HIGH HEAT (2022)

El encanto de Olga Kurylenko y la vuelta de Don Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad. Entre las moderadas secuencias de acción y su apuesta a la comedia, High Heat desaprovecha todo lo que construye.

Los créditos iniciales de High Heat presume pensar que la película será tan ligera como un plato de comida rápida. Algo que no es un reproche, teniendo en cuenta las dimensiones presupuestarias que tienen los largometrajes de clase “B”. Pero mientras estas se construyen con una idea clara en términos de ejecución, High Heat no logra imponer los géneros que transita. La indefinición se hace notoria cuando mezcla la acción, comedia y algo de drama sin buenos resultados a pesar del buen elenco actoral el cual no tiene mucho material con el que trabajar. Las buenas intenciones de la película no se plasman en su estructura a pesar del encanto de Kurylenko y la vuelta de Don Johnson. Así, High Heat tiene poco para ofrecer y desaprovecha todo lo que construye.

La historia sigue a Ana (Kurylenko), una promisoria chef que está a punto de inaugurar un restaurante de primera categoría. La acompaña su esposo y socio comercial (Don Johnson), quién esa noche recibe vistas inesperadas de un antiguo amigo que reclama una deuda. Cuando los mafiosos se deciden quemar los cimientos de restaurant, se revela que Ana no solo tiene el talento para el arte culinario sino también que es una antigua integrante de la KGB. Para salvar el emprendimiento, deberá desterrar sus “habilidades” en lo que será un enfrentamiento de una sola noche.

Se dijo que la película tiene buenas intenciones y esto se evidencia en el tono rápido y caricaturesco que se le imprimen a todos sus personajes. El problema radica en su aspiración a ser algo más de lo que realmente es. High Heat tiene una duración de una hora y veinte minutos y trata de abarcar y mezclar diferentes géneros con resultados negativos. El elenco secundario a disposición de la dirección es realmente bueno (raro en películas de clase “B”) pero aquellos interpretes no tienen ni el guion ni el tiempo para profundizar sus personajes. Ejemplo de ello es el cómico aporte (desaprovechado ) de Jackie Long, convirtiéndose, quizás en el único ejemplo de éxito en ese sentido.

La película tiene pocas locaciones. La cocina del restaurant y un estacionamiento vacío son los entornos donde se desenvuelven las pocas y aceptables secuencias de acción. En este aspecto no tiene mucho para ofrecer y se siente algo moderada y un tanto limitada teniendo en cuenta lo disparatado de su comicidad. Olga Kurylenko usa su encanto para materializar cualquier situación de peligro pero ello no es suficiente y no puede salvar a la película de su mediocridad.

En cuanto a Johnson, muestra química con su estrella principal y si bien es la fuente del conflicto con la cuantiosa suma de dinero adeudada , su aporte no deja de ser secundario. La interacción de mafiosos, deudores y asesinos encubiertos no está bien materializado y ello se evidencia en los focos de conflicto que se van abriendo camino. Así, High Heat se va apagando con el correr de los minutos mientras se observa de reojo las agujas del reloj. Un pecado capital para una propuesta que tiene el fin de generar entretenimiento, sin exigencias.

RESUMEN

High Heat tiene buenas intenciones que la dirección no alcanza a ejecutar. Lo que debería ser su fuerte de exposición (la acción ) es moderada y limitada con lo que la expectativa y el interés se irán diluyendo en el correr de los minutos. El elenco no es un problema pero el guion sí lo es al no saber controlar los diferentes géneros que transita. Con todo, Kurylenko y Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad.

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PASAJE AL PARAISO (2022)

critica pasaje al paraiso

Con sus debilidades, Pasaje al Paraíso (Ticket to Paradise) cobra impulso por el encanto de George Clooney y Julia Roberts. La comedia romántica es simple, algo divertida y conformista. Aun así se las arregla para ofrecer su mejor costado sentimental.

Se puede decir que las comedias románticas están diagramadas para resentir las fibras del corazón. Hay algo en ellas que despierta una atracción placentera por el solo hecho de presenciar una representación amorosa probable. Pero aunque siempre parezcan reiterativas, con personajes antagónicos o de cultura y estratos sociales diferentes siempre salen fortalecidas por su positividad. Esta sensación es la recompensa que se busca en cada comedia romántica, sin ella el fracaso es absoluto. Pasaje al Paraíso, logra aquel concepto en los tramos finales pero no deja de ser una comedia con cierta debilidad. Simple y conformista, por no profundizar en los aspectos románticos, la película cobra impulso por el carisma de Clooney y Roberts.

Georgia (Roberts) y David (Clooney) Cotton se detestan.  Después de cinco años de matrimonio, se divorciaron y han vivido los últimos 25 años con el alivio de estar separados.  Cuando su hija Lily decide casarse, después de solo un mes de conocer a Gede durante sus vacaciones en la isla de Bali, idean un plan para sabotear la boda. Pronto se verán atraídos por viejos sentimientos sin resolver y en los que podrían encauzar su antigua relación.

