LOU (2022)

lou final explicado

El thriller de Netflix muestra su mejor forma en la actuación convincente de su protagonista principal (Allison Janney). Lou, tiene un buen comienzo y un ritmo adecuado pero sus giros no encastran del todo bien con el contenido de su historia. En su fin de entretener, Lou lo logra dignamente a pesar de su generalidad.

Lou, no pierde tiempo en captar la atención de la audiencia. En sus escasos minutos iniciales presenta una mujer solitaria, dura y misteriosa que oculta un extraño pasado. A esos ingredientes se le agrega un secuestro dentro de un pequeño pueblo en donde se avecina una gran tormenta. El thriller encuentra su mejor forma en el talento de Allison Janney, la actriz principal, de 62 años, que tiene ciertas “habilidades” para sobrevivir. Mientras que la nombrada como el elenco que la acompaña muestran actuaciones físicas y emocionales convincentes, el trasfondo de su historia no encastra bien con los giros que se ejecutan. Su resultado, es una experiencia visual entretenida y genérica dentro de un círculo narrativo un tanto confuso.

En un pequeño pueblo, Lou (Allison Janney) está a punto de tomar una drástica decisión. Después de buscar comida para su perro, matando un ciervo fuera de temporada de caza, y de extraer el total de su dinero bancario, del cual pretende donar a su vecina inquilina, la encuentra a punto de suicidarse. Mientras se avecina una fuerte tormenta, sus planes se ven interrumpidos cuando su vecina Hannah (Jurnee Smollett) le informa que su hija a sido secuestrada por su padre Philip ( Logan Marshall-Green). Sin ninguna posibilidad de comunicación con el sheriff de la ciudad, juntas inician una misión de rescate en donde se revelan algunos secretos.

Lou, trata de equilibrar la historia de los tres personajes centrales. Lou, Allison y Philip son los componentes de un guion que genera una indudable intriga. Se bien los personajes y sus historias se presentan con una elocuente moderación, a la hora de las revelaciones sus intenciones no están bien ejecutadas. Esto crea un ambiente de confusión con el trasfondo de la historia y sus motivaciones, logrando que el film no sea transparente y del todo efectivo en el uso de sus giros. Cuando llegan, pierden cierta influencia y no logran canalizar adecuadamente el sentido de su explicación. Así, entre la eficiente misión de rescate, con luchas incluidas, el circulo narrativo pierde brillo por la mención aludida.

Ahora bien, hay una cosa en particular en la que Lou es todo un triunfo. La actuación de Allison Janney (Lou) es eficiente, transformadora y brutal. Si bien no cambia el estereotipo de antihéroe, la forma salvaje en la que manifiesta su temperamento la hace digna de reconocimiento. Desafortunadamente, las futuras revelaciones no están en consonancia con el nivel interpretativo de la premiada actriz (ganadora de un globo de oro) quien brinda una performance solida y convincente, incluso en las escenas de lucha. En este punto, los desafíos físicos y obstáculos naturales que enfrenta la actriz gozan de buena credibilidad gracias a su impresionante fuerza emocional. El resto del elenco, la acompaña correctamente, sin sobresaltos.

La película también cuenta con una destaca ambientación. Con una dirección prolija, la película logra “vivir” el centro de la escena cuando las protagonistas están en peligro. Llegado el final y por el peso confuso de sus giros (en el cual se involucran cuestiones de maternidad) el film sufre de una generalidad inevitable. Con todo, Lou, con sus altibajos, logra entretener por la actuación sobresaliente de Janney y por un guion astuto, como genérico, que atrapará al observador por su misterioso comienzo.

RESUMEN

En definitiva, Lou, es un thriller que entretiene a pesar de su argumento genérico y de algunos giros no tan bien ejecutados. Como contrapartida, la transformadora y convincente actuación de Allison Janney hace que aquellos pasen algo desapercibidos.

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LA INVITACION (2022)

La premisa de terror romántica fracasa a causa de la indecisión en sus dos facetas. Inspirada en Drácula, La Invitación (The Invitation) cuenta con una ambiciosa puesta en escena, algo que el guion y los vampiros no saben aprovechar.

¿Se puede ser romántico y terrorífico al mismo tiempo? Evidentemente es algo que no puede responder La Invitación siendo su ambición glamorosa, sensual y sangrienta las principales cusas de su perdición. Con una evidente inspiración en la novela clásica “Drácula”, la película expone giros y revelaciones confusas como predecibles hasta llegar al acto final culminante donde todo se resuelve al mejor estilo “Van Helsing”. Con un reparto actoral que no logra exponer los estandartes que el genero solicita y un guion que no aporta mucho más que líneas mediocres y cursis, el film se derrumba a pesar de su ambiciosa escenificación.

