público consolero. Sus constantes efectos visuales pueden llegar abrumar a personas ajenas a este tipo de entretenimiento.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!

NOTICIAS DEL NUEVO MUNDO (2020)

critica news of the world

La Guerra Civil estadounidense fue un conflicto entre dos bandos. Los del Norte contra los del Sur. La abolición de la esclavitud fue unos de los motivos del conflicto ya que los Sureños o Confederados necesitaban de la mano de obra para producir sus tierras.

El conflicto bélico duró cinco años (1861 a 1865). Luego de la victoria de los estados del Norte (Unión) se empezaron a producir cambios económicos, sociales. culturales y políticos.

La Carta de Derechos incluía la enmienda 13 y 14 en la Constitución Norteamericana. La abolición de la esclavitud y la ciudadanía de los esclavos liberados trajeron consecuencias económicas en los estados sureños. Las deudas de guerra y la falta de mano de obra obligaban a los lugareños a trabajar todo el día.

La película aborda esta etapa sensible de la historia norteamericana. Se sitúa en el año 1870 en el condado de Texas donde poca gente sabía leer y escribir. Por ello frecuentaban los rebusques para poder subsistir. Las Noticias era una de ellas. Transmitirlas atreves de la lectura para que la gente se anoticie de lo que sucede en sus alrededores y se entretenga luego de una larga jornada laboral.

El destacable cineasta británico Paul Greengrass vuelve a trabajar con Tom Hanks en una historia que se desarrolla en los inicios de la reconstrucción de los Estados Unidos de América.

Tom Hanks interpreta al Capitán Jefferson Kyle kidd. Combatió para los Confederados (Sur) y su modo de subsistencia es como comunicador de noticias. Recorre los pueblos dando lectura de diferentes periódicos a cambio de una remuneración.

El evento se presenta como si fuese un entretenimiento. La población asiste a su función como una forma de escapar a los problemas diarios. Las Noticias son escuchadas con mucha atención y el Capitán se encarga de comunicarlas con cierto espíritu teatral.

Durante su gira el Capitán Kidd encuentra una carreta volcada con documentación de una niña indígena a la que logra retener. La joven niña no sabe comunicarse y se encuentra desamparada por lo que el Capitán decide llevarla a la Oficina Indígena para que se tramite su destino. Como el agente encargado se encuentra en otro sitio decide hacerse cargo de la niña.

Comienza así un viaje entre dos personas de culturas diferentes. Donde el entendimiento de los personajes se va logrando a partir de los gestos. El Capitán que quiere llevarla con sus tíos adoptivos y la niña que pretende regresar al hogar al que pertenece.

Abordo de una vieja carreta van atravesando diferentes pueblos donde el principal peligro es la conducta humana deseosa de cumplir cualquier propósito personal. Allí emerge la figura del Capitán que tiene un pasado que lo atormenta y que lo toma como una cuenta pendiente.

El comportamiento nómade y su compromiso con la niña tienen un significado que no se develará pero que el espectador intuirá de inmediato hacia donde se dirige la esencia de la trama. Esta es quizás el punto mas flojo de la película. Su predictibilidad. No hay sorpresa en el relato.

No obstante ello, la historia se va contando a fuego lento como si estuviéramos viviendo en aquella época. Su ritmo pausado le asienta bien a la trama donde se reflejan los largos trayectos que había que recorrer para llegar a una zona poblada. El ruido constante de las ruedas de la carreta atravesando los extensos campos de Texas mezclado con sus bellos paisajes configura un entorno cinematográfico propios del western.

Aun así la película se inclina por abordar el campo dramático. En el vinculo de confianza y afecto que irán construyendo los personajes en una época dura de la historia norteamericana donde la sospecha y la incredulidad se anteponen a cualquier sentimiento.