Pasaje al Paraíso es una comedia romántica simple y conformista. Lo dicho no va en detrimento de su conclusión (lo mejor del film) sino en la falta de profundización de los personajes como de su costado romántico. La película cuenta con el carisma bien ganado de Clooney y Roberts, quienes logran distraer con sus presencias ciertos pasajes mediocres del film. Con un guion programado para evitar dilaciones de tiempo, en cuanto a la historia de los personajes, el film se retrasa en situaciones “divertidas” y omite profundizar otras de contenido romántico, cuando más lo ameritaba por la calidad del elenco.

Clooney y Roberts son artistas consagrados y buenos estandartes en el genero romántico. Pero el guion no evoluciona en aquel sentido. El film expone un marcado antagonismo en los personajes pero no está del todo aprovechado y sus diferencias concluyen rápidamente. Cuando se abre paso a la comedia, las bromas no siempre dan resultado y en ocasiones extienden considerablemente el tiempo de ejecución. Llegado el ansiado momento romántico, la pareja estelar no profundiza demasiado en su relación como tampoco brinda destacados momentos cálidos , en cuanto a besos se refiere. Pero estas debilidades se dejan de lado en su acertada conclusión sentimental, que es en definitiva donde el film contagia en positividad.

La película cuenta con un elenco secundario agradable pero no tienen mucho tiempo para trabajar sus personajes. La joven pareja que decide casarse en la isla paradisiaca no tienen una fuerza presencia en pantalla, más que erradicar una energía de simpleza y tolerancia ante los intentos de sabotear la boda. Como reproche, quizás, se les podría haber incluido una situación más dramática para aprovechar el talento de Clooney y Roberts. Pasaje en el Paraíso la tiene en su esencia, pero esta suavizada.

Con bellos paisajes como escenario, la película cumple en grandes rasgos con lo que propone y ofrece, sin exagerar, un sentido mensaje sentimental. La vuelta de la que alguna vez fue la sonrisa más cotizada de Hollywood (Julia Roberts) junto al siempre galán George Clooney compensan cualquier debilidad narrativa con sobradas dosis de carisma. Juntos logran transmitir la indescriptible sensación a la que apunta toda comedia romántica: la positividad, aquella que erradica un bienestar placentero y que en estos tiempos es demasiado.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Pasaje al Paraíso (Ticket to Paradise) es una comedia romántica que podría haber profundizado más en sus personajes como en su marcada situación romántica y dramática. Aun así, el carisma de Clooney y Roberts hace que el film valga la pena.

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ACCIDENT MAN 2 : Hitman’s Holiday (2022) 

critica accident man 2

Con abundantes coreografías de artes marciales en donde brilla el talento de Scott Adkins, Accident Man 2 no aprovecha los aciertos de su antecesora pero no deja de ser un viaje divertido.

Scott Adkins pertenece al genero de actores infravalorados. Su talento en el arte marcial lo ha llevado a ser un referente en películas de bajo costo en donde los recursos se materializan por la acción coreográfica que el actor inglés ejecuta. En esta oportunidad, Adkins impulsa un proyecto propio que comenzó en el año 2018 y en la que ha pasado desapercibido. Accident Man (algo así como el hombre accidente) centra su narrativa en los asesinatos accidentales con un toque de comedia negra . Su continuación se aparta de la esencia de su antecesora y en su lugar despliega abundantes coreografías de acción en donde brilla el talento marcial de Adkins. A saber, es un viaje entretenido para los seguidores del actor como para aquellos que busquen un placer culpable.

Accident Man 2 se centra en el asesino profesional Mike Fallon (Scott Adkins). Después de los acontecimientos de Londres, Mike huye a Malta para mantenerse desapercibido y continuar como contratista de asesinatos accidentales. Cuando su antiguo amigo Fred es secuestrado por una jefa de un peligroso sindicato del crimen, Mike se ve obligado a proteger a su hijo a cambio de la vida de su compañero.

Para empezar hay una clara intención en Accident Man 2 de exaltar una narrativa alegre, absurda y caricaturesca. Desde sus simples y desvergonzados diálogos hasta su ligera introducción de la historia hacen que resulte indiferente visualizar su primera parte ya que su continuación se sostiene por sí sola. Dicho esto, se puede decir que la original había construido las bases para el desarrollo en las preparación de los asesinatos accidentales. Si bien no hay ninguna pisca de originalidad en ella, ya que bien podría haberse tomado de la película El Mecánico (con Jason Statham) en donde el protagonista también disfrazaba los encargos de homicidio en un accidente, la utilización del humor negro y el estilo sombrío de las ejecuciones tenían su valor agregado.

Esta característica tan bien ganada en Accident Man es desaprovechada en su segunda parte y en este punto es donde la película pierde su eje. En su lugar lo compensa con las increíbles coreografías de artes marciales en las que Scott Adkins demuestra que es uno de los mejores en su genero. En relación a ello, todas las escenas de lucha se ven claras. Cada golpe lleva el destino deseado y si bien pecan de exageración van a tono con el aspecto caricaturesco de los personajes. Todas las piezas de acción fueron supervisadas por los hermanos Kirby (a cargo de la dirección). Especialistas en acrobacias, dando sobradas muestras que lo suyo son lo combates vistosos y exagerados. Quienes busquen este tipo de propuestas saldrán altamente recompensados.