La historia sigue a Evie (Nathalie Emmanuel), una joven artista que llega a una remota finca europea para una boda familiar después de reunirse con parientes lejanos a través de un kit de prueba de ADN.  Durante su estadía en la casa palaciega, Evie es rápidamente seducida por Lord Walter (Thomas Doherty), el dueño de la mansión que esconde un oscuro secreto. Pronto se dará cuenta que “La Invitación” es un acto predestinado.

La película tiene una clara intención de canalizar el horror moderno y el clásico con toques de romanticismo. Algo difícil de ejecutar pero la cuestión es que logra crear un ambiente propicio para narrar este tipo de propuestas. Con una imponente mansión en la que se destaca su entorno gótico, grandes habitaciones oscuras y pintorescos “anfitriones”, representados en la aristocracia inglesa, la película logra imponer una atmosfera sumamente atractiva de lo cual no puede sostener.

El principal problema es su falta de decisión, de carácter que haga transmitir las vivencias de todos sus personajes. Cuando se sumerge en el terreno romántico, no logra buenos resultados porque sus diálogos como los interpretes que los ejecutan no tienen la intensidad necesaria para demostrar el arte del cortejo. Cuando llega, es lo suficientemente fría y cursi quedando el incipiente romance en un acto efímero. Resulta extraño porque el film se toma su tiempo para profundizar el vinculo de los personajes. Pero la cantidad no es lo mismo que calidad y ello se nota de primera mano.

El fallido intento de romance abre las puertas al terror con secuencias sangrientas que propinan algún que otro susto. Pero, como toda sucesión de errores, el segundo acto se siente demasiado predecible convirtiendo a La Invitación en un acto de supervivencia. Pero el derrumbe viene en la escena final culminante donde todo se resuelve de manera rápida, como si fuese una película de aventuras de monstruos.

El principal reproche es en lo atinente a la tradición vampírica. La Invitación, no logra tener una base sólida en lo atinente al título de referencia. Tampoco se expande mucho sobre el origen de los villanos. Mucho antes de la revelación de la película, sus escenas están llenas de referencia a la novela literaria clásica, Drácula, algunos sutiles otros evidentes. Pero lo llamativo es el extraño giro secundario que se intenta imprimir en los personajes de Mina y Jonathan Harker. Quienes hayan leído la obra del conde Drácula encontrarán extraño como inentendible este giro. En cambio, los ocasionales verán un simple hecho predicable.

Ahora, cuando la narrativa opta por el camino de la supervivencia heroica, todo se resuelve cuesta abajo. Desde las transformaciones (con efecto más rápido que un Ibupirac ) hasta las peleas, la dirección trata de resolver lo que el guion no puede suplir y es la coherencia. Aquí, los orígenes vampíricos se sienten descuidos y si bien no es un problema, sí lo es para la La Invitación al compartir una historia similar a la de Drácula.

RESUMEN

En definitiva, La Invitación (The Invitation) falla en casi todo lo que se propone. Con una destaca ambientación y algunos sustos (gore incluido) como punto a favor, no puede superar su indecisión en los géneros que transita. Inspirada en la novela grafica Drácula, sus giros son predecibles como inoportunos. Con todo, funciona como entretenimiento pasajero.

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TIERRA SALVAJE (2022)

critica tierra salvaje

El drama que transmite Tierra Salvaje (Jungleland) tiene sus momentos pero no tiene el impacto deseado. Protagonizan Charlie Hunnam y Jack O’Donnell, como dos hermanos en busca del sueño americano. Disponible en Netflix.

Se dice que el boxeo es el arte de pegar sin que te golpeen, más o menos como en la vida en la cual se trata de cometer los menos errores posibles. Tierra Salvaje utiliza los golpes de puño como una referencia omnipresente en donde dos hermanos buscan el anisado sueño de la autoeficiencia económica. Impulsada por su oscuro tono dramático, la historia tiene sus momentos pero son sus giros los que no tienen el impacto deseado. Charlie Hunnam es en los papeles la estrella aquí pero es Jack O’Donnell el que sale más beneficiado.

Tierra Salvaje gira en torno a dos hermanos que están en bancarrota. Sin familia a que recurrir y en compañía de un perro galgo recurren al talento boxístico de uno de ellos para sobrevivir. Sin embargo, las cosas no le resultan nada fáciles al joven boxeador Lion (Jack O’Donnell), su hermano y manager Stanley (Hunnam) afronta una pesada deuda con el jefe mafioso local y pronto se verán en problemas. La relación consanguínea se pone a prueba cuando irrumpe una compañera sorpresa (Jessica Bardem), la cual deberán llevar en forma obligada si quieren participar de un torneo de boxeo sin guantes. Tal circunstancia pondrán en jaque las decisiones personales y profesionales.

La película no tarda en definir a sus protagonistas. Los hermanos merodean la ciudad en busca del sueño americano, queriendo lograrlo a fuerza de puños. Todos sus protagonistas son de descendencia británica pero ello no impide aquí representar la nacionalidad aludida. Con un precario trabajo en un fabrica textil, los personajes se mueven en un territorio conocido con lo que la audiencia se sentirá familiarizada. El film tiene un evidente enfoque de lo que sería una película de boxeo pero en realidad es mucho más profundo que ello, es la relación de hermanos con una dinámica muy complicada.

