OBI-WAN KENOBI (2022)

inquisidores: revelación de sus títulos

Disney apuesta a lo seguro y ofrece una historia familiar, alimentada por la nostalgia. Ewan MacGregor recrea un adulto Obi-Wan Kenobi en la serie de Las Guerras de las Galaxias. Disponible en Star+.

La Guerra de las Galaxias se ha transformado en un espectáculo por sí misma. Luego de la adquisición de Lucasfilm, por parte de Disney, la franquicia está explotando todos sus personajes de todas las formas posibles. Tiene una clara ventaja, tiene en sus manos una mina de oro, con universos por explorar, y un publico cautivo pendiente de cada estreno. The Mandolarian, fue la serie que marcó el camino, con un cazarrecompensas que ya ha tenido una breve participación secundaria en los primeros largometrajes de las Guerras de las Galaxias. A ella, le siguió “El libro de Boba Fett”, con similares resultados.

En esta ocasión, Disney vuelve sobre lo seguro, que es revivir la historia adulta de Obi-Wan Kenobi y el exterminio de los jedis. La nueva serie mantiene los escenarios de The Mandolarian y ofrece una historia familiar, alimentada por la nostalgia.

Obi-Wan Kenobi  se reencuentra con los Jedi diez años después de  Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith. Luego del exterminio de los portadores de sables de luz, Obi- Wan Kenobi se encuentra exiliado en el planeta desértico de Tatooine para vigilar a Luke Skywalker.  Sus escasas interacciones con los lugareños resaltan la forma en que el tiempo ha cambiado a un hombre que alguna vez sirvió de guía en el consejo Jedi. Mientras los propios inquisidores de Darth Vader cazan a los Jedis restantes, Obi-Wan se ve envuelto en la acción cuando aquellos secuestran a una pequeña niña, para sacarlo de su ostracismo.

Como es habitual en cualquier serie de Disney, Obi-Wan-Kenobi se mueve dentro de una narrativa familiar. A sus logrados escenarios y vistosos personajes se le suma la presencia efectiva de Ewan McGregor, quien vuelve a vestir el traje de Jedi. Con un semblante cansino y temeroso, un adulto Obi-Wan lleva el peso de la narrativa lo que permite que la historia vaya cobrando impulso a medida que el personaje despeje sus miedos. En este aspecto, la serie apuesta a lo seguro, poniendo al protagonista en una situación de vulnerabilidad, para fundamentar su resurgimiento.

El Imperio está en su apogeo y los inquisidores son la nueva orden de la Galaxia. Bajo la directiva de Darth Vader, buscan asiduamente a Obi-Wan. La amenaza de aquellos, es quizás la parte más interesante de la historia. Con una fuerte presencia de los hombres de negro, la serie se desenvuelve dentro una zona de confort en lo que no tiene intenciones de salir. Esto no quiere decir que sea una repetición. Sino que replica situaciones y momentos ya vividos. La diferencia está en el cambio de personajes. Mientras que en The Mandolarian era Baby Yoda (Grogu) el que estaba en peligro, ahora es una joven Leida Organa ( Vivien Lyra Blair), cuyo secuestro sirve para sacar a Obi-Wan del escondite y enfrentarse a los Inquisidores. Sin embargo, la aclaración no es un reproche, la incursión de la niña es un acierto, solo que se mueve en un terreno conocido.

Dicho esto, los dos primeros capítulos de la serie gozan de una estética irreprochable. Si bien la producción parece haber aprovechado los escenarios de la ciudad de Tattooine (visto con frecuencia en The Mandolarian), la locación sirve para representar el exilio de Obi-Wan y su forzado retorno. Similar situación sucede en el capitulo segundo, donde las calles y tejados de la ciudad de Daiyu, configuran el peligro y amenaza a lo desconocido. Aquí es donde entra en forma la serie, con una serie de personajes que ilustran la saga de la Guerra de las Galaxias. Con todo, Disney parece seguir los lineamientos de la ingeniería mecánica japonesa. Esto es lo que funciona no se toca, con lo que Obi-Wan utiliza una nostalgia perfeccionada.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Obi-Wan Kenobi seguramente sacará lo mejor de sí en los próximos capítulos. Pero, por lo visto en los primeras entregas no se puede evitar pensar que el impulso de la serie es una nostalgia perfeccionada. Aun así los fanáticos de la franquicia, como los iniciados en la misma, saldrán satisfechos.

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UN DIA PARA MORIR (2022)

critica un día par morir

Con una narrativa incoherente y con pobres coreografías de acción, Un día para morir (A day to die) es otro producto descartable que va directo al basurero. Protagonizan Kevin Dillon, Frank Grillo y Bruce Willis.

Programada para entretener sin exigencias, Un día para morir cruza el límite de lo absurdo gracias a una narrativa incoherente que hará malquistar al observador más optimista. En una trama donde los buenos y los malos intercambian etiquetas no hay nada aquí que merezca la pena visualizar, más allá de ganar un bostezo. Con pobres coreografías de acción, Un día para morir es otro película descartable de bajo presupuesto que va directo al basurero.

La historia se centra en Connor (Kevin Dillon). Hace un tiempo formó parte de un grupo secreto Swat para detener una toma de rehenes en un colegio. Las cosas salen mal y meses más tarde se encuentra trabajando como oficial de seguimiento de personas que están bajo libertad condicional. Durante su tarea, Connor mata a un traficante de drogas, que resulta ser una pieza importante dentro del circulo criminal que maneja el empleador criminal Pettis (interpretado por León). Resulta que para cubrir la perdida sufrida, Pettis secuestra a la esposa embarazada de Connor con el fin de que este le consiga dos millones de dólares. A contrarreloj, Connor llama a sus antiguos socios del equipo Swat para salvar a su esposa.