Accidente Man 2 cuenta con una buena química en sus protagonistas. Gran parte de su éxito radica en el carisma de sus personajes y en los pasos de comedia que en muchas veces se ven involucrados. En este punto la incursión de Sarah Chang, quién, salvando las distancias, emula a un servidor del Inspector Clouseau  en la Pantera Rosa está bien direccionada. Su aporte trae frescura al elenco y es una buena opción para explotar su personaje, si es que hay una tercera parte. Con todo, Accidente Man 2 tiene lo que se necesita para entretener dentro de su caótica narrativa.

RESUMEN

En definitiva, Accidente Man: Hitman’s Holiday es un viaje alocado lleno de combates coreografiados donde brilla la figura marcial de Scott Adkins.

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ROMANCE EN VERONA (2022)

critica romance en verona

Sin mucho para ofrecer, en cuanto a originalidad, Romance en Verona (Love In The Villa) es una simpática comedia romántica que entretiene a pesar de su extensa duración. Disponible en Netflix.

Relaciones de parejas que se rompen y viajes programados que se concretan, a pesar del infortunio amoroso, es una premisa clásica para dar pie al descubrimiento de un nuevo amor. Romance en Verona adapta elementos reconocibles en otras películas de genero, con dos dispares protagonistas que no van más allá de su simple guion. Sin mucho para ofrecer, en cuanto a originalidad, el film entretiene por la ligereza del romance, pese a su extensa duración.

La historia comienza con Julie (Kata Graham), una romántica maestra de tercer grado que está a punto de viajar a Verona junto a su novio de cuatro años, Brandon. Mientras planifica su estadía en la ciudad del amor se encuentra con lo impensado, su novio la deja porque se encuentra demasiado ahogado con la relación. Desencantada, decide realizar el planificado viaje y conocer el balcón donde Romeo se le declaró a Julieta. Después de su accidente viaje a Italia, Julie se anoticia de que su reserva está ocupada por Charlie (Tom Hopper), un apuesto pero cínico británico que no está dispuesto a irse de la habitación. Cuando logran un acuerdo de convivencia se avecina un enfrentamiento entre ambos para ver quién se va de la Villa primero. Con el encanto romántico de la ciudad no tardarán en acercar sus diferencias.

Quien esté esperando un film a prueba de pañuelos o con ingredientes suficientemente emocionantes como para respirar un aire de romanticismo, es preciso señalar que Romance en Verona no los tiene. A pesar del encanto de la ciudad italiana y de algún que otro giro del “corazón”, el film sienta las bases en el juego de las diferencias de sus protagonistas y no aprovecha el impulso final, que sí se requiere para este tipo de comedias.

No hay una representación precisa en cuanto a la perspectiva de los personajes. Todo se desarrolla en forma simple y rápida, negando cualquier tipo de individualidad. Esto hace que el trasfondo de la historia y su romanticismo pierda fuerza a causa de la ligereza en que se retrata sus 15 minutos iniciales en donde prevale las situaciones accidentadas. De manera que, ninguno de los personajes cuenta con el peso necesario para resaltar y exponer sus historias. Esto le quita profundidad a la trama atento que tanto Julie como Charlie no tienen mucho para contar sobre ellos mismos, salvo algunos escasos diálogos.

Lo mismo sucede con el viaje que lleva el título del film. Julie ha planificado minuciosamente su viaje a Verona pero poco se muestra de su itinerario. De haberse involucrado más esta circunstancia el resultado hubiese sido más satisfactorio atento que el film se beneficia enormemente por las locaciones de la ciudad.

A pesar de estos problemas, Romance en Verona tiene la capacidad para entretener por méritos ajenos antes que propios por la sencilla razón de que repite una fórmula ya comprobada. En cuanto a la pareja protagónica, cumplen acabadamente, sintiéndose más cómoda y espontanea Kat Graham que su partenaire masculino, en deuda en su tramo final cuando se requiere una exigencia de compromiso romántico. A pesar de su simpleza y por momentos, irreal guion, la pareja ofrecen una aceptable química.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Romance en Verona (Love in the Villa) es una comedia romántica más. Con una historia simple y carente de individualidad en sus personajes, es capaz de entretener, sin exigencias.

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TIEMPO PARA MI (2022)

Mark Wahlberg y Kevin Hart no pueden ir más allá de un guion simple y sin ideas. Tiempo para Mi (Me Time) es una comedia que apuesta a la risa fácil y a pesar de sus escasos momentos cómicos, se torna aburrida. Disponible en Netflix.

Si bien es cierto que hay que ser un poco benévolo con las comedias modernas de estos tiempos, atento que es muy difícil hacer reír, se demanda una cierta cuota de sentido en su escritura para poder incluir todo tipo de bromas, incluso aquellas de dudoso gusto como las escatológicas. Entonces, cuando la historia es rehén de la risa fácil (por catalogarla de alguna manera) el resultado queda a merced de los momentos cómicos. Tiempo para mí, fracasa en este sentido a pesar del esfuerzo de Kevin Hart.