El guion le da a los protagonistas suficiente material para moldear sus personajes, resultando favorecido el talentoso boxeador (O’Donnell) atento que su sufrimiento se intensifica en los tramos finales del film. Hunnam (Stanley) tiene el personaje más llamativo pero no alcanza a llevar su papel al límite. Últimamente acostumbrado a personificar situaciones en desgracia (Véase Last Looks) parecería que el actor busca un salto de calidad que todavía no ha logrado conseguir. No obstante ello, su actuación es solida y convincente aunque en un nivel inferior a su compañero.

La historia cuenta con algunos giros, no tan bien definidos. Desde la introducción de una compañera de ruta de nombre Sky hasta la irrupción de un temible mafioso, cada conflicto sufre de un impulso decaído. Cuando la película cambia hacia el territorio del suspenso, con matones que representan al inframundo criminal, su revelación es demasiado absurda con el tono dramático de la película. El giro retorcido que se intenta aplicar aquí es tardío y no tienen el impacto deseado. De haberse manejado con más vehemencia, quizás el resultado no hubiese sido tan artificial.

Las emociones llegan en su acto final, pero como en todos sus giros, se siente con falta de eficacia. No obstaste ello, el drama que se intenta materializar reúne los ingredientes clásicos del genero aunque nada indica que su resultado pueda perpetuarse como tal.

RESUMEN

En definitiva, Tierra Salvaje (Jungleland) es un drama de dos hermanos con una dinámica muy complicada que puede verse a través de un enfoque de una película de boxeo. Las solidas actuaciones no se condicen con sus giros, los cuales sufren de un impulso decaído.

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EMILY THE CRIMINAL (2022)

critica emily the criminal

Potenciada por la sobresaliente actuación de su protagonista principal, Emily The Criminal juega con cartas usadas pero logra imponer su propias reglas. Con un guion dinámico, el thriller gana puntos en intensidad y es todo un triunfo.

El bajo mundo del crimen se manifiesta de múltiples formas y ello ha sido motivo para que los hábiles guionista de Hollywood pongan toda su inspiración para recrear posibles situaciones delictivas. Emily The Criminal, cuenta con tales ingredientes y apuesta a una intensidad que a la postre, es bien recompensada. Potenciada por la sobresaliente actuación de Aubrey Plaza, el thriller se nutre de conceptos ya vistos. Juega con cartas usadas pero imponer sus propias reglas. Su resultado es todo un triunfo.

Emily (Plaza) tiene antecedentes criminales. Un violento asalto en el año 2016 le impide sortear una exitosa entrevista de trabajo, cuyo empleador, a sabiendas, le pide que lo manifieste expresamente en su presencia. Frustrada y enojada por su estigmatización decide optar por un camino que le cambiará la vida. Mientras trabaja en un servicio de catering, un compañero le informa sobre un trabajo de pago fácil. Emily necesita el dinero para pagar una deuda estudiantil por un título de arte que nunca recibió, razón por la que la necesidad económica es su principal interés.

En el centro de la escena y sin ningún tipo de coacción, se encuentra en medio de una estafa con tarjetas de crédito. El trabajo consiste en comprar un producto y presentar el “plástico” falsificado y esperar que no la descubran. Con la atenta mirada del jefe de la operación, Yousef, Emily se debate entre hacer algo ilegal y la tentación del dinero fácil.

La película retrata a una persona que se encuentra frustrada por un pasado delictivo que no puede borrar y una necesidad económica que la acecha, un combo peligroso para alguien que intenta reinsertarse en la sociedad. El film no victimiza aquí la posición del personaje sino que la centra en un lugar de toma de decisiones en donde las reglas están lo suficientemente claras para arrepentirse.

Emily, tiene un talento para los dibujos de diseño y espera tener una oportunidad en una agencia de publicidad, mientras su amiga Liz trata de conseguirle una entrevista con su jefa desde adentro. La decisión de Emily es mantenerse por el camino correcto hasta que su compañero de catering la tienta con la posibilidad de ganarse un dinero fácil. Solo tiene que llamar a un número desconocido el que le brindará más información cuando asista personalmente. Hay algo evidentemente ilegal aquí, Emily lo sabe y aún así toma la decisión de arriesgarse. En este sentido, la protagonista transmite momentos de tensión sumamente acertados. Su lenguaje corporal, al igual que sus ojos, exhiben muestras de ansiedad y nerviosismo cuando se adentra en cumplir actos ilegales.

El guion es dinámico y le otorga a Aubrey Plaza la posibilidad de transitar diferentes capas de su personaje. La temática sigue la línea de otras propuestas de genero pero logra imponer sus propias reglas. Esto es, ofrece un nivel de emoción genuino gracias a la sobresaliente actuación de su protagonista. El riesgo personal que corre durante todo el film mantendrá expectante a la audiencia, quien la apoyará en circunstancias complejas. Esta situación de aliento es independiente al hecho ilícito en sí, razón por la cual la actuación de Plaza es más meritoria.

