El banco de España protege sus reliquias y sus reservas en oro en una cámara acorazada que se inunda por completo cuando es invadida. Se construyó después de la Guerra Civil en Madrid y se ubica a más de 40 metros de profundidad. Es una obra de ingeniería imposible de atracar ya que durante 80 años de existencia nadie se ha animado a entrar en la bóveda.
Como nada es imposible en la ficción un grupo de ladrones tratarán de robar el contenido de la bóveda del Banco de España durante el transcurso del Mundial de Sudáfrica 2010. The Vault (la bóveda) reúne todos elementos del cine de robos. Donde la planificación y su puesta en funcionamiento, a pesar de algunas licencias, están bien ejecutadas.
Tres monedas de oro que ocultan coordenadas para el hallazgo de un tesoro escondido es el trasfondo narrativo en el cual se desenvuelve la historia. Su búsqueda data desde 1645 con el hundimiento del barco que las transportaba a 40 km de la costa española.
Un grupo de cazatesoros hallan las monedas junto a otras reliquias pero se encuentran con la presencia de la aduana marítima española que les retendrá su descubrimiento. Llevado el caso a la Corte de la Haya no se hace más que ratificar el dominio español al carecer de un permiso de salvamento.
Es en este momento donde los cazatesoros devenidos en ladrones empiezan a idear un plan de robo en el Banco de España. Para ello necesitan de una mente maestra que planifique el ingreso a la bóveda y que la selección de futbol de España llegue a la final de la copa del mundo.
El director español Jaume Balaguerò realiza una agradable película de atracos dividiendo sus casi dos horas de metraje en dos actos. En el primero desarrolla los personajes con un tono narrativo simple pero efectivo. Aquí luce interesante la planificación. La bóveda y el Banco de España tienen sus secretos y sus cámaras de vigilancia con lo que se genera un ambiente propicio para este tipo de relatos.
En su segundo acto es donde se desarrolla el atraco. Su desarrollo narrativo cumple en su ejecución poniendo una serie de secuencias propias de la saga de Misión Imposible aunque un poco más terrenal.
Los efectos visuales cumplen discretamente. En cuanto a las locaciones, la hermosa ciudad de Madrid brilla en sus tomas aéreas . Quien haya tenido la fortuna de caminarla se dará cuenta que su filmación es fidedigna. Tanto el banco (su aspecto exterior) como la plaza de Cibeles están presentes. Su filmación con planos simultáneos no es casualidad ya que la bóveda del banco, en caso de ser penetrada, se abastece de la fuente de Cibeles. Es un dato real que se desarrolla en la ficción.
Ahora bien, toda película de robos tiene que tener intérpretes que realcen su texto narrativo. Lamentablemente esto no sucede. Los ladrones están divididos en dos grupos. Los operadores, son los que informan cada de uno de los movimientos externos. Siempre están fuera de peligro y siguen toda la secuencia por radio y televisión.
Los de campo, son los que entran en acción y ponen en practica lo planificado. Ninguno de los tres integrantes tienen el carisma necesario que se requiere para este tipo de largometrajes. Casualmente, se evidencia un desaprovechamiento del talento actoral español. Tanto Luis Tosar como José Coronado están desaprovechados.
Asalto en la Casa de la Moneda (The Vault) es una película de atracos con ciertas similitudes con la serie La Casa de Papel en cuanto a planificación y funcionamiento de la Bóveda. Su premisa es más que interesante ya que exhibe una obra de ingeniería actual e impenetrable.
PUNTOS POSITIVOS
Su interesante premisa y su puesta en ejecución.
Su último acto luce sólido y con un tiempo de duración considerable.
PUNTOS NEGATIVOS
Actores españoles desaprovechados. Tanto Coronado como Tosar podrían haber aportado más con otros papeles.
El tridente de atracadores. La mente maestra del plan, la ladrona y el nadador no convencen por carecer de carisma. Es un don natural que tienen algunos y es lo que diferencia una estrella de un actor secundario. Ninguno de ellos los tiene en ningún pasaje del film.
RESUMEN
Asalto a la Casa de la Moneda (The Vault) es un producto familiar y entretenido. Su interesante trasfondo narrativo se ejecuta correctamente en un marco de referencia real como lo es la bóveda del Banco de España.
EL 11 de septiembre del año 2001 fue una fecha que marcó un antes y un después en la vida de los estadounidenses y de la comunidad internacional. El ataque terrorista en suelo americano no solo provocó un temor generalizado en todo el mundo sino que alteró las políticas internacionales de la seguridad aérea. A partir de esa fecha los Estados Unidos han usado la Base Naval de la Bahía de Guantánamo para recluir a personas acusadas de terrorismo. Es un centro de detención donde no se respetan las garantías constitucionales y en donde hay un criterio para emplear la fuerza contra cualquier individuo vinculado con el terrorismo internacional.
Esta es la historia de Mohamedou Ould Slahi. Un mauritano que fue detenido y derivado a diferentes centros clandestinos de detención hasta recalar en la Base de Guantánamo. Slahi se encuentra en Mauritania ( paìs ubicado en el noroeste de África) mientras frecuenta una fiesta familiar. En el transcurso de la noche recibe una visita policial por haber recibido una llamada de Bin Laden mediante el teléfono de su primo. Acto seguido, y previo a entregarse, borra todos lo contactos de su celular y se funde en un abrazo con su madre. A partir de aquí empieza la odisea del protagonista el cual fue privado de su libertad sin tener un fundamento concreto de su detención. Hasta que el gobierno estadounidense decide resolver la situación legal de los detenidos en la cárcel de Guantánamo. Esto es juzgarlos mediante un tribunal con todas las pruebas recolectadas.
El caso llama la atención de Nancy Hollander, una prestigiosa abogada que busca imponer la figura jurídica del Habeas Corpus. Esto es llevar al detenido inmediatamente ante el juez para que resuelva su situación procesal. Como el congreso de Estados Unidos había autorizado la custodia indefinida de ciudadanos no estadounidenses el procedimiento jurídico (habeas corpus) quedaba reducido a la inmediata fecha del juicio. Pero para ello la abogada deberá conocer primero a Slahi. Con lo que parte, junto a su ayudanta, a la base de Guantánamo.
Resulta interesante la postura de la letrada, interpretada por Jodie Foster, en donde busca el respeto hacia el Derecho. Se presume que todos los profesionales buscan lo mismo, pero es notable su valentía teniendo en cuenta el contexto social en el que transitaba la comunidad americana. Acepta el caso más allá de los ataques periodísticos y sociales.
Durante su defensa se verá impedida de conocer las pruebas del caso porque las causas bajo terrorismo representan un secreto de estado. No obstante ello logra su visualización hasta que encuentra la confesión escrita de su representado. Esto es la aceptación de haber participado en el reclutamiento de terroristas para el atentado.
En este momento el metraje de la trama se va dividiendo en tres partes. Los padecimientos de Slahi en la Base de Guantánamo. La profesionalidad de la letrada, más allá de la confianza hacia su representado. El compromiso moral de un fiscal que buscará la pena de muerte para el acusado.
Las letradas dentro de Guantánamo.
El director Kevin Macdonald logra solidificar su relato en sus tres partes. Realiza una puesta en escena de la Base de Guantánamo en donde exhibe su apariencia interna. En ella se observa el tratamiento dispensado en el cuerpo de Slahi. Su sometimiento es cruel. Al igual que sus métodos de persuasión. Las técnicas de tortura física y mental no dejan de ser impresionables por lo que representan, logrando una empatía inmediata con el protagonista en la lucha por su salida del Centro de Detención.
El cineasta escoces expone estas prácticas que son utilizables como forma de llegar a una confesión. Es una puerta abierta cuestionable en una etapa del proceso en donde la prueba documental confesional es de vital importancia. Su éxito depende de las técnicas del interrogatorio independientemente de la búsqueda de la verdad material.