La historia sigue a Sonny Fisher (Hart), un orgulloso padre de familia que está a cargo de la actividad doméstica. Mientras su esposa arquitecta triunfa en su profesión, Sonny necesita un tiempo a solas. Sus dos hijos y las tareas cotidianas, en las que se incluye su labor como director de concurso de talentos de la escuela de sus hijos, lo mantienen desbordado como padre de familia. Mientras tanto su ex gran amigo Huck, un soltero empedernido, (Mark Wahlberg) lo invita a su fiesta número 44 de cumpleaños. Cuando su esposa le ofrece llevarse a sus hijos para crear un vínculo de calidad, Sonny concurre a la celebración de su amigo. Pronto, la tranquilidad se convierte en un fin de semana salvaje que amenaza la reputación de Sonny como hombre de familia.

Para empezar la trama tiene la oportunidad de explorar los sentimientos de un matrimonio que tienen tareas diferentes. Sonny es amo de casa y esta abocado a la crianza y educación de sus hijos. Esto le quita tiempo personal y un replanteo de si ha elegido el camino correcto. Por otra parte, su esposa Maya, es exitosa en su profesión pero ha perdido dedicación de calidad en sus dos hijos. Lamentablemente, ninguna de las dos facetas se profundiza debidamente, quitándole peso emocional a la hora de su llegada. En su lugar, se crea una atmosfera de simple diversión en donde no abundan buenos momentos ganados.

Kevin Hart lleva el peso del relato y hace un gran esfuerzo para que la trama no sea más simple de lo que realmente es. Hart, un comediante nato, especialista en el arte del stand-up, potencia situaciones demasiadas simples y torpes, que a esta altura ya no hacen mucha gracia. Desde escapar de un animal salvaje, hasta quedar expuesto ante una situación indeseada, Hart utiliza su oficio como comediante pero no le es suficiente por el simple hecho que no tiene mucho con qué trabajar.

Tiempo para Mi, se abastece de lo escatológico y de ciertos gags de dudoso gusto. Si bien es cierto que la audiencia es para un público joven (casi adolescente) bien podría haberse abordado alguna faceta más emocional. En este sentido, el film desaprovecha la indecisión que puede generar la edad adulta como las obligaciones que impone la vida, sometiendo a los personajes en un simple juego caricaturesco.

Pero quién se lleva la peor parte es Mark Wahlberg. Acostumbrado a participar en roles de comedia, aquí el guion (otra vez) no la da muchas oportunidades para terminar de armar su personaje. Huck quiere seguir siendo un soltero y gastar en ella la mayor cantidad de dinero, lo que le hace meterse en problemas. La ejecución no está bien orquestada y la química con Hart apenas funciona. Con lo que la ordinariez absorbe el concepto de simpleza dejando a Tiempo para Mí, como un pasatiempo con gusto a poco.

Con todo, el film no ofrece nada nuevo de lo que se puede esperar para esta clase de comedias. La casi ausencia de conceptos como la paternidad, maternidad e inmadurez en la etapa adulta le quita al film cualquier grado de estabilidad emocional, que cuando llega, no tiene el peso suficiente para prevalecer. En este sentido y sumado a las pocas risas confiables, el entretenimiento aquí no esta garantizado.

RESUMEN

En definitiva, Tiempo Para Mí (Me Time) , es una comedia que desperdicia el potencial cómico de Kevin Hart ofreciendo un film sin ideas (antes vistas y mejor ejecutadas) y escasas risas escasas poco confiables.

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El PADRE DE LA NOVIA (2022)

critica el padre de la novia

La nueva versión de El Padre de la Novia tiene un ritmo que el público adulto agradecerá, no así las nuevas generaciones. Al mismo tiempo, los unirá los genuinos sentimientos de cada uno de sus protagonistas. Disponible en HBOMax.

La lucha y el amor de un padre por el bienestar de sus hijos se ha tratado en innumerables ocasiones en el cine y está bien que así sea porque es lo que ocurre en el camino de la vida. La esencia de este tipo de películas es tocar las fibras del corazón y de paso recordarnos que lo importante siempre es la familia. La nueva versión del padre de la novia (en 1950, con Spencer Tracy y en 1991 con Steve Martin) apuntala aquellos conceptos con solvencia y autenticidad dentro de una narrativa reposada.

La película sigue a una familia tradicional cubanoamericana, con residencia en Miami, que está próxima a recibir una sorpresiva noticia. La exitosa abogada e hija mayor de los Herrara, Sofía (Adri Arjona), visita a su familia y anuncia casualmente su compromiso con Adán (Diego Boneta), un hombre que conoce hace poco tiempo. Mientras recibe salutaciones de su madre (Gloria Estefan), rebelde hermana y tíos hay alguien que presta una evidente disconformidad. Billy(Andy García), el padre de la novia, lo considera como una decisión apresurada que rompe sus moldes tradicionales al no conocer a su futuro yerno, quien no le ha pedido la mano de su hija. Mientras lucha por recomponer la relación con su hija mayor e independiente, Billy afronta una situación difícil: su matrimonio está en crisis y a punto de desmoronarse.

La película navega sobre un guion demasiado cómodo para los tiempos actuales en el sentido de que la narrativa no tiene sorpresas. Se plantea un problema familiar de fondo, como lo es un intento de divorcio en un matrimonio tradicional y a partir de allí se yuxtapone con la personalidad del padre de la novia, que quiere lo mejor para su hija. Los tiempos de ejecución de aquellos problemas están manejados con la tranquilidad, carácter y rodaje que solo tienen las personas adultas.