Ahora bien, la película se nutre de actos ilegales posibles. La orquestación de la estafa con tarjetas de crédito no dista mucho de la realidad y eso hace que la intriga se mantenga a flote en todo momento. En este aspecto, el líder de la organización y mentor de Emily, Youcef (Theo Rossi) , tiene un papel destacado. Con todo, Emily The Criminal funciona por una historia ordinaria pero meticulosamente ejecutada y una protagonista que transmite emociones genuinas.

RESUMEN

En definitiva, Emily The Criminal es un thriller con profundidad en sus personajes y con un guion meticulosamente ejecutado. Con la tensión e intriga en aumento, toca conceptos de estigmatización social y de su aprovechamiento, mientras la antihéroe ( Aubrey Plaza) afronta riesgos personales. Su resultado es un triunfo.

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FINAL DEL CAMINO (2022)

Entre el suspenso, lo absurdo y el humor negro, el thriller de Netflix no encuentra su mejor forma. Final del Camino (End of the Road) entretiene por su clásica premisa y aporta ingredientes de maternidad y racismo, que no son recompensados por su inadecuada atmósfera que intenta recrear.

Las películas de supervivencia en la carretera son tan viejas como el cine mismo. En ellas, se suscita una amenaza interna o externa en los viajeros en curso a la que tienen que sortear si quieren llegar a destino con vida. Final del Camino no es la excepción y trata de revivir un genero que ha sido asiduamente explotado. Con personajes fuertes como caricaturescos, el film toma una ruta de entretenimiento rápido y atrapante la cual no puede sostener por su inadecuada atmosfera, que intenta recrear. Con la maternidad y el racismo como base, el film se nutre de ciertos giros (pensados e impensados) pero no encuentra su mejor forma.

La historia sigue a los Freeman, una familia que está a punto de mudarse por problemas financieros. La jefa del hogar, Brenda (Queen Latifah) reúne a sus dos hijos y a su rebelde hermano Reggie (Chris “Ludacris” Bridges) para iniciar un nuevo rumbo hacia la ciudad de Texas. Con poco dinero, a causa de los gastos médicos por enfermedad de su difunto esposo, Brenda y su familia, emprenden un largo viaje donde vive su madre. En el trayecto, son testigos de un brutal asesinato en un motel. Las cosas se complican cuando Reggie se hace de un bolsa de dinero que le pertenece a un señor del crimen al que apodan “Señor Ross”. Cuando el criminal se anoticia del hecho, dará caza a los Freeman a lo largo de la ruta desértica. Sin ayuda posible, Brenda y su familia deberán sobrevivir de un asesino en serie.

La película comienza con una sensible y más que creíble interpretación de Queen Latifah. Su personaje en la piel de Brenda, una viuda que todavía se encuentra transitando el duelo con su familia , hace suponer que el film tendrá un enfoque dramático dentro de la inevitable narrativa de supervivencia que intenta plasmar. Pero mientras el viaje se convierte en un transito de relaciones raciales, con campamento neonazi incluido y psicóticos criminales, la narrativa adiciona ingredientes de humor negro y suspenso (este ultimo desaprovechado) que no tienen resultados esperados.

Ello hace que el tono del film pierda cierto brillo en las secuencias de acción atento que el traspaso de un genero a otro debe tener la coordinación necesaria para causar impactos emocionales diferentes. Final del Camino, intenta utilizar el humor negro para evitar el humor propiamente dicho, pero rara vez da resultado. Esto le quita dinámica al genero principal del cual se nutre el film, que es el suspenso. Cuando llegan, mediante secuencias de peligro inminente o mediante persecuciones, no son precisamente las del tipo adecuadas para esta clase de historias. Se puede llegar asumir algún tipo de culpa en su banda sonara con elecciones de música pop, que no logran realzar escenas dentro de la atmosfera de suspenso requerida.

Latifah (oficia también de productora) lleva adelante el protagónico sin sobresaltos, componiendo una madre que hace lo posible por sus hijos, sin importar el precio que tenga que pagar por ello. En este aspecto, el guion la induce a la actriz atravesar situaciones un tanto caricaturescas a lo que demanda esta clase de relatos. Por momentos, y envalentonada por su voluntad de madre, el personaje enfrenta situaciones de peligro como si fuese una persona con habilidades militares. Latifah, conduce, salta, golpea y dispara de forma soberbia. Irreprochable en términos de maternidad, no así en su ejecución, la cual puede tildarse de desmedida, entre otras.