Paul Greengrass fue muy respetuoso del suceso que le toco narrar cuidando los detalles del entorno en el que se desenvuelven los personajes. La puesta en escena de los paisajes, sus horizontes y sus pueblos están bien retratados. Nos introduce en ese ambiente de post guerra en animo de reconstrucción.

Lo que si hay que decir que no parece un trabajo del director británico. Su característica es el ritmo narrativo y su filmación trepidante. La trilogía Borne o Capitán Phillips dan prueba de ello. Su postura de cámara en mano acompañando al protagonista esta ausente.

Quizás se vio imposibilitado por la importancia de la historia y por un genero que es más lento de lo que está acostumbrado a filmar. La dupla Greengrass/Hanks puede llegar a defraudar algunos espectadores que busquen con ansías abundantes escenas a punta de pistola o persecuciones a caballos. Lamentablemente para ese público nada de ello ocurre. Solamente cuenta con dos escenas de acción. Una de ellas muy bien lograda al comienzo de la película. El camino va por el lado del western dramático donde la interpretación gestual gana terreno.

Tom Hanks interpreta con hidalguía su personaje. Su rostro siempre esta al servicio de cualquier escena logrando una sólida caracterización. Se le puede reprochar la falta de algún momento de emotividad pero el personaje que interpreta es un individuo duro marcado por el curso de la guerra.

PUNTOS POSITIVOS

  • Las interpretaciones.
  • La reconstrucción de la época.
  • La estética western.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Desarrollo lento.
  • Contadas secuencias de acción.
  • El reconocible sello estilístico de Paul Greengrass está ausente.

RESUMEN

Noticias del Nuevo Mundo (News of the World) es una historia de esperanza en una época desesperanzadora. Su lento ritmo narrativo lo compensa con sólidas interpretaciones que prevalecen en busca de la redención.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!

Anthropoid (2016)

critica anthropid

Durante la segunda guerra mundial y por iniciativa del primer ministro británico Winston Churchill se empezó a idear el asesinato del Teniente General Reinhard Heydrich. Este oficial de alto rango fue uno de los jefes nazis más temidos y principal arquitecto del Holocausto.

Las deportaciones, asesinatos y ejecuciones fueron constantes en Checoslovaquia (en ese entonces protectorado alemán) para neutralizar cualquier resistencia antinazi. Heydrich era el gobernador del territorio checoslovaco y manejaba todas sus operaciones desde el castillo de Praga. Su perfil genocida, frío y calculador le valió el apodo de “El carnicero de Praga”.

Los aliados veían a Heydrich como el sucesor de Adolf Hitler y su asesinato serviría para levantar la moral de la resistencia checa pero sobre todo para evitar las políticas con beneficios económicos y laborales que imponía Heydrich.

Durante su gobierno el pueblo checoslovaco gozaba de prosperidad económica a cambio de mano de obra en las fabricas de producción militar.

Los aliados no querían que lo que pasara en Checoslovaquia se extendiera a otros paises de Europa. Razón por la cual se planeó el asesinato de Heydrich bajo el nombre clave ANTHROPOID u OPERACION ANTROPOIDE.

La película está basada en este hecho real y en donde el director británico Sean Eliis divide su trama en dos partes.

Su comienzo lo aborda directamente con el arribo de dos paracaidistas checos exiliados que tienen que tomar contacto con miembros de la resistencia en la ciudad de Praga, Checoslovaquia.

Realizado el contacto los agentes exponen la idea de matar a Heydrich. Al principio el plan no es bien tomado por miembros de la resistencia porque consideran intocable al “Carnicero de Praga” por las graves consecuencias que su asesinato pudieran ocasionar a la ciudad y al paìs.

No obstante ello el estado británico confirma la operación y la resistencia comienza a planificar la ejecución del atentado.

En esta etapa el cineasta elabora un desarrollo pausado de la historia. La bella ciudad de Praga es enfocada como fondo. Se utilizan tonos pálidos con contrastaste oscuros para ubicarnos en época. Esto configura un acierto del director ya que logra un ambiente propicio para el desenvolvimiento de los personajes.