La confusa secuencia de apertura, en donde se presenta la situación de rehenes, marca la incoherencia de un argumento que no se preocupa mucho en explicar lo que expone en pantalla. Los agresores parecen ser miembros que pregonan la supremacía blanca pero no se sabe bien cuales son sus demandas. Están en un colegio pero los rehenes son adultos con lo que se supone que era un acto escolar. La “incontrolable situación” hace que intervenga el grupo comando con la autorización, en las sombras, del jefe de policía Alston (Bruce Willis). Lo que sucede a continuación marca el tono desconcertante de la película. El grupo secreto ataca el colegio con lanzacohetes y mueren personas inocentes. Es una secuencia que sorprende, negativamente, atento que no se preocupa por idear una historia de fondo. Sencillamente, sigue adelante con el caos como una forma de cubrir su falencia argumental.

Dicho esto, Un día para Morir no se ocupa de ninguno de sus personajes. Todos son interpretados con un trazo de artificialidad evidente y el esfuerzo que puede haber en alguno de ellos se pierde por la incoherencia de un guion a prueba de inocentes. El material narrativo con el que se trabaja aquí es confuso, artificial y hasta, en cierto punto, irrespetuoso. La frustrada premisa cobra impulso de irreverencia cuando los personajes intercambian papeles. Los malos y los buenos se confunden con un descaro desconcertante, que se potencia en su desenlace final. En es este punto, el traficante que secuestra a la mujer embarazada tiene un interés social, vendiendo drogas para mejorar la raza negra, pero la credibilidad del personaje se va cayendo a pedazos en el segundo acto de la película.

En términos técnicos, Un día para morir no tiene mucho para aportar. La dirección es llevada de una manera tosca, con movimientos de cámara estéticamente desagradables. Los efectos visuales, en las que se incluyen las coreografías de acción, son pobres, sumados a un trabajo de edición que evidencia los límites presupuestarios. Los tiroteos y persecuciones son genéricas y aburridas. Generando mucho ruido hacia el final, pero con una ejecución inerte y poco convincente.

Frank Grillo y Bruce Willis son los rostros más conocidos aquí y sirven, solamente, como gancho de marketing. Ambos trabajan escasos minutos y poco pueden hacer con un guion que no se preocupa en mantener la coherencia con el esfuerzo. De hecho para cubrir la ausencia de Willis en parte de la producción se utilizó un doble de voz y CGI, para mantener al actor involucrado en la historia.

RESUMEN

En ultima instancia, Un día para morir (A day to die) es un film que debes dejar pasar a no ser que estés muy aburrido. No hay nada aquí que merezca un vistazo. Su débil e incoherente argumento detonan la paciencia del observador y con ella la falta de respeto. Frank Grillo y Bruce Willis solo forman parte de un producto de marketing.

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PAM & TOMMY (2022)

critica pam and tommy

Agresiva, alocada y divertida, la miniserie de Star + narra uno de los eventos mediáticos más escandalosos de la década del 90, el video sexual de Pamela Anderson y Tommy Lee.

RESEÑA DE LOS PRIMEROS TRES CAPITULOS DE LA SERIE

Pamela Anderson fue un ícono sexual de los años noventa. Conocida mundialmente por la serie Baywatch (Guardianes de la Bahía), su figura y su rostro inundaban las tapas de revistas de aquél entonces. Pamela, representaba la belleza y el erotismo, un combo que los productores y agentes televisivos explotaron hasta el cansancio para nuestro entretenimiento, olvidándose que en el fondo había un artista y especialmente una mujer. Sobre esta base, la serie se sumerge íntimamente en el tumultuoso matrimonio entre Anderson y quien fuera su pareja titular, el baterista de Mötley Crüe, Tommy Lee, y en los eventos posteriores a la filtración de un video sexual no autorizado.

Pam & Tommy es un drama biográfico que potencia un momento especifico de la pareja mientras se hace una mirada critica a la violación de la intimidad y a la expectativa de genero, con lo que todavía se lucha hoy en día. Pese a ello, la miniserie comienza como una venganza. Su primer capitulo, titulado “Taladrando y Martillando”, encuentra a un contratista ( Seth Rogen) realizando trabajos de carpintería en la casa donde habitan Pam &Tommy. Cuando es despedido arbitrariamente por el baterista, considera que su trabajo debe ser recompensado y lleva a cabo un plan para robar la caja fuerte de la morada. Lo que no sabe, es que se encontrará con una cinta de video, que cambiará la vida de todos los involucrados.

Los primeros capítulos de Pam & Tommy están bien diferenciados y sirven para centrar los personajes y sus motivaciones. Comienza con el ofendido carpintero Gauntier que cree en el karma y que las acciones malvadas tiene un punto de retorno. Los primeros minutos de Tommy Lee lo exhiben como un hombre injusto y agresivo, millonario y caprichoso que abusa de la gente trabajadora. Ello hace que el despido en cuestión suavice el comportamiento posterior del contratista al irrumpir el domicilio de la pareja en busca de su recompensa. Seth Rogen, asiduo comediante secundario, realiza una correcta labor al interpretar a un hombre solitario y endeudado que busca sacar provecho del video por el cuerpo de Anderson. El odio hacia Tommy Lee hace que la venganza cobre vida propia, siendo la estrella de Baywatch un simple daño colateral.

Ahora bien, la serie toma impulso en el segundo capítulo en donde se exhibe el intenso romance entre Anderson y Lee. La pareja tiene un recorrido salvaje y alocado al recrear el momento en el que se conoció la pareja y su posterior matrimonio. Aquí es donde se hace presente el magnetismo de su pareja central, gracias a la impecable performance de su plantilla actoral.

