HIGH HEAT (2022)

El encanto de Olga Kurylenko y la vuelta de Don Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad. Entre las moderadas secuencias de acción y su apuesta a la comedia, High Heat desaprovecha todo lo que construye.

Los créditos iniciales de High Heat presume pensar que la película será tan ligera como un plato de comida rápida. Algo que no es un reproche, teniendo en cuenta las dimensiones presupuestarias que tienen los largometrajes de clase “B”. Pero mientras estas se construyen con una idea clara en términos de ejecución, High Heat no logra imponer los géneros que transita. La indefinición se hace notoria cuando mezcla la acción, comedia y algo de drama sin buenos resultados a pesar del buen elenco actoral el cual no tiene mucho material con el que trabajar. Las buenas intenciones de la película no se plasman en su estructura a pesar del encanto de Kurylenko y la vuelta de Don Johnson. Así, High Heat tiene poco para ofrecer y desaprovecha todo lo que construye.

La historia sigue a Ana (Kurylenko), una promisoria chef que está a punto de inaugurar un restaurante de primera categoría. La acompaña su esposo y socio comercial (Don Johnson), quién esa noche recibe vistas inesperadas de un antiguo amigo que reclama una deuda. Cuando los mafiosos se deciden quemar los cimientos de restaurant, se revela que Ana no solo tiene el talento para el arte culinario sino también que es una antigua integrante de la KGB. Para salvar el emprendimiento, deberá desterrar sus “habilidades” en lo que será un enfrentamiento de una sola noche.

Se dijo que la película tiene buenas intenciones y esto se evidencia en el tono rápido y caricaturesco que se le imprimen a todos sus personajes. El problema radica en su aspiración a ser algo más de lo que realmente es. High Heat tiene una duración de una hora y veinte minutos y trata de abarcar y mezclar diferentes géneros con resultados negativos. El elenco secundario a disposición de la dirección es realmente bueno (raro en películas de clase “B”) pero aquellos interpretes no tienen ni el guion ni el tiempo para profundizar sus personajes. Ejemplo de ello es el cómico aporte (desaprovechado ) de Jackie Long, convirtiéndose, quizás en el único ejemplo de éxito en ese sentido.

La película tiene pocas locaciones. La cocina del restaurant y un estacionamiento vacío son los entornos donde se desenvuelven las pocas y aceptables secuencias de acción. En este aspecto no tiene mucho para ofrecer y se siente algo moderada y un tanto limitada teniendo en cuenta lo disparatado de su comicidad. Olga Kurylenko usa su encanto para materializar cualquier situación de peligro pero ello no es suficiente y no puede salvar a la película de su mediocridad.

En cuanto a Johnson, muestra química con su estrella principal y si bien es la fuente del conflicto con la cuantiosa suma de dinero adeudada , su aporte no deja de ser secundario. La interacción de mafiosos, deudores y asesinos encubiertos no está bien materializado y ello se evidencia en los focos de conflicto que se van abriendo camino. Así, High Heat se va apagando con el correr de los minutos mientras se observa de reojo las agujas del reloj. Un pecado capital para una propuesta que tiene el fin de generar entretenimiento, sin exigencias.

RESUMEN

High Heat tiene buenas intenciones que la dirección no alcanza a ejecutar. Lo que debería ser su fuerte de exposición (la acción ) es moderada y limitada con lo que la expectativa y el interés se irán diluyendo en el correr de los minutos. El elenco no es un problema pero el guion sí lo es al no saber controlar los diferentes géneros que transita. Con todo, Kurylenko y Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad.

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LOS CRIMENES DE LA ACADEMIA (2023)

La novela policíaca protagonizada por Christian Bale adopta una narrativa simple y medida en términos de misterio gótico. Inobjetable técnicamente pero discutible en cuento a personajes involucrados, Los Crímenes de la Academia ( The Pale Blue Eye) se hace fuerte por su competente reparto actoral logrando que la historia se vuelva cautivadora. Disponible en Netflix.

No es muy común en el cine moderno apostar por un genero de películas que representen la investigación y el misterio en el siglo XIX. La ambientación de época que representa el vestuario y diseño de producción, al igual que un reparto actoral involucrado, son cruciales para dar vida a una investigación de asesinato. Los Crímenes de la Academia cumple acabadamente en estos términos dentro de su simple premisa. Puede ser juzgada por la escasez de pistas o personajes sospechosos pero se redime en su tercer acto con un final más que satisfactorio.

La historia sigue al famoso detective Augustus Landor (Christian Bale), quién es convocado por la Academia Militar de los Estados Unidos para resolver una muerte en sus instalaciones. Con la ayuda oculta del cadete y poeta Edgar Allan Poe (Harry Melling), Landor busca llegar a la verdad y resolver el misterio en el que pueden estar involucrado practicas satánicas. Mientras se acerca a la monstruosidad del acto violento, los motivos detrás de él son tan humanos como parecen.