Cillian Murphy de destacable labor

La ciudad ocupada por el regimen nazi, la sumisa población y el temor a no ser descubierto mientras se transita por la ciudad está muy bien logrado. Por momentos su ritmo y su despliegue visual se asemeja a las películas de espías de los años setenta.

Durante la misión los agentes reciben ayuda de dos mujeres. Su interrelación, con propuesta de casamiento incluido, no es muy convincente. Logrando así un intento fallido en generar una subtrama por su escaso tiempo narrativo.

Ahora bien el plan para asesinar a Heydrich duró meses con lo cual se podría haber extendido el tiempo de planificación de su atentado. El estudio de la hoja de ruta del jefe alemán, su transporte y tiempo de recorrido es narrado brevemente. Una mayor profundización hubiera sido mas óptima e interesante por como se venía narrando la historia.

En la segunda mitad es donde la película cobra forma y es cuando el ataque se lleva a cabo. El plan era esperar al jefe nazi en una parada de tranvía próxima a una curva cerrada donde su Mercedes Benz descapotable disminuiría la velocidad. Llegado el momento se ametrallaría el vehículo.

La escena está bien filmada pero al igual que su planificación es breve. Solo muestra el momento del atentado. Obvia su recorrido. El jefe alemán recorrió un largo trayecto desde su residencia en Praga hasta su destino final. No lo hizo a horario por un imprevisto de ultimo momento. Esta circunstancia tampoco fue retratada con lo que le hubiera dado una dosis de suspenso mayor de la que realmente tiene.

Ahora la escena esta bien narrada. El director le imprime su cuota de suspenso con una musicalización acorde al momento que desarrolla. El clima de tensión y nerviosismo por lo que se aproxima esta presente y logrado.

El critico.com.ar adelanta, sin animo de generar spoilers, que el atentado no sale como fue previsto.

Ante ello, el cineasta reserva una secuencia final donde abundan escenas de acción con ametralladoras. Estas secuencias mecánicas (escenas) están correctamente filmadas y están más desarrollas que el atentado en si.

Cillian Murphy (conocido por su labor en la exitosa serie Peaky Blinderes) es el interprete mas destacable. Es el que mejor se desenvuelve en el genero dramático. Su rostro se amolda a situaciones divergentes. Interpreta al soldado Josef Gabcik.

Jamie Dorman (conocido por ser el protagonista de 50 sombras de Grey) interpreta al soldado checo Jan Kubis. Su interpretación es correcta. Para sorpresa flaquea en el terreno romántico/dramático. Es el que propone casamiento a una de las mujeres. Sin embargo su performance aumenta en la segunda parte cuando se desarrollan las principales secuencias de acción.

PUNTOS POSITIVOS

  • La historia. La representación de la época en Checoslovaquia y la secuencia final en la iglesia.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Narración breve del atentado.
  • Subtramas poco convincentes.
  • Nulo dialogo del jefe alemán.

RESUMEN

Anthropoid es una correcta película. Su seriedad y compromiso de su relato es perceptible pero debería haber concentrado un poco más de minutos, de sus casi dos horas de duración, en la preparación del histórico atentado.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!

MULAN (2020)

critica mulan

Las adaptaciones de dibujos animados están siendo una costumbre en la factoría Disney. La Bella y La Bestia, El Rey León y Aladino (por nombrar algunas) son ejemplos de esta nueva forma de remakes llamada live-action. Los personajes de animación cobran vida al ser interpretados por actores y actrices reales.

Mulán es una adaptación de la película animada de 1998. Si bien respeta su hilo argumental se han suprimido las notas musicales y personajes característicos como el dragón y el grillo.