Esto deriva en otro punto complementario. El hecho de buscar un responsable a cualquier precio. Aquí entra la figura del fiscal, un militar que ha sufrido la pérdida de un compañero que se encontraba en uno de los vuelos del atentado. Acepta el caso por un compromiso moral. Sin embargo no claudicará ante sus ideales con lo que llevará adelante una imputación con elementos probatorios legítimos.
En este etapa el cineasta muestra un contrapunto. Exhibe la operación de un centro clandestino autorizado con la convicción moral y legal de un fiscal/militar en un sistema acusatorio. Las pruebas de confidencialidad son aportadas por el Centro de Detención. Su acceso es restringido y secreto. Se las llama Memorándum y son las técnicas de interrogación utilizadas para llegar a la confesión. En definitiva son métodos coercitivos para llegar a un fin determinado en donde la voluntad está viciada por los padecimientos.
Pero lo que se resalta es la tarea de la letrada defensora. Nancy Hollander va transitando su camino de la verdad, independientemente del respeto hacia el derecho. “Toda persona tiene derecho a una defensa” repite constantemente. Y es una cruda realidad que se exhibe cuando el bien más preciado del hombre esta en peligro: La libertad. Es ella la que nos impulsa a vivir y a realizar actos con consecuencias pero ante su privación siempre estará la figura del Abogado que velará por nuestros derechos.
ELENCO
Jodie Foster interpreta a Nancy Hollander. Realiza una solvente actuación. Su vínculo con su representado va aumentando a medida que avanza la investigación sin perder su profesionalidad. Su labor engrandece la figura del Abogado.
Benedict Cumberbatch interpreta al Teniente Coronel Stuart Couch. El actor británico impone su aura de hombre justo. Es puesto en el cargo por su vínculo con su compañero fallecido en el atentado, hecho que lo motivará a impulsar la investigación sin perder la búsqueda de la verdad de lo acontecido.
Tahar Rahim interpreta a Mohamedou Ould Slahi. Notable caracterización del actor francés. Slahi es un hombre que no deja de ser amable mas allá de las constantes torturas que recibe. Su sufrimiento traspasa la pantalla, rozando la intolerancia visual. Pero lo que hace interesante es si realmente participó de lo sucedido. Y ahí está el logro de su interpretación, en mantener una linea de conducta sospechable. Su participación originaria como miembro de Al Qaeda y el llamado telefónico de Bin Laden lo comprometen.
PUNTOS POSITIVOS
Las Interpretaciones. Especialmente de Foster y Rahim.
La osadía del director en mostrar la Cárcel de Guantánamo y sus métodos de interrogación.
La historia es un hecho real basado en el libro “Memoria de Guantánamo”
PUNTOS NEGATIVOS
La audiencia en juicio llega al final. Tiene escasos minutos.
Las secuencias de tortura se extienden más de lo debido.
RESUMEN
El Mauritano (The Mauritanian) es un relato duro dentro de un trasfondo oscuro de la justicia norteamericana. Los métodos utilizados en Guantánamo son exhibidos por un director que plasmó visualmente las memorias del diario de un prisionero en aquel Centro de Detención.
La temática de plantear un mundo diferente al real ha sido abordado por varios relatos cinematográficos. La idea de desarrollar una creación irreal para escapar de los problemas cotidianos de la realidad dejan un interrogante analizable. ¿Por qué la mente del ser humano se refugia en un contexto irreal?. Seguramente dependerá de su mente. De sus estados emocionales y de las vivencias que transita en la realidad.
Ahora bien, The Coma no plantea un mundo irreal para satisfacer un entretenimiento o una vía de escape de los problemas cotidianos. Como si lo ha hecho Ready Player One, aquella fantástica recreación virtual planteada por Spielberg en donde cualquiera podía hacer cualquiera cosa. Tampoco recrea un mundo irreal para que los humanos recuerden lo negativo de una sociedad para valorar lo positivo de ella como ocurrió con la reciente Bliss. En The Coma se configura un mundo irreal para aquellas personas que están precisamente en un estado profundo de inconsciencia. Es decir el cuerpo humano se mantiene inerte en la realidad, no así la mente que despierta y funciona en un mundo irreal.
Sobre esta premisa reposa el hilo argumental de The Coma en donde un arquitecto despierta en un mundo diferente. Un mundo donde no existen las leyes de la física y donde todo lo que lo rodea son recuerdos de otras personas que están en coma. De manera que el entorno en el que se desarrolla el relato es producto de imágenes o situaciones trágicas o de felicidad que proporcionan aquellas mentes.
El cineasta Nikita Argunov crea un mundo irreal de notable factura técnica. Si bien hay una similitud visual con el mundo de los sueños de Inception (2018), en donde el entorno cambiaba continuamente de aspecto, en The Coma los recuerdos se van regenerando. Es decir se van acumulando con el transcurso de los recuerdos.
En el universo irreal se encuentran ciudades superpuestas y enfrentadas que forman parte del ambiente físico por el cual deberán transitar los habitantes de The Coma. De manera que resulta original e interesante como los personajes se van desenvolviendo en fragmentos de diferentes ciudades. Desde Venecia a Londres en un instante visual producto de la creación a base de recuerdos.
Ahora bien, el arquitecto en cuestión deberá descubrir el significado del mundo irreal y la forma de escapar de el. Para ello cuenta con la ayuda de un escuadrón que fue enviado a rescatarlo. No tardarán en explicarle el funcionamiento del nuevo mundo y de los peligros que deberá evitar. Aquí el cineasta se vale de un puñado de personajes dentro de una puesta en escena grandilocuente. El resultado no deja de ser más que satisfactorio porque permite individualizar a los personajes bajo un fascinante apartado artístico.
En donde flaquea es en su parte narrativa. Cada integrante de la comunidad cuenta con un poder que solo puede desarrollar en el mundo irreal. No es muy convincente la explicación de como ese poder puede exteriorizarse, quizás para no aparentarse con Matrix pero su comparación, en este punto, es inevitable. No obstante ello aporta un grado de originalidad en relación a la personalidad innata de cada integrante para desarrollar ese poder.
El mundo irreal no está ajeno de peligros. Los Reapers son grandes criaturas en forma de espectros que buscan y matan a los miembros de la comunidad. Su introducción y desarrollo no está bien definido y constituye el punto mas flojo de la película. Visualmente se asemejan a los espectros de Harry Potter, pero sus poderes como sus debilidades no están solidificadas.
En el territorio onírico se destacan las secuencias de acción dentro de estructuras superpuestas donde no hay limites de gravedad. Ante ello hay que decir que las escenas son espectaculares y sobre todo entendibles. No se evidencia un abuso constante de persecuciones, tiroteos y demás. Están presentes pero son justas. No teniendo nada que envidar a las grandes producciones hollywoodenses.
Lo destacable de The coma, al margen de sus fascinantes efectos especiales, es el mensaje profundo que deja latente en aquellas personas que transitan el estado de coma. Y ello nos lleva a una derivación de la pregunta originaria establecida en la presente reseña. En el futuro, ¿Puede un mundo irreal suplantar al mundo real?. Quizás la respuesta esté en la mente de cada ser humano que analizará su mundo a su manera.
PUNTOS POSITIVOS
Los espectaculares efectos visuales. Logra recrear un mundo apocalíptico basado en recuerdos. Su constante trasfondo visual no cansa el ojo del observador producto del uso de un fondo cuasi estático que se superpone con los efectos movibles. Sin dudas una gran técnica a imitar, comprensible en términos visuales.
El mensaje final que desarrolla. El mundo irreal puede ser reprochable pero pondrá en aprietos su justificación
PUNTOS NEGATIVOS
Algunos personajes están desaprovechados. Principalmente los que evidencian tener un poder en el mundo onírico.