Los Crímenes de la Academia acierta con su primer acto con un lenguaje visual que logra captar inmediatamente la atención. En este punto el director Scott Cooper demuestra astucia en exponer el hilo de la historia en sus minutos iniciales, creando un atmósfera oscura sin abusar de la crueldad del acto violento. La habilidad aquí radica en atrapar al observador con un misterio simple y descansar en las espaldas de un excelente reparto actoral como de su impecable fotografía. Lo dicho, no quita el innegable talento de la dirección. Pero a juzgar por el material que tenía entre manos bien podría haber involucrado más personajes sospechosos genuinos. La advertencia es hartamente discutible ya que se puede rebatir ( y con razón ) en que no es necesario una gran cantidad de personajes para develar un misterio y dar forma al increíble acto final que tiene el film.

Christian Bale es un gran actor. Sus interpretaciones tiene el sello de credibilidad y en esta ocasión el interprete se siente demasiado cómodo. August Landor es un detective tranquilo e intenso, rasgos que Bale sabe matizar a la perfección como también los vaivenes de su carácter. Sin embargo no está solo. Lo acompaña un vibrante y cautivador Harry Melling, como Poe, que si bien tiene un rol secundario, su interpretación y aporte están en el mismo nivel que su estrella principal. El resto del elenco cumple en buenos términos (Robert Duvall tiene un pequeño papel aquí ) pero por lo dicho anteriormente se sienten algo desaprovechados. Ejemplo de ello es la familia del Dr. Marquis que bien podría haber tenido mayor focalización y tiempo de calidad en su narrativa para que atraigan más sospechas que las que realmente tienen.

La investigación (con ingredientes sobrenaturales) que se desarrolla en un tiempo de ejecución de aproximadamente dos horas se puede llegar a sentir algo extensa y con la idea de que se podría haber acelerado el ritmo y sensación de urgencia en algunas escenas. Ante ello se puede argumentar que la dirección no tendría la intención de generar lo esperable en cuestiones de clímax, sino fortalecer la trama con pistas y relatos para desembocar en su satisfactorio final. En relación a ello, puede que resulte necesario una segunda visualización para incorporar algunos detalles perdidos durante su primera. La cuestión será si abra voluntad de volver por la misma experiencia.

RESUMEN

En última instancia, Los Crímenes de la Academia es una buena película de misterio. No es innovadora ni digna de aplausos. Pero cumple acabadamente con una premisa efectista. Las interpretaciones de Bale y Melling junto a su destacable puesta cinematográfica hacen del film un valor agregado.

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PARADISE CITY (2022)

Bruce Willis y John Travolta se vuelven a reunir en una película desechable. Paradise City, no tiene con qué cubrir las apariciones ocasionales de las dos estrellas a pesar de contar con un director competente.

Resulta una atracción ver en pantalla a Bruce Willis y John Travolta en una película de acción. Desde la premiada obra de Quentin Tarantino, Tiempos Violentos, las dos estrellas se vuelven a reunir con un resultado decepcionante. Está claro que la pretensión aquí no va más de allá lo mínimo esperable en cuanto a entretenimiento se refiere, dentro de un guion predecible y un esperable andar luminoso de sus figuras centrales. Pero lo cierto es que la historia les reserva apariciones ocasionales dejando todo el flujo de entretenimiento en actores secundarios. El director Chuc Russell no logra sortear el obstáculo y convierte a Paradice City en un película de acción decepcionante.

La historia sigue a Ian Swan (Bruce Willis), un cazarrecompensas que desapareció en algún lugar de las islas hawaianas.  En su búsqueda de un narcotraficante internacional al que ha perseguido durante años, Swan queda atrapado en un fuego cruzado y se presume que está muerto.  Su hijo, Ryan Swan (Blake Jenner) sigue el rastro de su padre hacia un inframundo criminal.  Acompañado por la ex pareja de su padre, Robbie Cole (Stephen Dorff), y Savannah, una detective local (Praya Lundberg), todos se disponen a encontrar al presunto asesino.  Mientras tanto, un corredor de bolsa (John Travolta), amenaza la paz de la isla (Paradise City) con un proyecto de destrucción de sus recursos naturales.

La película, en principio, es decepcionante en su conjunto al abordar diferentes tramas secundarias que se confunden con la principal. La queja radica en la forma de canalizarlas en la cual se presta a confusión. En toda película de bajo presupuesto (Paradice City lo es con todas las letras) hay una clara tendencia a predecir el resultado en beneficio del entretenimiento. Es una formula sencilla, casi automatizada, en donde la escritura es tan lineal como sus secuencias de acción. Aquí, las historias adicionales gozan de un apresuramiento desinteresado que terminan minando la trama principal con una falta de profundización en la motivación del plan del villano en cuestión.