No es el fin del critico.com.ar hacer una comparación entre la película animada y su nueva adaptación porque no tendría sentido. Transcurrieron 22 años desde el estreno del dibujo animado. Su nueva versión es una película de acción y de aventuras en imagen real con licencia ajustable a los tiempos que corren.

Sin embargo se puede ensayar una diferencia entre el personaje animado y la interpretación que hace su actriz principal Yifei Liu . La interprete china es muy fría en cuanto a caracterización se refiere. No se encuentra en su esencia ningún elemento de inocencia y ternura que si tenía el personaje animado. Esto es, quizás, el punto más criticable de la película. Falto interpretación. Sentir al personaje.

Su aporte se destaca en el terreno marcial pero no veremos nada nuevo que antes no hayamos visto.

El fuerte de Mulán es su escenografía. Las tomas de las montañas de colores de china como la reconstrucción de la ciudad Imperial se ven muy bien en pantalla. Su ambientación es óptima y muy bien cuidada teniendo en cuenta que su argumento esta inspirado en un poema chino.

El respeto a la cultura oriental es evidente y los principios que representan son irrefutables. El valor, la lealtad, la honestidad y el amor a la familia son tratados con sumo respeto. Mulán deberá transitar un largo camino para comprenderlos e incorpóralos a lo largo de la historia.

Es precisamente cuando decide incorporase al ejército en lugar de su padre que evidencia problemas de salud. Como las tierras imperiales son atacadas, el emperador decreta el reclutamiento de un hombre por familia. Mulán se hace pasar por uno de ellos robando la armadura y espada a su padre comenzando su aventura de coraje y redención.

El elenco lo conforman actores secundarios de primer nivel pero muchos de ello están desaprovechados por la escasa participación que tienen en pantalla.

El genial artista marcial Donnie Yen (conocido mundialmente por su interpretación en Ipman) es el comandante del ejercito imperial pero su labor esta más destinado al terreno burocrático que al de acción. Es entendible para no quitarle protagonismo a la estrella principal, pero debería haber tenido su momento.

Jason Scott Lee ( reconocido por haber interpretado a Bruce Lee) es el líder de los guerreros Rouran y que pone en jaque al Imperio. Sin embargo su presencia amenazante no deja de ser solamente eso. Demasiado sobreactuada su interpretación.

Gong Li interpreta a la bruja Xianniang. Es el personaje que más fundamentos tiene para obrar de determinada manera. Buena caracterización de la actriz china que a diferencia de la actriz principal (Mulán ) supo darle cierto encanto al personaje sin caer en el histrionismo.

Completa el elenco un desconocido Jet Li que interpreta al Emperador. Su armadura y su barba candado dificultan su reconocimiento. Su labor es decorativa.

La cineasta Niki Caro realiza un buen trabajo en el apartado visual. Sobre todo en los escenarios y en la representación de la cultura china.

Se queda corta en las secuencias de batallas en donde aparenta mas de lo que propone teniendo en cuenta que contó con un presupuesto de 200 millones de dólares. No obstante ello es un buen producto, entretenido y con un buen mensaje. Muy al estilo Disney.

RESUMEN

Mulán por el argumento que propone, por los actores que participan y por el presupuesto aludido debió ser mucho más de lo que realmente fue. No obstante ello es un producto familiar recomendable por los principios universales que resalta.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!

VAMPIRES (1998)

El director John Carpenter se ha hecho un nombre en el cine. Sus películas llevan su indiscutible sello carpentiano. La utilización de los encuadres panorámicos, la forma en que narra sus historias, sus duros protagonistas y su musicalización son una constante en su cine.

Películas como Halloween (Noche de Brujas) , The Fog (La Niebla) o The Thing (La Cosa) no hacen más que enaltecer su apellido ganándose el apodo de “Maestro del Terror”.

Sin embargo su mote de especialista en el campo del terror no fue obstáculo para explorar otras géneros. Assault on Precint 13 (Asalto a la prisión 13), Escape from New York (Escape de Nueva York) y Big Trouble in Little China (Rescate en el Barrio Chino) demostraron su versatilidad como realizador.