Aquí, todo el peso del relato recae en Andy García, quien no necesita ningún tipo de sobreactuación o situación absurda para destacarse. Su composición como padre de familia será claramente identificable en el observador que asuma las mismas características. No se está hablando de dinero ni de gustos personales. Solo de un hombre con cultura tradicional que trata de ser justo pero con temores de sentirse innecesario para el bien de sus hijas. En este aspecto García se balancea eficazmente entre los “códigos” de su personaje y lo que realmente quieren sus hijas. Llegado el tercer acto, encuentra su mejor forma en su mensaje final, que aunque predecible y sencillo, se siente una recompensa bien ganada.

Dicho todo esto, la película cuenta con una buen reparto actoral y tiene algunos momentos divertidos. Es justamente este punto donde el padre de la novia no fluye como debería atento que las situaciones de enredos no logran exponer todo su potencial. Desde Gloria Estefan hasta Rubén Rabasa (el tío de la familia que comanda el grupo de música Los Inmorales), pasando por el carismático millonario del novio, todos cumplen en buena medida sus papeles y se complementan con un Andy García que absorbe todos los puntos de la trama.

Se puede reprochar al padre de la novia su lento ritmo narrativo para sus casi doras horas de tiempo de ejecución. Algo que puede impacientar a la audiencia más joven, acostumbrada a los rápidos montajes de edición. Ante ello se puede argumentar que la película sigue los lineamientos generales de un clásico y se comporta como tal. Esta falta de creatividad no llega a jugarle una mala pasada por el compromiso emocional de sus protagonistas.

RESUMEN

En definitiva, El padre de la novia (Father of the bride) adapta adecuadamente el clásico que representa. Si bien el ritmo elegido puede llegar a dividir opiniones (o generaciones) es el tercer acto el que inclina la balanza hacia su aprobación con emociones bien ganadas. El público adulto y sobre todo, padres de familia disfrutarán el film por sus genuinos valores.

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GARRA (2022)

garra: explicación del final

El drama deportivo explora el mundo del baloncesto de una manera convencional. En Garra (Hustle), Adam Sandler pivotea sobre una historia de superación de la que resulta favorecido. Disponible en Netflix.

Adam Sandler ha hecho un nombre en la comedia con personajes que marcan una línea de conducta facilista. Su éxito, interpretando a perdedores o tipos comunes con mala suerte, lo ha llevado a repetir una y otra vez la misma secuencia, agotando sus recursos de actor cómico. Pero, la regla del que hace reír puede tener potencial dramático (si se lo trabaja) se aplica para Sandler, sin caer en términos absolutos. Sandler ya ha incursionado en el terreno dramático con Embriagado de Amor y Diamante en Bruto (esta última disponible en Netflix) y ahora lo vuelve hacer interpretando a un cazatalentos entrado en desgracia. Garra, es un inspirador drama deportivo que no se aparta del estereotipo convencional del genero, pero del que Adam Sandler resulta favorecido.

La historia de Garra sigue a Stanley Sugerman ( Adam Sandler), un cazatalentos del equipo de básquet de Filadelfia. Cansado de viajar y perderse los cumpleaños de su hija recibe la oportunidad de su vida como asistente de entrenador. Pero cuando el gerente millonario (Robert Duvall) fallece, el manejo cae en manos de su hijo (Ben Foster), un soberbio y caprichoso administrador que le devuelve el antiguo empleo. Dolorido por su sueño incumplido hace un pacto con la nueva autoridad a los efectos de conseguir un jugador que los impulse a ganar un campeonato.

En uno de los viajes de rigor, se topa accidentalmente con Bo Cruz (Juancho Hernán Gomez)en un parque español.  Stanley identifica rápidamente el talento que tiene Bo en ataque y defensa y cree que podría ser el tipo de jugador que necesita la franquicia y, además, sacarlo de los viajes de seleccionador para siempre. Mientras lidia con la soberbia de su jefe, Stanley desarrolla las habilidades de Bo Cruz y lo prepara como jugador seleccionable para la NBA.

La estructura narrativa de Garra se maneja de una manera convencional. Aquí hay dos personajes que se necesitan mutuamente mientras buscan el camino de la redención. Ello equivale a que las reglas en este tipo de historias necesitan de ciertos “obstáculos” que se deben sortear, mientras se resuelven sus oscuros pasados. En este aspecto, el film adopta el sentido de superación personal, motivado por una necesidad interna que emerge sin ataduras. Garra, capta la esencia de la película Rocky y no tiene ningún problema en confesarlo, manteniendo expectante su trama hasta su reconfortante final.

Garra, es una película de básquet, pero ello no implica tener amplios conocimientos en la materia para acercarse a ella. El factor emocional y su destino están bien definidos dentro del mundo del baloncesto en donde desfilan estrellas del deporte, reconocibles (ahora sí) por algunos seguidores o practicantes. La película cuando entre en clima deportivo, juega mucho con los entrenamientos en donde Bo Cruz debe aprender a desarrollar sus habilidades. Desde correr una calle empinada por tiempo, hasta diferentes practicas de ejercicio con pelota, Bo, se va acercando a lo que sería un profesional de élite. En este sentido, Hernán Gómez (profesional del equipo de basquetbol americano, Utah Jazz) cumple en líneas generales con lo que demanda el personaje, a pesar de la benevolencia que el guion tiene con él en su costado dramático.