El plan, que incluye la destrucción de los recursos naturales de la isla por un centro de drogas, solo se revela en la mente criminal del ejecutor. Situación que no se dedica mucho tiempo en explorarse y que la dirección no puede suplir con las coloridas imágenes de la isla. Esto hace que la narrativa de Paradice City tenga un andar desinteresado y cansino, con muy poco espacio para que el observador digiera lo que esta sucediendo. También tiene un gran problema de ritmo. Las apariciones ocasionales de Willis y Travolta son cubiertas por actores secundarios que no pueden llevar el interés de la trama. Resulta difícil sentir empatía por ellos atento que no se evidencia ningún tipo de carisma que los identifique.

La decepción llega en su punto culminante cuando se desarrollan las secuencias de acción. Ninguna de ellas tiene un componente confiable. Los movimientos de lucha como las escenas de disparos gozan de gran ordinarez como de una falta total de timing, desaprovechando el talento innato de Willis (a pesar de su diagnostico público de afasia). Resulta llamativo como un director competente como Chuck Russell, responsable de títulos taquilleros como La mascara y El Protector, haya elaborado tremendo descalabro. Las películas de acción tienen que tener como mínimo una sensación de vivacidad y Paradice City no la tiene.

RESUMEN

En definitiva, Paradice City es otro título de acción decepcionante. Las ocasionales intervenciones de Bruce Willis y John Travolta no fueron bien cubiertas por actores secundarios a los que resulta difícil empatizar. Con secuencias de acción poco confiable se vuelve un film desechable.

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SECUESTRO EN DIRECTO (2022)

critica secuestro en directo

El thriller de Mel Gibson no efectiviza su propio engaño. Secuestro en Directo (On the Line) tiene un buen comienzo pero su final no es recompensado.

La exitosa carrera de Mel Gibson ha sufrido un desvío hacia el abismo cuando el actor se vio involucrado en algunas declaraciones por demás controvertidas. A diez años de aquél suceso, su imagen ha entrado en decadencia y fue puesto en una lista negra por los grandes estudios cinematográficos. Esto motivó a que Gibson se involucre en películas mediocres o de bajo presupuesto para mantener viva su estampa de estrella de cine o de generar algún dinero, con el menor esfuerzo posible. La realidad es que es un tanto desalentador ver un talento como Gibson desperdiciado durante tantos años sin protagonizar películas a gran escala. Secuestro en Directo, no es un regreso triunfal de Gibson. Ni siquiera entra dentro de sus 15 mejores películas. Pero a pesar de sus fallido final, logra entretener por el carisma del actor. Algo que la dirección a cargo no supo como premiar.

Elvis (Mel Gibson) es un locutor de radio experimentado que trabaja en un programa nocturno, que atrae a un público con diversas problemas personales.  Cuando se dispone a salir al aire, una amenazante llamada lo involucra personalmente. Un ex-militar, Gary, decide poner toda su atención cuando le informa que su esposa y su pequeña hija han sido secuestradas por el maltrato que le dio a una exempleada, después de su paso en su programa. Con el destino de su familia en sus hombros o lo que es mejor su voz, Elvis deberá seguir las reglas del juego de Gary para asegurarse de que sus seres queridos salgan con vida.

Secuestro en Directo tiene una premisa simple y moldea su capacidad de atracción en una amenaza inesperada. Es un punto atrapante cuando hay vidas en riesgo y se plantea la forma para llegar a salvarlas. Aquí, Gibson interpreta a Elvis, una estrella de la locución nocturna que está acostumbrada a lidiar con personas desesperadas. Engreído por su capacidad de respuesta y presumido en su resolución, Elvis, recibe una queja de su jefa sobre la forma en que lleva a cabo su programa. El personaje le permite a Gibson desplegar su picardía pero pronto todo se desploma cuando recibe el llamado de Gary, quién llama para afirmar que el estilo mordaz de Elvis destruye vidas.

El reclamo se revela cuando el agresor comunica que su mejor amiga y ex empleada de la radio se suicidó por el trato de Elvis. Con el secuestro de su esposa e hija, comienza un serie de pruebas que se traducen en amenazas verbales si el anfitrión no está dispuesta a sobrellevarlas. Aquí, la dirección intenta atormentar a la audiencia con un suspenso desnivelado. Mientras Elvis y sus acompañantes tratan de recorrer el estudio buscando pruebas de vida, la guía de la voz agresora no tiene el impacto deseado.