Los reapers. Si bien son mentes pérdidas, no alcanza a justificarse su lugar en el mundo. Su poder y debilidad no está bien solidificada. No obstante ello lucen espectaculares visualmente.
RESUMEN
The coma es una producción rusa a gran escala en cuanto a efectos especiales se refiere. Su semejanza con producciones hollywoodenses no le quita originalidad en su mensaje final.
La vida extraterrestre es uno de los grandes misterios a develar. El hecho de saber a ciencia cierta si hay vida en el espacio exterior y como hallarla no deja de ser motivo de análisis por números científicos y astrónomos.
Durante la guerra fría (1945-1989) Los Estados Unidos de América y la Ex-Unión Soviética se encontraban en pugna por el avance de la carrera espacial. Esta lucha por conquistar el espacio se vinculaba con su avance armamentístico en una época de tensión política, cultural e ideológica.
Sobre la base de estos conceptos se desarrolla Sputnik. Parte de un viaje capsular espacial en plena guerra fría y con una presencia extraterrestre desconocida.
La película, de origen ruso, tiene la particularidad de abordar el misterio como atractivo principal. Lo logra desarrollando una historia sencilla y bajo una ambientación acorde a la época que representa. Corre el año 1983 y una cápsula espacial rusa con dos cosmonautas abordo está próxima a regresar a la tierra. En el momento del descenso una presencia extraña parece atacar la nave que cae en Kazajistán. En la secuencia posterior se observa uno de los pilotos en grave estado, mientras que el restante parece estar muerto. El sobreviviente es llevado a una base militar soviética a fin de investigar lo ocurrido.
Por otro lado una psicóloga es sometida a una investigación sumaria en Moscú por emplear ciertos métodos contraproducentes en la vida de un adolescente. La dra. recibe una invitación de un Comandante Ruso para acceder a sus instalaciones y participar del estudio de uno de los cosmonautas. Su decidido temperamento es vital en la elección. Tendrá que psicoanalizar al astronauta en observación ya que no recuerda nada desde el momento de su descenso. A partir de aquí la película desarrolla una secuencia narrativa interesante profundizando su hilo argumental.
El cineasta Egor Abramenko se toma el tiempo necesario para configurar el planteo de la historia. Su técnica narrativa es sumamente eficaz para lo que propone en pantalla. Esto es desarrollar cada de uno de los personajes en un aire de tensión diferente al propuesto por el cine hollywoodense. Para ello se vale de una puesta en escena fría, a tono con el transcurso de la época. La base militar en la cual se desarrolla el estudio es oscura en términos de iluminación. No hay una grandilocuencia visual que exalte la instalación. Esta característica es satisfactoria en término de ambientación ya que logra crear una atmósfera acorde con el genero que transita.
La psicóloga y el coronel.
La base militar rusa es dirigida por el coronel Semiradov quién irá permitiendo el avance de la investigación a medida que se produzcan resultados. Para ello ofrece a la psicóloga psicoanalizar al cosmonauta ya que tiene serios problemas de memoria. Logra incomodar al paciente por intermedio de preguntas sugestivas pero pronto se dará cuenta que no es un problema de amnesia. El cosmonauta lleva un ser extraño en su interior que usa su cuerpo para vivir.
Si bien esta característica puede llegar a tener cierta similitud con Alíen. Su semejanza narrativa es parecida a la película Life (2018) donde el alienígena es sometido a una investigación científica. Esta característica es utilizada a la perfección en Sputnik en donde se observa como el ser desconocido sale del cuerpo del astronauta. Lo hace a través de su boca y en horario nocturno. Todo ello bajo la atenta mirada de la psicóloga que intentará comprender el comportamiento del alienígena sin perjudicar la salud de su portador.
Sputnik se puede dividir en dos actos. El primero, de destacable desarrollo narrativo donde se profundiza los rasgos de la historia con un tilde de misterio. La tarea de la psicóloga irá in crescendo a medida que obtenga resultados. Los mismos serán puestos a prueba en un clima de incertidumbre donde no se sabe a ciencia cierta cual es el comportamiento real del alienígena. Su segunda parte abre camino al suspenso y que no se develará para no generar spoilers. Sin embargo se dirá que su desarrollo está bien ejecutado a pesar de tener algunos baches narrativos.
En cuanto al bicho en cuestión hay que decir que está muy bien elaborado visualmente. Tiene una relación simbiótica con el portador y se alimenta cuando sale de su cuerpo. Como lo hace? Tendrán que descubrirlo con su visionado.
Ahora es interesante su explicación científica. El bicho vuelve a su portador enrollándose y ubicándose cerca del esófago. Su permanencia le otorga mejor resistencia física al portador. No así cuando sale, en donde se evidencia un notable deterioro físico. Toda esta secuencia se desarrolla en la primera media hora de metraje en donde se combina el misterio con las secretas intenciones de cada personaje.
Sputnik logra con éxito desarrollar una trama en un genero tan conocido como lo es el de ciencia ficción. Su incursión con una criatura alienígena no deja ser más que interesante al plantearla desde un punto de vista estratégico militar. El auge de la guerra fría se encuentra presente en la época en la que trascurre la historia y su director no escapa a los planteos sociales y políticos.
ELENCO
Oksana Akinshina interpreta a Tatyana Klimova. La psicóloga rusa realiza una sobresaliente labor. Su forma inexpresiva genera fuerza y carácter en una mujer que lleva adelante sus convicciones a la hora de tomar una decisión. Su caracterización gana en personalidad demostrando que no hace falta tener tanto diálogo para componer un buen personaje.
Fedor Bondarchuk interpreta al Coronel Semidarov. Su porte firme y frío convence de quien verdaderamente manda en la instalación. Su ánimo de resultados lo mantendrá expectante en relación al destino del cosmonauta.
Pyotr Fyodorov interpreta a Konstantin Veshnyakov. El sobreviviente cosmonauta encuentra en la psicóloga una persona en quien confiar. Su oculto secreto está bien representado.
PUNTOS POSITIVOS
El desarrollo de su primera hora de metraje está muy bien ejecutado. Aporta interés y misterio en un genero por demás conocido.
La ambientación y su apartado sonoro.
Los efectos visuales del Alíen. Sin ser espectaculares aportan un grado de impresión. El monitoreo en cámara blanco y negro cuando sale del cuerpo del portador está muy bien realizado. No hay un abuso de su presencia.
La interpretación de la psicóloga. Parece tener el control de su personaje en todo momento.
PUNTOS NEGATIVOS
En la mitad de su segundo acto se evidencia un descenso de su ritmo narrativo.
La subtrama con el niño del orfanato no termina de cerrar durante su desarrollo. Repunta en su tramo final.
RESUMEN
Sputnik: Extraño Pasajero transita un genero por demás conocido. Sale indemne de su explotación logrando un producto interesante y entretenido en un periodo de tensión política que marcó diferencias entre el bloque Oriental y Occidental.
GANADOR PREMIO OSCAR MEJOR ACTOR DE REPARTO DANIEL KALUUYA
El racismo ha sido siempre una política de estado en los Estados Unidos de América. Este comportamiento exacerbado contra la comunidad afroamericana por el solo hecho de pertenecer a un grupo étnico diferente se ha manifestado en los constantes abusos policiales. Frente a estos actos de ilegalidad encubierta surge una organización partidaria de defensa de los derechos de la comunidad negra llamada Pantera Negra.
Fue una organización inspirada en los ideales de Malcolm X en donde se recitaba un fuerte discurso de autodefensa contra la comunidad blanca. “No es parte de la naturaleza de la pantera atacar primero, pero cuando es atacada y acorralada, ella responde de forma violenta y acaba con su agresor” explicaban los integrantes del Partido de Autodefensa de los Panteras Negras, creada en el año 1966 bajo un fuerte hostigamiento policial y político fundamentado en el racismo.