Lily James, explora la personalidad de Pamela Anderson como mujer y como actriz, humanizando una celebridad que siempre fue explotada por su apariencia. James emula algunos gestos característicos de Anderson, como su risa, pero lo que es más importante, logra componer un personaje agradable. Mención aparte para el trabajo de maquillaje, James, literalmente, se transforma en Pamela Anderson. La transformación física dejará boquiabierto a quién tenga un claro recuerdo de la imagen de Anderson. Se captura maravillosamente bien los labios y su rubia cabellera, imagen de la que hizo cautivadora a la popular actriz.

La interpretación de Tommy Lee (Sebastian Stan) es igualmente atractiva. Comienza como un matón característico de los 80 y 90, una especie de cavernícola con dinero que solo piensa en las fiestas y las mujeres. Cuando conoce a Anderson su despreciable carácter comienza a cambiar, resultando todo un personaje. Es en estos momentos donde la audiencia puede llegar a entender porqué eran tal para cual, el alocado amor salvaje era correspondido, fortaleciendo lo que fue un amor a primera vista. En este aspecto hay que decir que la serie cuenta con algunos momentos que resaltan los atributos sexuales de la pareja, situación que no se puede disimular, pero que en ocasiones son de dudoso gusto. ¿Ejemplo? El pene parlante de Tommy, momento gracioso que resalta la personalidad excéntrica del baterista pero que no resultaba del todo necesario.

El tercer capitulo, se centra en el intento de vender la cinta al mejor postor. La serie no pierde de vista la forma en la que el video sexual se intenta comercializar en las compañías pornográficas. El camino que recorren los interesados los llevan a contratar los servicios de un ex-mafioso, mientras encuentran la manera de exhibirla gratuitamente. La historia se toma un tiempo del metraje en focalizar los elementos de internet de los años 90 y se focaliza en el personaje del ex-contratista, que quiere reiniciar su vida. Aquí, la historia pierde algo de ritmo e interés por la sencilla razón de que los personajes de Pam & Tommy son tan cautivadores que no podemos dejar de verlos.

Anunciada en 2018, la serie comenzó a filmarse oficialmente en la primavera de 2021. Los tres primeros episodios fueron lanzados por la plataforma de entretenimientos Star +, con lo cual resta saber como seguirá la historia del escandaloso video sexual que cambió la vida de la que supo ser una de la mujeres más atractivas del planeta. El próximo episodio de Pam & Tommy se lanzará el próximo 9 de Febrero.

RESUMEN

Por lo dicho, los primeros tres capítulos de la miniserie de Star + es una propuesta atractiva de una historia que ha sido escandalosa en su momento. James y Stan lucen cautivantes, aprovechando al máximo las personalidades de las celebridades en cuestión, Pamela Anderson y Tommy Lee. Para destacar, la impecable transformación física de Lily James en Anderson y su mirada humanizadora.

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EL JUEGO DEL CALAMAR (2021)

el juego del calamar

El drama de supervivencia es tan sangriento, sádico y despiadado que rompe agresivamente con las convenciones del genero.

Jugar a un juego representa una idea de entretenimiento en donde su fin principal es tratar de ganar para no perder. Las reglas como su resultado son claras y para participar hay que acceder voluntariamente. Hasta aquí, nada que cualquier mortal no conozca. Pero, ¿Qué sucedería si la vida de los participantes están en juego? Ello es lo que plantea el juego del calamar, la transformación del comportamiento humano y cuan lejos puede llegar para lograr su cometido. El drama de supervivencia es tan sangriento, sádico y despiadado, que rompe agresivamente con las convenciones del genero.

Un fotograma de Squid Game.

La serie coreana, de nueve capítulos, parte de una situación desesperante. Solo las personas con grandes deudas tienen la oportunidad de participar en el juego, posición que es estudiada, meticulosamente, por sus creadores. De manera que, la escoria de la sociedad es atraída con la promesa de recibir dinero fácil. Para ello, se les entrega una tarjeta representada con un circulo, un triangulo y un cuadrado con un número telefónico al que tienen que llamar para ingresar al juego. Pero lo fácil se vuelve difícil, 456 personas sin suerte deberán participar en seis juegos al cabo de seis días.

Los juegos están sujetos a tres artículos que los organizadores hacen firmar con el consentimiento del jugador. El primero dispone que el jugador no podrá dejar de jugar, el segundo establece que el jugador que se niegue a jugar será eliminado y su tercero contempla que los juegos pueden terminar, si la mayoría acepta. Todos los jugadores en fila organizada van firmando el documento, pero el evento tiene una trampa: se desconoce que los juegos son mortales y un error equivale a la muerte. ¿El premio? 45600 millones wones para el ganador.

Un fotograma de Squid Game.

La serie abre su capitulo inicial focalizando la atención en unos de sus personajes centrales. Seong Gi-hun (el número 456) es un deudor empedernido, divorciado y que tiene una hija de la cual ha perdido su custodia. Vive con su madre a quien explota miserablemente. Se puede decir que es un autentico “imbécil” al gastar todo lo que tiene en apuestas de carreras de caballos. Apaleado por las deudas y por la amenaza de un mafioso local, quién le reclama su dinero a cambio de sus órganos, accede a los juegos como método de salvación.

Entre los compañeros participantes se encuentran un amigo de la infancia, una carterista, un anciano con un tumor maligno, un gánster y un trabajador paquistaní. Todos ellos tendrán su peso en la historia y tendrán sentimientos encontrados a lo largo de los juegos. En este aspecto se evidencia un compromiso en el tratamiento de los personajes, cada uno de ellos tiene movilizaciones diferentes y la serie se toma su tiempo en profundizarlos. El observador irá descubriendo con los personajes los efectivos giros de su trama, mientras se paraliza con la crudeza de los juegos.