Lo mismo sucede con el tercer acto final. Cuando la película muestra algunas cartas, el observador sabrá ganar la partida de antemano. La firme sospecha de que algo es como se cree que es será descubierta y le restará puntos al film. Una apuesta que pierde el factor sorpresa por utilizar dos veces el mismo truco. En relación a ello, se puede decir que en los momentos finales la dirección no aprovecha ni extiende el talento dramático de Gibson, pero a juzgar por los créditos finales no hay una intención clara de que ello ocurra. En definitiva, Secuestro en Directo entretiene pero no logra cerrar las expectativas dejando una falsa sensación de suspenso.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Secuestro en Directo (On the Line) juega con el factor sorpresa y con algunas dosis de suspenso. Ninguno de los dos cumplen las expectativas. Aun así entretiene y será valorada por los seguidores de Mel Gibson.

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DIG (2022)

critica dig

El pésimo guion y actuaciones por debajo del nivel del promedio hacen de Dig un producto totalmente desechable. Con Thomas Jane y Emile Hirsch.

Dig es una película hecha sin esfuerzo en líneas generales. Su ostensible bajo presupuesto no la excusa de su pésimo guion y de un nivel actoral deficiente, que derriba cada escena de la película. Thomas Jane se une a su hija en la vida real (Harlow Jane) en un thriller totalmente desechable, simbolizando el significado de lo que es una película mala.

La historia se abre con un tragedia. Durante un incidente en una gasolinería, Steve (Thomas Jane) pierde a su esposa y su hija Jane, que en el proceso, pierde la audición. Después de un año de luto, Jane todavía culpa a su padre por la muerte de su madre y Steve se niega a aprender el lenguaje de señas. 

Mientras trata de buscar un tratamiento experimental para devolverle la audición a Jane, Steve recibe la visita de un hombre misterioso (Emile Hirsch). En su taller de reparaciones, se le hace una propuesta que no puede rechazar. El trabajo es simple: Derribar una casa abandonada y quitar todo, pero pase lo que pase, no debe dañar las paredes.  La cuestión se complica cuando Jane accidentalmente rompe un mural y pronto se ven sometidos por una pareja homicida. En un abrir y cerrar de ojos, Steve tendrá que lidiar con la sombras del pasado y descubrir que tiene de valioso la casa en ruinas.

Realmente hay muy poco para destacar en Dig. La película tiene un exagerado aunque aceptable comienzo en donde se trazan las líneas de los personajes. El violento altercado causa una implosión en la familia de Steve (Thomas Jane), quién busca recomponer la confianza de su hija además de solventar un costosos tratamiento para recuperar la audición. Hasta aquí se construye un drama familiar que la película no puede sostener por la irritante irrupción de la pareja homicida. Con lo que el cambio de genero, que se podría decir que se asemeja a un thriller, no da resultado y el film navega en la mediocridad.

Se recuerda a Thomas Jane en participaciones mucho más honorables. Fue un superhéroe en la infravalorada The Punisher y tenía el talento de esquivar tiburones en la entretenida Alerta en lo Profundo. Si bien nunca fue un actor carismático, en Dig su labor es insignificante. La decisión que toma el personaje son un contrasentido. Exagerado y violento en su comienzo y totalmente Pasivo y taciturno en su segunda mitad, se le pide un despertar a gritos. Algo que nunca termina de materializarse por la apática caracterización de Jane, a pesar de correr en peligro su vida.

En sintonía con lo expuesto, en términos de mediocridad, se encuentra la labor de Emile Hirsch y Liana Liberato. La pareja de secuestradores y homicidas sin rumbo son la verdadera perdición de la película. Ambos resultan caricaturescos y nunca imponen el temor que se presume simboliza una situación de riesgo. Aquí, el evidente desinterés que demuestra la pareja por la vida ajena supera cualquier nivel de credibilidad de lo que es malo y lo no tan malo ( en cuanto actuación se trata). En esa línea se desarrolla Dig y el producto resultante es una insatisfacción anticipada.

A favor, cuenta con la correcta interpretación de Harlow Jane. La joven debutante parece ser la que mejor se desenvuelve con su personaje. Sin mucho esfuerzo e imposibilitada por su capacidad auditiva, la actriz logra alguna sutileza en sus miradas que encajan perfectamente con su papel. En cuanto a la dirección y cinematografía no ofrece mucho. Con evidentes escasos recursos, parecería que el peso del relato descansara en los hombros de sus caras más conocidas. La apuesta evidentemente no da resultado por la pasividad de Jane y la exageración caricaturesca de Hirsch, quién en otra ocasión debería replantearse elegir el papel de villano.

RESUMEN

En definitiva, Dig tiene muy poco para ofrecer. Su delgado y endeble guion se corresponde con la deficiente actuación de su plantilla actoral de la cual cobra distancia la hija de Thomas Jane. Mejor dejarla pasar.

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CORRE CARIÑO, CORRE (2022)

critica corre cariño corre

Interesante en su comienzo y algo divertida como absurda en segunda mitad, Corre Cariño Corre (RunSweetheart Run)  es otro mediocre thriller de terror de bajo presupuesto. Disponible en Amazon Prime Video.