El guion no es tan benevolente con Ludacris (el actor que interpreta a Tej en la saga de Rápidos y Furiosos) al volcarle a su personaje toda clase de decisiones inútiles, que no puede redimir. El resto del elenco secundario cumple con lo necesario, destacándose Beau Bridges, el cual logra suavizar el clásico estereotipo. Con todo, la película no aprovecha adecuadamente su punto fuerte, evocando conceptos como la maternidad y el valor de la familia de una manera harto conocida.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Final del camino (End of the Road) es un tipo de entretenimiento desechable. La mezcla de géneros y la selección musical no le sienta bien y subrayan la falta de una adecuada atmosfera de suspenso.

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BESTIA (2022)

bestia final explicado

Con poco sentido de la lógica , Bestia (Beast), ofrece un aceptable entretenimiento que no es tan bueno como el esperado. Esta vez, en cuanto a sustos, la frase de que no es lo mismo llamar al león que verlo venir, queda para otra oportunidad. Con Idris Elba.

Recrear animales salvajes y lograr que interactúen con actores de carne y hueso en una misma escena ha sido un desafío para los especialistas en efectos especiales. En el caso, la portentosa, intimidante y respetuosa figura del león puede ser que sea la más difícil de lograr por las características propias de los felinos. Bestia (Beast) tiene el mérito de, por momentos, conseguirlo pero desaprovecha una gran oportunidad a causa de un argumento con poco sentido de la lógica. La película ofrece un aceptable nivel de entretenimiento, que no es tan bueno como el esperado.

La historia se abre con el Dr. Nate Samuels (Elba), quién viaja a Sudáfrica junto a sus dos hijas para visitar el origen de su difunta esposa. Allí lo espera su amigo Martin (Sharlto Copley), que administra una reserva de caza. Mientras exploran la vida silvestre descubren que los lugareños han sido atacados por un león que ha escapado de cazadores furtivos. Atrapados y sin lugar a donde ir, deben encontrar la manera de sobrevivir en un territorio desconocido.

La película tiene el potencial para generar algunos sustos por la impactante presencia del león que merodea asiduamente a sus protagonistas, pero lo logra en contadas ocasiones. La razón puede ser que haya sido intencional para equilibrar la clasificación de edades de la audiencia. Pero lo cierto es que hay precisos momentos en que la falta del sentido de la lógica termina perjudicando cualquier intento de verosimilitud. Mientras que la película logra dar vida a un vengativo león, con destacado efectos en los movimientos de acecho y ataque, su guion es ejecutado sin riesgos ni sentido común.

Desde el carácter de sus protagonista (todos valientes ante el acecho constante del felino) hasta la forma en que son impulsados a defenderse, con un último acto por demás exagerado, el film minimiza su propia premisa. El reproche aquí no está en las cualidades heroicas de sus personajes sino en las aptitudes del león, en las que solo quedan como una simple amenaza. A saber, sin ser especialista en el comportamiento de estos animales es preciso mencionar que estos felinos tiene una impecable visión nocturna. Lo mismo con su olfato, el cual les sirve para detectar cualquier rastro de sangre cercana. Con lo que el film le niega este atributo esencial con una omisión pasmosa, ofreciendo en su lugar un clásico juego de las escondidas.

En el medio de la supervivencia, la película trae conflictos personales e intenta dramatizar la relación de Nate con sus hijas, mientras se producen los ataques del león. Esta circunstancia funciona en pocas ocasiones. Se presume que están diagramadas para poner los pelos de punta al observador, pero es la falta de sentido común las que impregnan sus decisiones logrando desvalorizarlas. En este sentido se podría haber profundizado un poco más en los problemas familiares (incluso hay recuerdos que lucen algo vacíos en su conjunto) agregando un poco más de tensión a un guion supeditado en la supervivencia de la familia.

En cuanto a las secuencias de acción, y al margen de lo antes dicho, se puede decir que están bien escenificadas. Visualmente, los ataque del león tienen el impacto deseado pero por diversos motivos no logra generar el susto esperado. En este sentido la película Garras o La Sombra y la Oscuridad, aquella película de 1996 protagonizada por Michael Douglas y Val Kilmer, es infinitamente mejor. No obstante ello, la ferocidad del felino está presente a pesar de su guion superficial. En cuanto al elenco, Idris Alba y sus hijas mantienen sus interpretaciones sin sobresaltos siendo el papel secundario de Sharlto Copley el más destacado.

RESUMEN

En definitiva, Bestia (Beast), es una película de supervivencia que se balancea en cuanto a entretenimiento. Con poco sentido de la lógica y un guion superficial, cuya atención se centra, principalmente, en los ataques del león.

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ROGUE AGENT (2022)

Inspirada en hechos reales, Rogue Agent construye una historia atemorizante sobre un hombre vil que utiliza su seducción y persuasión como una trampa psicológica. Próximamente disponible en Netflix.

Nada es tan escalofriante como la representación del “mal” en un ser humano. No hay monstruos ni personajes literarios que puedan llegar atemorizarnos tanto como él, por el solo hecho de que aquella posibilidad puede ser posible. Rogue Agent, refiere a la vida de un secuestrador, abusador y estafador, quién en la vida real fuera Robert Freegard. Un hombre que que utilizaba su encanto y persuasión como una trampa psicológica.