Un fotograma de Squid Game.

Los seis juegos que se presentan son básicos, algunos infantiles, pero son a muerte. La crudeza con la que se representa la eliminación de los participantes es notaria, las ejecuciones a manos de los soldados de rojo (custodios de las reglas de los juegos), es brutalmente descarnada. El impacto de su violencia grafica se emplea generosamente con un índice de sangre que salpica la pantalla, los cortes, las caídas y los disparos sobre la humanidad de los participantes son retratadas en forma explicita.

La malvada premisa cobra vida con los impecables decorados de los juegos, todos con un amplio nivel de detalle y con un enfoque suficientemente cerca para impresionar. Lo mismo sucede con los responsables del juego, su líder lleva una mascara distinguida del resto, envuelto en un traje negro y que controla los juegos desde un panel de control, mientras escucha música clásica. El ambiente amenazante que se ha creado aquí es eficiente antes, durante y después de cada juego. Sin dudas un logro al equilibrar los momentos de tensión y su clímax entre los participantes y el entorno.

El juego del calamar es más que un juego, tiene alguna moraleja a pesar de su violenta y sádica premisa. Si se logra sobrellevar el impacto brutal de las ejecuciones, mantendrá el nivel de expectativa desde su minuto inicial y no se podrá hacer nada para contrarrestarlo.

PUNTO POSTIVOS

  • Su premisa, aunque sádica, es cautivadora.
  • Los juegos. Algunos son infantiles pero entretenidos y de fuerte impacto visual.
  • Los decorados son de un nivel de ingenio notable.
  • El elenco actoral. Se destaca Jung-jae Lee ( Seong Gi-hun).

PUNTOS NEGATIVOS

  • Su violencia grafica puede desanimar algunos observadores.

RESUMEN

El juego del calamar es un salvaje y violento entretenimiento que capta la atención de inmediato. En cuestión de minutos el observador estará inmerso en su malvada premisa y no podrá salir hasta el final.

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AMOS DEL UNIVERSO: Revelación (2021)

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El poder de la infancia ha vuelto. Amos del Universo es un encanto que te dejará con ganas de más.

Pensar que todo comenzó con las Guerras de las Galaxias, la compañía de juguetes Mattel buscó copiar la fórmula de aquel genero exitoso. Se inspiraron en un universo galáctico con un escenario propio mezclando personajes con espadas y hechicería. Así nació Eternia, un lugar de confrontación entre el bien y el mal. Las fuerzas oscuras estaban dirigidas por el señor de la destrucción, Skeletor, un personaje siniestro que solo le importa apoderarse del castillo de Grayskul. Pero, el reino fantástico de Eternia tenía un defensor. Un campeón con el poder suficiente para derrotarlo. Su nombre es He-Man y Netflix lo trae de regreso.

La serie animada de los años ochenta vinculada a una compañía de juguetes y sus reinicios siempre tuvo como eje central de la historia a He-Man y a Skeletor. La lucha constante entre ambos personajes representaba la mitología de Amos del Universo, pero en Revelación se logra un giro inesperado sin perder los orígenes de la historia. El pasado de los personajes se respeta. Sus nombres, sus figuras y sus esencia están muy bien cuidadas. En este sentido se puede decir que se honra al pasado.

Entonces. ¿Qué es lo nuevo que ofrece Revelación? Impulsa la historia abriendo un nuevo camino. El primer episodio titulado “El poder de Greyskul” sirve como base central del destino de los personajes y de la historia. Allí, He-Man y Skeletor se enfrentan en una batalla final, el secreto que atesora el Castillo de Greyskul es descubierto y está en juego el destino de Eternia y del Universo. Sin animo de generar spoiler, hay que decir que tanto He-Man como Skeletor no son los personajes centrales. Sirven como trasfondo de la encantadora historia, donde el honor, la valentía, la amistad, la redención y los miedos serán puestos a prueba.

Las voces de los personajes y la paleta de colores utilizados están muy bien logrados, respetando la estética de los años ochenta pero con una animación moderna. Pero lo que logra destacarse es su historia. La opción elegida para su narrativa fue otorgarle a He-Man una participación secundaria. Algo inesperado, por cierto, pero sirve para fundamentar su arriesgada decisión. Entonces, la verdadera protagonista es la capitana Teela, quién tendrá la difícil misión de formar un equipo de buenos y villanos para salvar el universo entero.

Sin Magia, Eternia y el Universo corren el riesgo de desaparecer. Con lo que resulta interesante como los enemigos de toda vida se juntan en un mismo equipo. Sin dudas, un acierto ya que brinda un aporte de originalidad al relato y sirve para conocer los orígenes de algunos personajes. Los fanáticos de toda la vida sabrán quienes son estas personas y se sentirán más que satisfechas al ver que su tesoro oculto de su niñez se encuentra muy bien cuidado y representado. Sin embargo, para aquellos recién iniciados lo verán como una novedad o como un dibujo más. Pero logrará atraparlos, sin duda.

Amos del Universo: Revelación presume de una narrativa serializada. Si bien no utiliza expresiones o diálogos que adolezcan de una calificación restringida, se encuentran más emparentados con el público adulto. Ello favorece a la historia porque le otorga un aire de madurez. Los personajes tienen diferentes motivaciones pero todos siguen el mismo camino pero cuando todo esta por explotar la historia nos deja con ganas de más, que continuará seguramente en una etapa posterior.