Una mujer soltera que huye de un ambiente misógino mientras lucha por sobrevivir es un buen pretexto para incorporar capas de terror a una historia, sin perder de vista su fuerte mensaje social. Pero, Corre Cariño Corre, no está interesada en representar aquel contexto. Solo es una interesante insinuación que actúa como fuerza de atracción. Lo que queda , es una tonta, confusa y, por momentos, divertida película de terror de bajo presupuesto que corre riesgos de extenderse demasiado.

Corre cariño corre sigue a Cherie (Ella Balinska), una joven madre soltera que aspira a ser abogada, pero actualmente es secretaria en un bufete de abogados sexista.  Su día comienza con un planteo en forma de denuncia. Ha sido objeto de un desagradable comentario de un socio de la firma, pero su atención en Recursos Humanos no es focalizada. Mientras atiende la agenda de su jefe, se le reclama la coincidencia de un compromiso laboral con el aniversario matrimonial. Para remediar la situación, consiente asistir a una cena con un cliente de la firma. Ethan, es atractivo y encantador y pronto Cherie se ve atraída por sus cualidades. Hasta que revela su costado más oscuro.

Para empezar y sin animo de generar spoilers, se puede decir que el thriller de terror es lo esperable en una producción de Blumhouse Productions. El estudio cinematográfico, conocido por financiar films de suspenso y terror de bajo presupuesto, como La Purga o la saga Halloween, nos indica claramente aquella sensación. Eso no quieta que Corre Cariño, Corre tenga un planteo interesante. Digamos que, una mujer solitaria que escapa del mundo de los hombres misóginos y desconsiderados, con policías comprometidos, es una buena historia sobre la naturaleza de una sociedad patriarcal. La película mantiene su línea de interés cuando aborda tales conceptos con una introducción que recrea un atmosfera de suspenso sumamente acertada donde pone énfasis en faceta social.

La dirección toma la iniciativa con la historia de una mujer que es acechada por el peligro cotidiano. Desde manoseos no deseados en un colectivo hasta comportamiento inapropiados en el trabajo, la historia parece tener un hilo conductor atractivo donde el peligro acecha en cada rincón. El problema se suscita cuando se da comienzo al titulo de referencia y el intenso thriller se transforma en una persecución sangrienta. La elección aporta los ingredientes necesarios para entretener en un fin de semana por la noche, pero al final de cuentas aquel componente no puede materializarse de manera efectiva.

Luego de un cuarto de ejecución, la película se mete de lleno en el plano sobrenatural. La narrativa, a pesar de los crueles intentos de exposición sangrienta, genera un doble despropósito: socaba la tensión bien ganada y se aleja del terror genuino que venía acechando a la protagonista. Los seguidores de este tipo de propuestas ignorarán lo manifestado y la verán como un sólido entretenimiento en donde la aprobación se juzga por las gotas de sangre. En relación a ello, se puede decir que la película no cuenta con el presupuesto necesario para exponer su ambiciosa narrativa. El ingenio en la dirección trata de disimularlo con algunas ejecuciones intempestivas de sangre ( de corta de duración), pero no logra imponer el efecto deseado.

Otro punto en contra es la mitología interna a la que hace referencia. Es confusa y entra en conflicto con su base narrativa. Llegado al final, el desconcierto se hace evidente con algunas manifestaciones que ponen en duda el concepto de la humanidad. A favor, cuenta con una creíble y comprometida protagonista (Ella Balinska) logrando transmitir sus gotas de sudor (y de sangre) durante la incansable persecución nocturna.

RESUMEN

En definitiva, Corre Cariño Corre (Run Sweetheart Run), funciona mejor en su primer cuarto de hora donde se pone énfasis en el aspecto social. Llegado el terror, la película no tiene nada para aportar más que confusión en la explicación de su mitología interna.

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EL ANGEL DE LA MUERTE (2022)

Intrigante en su mayor tiempo de ejecución y con grandes actuaciones de Jessica Chastain y Eddie Redmayne, El Ángel de la Muerte (The Good Nurse) es un drama criminal que te mantendrá expectante hasta el final. Disponible en Netflix.

El Ángel de la Muerte se basa en una historia real. El material adaptado, del libro de crímenes reales del año 2013 de Charles Graeber, es cruel, intrigante y en ocasiones escalofriante. La dirección, a cargo de Tobias Lindholm, resalta aquellos ingredientes de una manera pausada sin perder de vista la estrechez y sospecha de los personajes. Con grandes actuaciones de Jessica Chastain y Eddie Redmayne, el drama criminal de Netflix te mantendrá expectante hasta el final.