La historia esta ambientada en la década del 90 con un escenario político que pone al Reino Unido en alerta. La amenaza de colocación de bombas de parte del IRA hace que el gobierno británico despliegue agentes encubiertos para desenmascararlos. Bajo esta circunstancia, Robert Freegard (James Norton) se hace pasar por un agente de seguridad nacional (del MI5) a fin de perpetrar toda clase de delitos. El enfoque despiadado, metódico y táctico del impostor cambia cuando una de sus víctimas ( Gemma Arterton) descubre sus planes.

La película tiene una introducción ( en la voz en off de Arterton) en donde se revela cuales son los principios tácticos de un supuesto espía. Pero el film no trata de ello, como tampoco sobre los atentados a manos del IRA, que salpica levemente en su introducción. La utilización de aquellos hechos permite a Robert perpetuar su plan para con un grupo de estudiantes universitarios, todos ellos desprevenidos, lavándoles el cerebro, con tácticas mentales. Bajo la firme creencia de que él es un agente del MI5 encubierto, sus víctimas lo siguen, a punto tal de encubrirlo, incluso de sus propias familias.

La película no profundiza la mente de un hombre cruel, sino que lo muestra en un comportamiento continuado. Los delitos aberrantes que ejecuta tiene un fin material, pero su vehículo es un juego mental que utiliza como una trampa psicológica. Robert seduce a sus víctimas sin utilizar ningún tipo de coacción. Su arma es la mente y la forma de introducirse perspicazmente en las de sus víctimas. Cuando ello ocurre, las afectadas se encuentran en un callejón sin salida, incluso tienen a idolatrar al victimario. En este sentido la forma en que se manipula a las personas es realmente escalofriante, a punto tal que invita a una reflexión sobre la vulnerabilidad mental y sus consecuencias.

Ahora bien, el poder de la narrativa se apoya en la figura de Alice Archer (Gemma Arterton). La historia de una mujer que está a punto de caer en la trampa, mientras se debate sobre su estado sentimental tiene el impacto necesario para ser creíble. En este sentido, Arterton logra equilibrar gran cantidad de emociones, llevando a su personaje con la valentía necesaria para neutralizar futuras depravaciones. En relación a eso, Norton compone un personaje siniestro con evidentes capas de seducción. La oscuridad que representa, con sus atroces delitos, se vuelve atemorizante por sus tácticas mentales que, salvando las distancias, no son ajenas a la realidad. Cuando llegan, impactan por lo que representan, más allá de lo visual y Norton las materializa de una forma convincente.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Rogue Agent tiene un enfoque moderado pero cautivador de como un estafador y secuestrador perpetró las mentes de sus víctimas con fines económicos. La implacable necesidad de justicia lleva al personaje de Gemma Arterton a impulsar la narrativa, logrando la equilibrar una gran cantidad de emociones.

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VERTIGO (2022)

Con una increíble sensación de vértigo, Vértigo (Fall), cumple en el genero de supervivencia. Eso sí, no es ajena a situaciones torpes como inoportunas.

Las películas de supervivencia no requieren mucho trabajo de narrativa. Los personajes y sus conflictos juegan un papel secundario de su estrella principal, que es el peligro que se genera. Con lo que todo se focaliza en el desarrollo de los efectos especiales para recrear un atmosfera de riesgo, vital, para cualquier forma de supervivencia. Vértigo sigue ese criterio y lo cumple acabadamente recreando una increíble sensación de miedo en las alturas. Como todo película de genero no es ajena a un argumento torpe y por momentos inoportuno en el que se desenvuelven sus personajes principales.

Vértigo sigue a Becky (Grace Caroline Currey), una escaladora que no puede salir de un pozo depresivo. Su aventurero marido Dan ha perdido la vida mientras escalaban una montaña rocosa y ello le ha quitado su forma de vivir, refugiándose en el alcohol. Al cabo de 51 semanas aparece su entonces amiga Hunter (Virginia Gardner) para sacarla del ostracismo con una propuesta. Le ofrece escalar una torre de radio de 610 metros de altura en el medio del desierto. Cuando se comienza la aventura y llegan a la cima de la torre, la escalera se cae y quedan atrapadas en las alturas sin servicio de celulares, sin agua y sin que nadie las pueda socorrer. El tiempo y el vértigo apremian, mientras encuentran la forma de bajar.

La película sigue los parámetros del genero de supervivencia tal cual nos tienen acostumbrados. No hay aquí ninguna innovación que determine una idea diferente sino más que seguir un patrón de conducta de los personajes en la osadía de aventurarse al peligro y sus consecuencias. Esta situación genera un clima de torpeza en las decisiones que se someten sus actos, atento que no hay nada que las haya puesto allí más que su propia voluntad. Pero, fuera de la rebeldía de las protagonistas de turno como su endeble significado de la vida ( en donde el peligro de perderla es un factor común) hay una recreación del miedo a las alturas muy bien configurada.

