GARRA (2022)

garra: explicación del final

El drama deportivo explora el mundo del baloncesto de una manera convencional. En Garra (Hustle), Adam Sandler pivotea sobre una historia de superación de la que resulta favorecido. Disponible en Netflix.

Adam Sandler ha hecho un nombre en la comedia con personajes que marcan una línea de conducta facilista. Su éxito, interpretando a perdedores o tipos comunes con mala suerte, lo ha llevado a repetir una y otra vez la misma secuencia, agotando sus recursos de actor cómico. Pero, la regla del que hace reír puede tener potencial dramático (si se lo trabaja) se aplica para Sandler, sin caer en términos absolutos. Sandler ya ha incursionado en el terreno dramático con Embriagado de Amor y Diamante en Bruto (esta última disponible en Netflix) y ahora lo vuelve hacer interpretando a un cazatalentos entrado en desgracia. Garra, es un inspirador drama deportivo que no se aparta del estereotipo convencional del genero, pero del que Adam Sandler resulta favorecido.

La historia de Garra sigue a Stanley Sugerman ( Adam Sandler), un cazatalentos del equipo de básquet de Filadelfia. Cansado de viajar y perderse los cumpleaños de su hija recibe la oportunidad de su vida como asistente de entrenador. Pero cuando el gerente millonario (Robert Duvall) fallece, el manejo cae en manos de su hijo (Ben Foster), un soberbio y caprichoso administrador que le devuelve el antiguo empleo. Dolorido por su sueño incumplido hace un pacto con la nueva autoridad a los efectos de conseguir un jugador que los impulse a ganar un campeonato.

En uno de los viajes de rigor, se topa accidentalmente con Bo Cruz (Juancho Hernán Gomez)en un parque español.  Stanley identifica rápidamente el talento que tiene Bo en ataque y defensa y cree que podría ser el tipo de jugador que necesita la franquicia y, además, sacarlo de los viajes de seleccionador para siempre. Mientras lidia con la soberbia de su jefe, Stanley desarrolla las habilidades de Bo Cruz y lo prepara como jugador seleccionable para la NBA.

La estructura narrativa de Garra se maneja de una manera convencional. Aquí hay dos personajes que se necesitan mutuamente mientras buscan el camino de la redención. Ello equivale a que las reglas en este tipo de historias necesitan de ciertos “obstáculos” que se deben sortear, mientras se resuelven sus oscuros pasados. En este aspecto, el film adopta el sentido de superación personal, motivado por una necesidad interna que emerge sin ataduras. Garra, capta la esencia de la película Rocky y no tiene ningún problema en confesarlo, manteniendo expectante su trama hasta su reconfortante final.

Garra, es una película de básquet, pero ello no implica tener amplios conocimientos en la materia para acercarse a ella. El factor emocional y su destino están bien definidos dentro del mundo del baloncesto en donde desfilan estrellas del deporte, reconocibles (ahora sí) por algunos seguidores o practicantes. La película cuando entre en clima deportivo, juega mucho con los entrenamientos en donde Bo Cruz debe aprender a desarrollar sus habilidades. Desde correr una calle empinada por tiempo, hasta diferentes practicas de ejercicio con pelota, Bo, se va acercando a lo que sería un profesional de élite. En este sentido, Hernán Gómez (profesional del equipo de basquetbol americano, Utah Jazz) cumple en líneas generales con lo que demanda el personaje, a pesar de la benevolencia que el guion tiene con él en su costado dramático.

Pero lo que realmente impulsa la película es la interpretación de Adam Sandler, quien contiene su personaje con suaves tics graciosos en beneficio de la narrativa. Sandler, se muestra comprometido con el mundo del baloncesto, del cual es ferviente fanático, evitando cualquier tipo de deshonra al deporte. Por supuesto, que hay algunos juegos internos (juegos mentales) dentro de la cancha, en el cual su pupilo tendrá que lidiar, pero eso no es más que una realidad entre los basquetbolistas.

Garra, no puede plasmar satisfactoriamente algunos aspectos misteriosos de la trama. Tanto el accidente de Stanley como el pasado de Bo no tienen el impacto deseado. Al margen de ello, la película tiene un buen ritmo dentro de una escritura que aporta la suficiente simpatía, en la que Sandler sale favorecido.