Amy Loughren (Chastain) es una enfermera y madre que intenta equilibrar su trabajo y su vida personal mientras sufre un problema médico que amenaza con ser fatal si no descansa.  Cuando Charles Cullen (Redmayne) ingresa a trabajar en la enfermería del Hospital pronto se hacen amigos. Ambos relatan sus historias personales, pero es Amy la que cuenta como secreto su grave condición (miocardiopatía) atento que le restan cumplir cuatro meses de trabajo para que el nosocomio le otorgue cobertura medica. Pronto lo lleva a su casa para que conozca a sus dos hijas, convirtiéndolo gradualmente en parte de la familia.  Cuando un paciente muere en circunstancias sospechosas, dos detectives tienen la tarea de investigar lo sucedido.  Las cosas se complican cuando las pistas comienzan a apuntar hacia Charles y Amy se encuentra atrapada entre la amigable relación y la sospecha.

La película tiene la habilidad de transmitir diferentes momentos emocionales en una dramatización en donde el sistema de salud también forma parte de los crueles hechos aquí narrados. La historia de la buena enfermera (tal la traducción de su título en su idioma original) y su afección cardíaca es un dispositivo de la trama que encaja bien con la historia principal. Amy, es una madre soltera que hace lo mejor que puede. Su condición medica cala hondo ya que se ve obligada a controlar los síntomas, mientras cuenta los días para recibir el apoyo financiero. En este punto, la dirección aprovecha la afección de Amy, mientras construye su confianza con Charles. La película no explota como debería la aquella relación pero los protagonistas hacen que el atajo empleado sea efectivo.

Cuando la película cambia de tono, con la incipiente sospecha de asesinatos en Charles, la investigación de los hechos empieza a ganar terreno. Aquí, la entrada en escena de la pareja de detectives no cuenta con el tiempo deseado en pantalla. Pero el film va más allá de la elucubración de los hechos y la búsqueda de la verdad material, de por sí escalofriante de parte del criminal del cual se adapta la historia. También se revela la acción poco ética e insidiosa de los sistemas hospitalarios al permitir la contratación de un empleado sospechoso de un asesinato. En este punto, la codicia y el desinterés de la gerencia a cargo de los nosocomios en los que acceden al servicio de salud están a la vista.

Jessica Chastain y Eddie Redmayne impulsan el drama criminal adaptado, con sobresalientes interpretaciones. Chastain logra transmitir la ternura que imprime su personaje en la sana creencia de percibir bondad en las personas. Su personaje lucha con la angustia de sostener a una familia mientras se acrecienta las sospechas en Charlie. Cuando salen a la luz, el nivel interpretativo de Chastain aumenta. En este aspecto, la actriz estadounidense muestra su mejor faceta actoral en un genero que parece ser el suyo.

Redmayne por su parte, acierta con su caracterización . Siniestro en la oscuridad de los hechos pero tierno en la superficie, el actor se mantiene contenido en su personaje a punto tal que logra sembrar algunas dudas en su participación. En cuanto a la dirección, logra mantener la intriga y el suspenso hasta su tercer acto final, sin caer en la tentación de acciones directas. Con todo lo manifestado, El Ángel de la Muerte tiene momentos de miedo gracias a su efectivo uso del suspenso inducido y que no es representado por acciones directas.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El Ángel de la Muerte (The Good Nurse) es un solido drama criminal que elude cualquier tipo de intensidad brutal. En su lugar, construye una relación de estrechez y de sospecha que mantendrá a la audiencia expectante hasta el final.

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FANATICO (2019)

critica fanatico

Con un guion confuso, Fanático (The Fanatic) es un thriller que no logra equilibrar el fanatismo tóxico con el allanamiento de morada. John Travolta sale de su zona de confort pero es absorbido por la falta de definición de su personaje. Disponible en Netflix.

Representar el fanatismo en el mundo del espectáculo es una idea interesante atento que hay millones de espectadores con pasiones desmedidas. El seguimiento emocional por un actor al cual se idolatra puede verse desbordado cuando se tiene sentimientos encontrados. El fanático, intenta materializar lo señalado pero confunde su simpleza con aditamentos confusos y mal ejecutados, logrando una evidente decepción a pesar del compromiso de John Travolta.

Travolta interpreta a Moose, el fanático en cuestión. Un hombre autista que idolatra a las estrellas de las películas de terror, coleccionando todo tipo de merchandising .  Mientras asiste a una sesión de autógrafos en una tienda local de artículos de colección, Moose es rechazado por su actor favorito, Hunter Dunbar (Devon Sawa), y se enoja.  Con la ayuda de su amiga Leah (Ana Golja), la fotógrafa paparazzi, Moose descubre dónde vive Hunter y decide visitar la propiedad para entregarle una carta en persona. Las tensiones aumentan cuando el rechazo de la estrella de cine persiste, dando comienzo a un desborde emocional inusitado.

El fanático tiene una idea interesante que ya ha sido retratada en otra oportunidad (The Fan) con Robert de Niro en el papel de un fanático de beisbol. Pero mientras en aquella el Fanático tenía una idea clara de lo que representaba, con un índice de maldad escondido en el fanatismo por el deporte, en la de referencia se confunde aquel propósito y no se logra posicionar al personaje. Es decir, aquí el fanático es un ser indefinido con un autismo que no tiene un propósito en su desborde emocional.