Ese vértigo se representa en la pantalla de forma totalmente eficaz con imágenes que representan la altura de la torre en el medio del desierto. Así como Tom Cruise en el Protocolo Fantasma de Misión Imposible, Vértigo, triunfa en este aspecto con destacados efectos especiales de impecable factura técnica. Es más que probable que las acrobacias (si las hubiese) y la configuración de su entorno se hallan hecho en una sala de edición. Pero aquí hay que tener un ojo clínico para darse cuenta de ello. Desde que las protagonistas deciden subir la escalera de la antena de comunicación, con poco espacio para moverse, el miedo a las alturas comienza a producir efecto.

La película cuenta con algunos giros que pueden volverse un poco previsibles y hasta repetitivos de otras propuestas. Pero lo cierto es que sirve para complementar la acrofobia. En este aspecto las dos protagonistas no tienen mucho con que trabajar, más que evitar caer al vacío. No está del todo claro el mensaje de la vida que quiere transmitir el film (no hace falta ponerla en riesgo para darse cuenta de ello) pero esto no es motivo de análisis aquí. La cuestión es que los intentos de supervivencia y rescate están diseños para transmitir sensaciones de miedo en las alturas y en esto cumple satisfactoriamente en un tiempo de ejecución de casi dos horas.

CURIOSIDADES

  • La torre de televisión B67 no es una torre existente. Según el director, la película se basó en la torre de radio KXTV/KOVR, también conocida como Sacramento Joint Venture Tower. Muchos saltadores, a lo largo de los años, han invadido ilegalmente la propiedad y han escalado la torre para saltar y lanzarse en paracaídas al suelo.   La torre de radio KXTV/KOVR tiene una altura de 625 m (2049 pies). 

RESUMEN

En definitiva, Vértigo (Fall), entretiene por sus logrados efectos visuales y por su sensación de miedo a las alturas. Si bien agrega una nueva perspectiva al genero de supervivencia, no hay nada más que eso en su obvio contenido.

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ROMANCE EN VERONA (2022)

critica romance en verona

Sin mucho para ofrecer, en cuanto a originalidad, Romance en Verona (Love In The Villa) es una simpática comedia romántica que entretiene a pesar de su extensa duración. Disponible en Netflix.

Relaciones de parejas que se rompen y viajes programados que se concretan, a pesar del infortunio amoroso, es una premisa clásica para dar pie al descubrimiento de un nuevo amor. Romance en Verona adapta elementos reconocibles en otras películas de genero, con dos dispares protagonistas que no van más allá de su simple guion. Sin mucho para ofrecer, en cuanto a originalidad, el film entretiene por la ligereza del romance, pese a su extensa duración.

La historia comienza con Julie (Kata Graham), una romántica maestra de tercer grado que está a punto de viajar a Verona junto a su novio de cuatro años, Brandon. Mientras planifica su estadía en la ciudad del amor se encuentra con lo impensado, su novio la deja porque se encuentra demasiado ahogado con la relación. Desencantada, decide realizar el planificado viaje y conocer el balcón donde Romeo se le declaró a Julieta. Después de su accidente viaje a Italia, Julie se anoticia de que su reserva está ocupada por Charlie (Tom Hopper), un apuesto pero cínico británico que no está dispuesto a irse de la habitación. Cuando logran un acuerdo de convivencia se avecina un enfrentamiento entre ambos para ver quién se va de la Villa primero. Con el encanto romántico de la ciudad no tardarán en acercar sus diferencias.

Quien esté esperando un film a prueba de pañuelos o con ingredientes suficientemente emocionantes como para respirar un aire de romanticismo, es preciso señalar que Romance en Verona no los tiene. A pesar del encanto de la ciudad italiana y de algún que otro giro del “corazón”, el film sienta las bases en el juego de las diferencias de sus protagonistas y no aprovecha el impulso final, que sí se requiere para este tipo de comedias.

No hay una representación precisa en cuanto a la perspectiva de los personajes. Todo se desarrolla en forma simple y rápida, negando cualquier tipo de individualidad. Esto hace que el trasfondo de la historia y su romanticismo pierda fuerza a causa de la ligereza en que se retrata sus 15 minutos iniciales en donde prevale las situaciones accidentadas. De manera que, ninguno de los personajes cuenta con el peso necesario para resaltar y exponer sus historias. Esto le quita profundidad a la trama atento que tanto Julie como Charlie no tienen mucho para contar sobre ellos mismos, salvo algunos escasos diálogos.

Lo mismo sucede con el viaje que lleva el título del film. Julie ha planificado minuciosamente su viaje a Verona pero poco se muestra de su itinerario. De haberse involucrado más esta circunstancia el resultado hubiese sido más satisfactorio atento que el film se beneficia enormemente por las locaciones de la ciudad.