Pero lo que realmente impulsa la película es la interpretación de Adam Sandler, quien contiene su personaje con suaves tics graciosos en beneficio de la narrativa. Sandler, se muestra comprometido con el mundo del baloncesto, del cual es ferviente fanático, evitando cualquier tipo de deshonra al deporte. Por supuesto, que hay algunos juegos internos (juegos mentales) dentro de la cancha, en el cual su pupilo tendrá que lidiar, pero eso no es más que una realidad entre los basquetbolistas.

Garra, no puede plasmar satisfactoriamente algunos aspectos misteriosos de la trama. Tanto el accidente de Stanley como el pasado de Bo no tienen el impacto deseado. Al margen de ello, la película tiene un buen ritmo dentro de una escritura que aporta la suficiente simpatía, en la que Sandler sale favorecido.

CURIOSIDADES

  • La descripción original de la trama decía que el personaje principal de Adam Sandler encuentra “un fenomenal jugador de baloncesto callejero mientras está en China…” Según una entrevista con Dan Patrick, Adam Sandler declaró que debido a la presión de Netflix (que, a partir del desarrollo de esta película, no hace negocios en China), la ubicación ahora se ha cambiado a Mallorca, España.
  • Se ve a Adam Sandler con una camiseta de “Federal Donut”, que es un verdadero restaurante de Filadelfia famoso no solo por sus donas, sino también por su pollo frito. 

RESUMEN

En resumidas cuentas, Garra (Hustle) tiene todo lo que se puede encontrar en una película dramática deportiva. Con un Adam Sandler comprometido, la película llega a su punto final con una recompensa bien ganada.

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TODO EN TODAS PARTES AL MISMO TIEMPO (2022)

todo en todas partes al mismo tiempo: explicación del multiverso

Imaginativa como agotadora, Todo en todas partes al mismo tiempo es un viaje emocional de ciencia ficción sobrecargado, en donde dividirá los gustos de los espectadores. Protagonizada por la legendaria artista marcial asiática, Michelle Yeoh.

Todo en todas partes al mismo tiempo ( Everything everywhere all at once) es de esas películas que irradian una sorprendente capacidad de imaginación. Lo dicho no deja ser un reconocimiento al ingenio de sus creadores al narrar una trama con saltos en el tiempo y universos paralelos. Pero, la grandilocuencia visual y frenética puede llegar a dificultar su capacidad de comprensión y con ella el agotamiento al intentar seguir el ritmo a una producción que abraza la ciencia ficción de una manera alocada. Imaginativa, agotadora y emotiva en ciertos pasajes, Todo en todas partes al mismo tiempo es un viaje emocional demasiado sobrecargado.

La película sigue a Evelyn Wang ( Michelle Yeoh), propietaria de una lavandería a la cual no le está yendo muy bien. Su matrimonio con su esposo Waymond (Ke Huy Quan) está en crisis, todavía se siente distante de su padre (James Hong), y la relación con su hija Joy (Stephanie Hsu) es tensa.  Además de todo eso, Evelyn se encuentra en medio de una auditoría de impuestos encabezada por una severa agente de retención llamada Deirdre (Jamie Lee Curtis).  Evelyn está tratando de salvar sus relaciones que se están desmoronando mientras evita sus propios sentimientos de insuficiencia.  Sin embargo, todo cambia cuando se da cuenta que existe un multiverso, el cual representa una versión de sí misma por decisiones diferentes. La cuestión se complica cuando se le dice que ella es crucial para salvarlo.

Todo en todas partes al mismo tiempo parte de una narración por demás imaginativa al recrear un multiverso motivado por las decisiones. Dependiendo de la capacidad de elegir, existe un universo alternativo en donde la heroína hace un recorrido de todas esas posibilidades. Como toda ciencia ficción, el film tiene sus reglas pero eso no significa que la audiencia lo comprenda con precisión. Ante esto, se puede llegar a ser difícil seguir la línea de tiempo de la historia con sus recurrentes saltos, mientras se pone en ejecución un gran despliegue visual con secuencias sumamente divertidas.

La película tiene una clara intención de sacudir a la audiencia y sacarla de su lugar de confort. Lo logra durante todo su metraje pero en el camino se corre el riesgo de producir agotamiento y confusión con tantos cortes de edición de viajes en el tiempo. La pareja de directores Dan Kwan y Daniel Scheinert (conocidos como Los Daniels) crean un mundo caótico y con opciones ilimitadas inspiradas en otras películas de genero. Desde Matrix hasta Terminator, la película parece rendirle una especie de homenaje con la diferencia que excede su capacidad lógica de comprensión. La pastilla roja y azul de Matrix es una regla de multiplicar simple al lado de lo que se propone aquí.

Ahora bien, lo que tiene de complejo lo tiene de divertido. Las secuencias constantes de saltos en el tiempo lo corresponden con situaciones desopilantes, inverosímiles y grotescas que marcan la capacidad de locura de sus creadores. En el centro de este “tornado imaginativo” se encuentra una historia familiar, con una acertada moraleja. Michelle Yeoh, lleva adelante la trama componiendo un personaje matizado, imbuyendo a Evelyn de desesperación y energía, cada vez que realiza los diferente saltos dimensionales.