Los cinco episodios de Amos del Universo: Revelación, de aproximadamente 25 minutos cada uno, están llena de referencias a la serie animada original, a sus juguetes y a su película en carne y hueso. Algo que los fanáticos valorarán con suma alegría y nostalgia. El productor Kevin Smith, responsable de este resurgimiento animando ha dado en la tecla. Logra consolidar la historia con una narrativa arriesgada e interesante, sin perder su encanto.

Como corolario se puede decir que He-Man y sus Amos del Universo a través de sus muñecos y sus episodios animados han hecho feliz, en el pasado, a muchos niños. Como que el que redacta, quien valora con una sonrisa y mirando un personaje en lo alto de la repisa haber tenido una infancia de esa naturaleza. Amos del Universo: Revelación es una continuación de esa felicidad olvidada. Una continuación hecha con respeto al pasado, que encanta en el presente y que tiene vida para el futuro.

LOS PRIMEROS CINCO EPISODIOS ESTAN DISPONIBLES EN EL CATALOGO DE NETFLIX

PUNTOS POSITVOS

  • La historia. Su narrativa es arriesgada pero interesante.
  • La paleta de colores utilizados. Recrean la estética de los ochenta pero con la tecnología moderna.
  • Es nostálgica y encantadora.
  • Las voces de los personajes son de primer nivel. Se destaca la voz de Skeletor.

PUNTOS NEGATIVOS

  • He-Man y Skeletor tienen roles secundarios. Ello podría enojar algunos espectadores pero es en beneficio del relato. Seguramente retornarán con fuerza en la segunda temporada.

RESUMEN

Amos del Universo: Revelación es una digna y satisfactoria continuación de una de las series animadas más recordadas y queridas. Toma la arriesgada decisión de someter al héroe y al villano en roles secundarios sin perder el encanto. El poder de Greyskull nunca se fue, solo había que despertarlo.

Puntuación:4 out of 5 stars (4 / 5)
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UNDERCOVER: Operación Éxtasis (2019-2020)

critica undercover: operación éxtasis

La plataforma de servicio de streaming NETFLIX produce su primera serie belga/holandesa, basada en una historia real.

Cada vez que nos disponemos a mirar un catálogo de series disponibles nos preguntamos si realmente vale la pena porque, a diferencia de un largometraje, la trama, en principio, está más elaborada. Esto quiere decir que se necesitan al menos tres capítulos para introducirnos en la historia, que juegan como un plazo de gracia para continuar con su visualización. Dicho esto, Undercover no lo necesita porque su relato logra captar el interés de inmediato gracias al magnifico trabajo de su plantilla actoral.

Ahora bien, ¿Cuál es la esencia de su trama? . La serie consta de dos temporadas, de 10 capítulos cada una, y se basa en la investigación policial en el tráfico de drogas y de armas ilegales. La policía belga/holandesa realiza un trabajo en conjunto para dar con la captura de Ferry Bouman, un capo de la droga que fabrica y trafica pastillas de éxtasis. Para ello necesitan infiltrarse en un camping belga para recabar información sobre los movimientos del grupo criminal.

Aquí entra en juego el titulo de la serie. Dos agentes encubiertos se hacen pasar por una pareja y alquilan una cabaña cerca de la Ferry. La misión es tratar de generar confianza para poder ingresar al selecto grupo de delincuentes y atraparlos en el momento de ejecutar la operación ilegal. En este aspecto es donde la serie se hace fuerte a medida que avanza los capítulos. Que su titulo genérico no desoriente. Undercover hace hincapié en las tareas de infiltración, esto es buscar el punto débil para generar una situación de confianza ventajosa, con lo que no esperen grandes secuencias de acción, persecución o de combate porque no es el fin por el cual fue creada. No lo necesita.

Undercover, cuya traducción sería Encubierto, relata las vivencias que tienen que padecer los agentes encubiertos para llevar adelante su misión, dejando de lado su vida privada. No es el fin de elcritico.com.ar generar spoilers porque cada capítulo retroalimenta al siguiente, con lo que solo se adelantará la labor de la pareja protagónica como de sus villanos.

Bob (Tom Waes) y Kim (Anna Drijver) son dos agentes con vidas diferentes. El es un padre de familia y es asignado al nuevo caso, luego de una exitosa misión encubierta. El estilo interpretativo que imprime el actor belga es realmente notable porque logra resaltar su personaje de una forma realista sin caer en sobreactuación. ¿Cómo lo hace? Utiliza su capacidad actoral en el momento oportuno y cuando la narrativa se lo permite, con lo que sus medidas expresiones faciales y sus silencios están desarrollados con buen timing.

Esta cualidad interpretativa le permite transitar los 20 capítulos de la serie con total facilidad porque su personaje no cansa. Al contario, va evolucionando a medida que se encuentra con dificultades de la trama. Sin dudas un actor con buena presencia escénica, que maneja varios idiomas, y que se desenvuelve como si fuese una especie de Jean Paul Belmondo moderno.

En cuanto a su compañera de elenco, la actriz y modelo holandesa (Anna Drijver) desarrolla un digno papel al ser la figura de contrapeso dentro de la pareja encubierta. Representa a una mujer soltera con hábitos policiales estratégicos diferentes al de su partenaire. Ambos necesitan acercarse a Ferry lo más rápido posible y ella será clave al empezar un vínculo afectivo con la mujer del traficante.

Y llegamos a unos de los villanos por el cual se basa la historia. Ferry Bouman, interpretado por Frank Lammers. Nobleza obliga es lo primero que elcritico.com.ar tiene para decir. ¿Por qué esta expresión? Porque el actor holandés interpretó al mismo personaje en Ferry (2021), film posterior a la serie y donde luce más joven para narrar los comienzos de su imperio. La impresión no fue positiva pero si lo es en Undercover.