CURIOSIDADES

  • La descripción original de la trama decía que el personaje principal de Adam Sandler encuentra “un fenomenal jugador de baloncesto callejero mientras está en China…” Según una entrevista con Dan Patrick, Adam Sandler declaró que debido a la presión de Netflix (que, a partir del desarrollo de esta película, no hace negocios en China), la ubicación ahora se ha cambiado a Mallorca, España.
  • Se ve a Adam Sandler con una camiseta de “Federal Donut”, que es un verdadero restaurante de Filadelfia famoso no solo por sus donas, sino también por su pollo frito. 

RESUMEN

En resumidas cuentas, Garra (Hustle) tiene todo lo que se puede encontrar en una película dramática deportiva. Con un Adam Sandler comprometido, la película llega a su punto final con una recompensa bien ganada.

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El COMBATE (2020)

El drama familiar se apodera del octágono en El Combate, en donde un padre y su hijo se preparan para dar el golpe final. Disponible en Star+.

La violencia, el dinero y la fama son un combo explosivo cuando actúan en conjunto, generando un sinfín de situaciones de impunidad cuando quién las representa considera que tiene un derecho adquirido. Este comportamiento reprochable y punible no siempre alcanza las bases para poder aprehenderlo. El Combate, exhibe fuertes cuestionamientos en un luchador de MMA, con un pasado tormentoso en el cual está dispuesto a replicar. La violencia domestica, el abandono, la fama, el dinero y los cuidados de la familia sientan el perfil emocional del drama de artes marciales mixtas.

El luchador de artes marciales mixtas Cash Boykins (Steffen Doff) ha ganado todos los títulos disponibles de la WFA. Su éxito en el deporte de contacto, en donde se desenvuelve como un pendenciero, con un lenguaje agresivo y homofóbico, lo ha llevado a la cima. Ha dejado atrás una infancia abusiva y ahora disfruta del dinero y la adulación popular. Pese a todo, hay fantasmas del pasado que siguen estando pendientes en la vida de Boykins. Su personalidad agresiva no solo lo demuestra en el ring, sino también en la que fuera su anterior familia. Un incidente violento obligó a dejar a su ex-mujer, Susan, su hijo mayor Jett y el por entonces pequeño Quinn, quién padece Síndrome de Williams.

Cash, ha formado una nueva familia y abandonado a la anterior, quienes presentan serias dificultades económicas. El talento de su hijo mayor Jett por las artes marciales son un punto de reencuentro y Cash accede a entrenarlo. Todo se complica cuando Jett recuerda un incidente que hizo posible que su padre se fuera. Cuando un video de la confrontación se vuelve viral, no tardara en llegar lo inevitable. Un enfrentamiento televisado entre padre e hijo, en un combate por el título mundial.

La película cuenta, sorpresivamente, con una buena base dramática que no alcanza a profundizarse por sus diferentes subtramas. Si bien el arco narrativo se centra en la relación conflictiva y emocional entre Cash y Jett, las tramas secundarias se sienten algo subdesarrolladas. Desde la lujosa vida de Cash, con su nueva esposa y pequeño hijo, hasta la vida hogareña de Jett, en donde también está a cargo del cuidado de su hermano, mientras su madre trabaja en doble turno, traen algo de desorden en el ritmo de la historia. Hay un evidente villano aquí, un hombre golpeador y alcohólico, con un instinto salvaje incontrolable que educa a su familia con violencia, despreciando cualquier indicio de debilidad. Con lo que cabe preguntarse cual es el mensaje de la película y a quién va dirigido.

Mientras los minutos avanzan y la trama abarca diferentes arcos narrativos, como ventanas que se abren y no alcanzan a cerrarse, la película se prepara para la organización de la pelea final entre el campeón Cash y su hijo Jett, un prodigio del Judo. El por qué de la aceptación de la pelea es comprensible, teniendo en cuenta la situación económica de Jett y su familia. Cash, como todo prototipo de masculinidad toxica, no pasa dinero para afrontar los gastos médicos de su hijo Quinn (con síndrome Williams), a quien preferiría que no existiera. Lo que no queda claro es el cómo de la confrontación.