El trastorno psicológico del personaje no tiene un peso propio y el hecho de que este desconectado con el mundo exterior y que sea objeto de recurrentes burlas no logra justificar sus excesos emocionales como fanático. En sintonía con lo dicho, la película no profundiza su discapacidad como la soledad en la que está inmersa el personaje. Ello le da amplia libertad a Travolta para moldear cierto niveles de conducta hasta volverse escalofriante, pero no puede disimular el desconcierto. Las épocas de gloria han pasado para Travolta, quién ha tenido un resurgimiento de la mano de Quentin Tarantino. Aquí, se evidencia un trabajo comprometido y alejado de su zona de confort. Pero el guion y su ejecución no lo ayudan demasiado.

Pero el gran problema de Fanático es la identidad de la víctima. Se presume que el extraño acosador es el que está equivocado. Pero el film aporta una innecesaria confusión al retratar al acosado (Hunter) como una persona un tanto soberbia y desagradable. La deficiencia en esta área aporta poca claridad y le quita el matiz siniestro al personaje de Travolta. Ahora, cuando Moose cruza la línea de lo permitido, el film se transforma en una secuencia de allanamiento de morada. Aquí, el film aporta sus mejores momentos de suspenso con un buen manejo de las niveles tensión en escena y un Travolta totalmente volátil. Pero no es una recompensa ganada, el tercer acto final es un verdadero desconcierto y traerá un frunce de cejas en el observador. Lo que sí hay algo que queda claro, el fanático no es una acosador.

RESUMEN

En resumida cuentas, Fanático (The Fanatic) es un thriller extraño y de difícil recomendación. Su confuso guion y posicionamiento de sus personajes no logra representar con certeza el fanatismo toxico.

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PASAJE AL PARAISO (2022)

critica pasaje al paraiso

Con sus debilidades, Pasaje al Paraíso (Ticket to Paradise) cobra impulso por el encanto de George Clooney y Julia Roberts. La comedia romántica es simple, algo divertida y conformista. Aun así se las arregla para ofrecer su mejor costado sentimental.

Se puede decir que las comedias románticas están diagramadas para resentir las fibras del corazón. Hay algo en ellas que despierta una atracción placentera por el solo hecho de presenciar una representación amorosa probable. Pero aunque siempre parezcan reiterativas, con personajes antagónicos o de cultura y estratos sociales diferentes siempre salen fortalecidas por su positividad. Esta sensación es la recompensa que se busca en cada comedia romántica, sin ella el fracaso es absoluto. Pasaje al Paraíso, logra aquel concepto en los tramos finales pero no deja de ser una comedia con cierta debilidad. Simple y conformista, por no profundizar en los aspectos románticos, la película cobra impulso por el carisma de Clooney y Roberts.

Georgia (Roberts) y David (Clooney) Cotton se detestan.  Después de cinco años de matrimonio, se divorciaron y han vivido los últimos 25 años con el alivio de estar separados.  Cuando su hija Lily decide casarse, después de solo un mes de conocer a Gede durante sus vacaciones en la isla de Bali, idean un plan para sabotear la boda. Pronto se verán atraídos por viejos sentimientos sin resolver y en los que podrían encauzar su antigua relación.

Pasaje al Paraíso es una comedia romántica simple y conformista. Lo dicho no va en detrimento de su conclusión (lo mejor del film) sino en la falta de profundización de los personajes como de su costado romántico. La película cuenta con el carisma bien ganado de Clooney y Roberts, quienes logran distraer con sus presencias ciertos pasajes mediocres del film. Con un guion programado para evitar dilaciones de tiempo, en cuanto a la historia de los personajes, el film se retrasa en situaciones “divertidas” y omite profundizar otras de contenido romántico, cuando más lo ameritaba por la calidad del elenco.

Clooney y Roberts son artistas consagrados y buenos estandartes en el genero romántico. Pero el guion no evoluciona en aquel sentido. El film expone un marcado antagonismo en los personajes pero no está del todo aprovechado y sus diferencias concluyen rápidamente. Cuando se abre paso a la comedia, las bromas no siempre dan resultado y en ocasiones extienden considerablemente el tiempo de ejecución. Llegado el ansiado momento romántico, la pareja estelar no profundiza demasiado en su relación como tampoco brinda destacados momentos cálidos , en cuanto a besos se refiere. Pero estas debilidades se dejan de lado en su acertada conclusión sentimental, que es en definitiva donde el film contagia en positividad.