Pero, si bien la actriz asiática es el corazón de la historia, no está sola. Ke Huay Quanes (Waymond) es el partenaire perfecto para Yeoh al componer al esposo que ha redactado los papeles de divorcio, hasta que una versión de otro universo se apodera de su cuerpo. La interpretación de Quanes hace que el film tenga algo de explicación con sus marcados cambios de conducta. El resto del elenco siguen la misma línea que marcan sus protagonistas.

Entre tanta situación caótica e irreal, Todo en todas partes al mismo tiempo se enfoca en la dinámica familiar y en los problemas cotidianos con que se lidian continuamente. Evelyn está cansada de su marido y no acepta la nueva relación sentimental de su hija. Mientras trata de resolver todo ello, el mundo la golpea con sensaciones encontradas en el hecho de saber si ha tomado la decisión correcta. El film da muestra de un marcado optimismo y resuelve su problemática de una manera esperanzadora. La recompensa y el sentido del film llegan en su final, si es que los espectadores menos versátiles están dispuestos a aguantar.

RESUMEN

En definitiva, Todo en todas partes al mismo tiempo logra llevar al espectador a otro nivel en la exploración del multiverso. Pero, tal nivel de locura entretenida es llevada al punto del agotamiento.

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EL VALET (2022)

critica el valet

Con un elenco encantador y una historia que fluye sin altibajos, El Valet es una reconfortante pieza visual a tener en cuenta. Disponible en Star+.

En el genero de la comedia, trabajar sobre dos personas con personalidades diferentes puede resultar familiar. Pero El Valet tiene mucho para ofrecer gracias a un guion dulce que potencia el humor, sin antes rescatar los valores familiares. Ayuda que los dos protagonistas sean encantadores, lo que facilita que en muchos aspectos la historia fluya sin altibajos. Eugenio Derbez y Samara Weaving llevan adelante una reconfortante pieza visual que no se debería dejar pasar.

La historia sigue a Antonio (Derbez), un aparcacoches del centro más pudiente de Los Ángeles que se encuentra atravesando una crisis matrimonial. Sus días de separación no son los esperados, se entera que su esposa está saliendo con alguien, mientras vive con su lujuriosa madre y con escaso dinero. Un día choca con su bicicleta un automóvil en el cual se estaba subiendo Olivia (Weaving), una famosa actriz cuya imagen se encuentra en todos los carteles publicitarios de la ciudad. Los dos no tienen nada en común, solo los vincula un hecho fortuito, atento que Antonio se transforma en un novio falso para ocultar la aventura de Olivia con un multimillonario casado. Mientras cumplen lo pactado, ambos se darán cuenta que tienen mucho que aprender sobre la vida del otro.

La premisa de la película atrapa desde su sencillez construyendo una relación central adornada con pequeñas tramas secundarias. El Valet se hace fuerte en la relación de Antonio y Olivia, como personas. Su inesperado vínculo tocará las fibras más sensibles de la audiencia, atento que ambos tienen una historia para contar dentro de sus vidas desiguales. En este punto, se evidencia un claro equilibrio entre los interpretes en donde la intervención de uno es el inicio para el lucimiento del otro. Samara Weaving irrumpe la pantalla con su belleza escénica pero es la descontracturación de la actriz y su soledad lo que la hace fascinante.

El mundo del espectáculo, aunque bello y pudiente muestra algunas capas de miseria que el dinero no puede suplantar. Y aquí es donde emerge la figura de Antonio. Eugenio Derbez es el corazón de la película al afrontar diferentes situaciones de drama y comedia, en los cuales el actor se desenvuelve de manera sobresaliente. Si bien el guion le da suficientes sensaciones para que el que trabajar, es el carisma y el aporte genuino de Derbez lo que hace que el film sea un triunfo. La resolución de las diferentes situaciones que atraviesa su personaje marcan una línea dramática empapada con un humor elegante y familiar. Derbez se luce en una de las escenas finales del film con un discurso conmovedor que puede incitar aplausos en la audiencia.

El elenco secundario funciona realmente bien como soporte complementario. Desde los amigos de Antonio hasta su lujuriosa y simpática madre, la narrativa les otorga líneas de humor genuino que harán sacar algunas risas. En este aspecto, El Valet reconoce las diferencias de clase alta de la sociedad norteamericana con la comunidad inmigrante a la cual Antonio pertenece, pero no profundiza en los problemas raciales. Los integra de una manera matizada y sutil, con algunos comportamientos éticos que el dinero no paga.

Ahora, El Valet cuenta con algunas subtramas que no tiene un desarrollo completo Desde los detectives que se esfuerzan en la tarea de vigilancia hasta el peligro de desaparición del vecindario en el que vive Antonio, sirven para enriquecer a la historia pero tiene un tratamiento reducido. En esencia, la película brilla cuando Olivia y Antonio se desenvuelven en el mundo de las apariencias y en su descubrimiento. La relación de la pareja se lleva el foco de atención por tiempo completo y su resolución satisface de diferentes puntos de vista.

RESUMEN

En definitiva, El Valet es un digno entretenimiento que no se debería dejar pasar. Con un elenco encantador y un reparto secundario eficiente, el film es un éxito en la exploración de los valores de la familia y la amistad.