La experiencia y violencia de Cash, un luchador experimentado que advierte que va a matar a su hijo, contra un joven de 18 años, con apenas tres combates en su haber planeta una evidente desventaja. La cuestión es lo que queda sobre la superficie, y es que la violencia se combate con violencia. Si ese es precisamente su mensaje final, corre riego de tirar por la borda algunas escenas emotivas bien ganadas.

PADRE E HIJO LUCHAN DENTRO DEL OCTAGONO

En lo que respecta al combate en sí mismo, de más está decir que El Combate no representa a las típicas películas de lucha. Se puede decir que las coreografías, del principio y final, se sienten demasiado cercas del lente de la cámara, ensuciando las eficientes técnicas de lucha que ensayan los interpretes. En cuanto a ellos, Stephen Dorff realiza una convincente labor como un campeón engreído, inspiración que bien puede haber tomado de un luchador profesional en la vida real, Connor McGregor.

A tono con los antes dicho, el film ensaya una critica hacia las organizaciones de la MMA, donde los luchadores no tienen obra social, ni seguro de desempleo. Allí, al igual que el mundo real, forman parte de una maquinaria que los observe y los escupe cuando le es conveniente. Dicho esto, la película dramática tiene sus mejores momentos fuero del octágono, donde la cámara en mano abusa de sus extremos primeros planos.

RESUMEN

En ultima instancia, El Combate (Embattled) no llega a explotar su fuerte tono dramático por sus diversas tramas subdesarrolladas. Stepehn Dorff realiza una sobresaliente labor como el villano de turno, en lo que puede considerarse como el papel de su carrera. La falta de claridad de su mensaje final, como las deficientes escenas de combate no obstan a que la película tenga sus buenos momentos.

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JUGAR EN CASA (2022)

Los valores que rescata la comedia deportiva Jugar en Casa le alcanzan para cubrir el deficiente desarrollo de su trama. Basada en una historia real, el film tiene cierto indicio de seriedad, que no aprovecha, por sus ocasionales bromas de su productor estrella.

Happy Madison es una compañía productora de casi todas las películas protagonizadas por Adam Sandler, de la cual es fundador. Con lo que todos los proyectos tienen una clara tendencia a las bromas ocasionales o situaciones disparatadas, en donde el protagonista cae en desgracia para luego redimirse. Jugar en Casa no es la excepción. Basada en una historia real, el film tiene evidentes problemas narrativos por la falta de desarrollo de sus personajes. Aun así, el oficio de Kevin James, como de los carismáticos niños que lo acompañan, logran barnizar el defecto en cuestión, apoyados en el espíritu de equipo y camaradería.

Jugar en Casa comienza con los días de gloria del entrenador de Fútbol Americano, Sean Payton (Kevin James). Ha logrado llevar al título de campeonato (NFL) al equipo de Nueva Orleans, siendo todo una celebridad. Un año después surge un escandalo mediático, Payton es involucrado en pagos a jugadores que causaron lesiones a sus oponentes. Mientras se le realiza un juicio ¿administrativo? es suspendido por un año en cualquier practica vinculada al deporte profesional. Sin nada que hacer, decide trasladarse a Texas para reavivar su relación con su hijo, que forma parte de un equipo perdedor de futbol americano, llamado “Los Guerreros”. Sus innatas condiciones de entrenador lo llevan a involucrarse como coordinador ofensivo del equipo para encaminarlo hacia una racha ganadora.

Jugar en Casa se inspira en una historial real de un entrenador investigado por hacer trampa. El comportamiento “deshonesto” que trata de inculcar el film para justiciar el personaje caído en desgracia no está del todo claro. Payton absorbe la culpa por ser el responsable del equipo y afronta un juicio, presuntamente administrativo, del que nunca sabremos su resultado. Para calmar las penas, decide visitar a su hijo adolescente, del cual no tiene noticias desde hace tiempo. Los primeros minutos del film sirven para sentar las bases del personaje, Payton es una persona algo soberbia por el éxito alcanzado y abocado estrictamente a su trabajo. Su vida es el futbol americano y vive para él.