Imagen real de Las Panteras Negras
La película está inspirada en un hecho real y desarrolla los comienzos de la organización bajo un trasfondo político racial. Su inicio narrativo nos ubica en tiempo y espacio. Corría el año 1967 y la organización Pantera Negra se expandía por todo el territorio americano. Su plataforma era netamente política con lo que necesitaba agrupar otras organizaciones para que la defensa de sus intereses sea más contundente. Esta tarea era focalizada por un activista con ideales revolucionarios llamado Fred Hampton quién con tan solo 21 años impulsó los ideales del movimiento en la ciudad de Chicago. Para ello se valía de su oratoria y de sus principios socialistas contra el imperio capitalista americano. Demostró su poder de convencimiento en otros grupos y formó la llamada Coalición Arco Iris, una organización multicultural de protesta contra la corrupción, la pobreza y la brutalidad policial.
El cineasta Shaka king desarrolla el contexto histórico de la organización pero le imprime una cuota innegable de interés narrativo. No elabora un documental. Plantea una historia de traición y supervivencia dentro del grupo de Los Panteras Negras.
Como los ideales de la organización se encontraba en continuo asenso el gobierno americano necesitaba tomar medidas para contrarrestar su expansión. Aquí surge la labor del FBI con sus tácticas de infiltración. Para ello se vale de un colaborador afroamericano que es sorprendido in franganti en el robo de un automotor. Se trata de Bill O’Neal, un joven criminal que se ve obligado a realizar un “acuerdo” con el agente Roy Mitchell para no ir a la cárcel.
La materialización del trato entre el agente y el futuro infiltrado
El “acuerdo” consiste en infiltrarse en la sede de la organización Pantera Negra a cambio de no registrar el delito cometido. Es este momento donde se hace interesante el relato en el cual el infiltrado comienza a ganarse la confianza del líder del partido. Pasa de servir el desayuno comunitario a ser parte integrante dentro de un pequeño círculo reducido. Esta situación será de vital importancia para el FBI ya que contará con información precisa en lo que a movimientos estratégicos se refiere.
Ahora bien durante el transcurso del relato vemos el asenso de Fred Hampton. Un líder con ideales marxistas que fundamentaba la idea de poder en el pueblo. La gente como unidad fue su discurso. Juntos y Unidos se puede derrocar a un gobierno. Estos principios los incorporaba en sus discursos y en las mentes de las nuevas generaciones a través de escuelas comunitarias. Su idea de combatir el capitalismo americano llamó la atención de ajenos y partidarios que buscaban el beneficio de la comunidad baja trabajadora. Así es como logró asociar organizaciones de diferentes razas étnicas que buscaban un cambio económico y social.
El líder de los Panteras Negras tenía un fuerte poder de oratoria. Esto se evidencia en el film con una gran caracterización de su protagonista. Fred tiene una guía política revolucionaria que no es otra que la liberación de la comunidad negra y el fin de la opresión policial. Durante el transcurso del metraje vemos como Fred ensaya un discurso enérgico en donde manifiesta la satisfacción por matar a los “cerdos”. Una clara referencia a los miembros del sector capitalista, representados por la policía. Sin embargo esta manifestación representa una contradicción en sus ideales ya que el ejercicio de la violencia podía ser contrarrestada.
En un fragmento de la película vemos como su potente discurso es seguido por diferentes manifestantes y en donde se resalta su cualidad oratoria. En ella exalta los principios de un revolucionario y su manifestación de morir por y para el pueblo. Esta declaración es tomada con total entusiasmo por sus seguidores pero el cineasta se detiene en la expresión de su mujer. Una joven embarazada de ocho meses y medio que sigue su línea partidaria pero que no está dispuesta a perder al padre de su futuro hijo. Sin dudas una contundente escena en donde se mezcla los valores familiares y políticos.
Pero detrás del Mesías negro se encuentra el infiltrado que operará en su perjuicio a costa de su futura libertad. Brian O’ Neal brinda datos de la organización. Su labor es informar sus movimientos con dibujos incluidos de la sede. Aquí se evidencia un constante artificio policial en donde la agencia del FBI hace gala de su manipulación. Es innegable no sentir empatía por un traidor. Pero en este caso el personaje en cuestión no tiene otra salida. Es aceptar el “acuerdo” o la cárcel.
Fred Hupton (Mesías negro) bajo la atenta mirada de Bill O’Neal (judas)
Dicho esto el personaje está bien interpretado pero no termina de relacionarse íntimamente con el presidente de la organización. No se evidencia en su comportamiento un sentimiento de culpa por lo que está realizando. No obstante ello parecería estar convencido de los ideales que Fred exalta cada vez que ensaya una oratoria.
El FBI fue la agencia que diagramó la operación de programa de contrainteligencia basada en erradicar cualquier movimiento político disidente. Su director fue el polémico Edgar Hoover, quién tuvo un papel decisivo en la fundación de la agencia.
En la película se lo caracteriza como un hombre acosador de activistas políticos disidentes y con tendencia racista. Una escena exhibe este comportamiento en donde pregunta al agente Roy que haría si su hija saliera con un negro. Este diálogo marca una posición del cineasta en cuanto a los ideales de los factores de poder de aquella época ya que Edgar Hoover permaneció en el cargo durante 30 años.
La directiva marcada por el director hacia su agente lo llevará a extralimitar las órdenes de infiltración. Esto es exprimir el contacto para lograr el cometido de la agencia.
Judas and the Black Messiah es un drama biográfico que se mueve en el terreno de la infiltración. El alto contenido político y social de una sociedad americana dividida no es óbice para desarrollar la historia de un movimiento nacionalista y revolucionario que fue pionero en la defensa de la comunidad afroamericana.
En los tiempos actuales se puede trazar un paralelismo con Las Panteras Negras en cuanto a defensa de derechos se refiere. La organización Black Lives Matter (Las Vidas de los negros cuentan) es un movimiento internacional de protesta afroestadounidense contra la brutalidad policial que ha tenido una participación preponderante durante el gobierno de Donald Trump. Su fin no es otro que erradicar cualquier tipo de violencia y discriminación solucionando la falta de oportunidades de la comunidad afro estadounidense en el terreno social.
ELENCO
Daniel Kaluuya interpreta a Fred Humpton. Su labor es sobresaliente. Su dedicada y exaltada oratoria está bien representada. Los archivos de videos del activista revolucionario demuestran su fidedigna interpretación. Su punto máximo se encuentra en el discurso final en donde exclama que a viva voz que es un revolucionario.
Lakeith Stanfield interpreta a Bill O Neal. El judas del film es el protagonista. Su traición es por supervivencia no por convencimiento ya que en varios pasajes del film se encuentra atraído por el discurso de Fred. No obstante ello parece disfrutar su tarea encomendada. Buena interpretación pero por debajo del nivel de su compañero.
Jesse Plemons interpreta a Roy Mitchell. El agente del FBI es el ideólogo de la infiltración. Parte de un concepto base que fundamenta su obrar como agente: El KKK (El ku klux Klan) es igual que Las Panteras Negras. Con este análisis manipula al infiltrado hasta el final. Buena interpretación del actor norteamericano que no claudicará a pesar de su semblante de hombre bueno y pulcro. La interacción con su infiltrado es amable pero directa.
Martín Sheen interpreta a J. Edgar Hoover. Su caracterización dividirá opiniones. Positiva en cuanto caracterización. Negativa en similitud física. El famoso actor luce irreconocible gracias a un exceso de máscara y maquillaje que le quitan el uso de sus rasgos interpretativos. Sin embargo su fuerte mensaje racista constituye uno de los puntos más altos en términos narrativos.