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LA CIUDAD PERDIDA (2022)

critica la ciudad perdida

Channing Tatum y Sandra Bullock se divierten y divierten en una entretenida aventura. La ciudad perdida ( The Lost City) es un regreso a las fuentes, aquellas que se presumían perdidas pero que emergen por el encanto de sus estrellas.

La ciudad perdida es un regreso a las fuentes donde la aventura de la búsqueda del tesoro es proporcional al encanto de sus estrellas. Con una narrativa similar a películas del pasado, el film se apoya en el carisma de Bullock y Tatum, quienes parecen sentirse extremadamente cómodos con sus personajes y con el ritmo de la historia. La película no propone hacer nada diferente más que entretener con una formula ya probada. Lo logra, convirtiendo a La Ciudad Perdida en una aventura divertida.

La Ciudad Perdida sigue a la exitosa escritora de novelas románticas Loretta Sage (Sandra Bullock), una viuda que está terminando su ultimo libro antes de la gira promocional. Cansada de la temática de sus escrituras, de los flashes y atracción que atrae el modelo Alan (Channing Tatum) en la portada de sus libros, piensa poner un punto final a la saga de libros, de las que ya no cree. Sin embargo, su vida da un giro inesperado. Un multimillonario (Daniel Radcliffe) la secuestra con la clara intención de encontrar La Ciudad Perdida sobre la que escribió la autora. Enterado de la desaparición, Alan emprenderá su búsqueda. A pesar de no tener la menor idea delo que es un rescate, intentará todo para salvarla.

La Ciudad Perdida tiene una evidente inspiración en películas del pasado, como en busca de la esmeralda perdida o la Joya del Nilo (1985), aquellas recordadas aventuras en donde Michael Douglas y Kathleen Turner brillaban por sobre la propia historia. Aquí se logra algo semejante (aunque lejos está de igualarlas) con un elenco encantador que sabe explotar sus momentos y que se compensan realmente bien. En este aspecto, Bullock es el alma del film y la energía frustrada que transmite es sorprendente. La actriz se deja llevar por la trama siendo la damisela en apuros, con situaciones graciosas que sabe manejar con su buen timing característico, cada vez que está en peligro. Bullock, se siente cómoda con su personaje y con el genero de aventuras, del que debería haber incursionado hace tiempo. Pocas actrices pueden imponer su carisma en beneficio de la historia y Bullock lo logra de sobremanera.

En la misma línea se encuentra Channing Tatum. La buena química con Sandra Bullock lleva al actor a explotar su lado cómico. Si bien la historia del personaje ( es un modelo que no sabe nada de rescate) lo centra para que el actor se comporte de determinada manera, las reacciones de Tatum cumplen, con un semblante por demás divertido. Alan, no tiene habilidades de combate y no conoce ningún método de supervivencia con lo que la audiencia logrará empatizar con el personaje, gracias a la impronta de Tatum.

En referencia al villano de turno, Daniel Redcliffe (más conocido como el que interpretó a Harry Potter) se complemente bien con el elenco en cuestión pero no cuenta con el tiempo necesario para ser realmente amenazante. Párrafo aparte merece la irrupción de Brad Pitt. Su personaje tiene escaso minutos pero cuando interviene impulsa la química de Bullock y Tatum. Una verdadera estrella que no necesita de ningún halago.

La ciudad pérdida cuenta con buen ritmo y con muchas situaciones divertidas. Si bien alguna de ellas no son tan efectivas, no se detienen demasiado para dar comienza a las otras. Principalmente, la película está animada por la labor de Bullock y Tatum. Todo se desenvuelve alrededor de ellos y está bien que así sea. Tal vez se le pueda reprochar la falta de alguna secuencia de acción más ingeniosa que sobrepase los límites de esta clase de aventuras de genero.

Pero, se priorizó el humor, que nunca se siente forzado, por la buena química de sus protagonistas. Debido a eso, el film logra entretener acertando en un genero que se había olvidado. Las aventuras románticas rodeadas de peligro con un tesoro al que descubrir son siempre bienvenidas por la emoción y entretenimiento que generan. La Ciudad Perdida es una de ellas y sin ser de las mejores o de las que se recordarán en el futuro, cuenta con el encanto suficiente para mantener la expectativa hasta el final.

CURIOSIDADES

  • Sandra Bullock es 16 años mayor que Channing Tatum.
  • La escena de la silla en la carretilla fue filmada en una sola toma.
  • La premisa de esta película es muy similar a Tras la Esmeralda Perdida (1984).
  • Ryan Reynolds fue buscado originalmente para el papel principal masculino.
  • La Ciudad Perdida fue filmada en Republica Dominicana.
  • La cita latina dicha por Bullock; “Dulcius ex asperis” es latín y básicamente se traduce como “más dulce después de la victoria”. 

RESUMEN

En resumidas cuentas, La Ciudad Pérdida (The Lost City) mezcla el romance, el humor y las aventuras. Es un retorno a las fuentes y si bien no inventa nada nuevo ni trasciende por su propia esencia, logra entretener la mayor parte del tiempo de ejecución gracias a un carismático elenco que entiende lo que es el arte del entretenimiento. Sandra Bullock, Channing Tatum y Brad Pitt deberían replantarse una secuela.

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