Lammers desarrolla su personaje de forma magistral. Es el alma de la serie y su presencia es significativa cada vez que aparece en pantalla. Si bien compone a un narcotraficante violento y desconfiado logra ese aura que muy pocas actores logran exteriorizar. Sabemos que es el “malo” y que en algún momento recibirá su cometido, pero al mismo tiempo nos resulta atractivo visualmente generando una empatía pocas veces vistas en otro personajes.

Caracortada (1983) o Fuego Contra Fuego (1995) pueden resultar de ejemplos en donde los maleantes nos pueden resultar atractivos. Que no se malinterprete, se hace referencia a la cualidad interpretativa, Aquella que despierta un interés en el observador por la composición del personaje, no así por su comportamiento ilícito.

Lammers está en esa línea. Lo que alguna vez supieron exhibir actores como Al Pacino y Robert De Niro, lo hace el actor holandés brindando una excelente interpretación. Sin dudas Ferry Bouman le dará la fama mundial que no necesita en su país de origen.

Ahora Ferry no está solo, es el líder de una banda de narcotraficantes. En este aspecto el grupo luce vulnerable, salvo su cuñado que se encarga de los contactos y de los negocios representando al hombre de confianza. Pero la parte dramática/ emocional se la lleva la actriz holandesa Elise Schaap, representando a la esposa de Ferry. Su interpretación de mujer “inocente” será la clave para que los agentes puedan infiltrarse en la vida del matrimonio . La serie le tiene reservada varios capítulos en donde se evidencia una clara transformación emocional de la protagonista.

Sin ánimo de revelar spoilers la segunda Temporada introduce a dos villanos, los hermanos Bergers. Ambos lucen convincentes y mantienen el interés ganado de la primera parte. Se diferencian de Ferry en su comportamiento y en su actividad. Los hermanos, Jean-Pierre y Laurent, son mas cerebrales y fríos, con lo que inducirá a utilizar nuevas tácticas de infiltración. El transporte ilegal de armas es una empresa familiar donde la corrupción parece estar disimulada por un rancho de caballos que representan la tradición estadounidense. Vale la pena señalar la correcta interpretación de todos los actores/actrices secundarios que forman parte de un engranaje en la que se mueve la máquina visual Undercover. Es justamente ese equilibrio adecuado entre los interpretes que logra que la serie sea totalmente adictiva.

Undercover se sumerge en una historia basada en hecho reales pero lo aborda desde el punto del vista de los agentes encubiertos. De aquellas personas que dejan su vida para representar a otra a costa de un procedimiento legal. En este aspecto la serie se permite autocuestionarse. ¿Hasta que punto se pueden respetar las normas legales y morales para atrapar a un delincuente? En ese camino de duda transita Undercover donde el riesgo y la supervivencia se balancean.

PUNTOS POSITIVOS

  • Las interpretaciones. Son de primer nivel. Frank Lammers (Ferry) y Tom Waes (Bob) ofrecen labores destacadas.
  • Muy buenos actores secundarios.
  • La premisa como su secuencia narrativa están bien ejecutadas. Los capítulos atrapan y son netamente adictivos.
  • Esta inspirada en un hecho real.

PUNTOS NEGATIVOS

  • La temporada 2 tiene pocos minutos de Ferry.
  • Algunos conceptos morales que intenta resaltar el Jefe de Bob. Lucen desatinados teniendo en cuenta el esfuerzo y el sacrificio personal del protagonista y de la operación.

RESUMEN

Undercover es una recomendable serie de crimen donde las tareas de infiltración tienen una destaca puesta en escena. Su atractiva premisa solventemente ejecutada y su adecuado equilibrio interpretativo la hacen un producto policial adictivo.

Puntuación:4 out of 5 stars (4 / 5)
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SKY ROJO (2021)

critica sky rojo

Los creadores de la Casa de Papel elaboran una propuesta de consumo rápido, polémico y, por momentos, divertido como lo es SKY ROJO. Su historia se distribuye a lo largo de ocho capítulos que se caracterizan por su escaso contenido narrativo y su ritmo frenético.

La trama gira alrededor de tres prostitutas que trabajan en el burdel Las Novias. El prostíbulo es dirigido por Romeo, un siniestro y oscuro personaje que se apodera de sus empleadas. Para ello lleva un libro de contabilidad en donde registra las supuestas deudas de las cortesanas. Un día una de ellas le presenta el deseo de retirarse para siempre del lugar. Como su dinero recolectado no llega a cubrir su abultada deuda (inflada) se desencadena un forcejeo con el proxeneta quién es derribado con la ayuda de dos compañeras. El resultado es el menos esperado para ellas. Romeo fue golpeado en la cabeza y parece estar muerto con lo que deciden escaparse del burdel antes que de ser acusadas de cómplice de asesinato.

A partir de aquí se generan una estructura narrativa circular. Esto es escapar para no ser atrapada será una constante en sus capítulos que se reiniciará a medida que se sortee cada obstáculo narrativo.

Ahora bien, por la temática que presenta la serie y por su desarrollo visual será muy fácil caerle en criticas porque ejecuta un texto narrativo por demás polémico. Primero, porque la prostitución está asimilada a la trata de personas en donde la mujer es explotada y forzada a trabajar en contra de su voluntad. Segundo, por las imágenes subidas de tono que se presentan dentro del burdel. Tanto el lenguaje vulgar como corporal son retratados en forma constante y en primer plano. Y tercero, por el ensayo machista para fundamentar el burdel, donde la mujer es solo un objeto.