Martín Sheen representado al ex director del FBI. La comparación física no es muy satisfactoria.
El resto del elenco secundario cumple correctamente principalmente la joven embarazada del líder revolucionario.
PUNTOS POSITIVOS
Las interpretaciones. Principalmente la desempeñada por el líder revolucionario.
La ambientación. La década del 60 está muy bien representada. Los autos, las calles y los barrios reflejan la época.
La vestimenta de Los Panteras Negras. Las boinas y la campera de cuero son los rasgos distintivos de la organización.
El discurso final de Fred Humpton. No por lo que dice, ya que es por demás cuestionable sino por como lo dice. Su enérgica oratoria esta bien representada. Puede recibir una nominación al Oscar.
PUNTOS NEGATIVOS
Martín Sheen luce desconocido. Se evidencia un exceso de maquillaje.
Faltó exponer el inicio de la carrera armamentista de los panteras negras ya que también era un grupo armado.
No hay ninguna declaración del gobierno de Nixon, quién fue el que propuso proscribir al grupo pantera negra.
RESUMEN
Judas and the Black Messiah es un drama biográfico con fuerte contenido político y social. Su eficaz tono narrativo logra un producto más que interesante al mostrar las bases de una organización, sin caer en la exaltación desmedida de sus ideales revolucionarios.
Componer un personaje cinematográfico que funcione visualmente es uno de los grandes deseos de cada intérprete. Para ello el artista se vale de ciertos recursos interpretativos para recrear una realidad inexistente dentro de un contexto argumental. Con todo ello el personaje cobra vida y se irá desarrollando dentro de una secuencia narrativa que permita el lucimiento de quién lo interpreta.
Ahora bien para que una interpretación trascienda los límites de la pantalla se requiere de un valor agregado que implique un toque de originalidad creativa dentro de la composición del personaje Aquí entra a jugar el estilo. El sello personal que le imprime cada artista independientemente de su guía narrativa.
Rosamund Pike y Eiza González pareja en la ficción
El estilo como recurso interpretativo es el que imprime la actriz británica Rosamund Pike en la cinta I Care a Lot (Descuida, yo te cuido). En donde logra componer un personaje frío, calculador y despreciable sin perder el estilo de una mujer dispuesto a todo por la avaricia.
El argumento es por demás polémico y sensible ya que desarrolla una red de corrupción en la que forma parte el sector asistencial, judicial y benéfico en perjuicio de las personas de edad avanzada.
Marla Gryson es una mujer que se dedica a tutelar personas de la tercera edad. Para ello deberá demostrar en audiencia judicial la imposibilidad que tienen esas personas de manejarse por sus propios medios. La incapacidad física o mental del futuro tutelado será prueba suficiente para lograr la custodia. Pero para nuestra sorpresa la protagonista en cuestión lo hace para enriquecerse a costa de los abuelos.
Sobre esta susceptible premisa se desenvuelve el comienzo de la historia en donde nos enemistamos de entrada con el personaje caracterizado por la actriz británica.
Como lo hace? Se vale de una red de corrupción necesaria para el éxito de la tutela. En ella interviene una médica que brinda información sobre la salud y línea de parentesco del paciente. El objetivo es buscar una persona adulta con escasos parientes y con una gran porvenir económico. Logrado ello se procede a falsear los datos sanitarios. Esto es fraguar la historia clínica del paciente para que pueda ser presentado en juicio y demostrar su incapacidad.
Hasta aquí visualizamos azorados la línea argumental direccionada en donde resta intervenir la justicia. En audiencia se resuelve el caso con todas las pruebas. Pero lo llamativo es que es juez tiene un respeto desmedido por Marla Gryson lográndole resolver todos los casos a su favor. El resultado no es otro que la obtención de la custodia del adulto mayor con todos sus pertenencias.
De este modo Marla Gryson cierra su círculo criminal con la intervención del gerente del asilo. Esto significa que la complicidad del director del establecimiento benéfico es necesaria para que la víctima no salga al mundo exterior. Mientras esto sucede se aprovecha para vender los bienes y apoderarse de sus cuentas bancarias.
La intención del director J. Blakson es desarrollar una asociación ilícita con cierto aire de comicidad en donde la vida de los adultos mayores es puesta como un negocio. Su desarrollo narrativo resulta chocante al visualizar pautas de conductas contrarias a los principios sociales. El hecho de ver como un anciano es despojado de su patrimonio no hace ninguna gracia porque en definitiva todos vamos a transitar la edad adulta.
De esta manera el negocio de la villana protagonista camina sobre rieles hasta que llega la información de que una paciente que esconde un secreto de identidad. Se trata de la madre de un jefe perteneciente a la mafia rusa en donde hará todo lo posible para sacar a su progenitora de la tutela legal.
La cinta se divide en dos actos. El primero apunta a desarrollar la asociación ilícita en donde se observa una denuncia indirecta relacionada con el trato dispensado a los adultos mayores. La liviandad del sistema judicial en la resolución de casos bajo tutela es alarmante. Incluso se realiza sin intervención del involucrado cuando la urgencia lo amerita. Habría que hacer una investigación profunda para saber si este tipo de prácticas judiciales son habituales. Incluso el juez en cuestión se muestra desprendido de una situación que amerita un análisis mas exhaustivo.
En esta primera parte se destaca Rosamund Pike en donde logra componer un personaje siniestro y codicioso pero con un estilo de actuación marcado por la elegancia. La actriz británica desarrolla un personaje convincente a tal punto que uno no hace mas que odiarla por las actitudes que demuestra. Sus víctimas son vistas como un negocio. Las individualiza en una pared con fotografías y son desechables una vez que fallecen. Este comportamiento desinteresado de la actriz es lo que hace fuerte a la película.
El semblante elegido para caracterizar al personaje tiene semejanzas con el de Sharon Stone en Bajos Instintos pero la diferencia está en el grado de maldad para lograr su propósito.
Marla Gryson desea mucho dinero. Se autoproclama como una leona bajo una consigna por demás controversial: “No existe la gente buena”. Este principio será su sostén en la confrontación con el jefe ruso, que al igual que ella, lo motiva el afán de poseer la mayor riqueza posible.
En el segundo acto cambia el tono narrativo y da comienzo a una serie de situaciones que no es posible develar. Este giro narrativo tiene momentos que no se condicen con el desarrollo de la trama.
Marla Gryson es una estafadora elegante que litiga en tribunales aparentando ser un auténtica representante legítima. Su fuerte es aportar pruebas fraguadas ante un tribunal y demostrar su capacidad de convencimiento. La situación intelectual engañosa esta bien ejecutada. La dificultad se presenta en el terreno físico donde la protagonista interactúa con los miembros del jefe de la mafia rusa.
Esta discordancia argumental es salvada por Rosamund Pike quién logra disimular con su actuación los sorpresivos giros narrativos. La actriz siempre está un paso adelante. Ante una situación de riesgo conserva su estilo de actuación elegido hasta el final. Sin dudas una destacable actuación exaltada por su belleza, sensualidad y claridad con la que expresa su ánimo de codicia. Es precisamente ese estilo el que la diferencia de las demás y el que potencia cada secuencia narrativa del film.
I Care a Lot (Descuida yo te cuido) se hace fuerte por su labor interpretativa en donde exhibe el talento de una actriz multifacética que saca lo mejor de sí en benéfico de un reprochable planteo narrativo.
ELENCO
Marla Gryson es interpretada por Rosamund Pike. Su labor es sobresaliente. Logra que se la deteste durante toda la película. Motivo más que suficiente para su aprobación. Su forma de representar una villana elegante marca un estilo de actuación que no abunda.