Todos aquellos éxitos fueron en el década del 70 y 80 donde el cine era artesanal y no se tenía la ayuda constante de los efectos visuales.

Vampires es su antepenúltima realización. Solo sucedida por Ghost of Mars (Fantasmas de Marte) y The Ward (Atrapada). Este film cuenta con todos los elementos descriptos. Es bien de Carpenter. Pero al día de la fecha nos preguntamos si logró resistir el paso del tiempo.

El genero de terror no es como el de acción. Si bien comparten su forma y sus tiempos narrativos se diferencian en lo que pueden llegar a generar emocionalmente al espectador. El transcurso del tiempo es el medidor de sensaciones en las películas de terror. Las nuevas generaciones ya no se asustan como las de antes. Eso no significa que algunas sigan siendo obras maestras.

Pero el público a mutado y lo que lo asustaba antes (con excepción de las películas sobrenaturales) ya no le asusta. Esta aclaración es necesaria para Vampires porque aborda un genero de terror con vampiros que a la fecha y dependiendo los gustos del presente puede llegar aburrir.

Vampires, como decíamos al comienzo, es bien carpentiano. No hay grandilocuencia en ninguna escena. Esta filmada con un toque minimalista. Con la pausa característica de Carpenter, propios de aquellos viejos tiempos.

El cineasta siempre se apoya en su personaje principal. Sus protagonistas son de pocas palabras, duros y con ideales. James Woods interpreta a Jack Crow. Es un cazador de vampiros que tiene un grupo dedicado a tal fin y que cuenta con la ayuda financiera del vaticano. Aquí el cineasta muestra su talento en los primeros 20 minutos del largometraje en donde el grupo de caza vampiros despliega todo su arsenal para aniquilarlos.

La secuencia de muerte de los vampiros cuando salen a la luz es otra muestra de como filma el realizador. La da un toque “clase B” a la escena. Puede gustar o no. Pero es la esencia de Carpenter. Su estilo no es negociable.

Ahora bien que pasa con los vampiros?

La estética que se le imprime es totalmente opuesta a como se ven ahora. No son vampiros elegantes y que lucen bien. Aquí viven en casa abandonadas, lucen ojerosos y sangrientos. Parecen más zombies que vampiros.

Sin embargo su maestro es escalofriante. Tomas Ian Griffith realiza una notable labor interpretando a Valek, un vampiro que ha vivido mas de 600 años y quiere caminar bajo la luz del sol.

Su presencia es lo mejor de la película junto a James Woods. Dos protagonistas antagónicos, bien marcados. El bien, el mal y la humanidad que pende de un hilo. La amenaza siempre presente del mal, aunque no se vea en pantalla, es otra muestra más del realizador en lo referente a su particular modo de narrar historias.

La musicalización es otro punto a favor. Carpenter se hizo cargo de la música con el uso de sintetizadores y acompañamiento de la guitarra logrando una atmósfera neo western.

Ahora, Vampires a logrado resistir el paso del tiempo?. Vampires sigue siendo disfrutable pero no asusta para nada. Es una película que puede llegar aburrir a las nuevas generaciones por su desarrollo lento y pausado pero que puede llegar a entretener a aquellas personas renuentes a la tecnología y al ritmo frenético.

Vampires de John Carpenter ha sido fuente de inspiración de muchos directores como Robert Rodríguez quién a imitado su estética y musicalización en la trama de su película Del Crespúsculo al Amanecer.

RESUMEN

Vampires es entretenida y está filmada a la vieja usanza. Sin embargo esta característica puede llegar aburrir a generaciones que demanden más ritmo narrativo.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!

PRISIONERO 99 (2017)

critica brawl in cell block 9

Con una reacción brutal y sangrienta, Prisionero 99 es de los más destacado en la filmografía de Vince Voughn.