No es animo ni intención del critico.com.ar entrar en ese análisis porque se considera que SKY ROJO lleva una línea interpretativa diferente. Las tres protagonistas quieren escapar del burdel no quieren ni desean ser prostitutas. La prostitución la ejercen por necesidad y para cubrir una situación de pobreza o de violencia doméstica. Por ello atacar la propuesta televisiva por representar la prostitución no tiene mucho sentido porque la misma se encarga de exponer las miserias humanas. Sería una denuncia antes que una representación.

Las tres protagonistas tienen historias diferentes. Coral (Verónica Sánchez) es una española que escapa de la violencia de su marido. Tiene un secreto oculto pero se hizo prostituta por protección. Antes era ama de casa y profesora de biología.

Wendy (Lali Espósito) es una argentina proveniente de la villa 31. Su llegada al burdel es para abastecer de dinero a su novia. Es el personaje menos desarrollado. Sin embargo lo equilibra a fuerza de carisma. Va de menos a más.

Gina (Yany Prado) es una cubana que llegó al burdel por engaño. Tiene la historia más convincente porque su personaje representa a muchas mujeres que fueron inducidas a desempeñar una tarea no querida.

Las tres historias están desarrolladas brevemente. Esto es su principal defecto. No tienen una profundización suficiente para solidificar cada personaje. El pasado de las protagonistas es narrado mediante uso de flashbacks y a toda velocidad. Sin embargo este método narrativo funciona para poner en órbita al espectador de inmediato. Su ritmo frenético es totalmente adictivo y se visualiza como si fuese un videoclip.

La ambientación es otro punto a destacar. Tanto el burdel como las locaciones exteriores están muy bien desarrolladas. Pero es el prostíbulo Las Novias el que se lleva toda la atención. Su iluminación con luces de Neón como su atmosfera de burdel está muy bien recreado. Aquí se visualizarán las imágenes mas chocantes y vulgares de la serie. Ante ello hay que decir que es un prostíbulo no una biblioteca. Sin embargo algunas escenas de sometimiento se podrían haber resumido. A pesar de ello lo que molestará algunos observadores es lo que representa mas allá de lo que se exhibe.

SKY ROJO no representa al sexo ni mucho menos. Son protagonistas que quieren escapar de el. Buscan tener una vida normal. Volver a sentir el placer de ser libre y de elegir su destinos. Aquí es donde el machismo se diluye y se engrandece la figura de la mujer. Las tres mujeres eligen ser libres por derecho y esencia en la segunda mitad del metraje donde deciden enfrentar a su oponente.

La serie consta de ocho capítulos de 25 minutos cada uno aproximadamente, logrando captar un interés adictivo por su alocado ritmo narrativo. Se destaca la lograda interacción entre los personajes, tanto del lado bueno como del malo, como su humor negro.

ELENCO

Verónica Sánchez, Lali Espósito y Yani Prado interpretan a las prostitutas. Todas están correctas pero la que siempre está un paso adelante es la actriz española. Es la que mejor desarrolla su faceta interpretativa.

Asier Etxeandia, Miguel Ángel Silvestre, Enric Auquer interpretan el trío del mal. Correctos al igual que sus compañeras de reparto. Pero el que se destaca es el primero. Romeo es el dueño del burdel y compone al malvado en cuestión. Su logro esta en lo que dice y no en lo que hace. El texto narrativo que representa es por demás disparatado. Por momento se asemeja un poco a los de Quentin Tarantino. El ensayo que hace del órgano sexual masculino es propio de una persona delirante mas que machista. Involucrar a Cristóbal Colon para justificar el funcionamiento de su burdel es bastante gracioso. Su caracterización de hombre siniestro y demente está muy bien desarrollado.

PUNTOS POSITIVOS

  • La interpretación de Romeo y Coral. Ambos con sus contrapuntos mantienen el interés del relato.
  • La ambientación del burdel.
  • El ritmo frenético y su humor negro.
  • La persecución en ambulancia de corte tarantinesco es muy efectiva.

PUNTOS NEGATIVOS

  • La historia particular de cada prostituta no está profundizada.
  • Algunas imágenes pueden molestar a ciertos observadores.
  • Su excesivo diálogo vulgar.
  • La autoridad policial brilla por su ausencia.

RESUMEN

SKY ROJO es una propuesta para una determinado tipo de público. Su ritmo frenético y su interesante texto narrativo logran un producto adictivo mas allá de la delicada temática elegida.

Puntuación:3 out of 5 stars (3 / 5)

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THE MANDALORIAN -Primera Temporada (2019)

Critica The mandalorian

Cuando las películas de superhéroes de la Compañía Marvel no eran el éxito rotundo que son actualmente se encomendó al cineasta Jon Favreau el proyecto de llevar a la gran pantalla el superhéroe Iron Man.

El éxito de critica y público fue tal que abrió el camino a sus continuaciones como así también a otros superhéroes de la factoría Marvel, convirtiendo a la editorial de comics en un estudio cinematográfico.

PRIMERA SERIE DISNEY/STARWARS

Ahora, la compañía de entretenimiento mas grande del mundo, Walt Disney Studios, es la encargada de producir los productos de la saga de la Guerra de las Galaxias al haber adquirido todos los derechos a su creador George Lucas.

Para ello, la empresa contrató los servicios del mencionado cineasta en un rol multifacético (productor/escritor/guionista/director) para llevar por primera vez en televisión una serie que pertenece al mundo Star Wars, como es THE MANDALORIAN.

La serie transcurre durante la caída del Imperio y narra las aventuras de un cazarrecompensas Mandaloreano. En el inicio del primer capítulo es donde se desenvuelve todo el hilo argumental de la serie. El protagonista, luego de cumplir su misión, recibe un misterioso encargo del líder del Gremio de Cazadores de Recompensas, interpretado por Carl Weathers.