Roman Lunyov es interpretado por Peter Dinklage. El actor americano, de 1.35 metros, conocido por interpretar a Tyrion Lannister en la serie Juego de tronos realiza una correcta labor. Personifica al jefe ruso que hará lo imposible para recuperar a su madre de las garras de Marla.
Se evidencia una contradicción en el personaje ya que se maneja dentro de la ilegalidad. Sin embargo utiliza parámetros legales para recuperar a su madre. Busca una solución amistosa y económica para recuperarla fuera del comportamiento habitual del crimen organizado.
Jennifer Peterson es interpretada por Dianne Wiest. Su inocente y dulce carácter se contrarresta con su acérrimo ánimo combativo hacia la protagonista. La situación de encierro y de despojo de sus bienes está muy bien representada.
Completan el elenco principal la bella Eiza González y Damian Young. Ambos discretos en sus papeles luciéndose más el segundo como el inescrupuloso gerente corrupto del asilo.
PUNTOS POSITIVOS
La interpretación de Rosamund Pike.
Buen reparto secundario.
Su ritmo narrativo está bien sobrellevado permitiendo el lucimiento de su protagonista.
El sensible argumento puede llegar a desenmascarar alguna situación ilegal.
PUNTOS NEGATIVOS
Algunas situaciones narrativas están fuera de contexto.
El uso de la pistola electroshock para inmovilizar a los guardias de la mafia rusa. Ni John Wick se animó a tanto.
El tiroteo entre la miembros de la mafia rusa con el guardia del asilo. Luce gracioso pero le quita seriedad al relato.
El controvertido hilo argumental puede llegar a perturbar a ciertos observadores sensibles.
RESUMEN
I Care a Lot entretiene dentro de un trasfondo argumental susceptible y controvertido. Sin embargo el estilo de actuación de su actriz principal potencia el relato y disimula ciertos altibajos narrativos.
La saga Wrong Turn cuenta con seis entregas que se caracterizan por sus escenas violentas y sangrientas. En ellas el terror es representado por una estética gore donde el impacto visual de cada secuencia mortal es considerado de vital importancia más allá del rutinario argumento.
Su primera visión fue en el año 2003 donde un grupo de jóvenes eran perseguidos por caníbales desfigurados dentro de un amplio bosque. Esta nueva y séptima entrega es un reinicio (reboot). Una versión diferente de la entrega original en donde se conservan aquellos recursos que hicieron conocidos a la franquicia pero con una secuencia narrativa propia.
La historia comienza con la búsqueda de un padre que no ha recibido noticias de su hija. Han trascurrido seis semanas desde su ultima comunicación telefónica con lo que decide concurrir al pueblo de Virginia en busca de información. Allí se encontrará con un inmutable sheriff local y con un lugareño que le advierte que no la busque porque definitivamente no la encontrará.
Su parte introductoria nos retrotrae al viaje de un grupo de jóvenes conformado por tres parejas. Su destino es concurrir al estado de Virginia para realizar una expedición de senderismo por el sendero de los Apalaches. Durante la actividad y mientras recorren el sendero por la montaña deciden desviarse en busca de una cascada. Este desvió se transforma en el primer giro equivocado y en el cual dará comienzo a una serie de eventos desafortunados.
El director Mike P. Nelson explora el mundo de la franquicia Wrong Turn pero le imprime una personalidad diferente a la trama. Los personajes que frecuentan las montañas no son caníbales. En su lugar se encuentra una sociedad salvaje llamada “La Fundación”, quienes habitan el territorio natural desde el año 1850. Se los presenta como una comunidad que ha sobrevivido el cáncer y al desempleo partiendo de un regímen autosuficiente y con normas de conductas propias. Este cambio de personajes le asienta bien a la película debido a que la franquicia necesitaba un toque de originalidad sin perder su esencia narrativa.
Los fanáticos acérrimos de Wrong Turn original podrán sentirse decepcionados pero ante ello habrá que decir que el cambio radical es satisfactorio en cuanto interés se refiere. Ahora bien, se logra generar un impacto visual similar a su antecesora? Seguramente habrá opiniones divergentes pero el relato gana en intriga. La puesta en escena de los miembros de la Fundación es interesante. Se visten como cazadores camuflados y con huesos de animales muertos que cubren sus cabezas. Hablan otro idioma y se rigen por sus propias conductas, con tribunal de juicio inclusive. Aquí se nota la “mano” del cineasta en donde imprime una estética de personajes similar a la utilizada en The Domestics” (2018). La diferencia está en la época que transcurre la historia. Aquella era postapocalíptica. En Wrong Turn es una comunidad cerrada a la espera de que transcurra un estallido social.
Por otra parte “La Fundación” tiene un acuerdo no escrito con la sociedad de Virginia. Parten de no molestarse mutuamente, pero el que exceda los límites permitidos no volverá de la montaña. La información de no desviarse del sendero es tomada a la ligera por el grupo de jóvenes que no tardarán en conocer el peligro en los primeros minutos del metraje.
Las clásicas secuencias de persecución con trampas incluidas están presentes pero con un tono narrativo diferente. El cineasta impulsa el ritmo del relato con suspenso apoyado en la confrontación de los protagonistas con los personajes de “La Fundación” pero le quita ese aire despiadado y sanguinario de su antecesora. No obstante ello, la cinta cuenta con escenas brutales muy bien ejecutadas pero que no son impresionables. Esta cualidad puede o no ser satisfactoria, dependiendo el gusto del observador, pero es el riesgo que se toma al desarrollar un planteo diferente al acostumbrado.
En cuanto al elenco se desataca Charlotte Vega quién interpreta a Jen, la hija del padre emprendedor de la búsqueda. La interprete femenina realiza una destacable labor mostrando diferentes tipos de comportamientos para sobrevivir.
En la misma linea se encuentra su padre en la ficción interpretado por Matthew Modine. Sin embargo algunas escenas pueden ser reprochables por las características físicas y por el tiempo de preparación en que se desarrollan algunas habilidades pero que en líneas generales están bien ejecutadas.
Bill Sage interpreta al jefe de “La Fundación”. Su aporte luce interesante pero no logra fundamentar los cimientos de la comunidad por culpa de un guion que lo privó de tomar una postura más avasallante, a tono con lo que demanda la franquicia.
Por lo manifestado Wrong Turn es un producto interesante que acercará algunos y alejará a otros, pero su imprevisto corte original puede ser el resurgimiento de una saga que estaba asiduamente explotada.
PUNTOS POSITIVOS
El nuevo giro argumental. Si bien mantiene su base característica, el diferente enfoque narrativo alienta sus posibles continuaciones.
La ambientación sigue siendo interesante de ver.
Las secuencias brutales son cortas pero efectivas. Esta postura puede llegar a disgustar a los fanáticos de la saga.
El estilo gore es limitado a fin de resaltar el valor estético de la trama.
PUNTOS NEGATIVOS
Tiene momentos en que decae un poco el ritmo.
Plantea momentos contradictorios. El juicio que se improvisa no plantea un derecho de defensa.
Faltó desarrollar una segunda línea de comando en “La Fundación” Algún lugarteniente que apoye las ideas del jefe.
Los fanáticos de la saga podrán encontrarse insatisfechos por el rumbo elegido.
RESUMEN
Wrong Turn es un producto entretenido y con un nivel de sangre medido. Su diferente giro argumental dividirá opiniones pero impulsará posibles continuaciones de una franquicia que se encuentra sobreexplotada.
El comportamiento humano se exterioriza por una serie de actos relacionados con la vida social que representa. Esta conducta social requiere de una acción voluntaria que determina consecuencias esperadas o inesperadas. La existencia real de estos acontecimientos retroalimenta una serie de actos positivos o negativos que determinarán la valoración de cada comportamiento.