La película cuenta con un elenco secundario agradable pero no tienen mucho tiempo para trabajar sus personajes. La joven pareja que decide casarse en la isla paradisiaca no tienen una fuerza presencia en pantalla, más que erradicar una energía de simpleza y tolerancia ante los intentos de sabotear la boda. Como reproche, quizás, se les podría haber incluido una situación más dramática para aprovechar el talento de Clooney y Roberts. Pasaje en el Paraíso la tiene en su esencia, pero esta suavizada.

Con bellos paisajes como escenario, la película cumple en grandes rasgos con lo que propone y ofrece, sin exagerar, un sentido mensaje sentimental. La vuelta de la que alguna vez fue la sonrisa más cotizada de Hollywood (Julia Roberts) junto al siempre galán George Clooney compensan cualquier debilidad narrativa con sobradas dosis de carisma. Juntos logran transmitir la indescriptible sensación a la que apunta toda comedia romántica: la positividad, aquella que erradica un bienestar placentero y que en estos tiempos es demasiado.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Pasaje al Paraíso (Ticket to Paradise) es una comedia romántica que podría haber profundizado más en sus personajes como en su marcada situación romántica y dramática. Aun así, el carisma de Clooney y Roberts hace que el film valga la pena.

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EL EXTRAÑO (2022)

Con una esencia intrigante y perturbadora, El Extraño es un thriller psicológico que desenmascara a fuego lento un crimen atroz. Disponible en Netflix.

El Extraño ( The Stranger) es un relato ficticio de la investigación para resolver el asesinato de un niño de 13 años en Australia.  La historia, basada en un hecho real, elimina los detalles claves del procedimiento y sigue el intento de capturar al asesino a través de una elaborada operación encubierta por parte de la policía.  Si bien la dirección opto por una narrativa lenta y estructural de sus personajes, la labor en eje de sus intérpretes hace que la película mantenga la intriga hasta al final a pesar de un primer acto poco convincente.

El thriller criminal australiano, sigue a un grupo de policías encubiertos que reabren una investigación frustrada por falta de pruebas. El hecho es el secuestro y asesinato de un niño de 13 años que causó conmoción en un pequeño pueblo de Australia. A tal fin, la policía ordena la reactivación de la búsqueda del sospechoso y crean un plan para atraparlo y lograr su confesión. Para que la operación tenga éxito, el oficial Mark (Joel Edgerton ) necesita lograr la confianza del sospechoso Henry (Sean Harris), algo que se anhelaba desde hace mucho tiempo.

El thriller es sombrío, inquietante y perturbador. Estos conceptos están bien manejados por la dirección que priorizó los hechos posteriores al crimen. Aquí no hay ningún indicio que permite restaurar la secuencia del hecho en cuanto a violencia grafica se refiere. Solo hay un claro sospechoso y un intento de capturarlo con una prueba confesional. La perspectiva es un acierto porque permite evitar acciones duras, casi intolerantes, centrándose en la seriedad de la operación encubierta para capturar al asesino. Esto no le quita dureza a la película ya que sobrevuela en el imaginario colectivo la sensación de inquietud a medida que la narración avanza, a fuego lento, alrededor del caso real de la desaparición de un niño de 13 años.

La narrativa tiene una atmosfera de suspenso bien configurada. Si bien se le puede reprochar un primer acto un tanto desconcertante, es su segunda mitad la que logra revitalizarla por completo. La partitura musical tiene vital importancia en el comportamiento de los personajes. La música refleja la seriedad de la operación, la impronta de los personajes y la brutalidad del hecho en cuestión. Hay una clara intención de mantener expectante a la audiencia, la cual se sentirá desconcertada mientras se avanza con el misterio lentamente.

Ahora bien, el acierto de la película es el manejo de la intriga en el que se apoya las interpretaciones de Joel Edgerton y Sean Harris. El primero, como el policía que se hace amigo del sospechoso, demuestra el agotamiento mental que puede ser sometido un agente encubierto, incluso cuando tiene a su cargo un hijo de iguales características al desaparecido. Sin embargo, es el segundo (Harris) que se roba todo el espectáculo. La seriedad atroz con la que encarna al principal sospechoso es silenciosamente aterradora. Si bien Harris es un actor que interpreta generalmente a villanos, no se puede dejar de exaltar la mirada perturbadora y desconfiada de sus movimientos. En relación a ello, el film no aprovecha como debería estos atributos del actor para generar un desconcierto aun mayor en la audiencia.

El enfoque para resolver este caso fue el instrumento necesario para resolver el mayor caso de secuestro en Australia. En este sentido, resulta interesante como se desenvuelven las estrategias de operaciones encubiertas, pero no es el fuerte de la película aquí. Todo el peso de la narrativa recaen en el vinculo de Mark y Henry y en la confianza para genera una confesión.

RESUMEN

En definitiva, El extraño (The Stranger) es un buen thriller psicológico con una destacada labor de Sean Harris. Sin violencia grafica, genera inquietud y perturbación por la brutalidad implícita de un crimen real.

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