Vince Vaughn siempre se caracterizó por personificar papeles vinculados a la comedia. Es en este genero donde mejor se desenvuelve aunque casi siempre acompañado por un coprotagonista. Éxitos como Los Rompe bodas, Viviendo con mi Ex y Solo para Parejas impulsaron su carrera en donde demostró sus cualidades como comediante. Su fuerte no es el lenguaje corporal sino el oral ya que tiene la capacidad de hablar ininterrumpidamente. Aunque lo hace en forma fluida y graciosa siempre se apoya en guiones que abastezcan muchos diálogos y complicidad con otros intérpretes. Son de esos actores que necesitan de una “situación” graciosa guionada para destacarse. En donde la audiencia no se ríe de el sino de la situación que atraviesa.

En esta oportunidad Vince Vaughn sale de su zona de confort con un rol protagónico totalmente nuevo, resultando ser una verdadera apuesta en su carrera actoral.

Interpreta a un exboxeador desempleado, duro y de pocas palabras. A un individuo golpeado por la vida, sin recursos económicos y con problemas maritales. El personaje es calvo y con un gran tatuaje de una cruz en su nuca. Enseguida notamos la transformación actoral de Vaughn. Su aspecto de comediante y de hombre bonachón se dejan de lado para abrir camino a un ser violento y salvaje pero con ciertos códigos de vida.

SINOPSIS

Luego de perder su trabajo en un taller mecánico, Bradley Thomas (Vince Vaughn) recurre a un viejo conocido traficante de drogas para poder cambiar su situación económica. Su tarea no es más que ser un “corredor” solitario (un transportista de drogas).

Sin embargo su jefe le encomienda trabajar con otros dos individuos para recuperar un cargamento de drogas en el muelle. Al ser sorprendidos por la policía y luego de enfrentarse en un tiroteo el protagonista es arrestado y encarcelado en un establecimiento de mediana seguridad.

En prisión se vera obligado aceptar una desagradable extorsión: eliminar a un sujeto encarcelado en una prisión de máxima seguridad a cambio de la vida de su mujer embarazada, que ha sido secuestrada.

En los primeros pasajes de la película vemos dos facetas antagónicas en el protagonista. Una es la tranquilidad y la frialdad cuando se entera que su mujer le es infiel. La otra es la furia, la potencia y la fuerza de un hombre que puede romper todo cuando se enoja.

La secuencia del destrozo del auto de su mujer, en donde el protagonista rompe a puño limpio el vidrio, el farol y el capot (incluso lo saca y lo vuela por los aires) sirve para demostrar la potencia física de un individuo imparable. En silencio, nos preguntamos, si hace eso con un auto lo que podría llegar hacer con una persona.

Este comportamiento del protagonista le servirá en su estado de encierro. Su fortaleza mental y física serán la clave para sobrevivir y cumplir con el encargo para salvar a su mujer.

Vince Vaughn desempeña una destacable labor en su rol de traficante devenido en recluso violento. Su porte físico y su gran estatura ayudan en la creación del personaje. Pero lo que lo hace creíble aquí es la personalidad que supo imprimirle Vaughn. Con su actuación, logra un personaje hiper violento pero con ideales a pesar de todo.

Completa el elenco Don Johnson como el alcalde que da la bienvenida al protagonista en la prisión de máxima seguridad y que le hará saber lo que significa el concepto de libertad mínima.

Para destacar la escena de pelea tarantinesca, donde el protagonista enfrenta a puñetazos a tres reclusos. Es dura, explicita y con una estética gore.

RESUMEN

Prisionero 99 (Brown in the cell 99) es una película con una historia violenta donde el peso narrativo recae en los hombros de su actor protagónico que supo estar a la altura de lo que demandaba el personaje.

[usrlist “Puntuación:3”]

Si te gustó compartilo!
es_ARSpanish (Argentina)