Sobre estos conceptos sociales se desenvuelve el hilo argumental de Red Dot donde la valoración del comportamiento humano se pone en tela de juicio producto de un resultado inapropiado e indigno que contradice los valores de la actuación social.
La historia nos sitúa en Suecia donde una pareja, con evidentes problemas de convivencia, decide incursionar en el norte de las montañas del país escandinavo. El motivo no es otro que hacer turismo para fortalecer la relación y contemplar la aurora boreal.
En el trayecto y mientras repostan en una estación de servicio se le presentan dos cazadores que logran “intimidarlos”. Lo hacen tocándoles su perro de forma inadecuada – quien tenga un can y observa este comportamiento sabrá de lo que se trata- y mediante comentarios inapropiados.
No obstante la pareja logra eludirlos pero al salir de la gasolinera rozan su vehículo con el guardabarros de la camioneta de los cazadores. Este infortunio genera una acción omisiva al no dar aviso a los propietarios con la convicción de que no se darán por aludidos. Pero para sorpresa de ellos los cazadores se hospedan en el mismo hotel con lo que no se sabe a ciencia cierta si tomarán represalias.
Al día siguiente y en el momento de trasladarse a las montañas observan que su vehículo se encuentra rayado y con una calcomanía impresa con tinte discriminatorio. No se sabe quién pudo haber sido pero todo hace pensar que fueron aquellos cazadores que se encuentran hospedados en el mismo hotel. Es lo que interpreta la pareja y deciden actuar en consecuencia. Esto es devolver el agravio rayando con un destornillador la puerta de la camioneta. Pero el comportamiento es visualizado por una de las víctimas del daño material que no logra repeler como consecuencia de la huida inmediata de la pareja.
David y Nadja son el dúo en cuestión. El es ingeniero y ella una mujer de color que se encuentra estudiando medicina y transita un periodo de embarazo. La noticia la brinda en pleno campamento y mientras contemplan el fenómeno que se presenta en el cielo nocturno. Hasta que observan una luz roja que apunta a sus cuerpos. No saben de donde vienen y quienes les apunta por lo que deciden correr bajo la oscuridad en busca de protección. Aquí comienza la historia de supervivencia de los dos protagonistas que deberán soportar las obstáculos climáticos como una incesante persecución de alguien que los acecha con destino de muerte.
El cineasta Alain Darborg elabora un relato de supervivencia pero con un trasfondo narrativo basado en el comportamiento humano y sus consecuencias. Parte de una idea argumental con pequeños datos informativos que el observador irá analizando a medida que avanza la trama. Pero su logro está en la sorpresa del desenlace en donde no todo es lo que parece gracias a la desinformación capciosa que servirá para los adecuados momentos de tensión del relato.
Ahora bien la trama peca de cierta inocencia argumental al ubicar a los protagonistas en una soledad absoluta. Se presume que es una zona de turismo invernal pero el lugar elegido para acampar se encuentra desolado sin ninguna autoridad policial cercana. Al mismo tiempo lo toman con total despreocupación teniendo en cuenta el acto de vandalismo configurado y la cercanía de las personas afectadas.
No obstante ello, la película aprovecha esta deficiencia narrativa para solidificar los continuos momentos de tensión que se muestran más que eficientes. La fotografía se muestra fría y a tono con el clima invernal. Los paisajes nevados por los que transitan los protagonistas están bien representados y se cumple con la difícil tarea de filmar en la nieve. Esto es no extender demasiado su tiempo de ejecución y que se entienda la secuencia más allá de los efectos de nieve y de vientos que se puedan llegar a generar.
Los protagonistas deberán correr para vivir
Todo este ambiente propicio es aprovechado por los intérpretes que caracterizan personas normales y carentes de cualquier destreza de supervivencia. Principalmente David que logra poner los pelos de punta al observador por los constantes tropiezos en la nieve.
Punto Rojo es una película agridulce con serios cuestionamientos al comportamiento humano de los personajes y que el espectador evaluará en su desenlace final. A pesar de ello es visualmente dura y traumática generando un debate polémico en relación al obrar humano y sus consecuencias.
Disponible en el catálogo de Netflix.
ELENCO
Anastasios Soulis interpreta a David. Su caracterización de hombre común al cual le pasa de todo esta bien representado. Logra incomodar con su andar dubitativo y su carácter endeble.
Nanna Blondell interpreta a Nadja. Representa a una mujer de carácter, a tono con las representaciones femeninas de estos tiempos, y su desempeño es correcto. Logra compensar la templanza que no tiene su compañero.
PUNTOS POSITIVOS
La desinformación es un recurso bien utilizado y en beneficio de la trama.
La ambientación. Los escenarios nevosos están bien representados y se entienden.
La tensión narrativa esta muy bien ejecutada.
PUNTOS NEGATIVOS
EL sabor agridulce que queda luego de su visualización.
RESUMEN
Punto Rojo es un thriller bien desarrollado donde la sorpresa tiene un rol fundamental en la trama. Su susceptible desenlace no deja más que analizar el comportamiento humano en una sociedad que vive de sus consecuencias.
El fin del mundo ha sido investigado por numerosos estudios teóricos y científicos. Los continuos cambios climáticos y la amenaza de asteroides pueden causar consecuencias negativas en la humanidad generando un escenario apocalíptico. Estas hipótesis han sido trasladadas narrativamente en la industria del entretenimiento.
Películas como Waterworld, Armaggedòn, Impacto Profundo, El día después de mañana y 2012, entre otras, fueron las que abordaron la problemática ambiental y de impacto de algún cuerpo rocoso.
Ahora, ¿Qué pasaría si el gigantesco ecosistema que se encuentra bajo la superficie de la tierra aumentara de tamaño como consecuencia de un derrame radioactivo? Seguramente los insectos emergerían hacia la superficie en busca de alimento y el ser humano sería el primer eslabón de la cadena alimenticia. Esta original y alocada idea narrativa configura la base del relato de Amor y Monstruos.
Sus créditos iniciales nos muestra como la humanidad ha sido exterminada en un 95% de su población. La causa fue la inminente llegada de un asteroide que ha sido destruido por los ejércitos de todos los paises. La consecuencia fue el derrame radioactivo de todo el despliegue armamentístico sobre la superficie de la tierra. El asteroide se destruyó pero los efectos radioactivos cayeron en el suelo. El resultado fue un levantamiento de todo tipo de insectos que al aumentar de tamaño se apoderaron del mundo. Los humanos no tuvieron mas remedio que ocultarse en bunkers subterráneos para poder vivir.
La historia se centra en un sobreviviente que ha perdido a su familia por el ataque de los monstruos. Transcurridos siete años de aquella catástrofe se encuentra conviviendo en una colonia desempeñando tareas de limpieza y alguna tarea rutinaria de la cocina. Es el único soltero de la comunidad por lo que decide salir a la superficie y buscar a su antigua novia.
Joel contará con la ayuda de un fiel perro.
El personaje se nos presenta totalmente vulnerable. Se paraliza ante el peligro y su puntería es por demás defectuosa. Sin embargo decide emprender su viaje a sabiendas de los peligros que tendrá que enfrentar.
La historia tiene un planteo interesante desde el punto de vista de la supervivencia. Se plantea un mundo postapocalíptico de buena calidad pero de corte adolescente. El convincente trasfondo narrativo no encuadra con el débil motivo justificante del protagonista.
Joel va en busca de su antigua novia. Tenía 17 años cuando se separaron a causa de la invasión de los monstruos. Ahora tiene 22 y solo se comunican mediante radiofrecuencia. En esos siete años solo se mantuvo escondido y coloreando un libro de supervivencia. En otros términos: va en busca de un amor sin ningún tipo de experiencia exterior. Sin embargo en el camino se encontrará con un veterano sobreviviente que le enseñará el arte de la supervivencia.