Del objetivo a cumplir solo se sabe que tiene 50 años y que debe ser eliminado. Pero al dar con su búsqueda se da cuenta que es un niño (similar al Maestro Yoda en su aspecto físico) y decide llevarlo vivo.

Lo eficaz de este primer capítulo es que consigue captar inmediatamente la atención de la audiencia al narrar una historia sencilla dentro del mundo de las guerras de las galaxias.

La introducción del Mandaloreano en escena es inmediata. Sabemos que es un ser humano con armadura, que ira mejorando con sus recompensas, y que maneja diferentes armas ocultas en su traje. Pero lo mas interesante es que es un personaje vulnerable.

El público se mantendrá expectante de las aventuras del Mandaloreano pero principalmente de lo que pueda llegar hacer “el niño” cada vez que es puesto en peligro. La introducción de este pequeño personaje puede llegar a generar confusión en los principiantes de este maravilloso universo de las guerras de las galaxias.

El “el niño” no es el maestro Yoda por la simple razón de que la serie esta desarrollada en los sucesos posteriores al Episodio VI, esto es, después del Regreso del Jedi (1983).

OCHO CAPITULOS BIEN DESARROLLADOS

The Mandalorian cuenta con ochos capítulos. Generalmente de 30/40 minutos de duración en donde en cada uno de ellos se respeta la estética STAR WARS. En ellos abundan diferentes tipos de criaturas, robots, motos deslizadoras, naves y los míticos Stormtroopers (tropas de Asalto).

Pero lo que se destaca en The Mandalorian es que la serie transcurre, en casi todos los episodios, en el llano. No hay guerras espaciales. Tampoco batallas con sables ni jedis, lo que desconcertará un poco a los fanáticos de la saga pero que agradecerán aquellas personas ajenas a este tipo de efectos.

Otro punto a destacar es la participación de los actores secundarios que irán apareciendo en cada capítulo, siendo los mas destacados Carl Weathers y Gina Carano que están muy bien en sus papeles y que acompañarán al protagonista en su principal aventura, que es la de proteger al niño.

RESUMEN

The Mandalorian es una serie que parece una película y que gustará al espectador por el nivel de realización de sus escenas y el trabajo de vestuario de los personajes pero sobre todo por su argumento sencillo y familiar que logra entretener.

Puntuación:3.5 out of 5 stars (3,5 / 5)

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EL DIA DEL FIN DEL MUNDO (2020)

Las películas de catástrofes tienen la particularidad de priorizar una gran cantidad de efectos especiales en pantalla que hacen que el argumento donde se desarrolla la trama muchas veces pase a un segundo plano.

No es el caso de El día del fin del mundo (Greenland), donde su director Ric Roman Waugh (responsable también de la cinta Presidente Bajo Fuego)-2019, logra centrar la atención de la historia en la conducta humana cuando suceden este tipos de imprevistos naturales.

La trama comienza con una familia compuesta por un ingeniero, en construcción de edificios, su mujer y pequeño hijo, que luchan por sobrevivir ante la amenaza de un Cometa que puede causar el exterminio de la humanidad.

Gerard Butler como protagonista

Gerard Butler, conocido por el público como “el actor de 300” lleva adelante con gran solvencia su interpretación como el padre dispuesto a todo para lograr salvar a su familia. En el transcurso del largometraje se va observando como el protagonista se ve inmerso en un caos que generan los medios de comunicación cuando indican que caerá de manera segura el Cometa y la desesperación e incertidumbre de las personas que tratan de salvarse, por cualquier medio y a cualquier costo.

Efectos especiales muy bien logrados

En cuanto a los efectos especiales, el critico.com.ar hace saber a las personas acérrimas a este tipo de recursos que El día del fin del mundo no es 2012, aquella película dirigida por Roland Emmerich.

Si bien tiene todos los argumentos para ser una película apocalíptica, de hecho lo es, los efectos visuales están muy bien distribuidos en toda la cinta. No hay un abuso en su aplicación y aunque están muy bien logrados no parecen aportar nada nuevo a los efectos ópticos antes vistos en cintas de estas características.

Buena película que entretiene

En definitiva, El día del fin del mundo (Greenland) es una buena Película. Bien actuada por los protagonista principales que cumple con el fin de entretener, sin abrumar al espectador con la aplicación constante de los necesarios efectos generados por computadora.

Puntuación:3 out of 5 stars (3 / 5)
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BARBAROS 2020

critica barbaros

Serie de factura y habla alemana que, en principio y si continua con la segunda temporada, nada tiene que envidiar a la producción exitosa de la serie vikingos.

Como en toda serie que se comienza a mirar se dice que se debe tener una paciencia de tres capítulos para terminar de enganchar al espectador. No es el caso de “barbaros”, donde inmediatamente se capta la atención en los personajes y su historia, en la época tan gloriosa del imperio romano.

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La historia comienza con la entrega de dos hijos de una de las tribus bárbaras para lograr la paz con el imperio romano. Uno de los hijos entregados se cría en Roma (Arminio) bajo las órdenes del gobernador Varo. Cuando logra el rango de soldado regresa a su tierra para luchar contra sus amigos y su tribu.

A lo largo de seis capítulos, cortos pero muy efectivos, comienza la travesía del protagonista que deberá decidir entre sus orígenes y las órdenes del gobernador romano, para llevar adelante una misión que cambiara su vida.

RESUMEN

Estamos en presencia de una buena propuesta televisiva donde abundan escenas de violencia cruda (principalmente en el último capítulo), tan común en estas series, al mejor estilo Corazón Valiente.-

Puntuación:3 out of 5 stars (3 / 5)
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