A pesar de estos problemas, Romance en Verona tiene la capacidad para entretener por méritos ajenos antes que propios por la sencilla razón de que repite una fórmula ya comprobada. En cuanto a la pareja protagónica, cumplen acabadamente, sintiéndose más cómoda y espontanea Kat Graham que su partenaire masculino, en deuda en su tramo final cuando se requiere una exigencia de compromiso romántico. A pesar de su simpleza y por momentos, irreal guion, la pareja ofrecen una aceptable química.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Romance en Verona (Love in the Villa) es una comedia romántica más. Con una historia simple y carente de individualidad en sus personajes, es capaz de entretener, sin exigencias.

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TIEMPO PARA MI (2022)

Mark Wahlberg y Kevin Hart no pueden ir más allá de un guion simple y sin ideas. Tiempo para Mi (Me Time) es una comedia que apuesta a la risa fácil y a pesar de sus escasos momentos cómicos, se torna aburrida. Disponible en Netflix.

Si bien es cierto que hay que ser un poco benévolo con las comedias modernas de estos tiempos, atento que es muy difícil hacer reír, se demanda una cierta cuota de sentido en su escritura para poder incluir todo tipo de bromas, incluso aquellas de dudoso gusto como las escatológicas. Entonces, cuando la historia es rehén de la risa fácil (por catalogarla de alguna manera) el resultado queda a merced de los momentos cómicos. Tiempo para mí, fracasa en este sentido a pesar del esfuerzo de Kevin Hart.

La historia sigue a Sonny Fisher (Hart), un orgulloso padre de familia que está a cargo de la actividad doméstica. Mientras su esposa arquitecta triunfa en su profesión, Sonny necesita un tiempo a solas. Sus dos hijos y las tareas cotidianas, en las que se incluye su labor como director de concurso de talentos de la escuela de sus hijos, lo mantienen desbordado como padre de familia. Mientras tanto su ex gran amigo Huck, un soltero empedernido, (Mark Wahlberg) lo invita a su fiesta número 44 de cumpleaños. Cuando su esposa le ofrece llevarse a sus hijos para crear un vínculo de calidad, Sonny concurre a la celebración de su amigo. Pronto, la tranquilidad se convierte en un fin de semana salvaje que amenaza la reputación de Sonny como hombre de familia.

Para empezar la trama tiene la oportunidad de explorar los sentimientos de un matrimonio que tienen tareas diferentes. Sonny es amo de casa y esta abocado a la crianza y educación de sus hijos. Esto le quita tiempo personal y un replanteo de si ha elegido el camino correcto. Por otra parte, su esposa Maya, es exitosa en su profesión pero ha perdido dedicación de calidad en sus dos hijos. Lamentablemente, ninguna de las dos facetas se profundiza debidamente, quitándole peso emocional a la hora de su llegada. En su lugar, se crea una atmosfera de simple diversión en donde no abundan buenos momentos ganados.

Kevin Hart lleva el peso del relato y hace un gran esfuerzo para que la trama no sea más simple de lo que realmente es. Hart, un comediante nato, especialista en el arte del stand-up, potencia situaciones demasiadas simples y torpes, que a esta altura ya no hacen mucha gracia. Desde escapar de un animal salvaje, hasta quedar expuesto ante una situación indeseada, Hart utiliza su oficio como comediante pero no le es suficiente por el simple hecho que no tiene mucho con qué trabajar.

Tiempo para Mi, se abastece de lo escatológico y de ciertos gags de dudoso gusto. Si bien es cierto que la audiencia es para un público joven (casi adolescente) bien podría haberse abordado alguna faceta más emocional. En este sentido, el film desaprovecha la indecisión que puede generar la edad adulta como las obligaciones que impone la vida, sometiendo a los personajes en un simple juego caricaturesco.

Pero quién se lleva la peor parte es Mark Wahlberg. Acostumbrado a participar en roles de comedia, aquí el guion (otra vez) no la da muchas oportunidades para terminar de armar su personaje. Huck quiere seguir siendo un soltero y gastar en ella la mayor cantidad de dinero, lo que le hace meterse en problemas. La ejecución no está bien orquestada y la química con Hart apenas funciona. Con lo que la ordinariez absorbe el concepto de simpleza dejando a Tiempo para Mí, como un pasatiempo con gusto a poco.

Con todo, el film no ofrece nada nuevo de lo que se puede esperar para esta clase de comedias. La casi ausencia de conceptos como la paternidad, maternidad e inmadurez en la etapa adulta le quita al film cualquier grado de estabilidad emocional, que cuando llega, no tiene el peso suficiente para prevalecer. En este sentido y sumado a las pocas risas confiables, el entretenimiento aquí no esta garantizado.

RESUMEN

En definitiva, Tiempo Para Mí (Me Time) , es una comedia que desperdicia el potencial cómico de Kevin Hart ofreciendo un film sin ideas (antes vistas y mejor ejecutadas) y escasas risas escasas poco confiables.

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