El cineasta Michael Matthews construye un ambiente desolado rodeado de montes y de una amplia vegetación producto de un mundo deshabitado desarrollando un ambiente adecuado para el surgimiento de los monstruos. Para ello se inspiró en algunos insectos cotidianos de fácil reconocimiento visual. Algunos mejor logrados que otros pero todos comparten una misma particularidad: Ninguno logra asustar.
Esta característica puede ser que haya sido empleada para lograr captar a un público infantil. De hecho no todos los monstruos son agresivos. Algunos son inofensivos y solo pasan por allí sin generar peligro alguno.
Los efectos especiales (CGI) están muy bien elaborados particularmente con el Ciempiés en donde se percibe realmente la naturaleza del insecto. Pero lo destacable es el comportamiento del monstruo final. Un gran cangrejo que sabe diferenciar el comportamiento humano. La mirada del monstruo esta muy bien lograda porque exhibe el sentimiento que percibe.
No obstante lo dicho todas las secuencia se producen durante la luz del día. No hay ninguna escena nocturna que pudiera aprovechar algún momento de tensión. Tampoco los monstruos atacan en conjunto. Siempre lo hacen en solitario, en contraposición al fugaz ataque de su crédito inicial. En definitiva el cineasta logra una muy buena ambientación pero se queda corto de monstruos. Faltó variedad y sensación de peligro mas allá de la correcta presentación de cada insecto.
ELENCO
Dylan O’Brien interpreta a Joel. Su caracterización dividirá opiniones porque su semblante no es más que dudoso y desorientado. Su valentía está absorbida por el amor que le tiene a su antigua novia no reparando en los peligros que pudiera llegar afrontar. El hecho de salir a la superficie “a ver que pasa” desnaturaliza el planteo original. No obstante su personificación de sobreviviente torpe con dosis de suerte esta bien representado.
El resto del elenco acompaña a tono con el ritmo del relato en donde los monstruos absorben todo el interés visual. Se destaca una breve aparición de Michael Rooker.
PUNTOS POSITIVOS
La ambientación y la puesta en escena de los monstruos.
Buen uso de los efectos visuales.
Su trasfondo narrativo no deja de ser original.
PUNTOS NEGATIVOS
La caracterización del protagonista puede llegar a dividir opiniones.
Limitación de Monstruos en pantalla. De haberse elaborado una colonia de insectos más variada y nutrida el resultado hubiese sido más satisfactorio.
Escasa sensación de peligro y nulas escenas nocturnas.
RESUMEN
Amor y Monstruos (Love and Monsters) es una entretenida aventura dirigida a un público adolescente. Su repertorio de monstruos es convincente pero su trasfondo narrativo le exigía mas cantidad y variedad.
La oportunidad que brinda la vida es el nexo entre el tiempo y la acción. El primero representa un momento latente que necesita materializarse. El segundo es la realización de un acto o hecho que implique actividad. Conjugados configuran un cambio significativo en la vida de cualquier persona.
Ahora bien la vida nos somete a la realización de determinados actos y consecuencias que contrarrestan el beneficio de la oportunidad y en donde factores internos y externos a la voluntad juegan un papel preponderante. Sobre esta temática conceptual trabaja el film Palmer donde las segundas oportunidades se van materializando en un trasfondo dramático familiar.
Justin Timberlake interpreta a Eddie Palmer, un convicto que vuelve a su pueblo luego de cumplir una condena de 12 años en prisión. Su abuela le brinda alojamiento mientras cuida ocasionalmente a un niño de nombre Sam por las recurrentes ausencia de su madre.
Justin Timberlake interpreta a Palmer
Palmer goza de libertad condicional con lo que se le exige concurrir a un supervisor cada dos semanas para constatar su reinserción social. Para ello deberá conseguir trabajo en un pueblo que lo discrimina por el hecho de haber cometido un delito.
El cineasta Fisher Stevens va construyendo el primer punto dramático de la trama poniendo una serie de situaciones (oportunidades laborales) que se irán diluyendo por la condición de recluso. Parte de un concepto de naturaleza social donde un individuo es etiquetado por el delito cometido.
Pese a ello logra conseguir empleo como conserje de un establecimiento escolar. Tiene una segunda oportunidad gracias a la buena predisposición de un antiguo conserje y del director, que si bien lo emplea seguirá sus pasos por los antecedentes del protagonista.
En el colegio mientras desempeña su tarea de limpieza observa al pequeño Sam realizar actividades que son socialmente establecidas para el genero femenino. El niño es objeto de burlas de sus compañeros que cada tanto lo golpean por el hecho de ser diferente. Este comportamiento se visualiza en su vida cotidiana. Al pequeño le gusta jugar con muñecas, usar vestidos y mirar un programa de televisión infantil llamado las princesas voladoras. Todo esto en un clima de hostilidad familiar ya que su madre vive pendiente de las adicciones.
Un día desparece sin tiempo aparente de retorno y el pequeño Sam se ve obligado a convivir con Palmer y su abuela. Cuando fallece esta ultima comienza a gestarse un vínculo entre los dos personajes que abrirá camino a una relaciòn de cariño y respeto muto.
Este segundo punto dramático es el sostén de la historia y en donde prevalecen los momentos mas álgidos y emotivos del relato. Sam tiene evidentes problemas de identidad pero en ningún momento se reprocha su condición de niño. Solamente quiere hacer lo que más le gusta.
Esta secuencia es tratada con total sutileza. Sin embargo puede llegar a ser discutible o incluso reprochable en algunos observadores que pregonen otro tipos de principios paternales. Ante esto hay que decir que Sam es un niño que quiere hacer cosas diferentes en un entorno familiar que no es propicio para su crianza.
La inocencia que imprime el pequeño protagonista es por demás satisfactoria componiendo un personaje querible desde el primer momento que entra en escena. Se destaca su justo valor interpretativo ya que no se evidencia ninguna sobreactuación en la estructura del personaje.
La Película logra encuadrar dos temas sociales sensibles como son la identidad de genero y la reinserción social sin caer en justificativos ni en ánimo de polemizar. Solo plantea dos situaciones en una sociedad que las cuestiona sin miramientos.
Palmer es una persona ordinaria, común y corriente, que se equivocó al cometer un delito de joven y quién no duda en ayudar al niño cada vez que lo necesite. Se plantea un personaje que arrastra un pasado delictivo pero con animo de encarrilar su vida. Es esta misma voluntad la que lo hará luchar por el niño cuando el mismo quede desamparado.
Dentro de los parámetros morales, todos merecemos una segunda oportunidad. El hecho que suceda podrá depender de muchos factores. Pero si es de una voluntad exterior no deja ser se más que loable ya que abre camino a una nueva forma de vivir.
ELENCO
Justin Timberlake interpreta a Palmer. El exitoso cantante es una realidad como actor. Su caracterización es más que convincente. Aprovecha muy bien las pausas narrativas que sirven para construir un personaje duro pero comprensivo. Se debería plantear su definitivo desembarco actoral porque tiene talento para el oficio.
Ryder Allen interpreta a Sam. Su caracterización es sobresaliente al componer un niño con un comportamiento diferente. Su aporte genera emotividad.
PUNTOS POSITIVOS
Las interpretaciones de Timberlake y Allen.
La historia y las situaciones susceptibles que plantea.
PUNTOS NEGATIVOS
Puede generar algunos cuestionamientos en un algunos pasajes del relato.
RESUMEN
Palmer es predecible pero disfrutable. Su alta performance interpretativa logra construir una relacion cuasi paternal entre un niño, con evidentes problemas de genero, y un recluso que busca rehacer su vida. Ambos se enfrentan a una sociedad cerrada en busca de segundas oportunidades.
Spanish (Argentina) 
Spanish (Spain) 
Spanish (Mexico) 
Spanish (Colombia)