El inicio de la trama le otorga algo de seriedad al personaje, que se irá perdiendo por su falta de profundización. kevin James entrega una actuación solida, que acentúa su pasión por el deporte pero el endeble guion no le permite construir su relación con su hijo. James es actor de comedia con un evidente talento dramático. De haber tenido un mejor material con el qué trabajar el resultado hubiese sido más conmovedor en su tercer acto final. No hay que subestimar a los actores de comedia, el hecho de que puedan hacer de reír no les impide componer papeles dramáticos. ¿Ejemplos? El mismo Adam Sandler con Diamante en Bruto (2019) y nuestro queridísimo Guillermo Francella con el Secreto de tus Ojos, entre otras. Aquí kevin James se merecía algo más para demostrar su faceta dramática, sintiéndose así una oportunidad perdida.

Ahora bien, el film se hace fuerte en su segundo acto con la intervención de Payton en el equipo de su hijo. Los niños presenten actuaciones adecuadas y muestran ejemplos de camaradería y buena conducta deportiva. En este aspecto, la película se compromete en el plano deportivo con actitudes bien intencionadas de sus jugadores adolescentes que van más allá de la idea de ganar.

Jugar en Casa cuenta con situaciones graciosas que son una marca registrada de la productora. Algunas de dudoso gusto, como los vómitos en pleno partido. Otras algo efectivas, como el ineficaz conserje del hotel que no soluciona ningún reclamo, serán apoyadas por las constante labor de sus actores secundarios. En este punto, el asistente del entrenador, fuera de forma, y el padrastro hippie (Rob Schneider) son un alivio cómico soportable que pueden llegar a ocasionar alguna risa.

Con todo, la base de la historia sigue siendo el reencuentro de padre e hijo, que se materializa por los conocimientos del fútbol americano. Aquí, es donde falla el film por su falta de desarrollo. La camaradería saludable del equipo y las constantes situaciones graciosas le impidieron a Jugar en Casa un cierre sentimental familiar más acorde con el inicio de su trama. Pese a eso, entretiene y dentro de todo aporta un buen mensaje final en donde lo importante es competir, sin antes darlo todo.

PUNTOS POSITIVOS

  • kevin James está contenido en su papel.
  • Se valora el mensaje final.

PUNTOS NEGATIVOS

  • La historia central, como su problema de fondo, no están lo suficientemente desarrollados.

RESUMEN

En ultima instancia, Jugar en Casa cumple con la simple función de entretener. Sus cálidos y bienvenidos mensajes de camaradería y espíritu de grupo le alcanza para cubrir el deficiente desarrollo de su trama.

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HERIDA (2021)

critica herida

Halle Barry debuta como directora en Herida, un melodrama familiar con un trasfondo deportivo.

La oscarizada Halle Barry es una gran fanática de las artes marciales mixtas y, como espectadora, concurre regularmente en los torneos que organiza la UFC ( Ultimate Fighting Championship). De suerte que al enterarse de la existencia de un guion afín con la temática deportiva no dudo en hacerse cargo del proyecto. Herida, es un drama deportivo con toques melodramáticos que merecían un mejor desarrollo. Al momento de sonar la campana, los puntos se ganan fuera del ring.

Berry interpreta a Jackie Justice, una luchadora de MMA ( artes marciales mixtas) caída en desgracia. Retirada de sus momentos de gloria, se gana la vida limpiando casas de gente adinerada pero su fuerte temperamento la hace renunciar. Lleva un enojo en su interior que despierta una furia incontrolable, vital arriba del ring pero innecesaria fuera de el. Ello hace que se refugie en el alcohol, situación que su pareja y manager no puede controlar por desidia o conveniencia. Aun así, la persuade a una brutal pelea clandestina en la que resulta triunfadora.

La victoria llama la atención de un enigmático promotor que auspicia un futuro exitoso dentro del octágono. Pero, cuando Jackie se contemplaba a retornar al ring, su madre aparece con su hijo abandonado de seis años. Ella lo entregó cuando el niño era un bebé y ahora su padre ha fallecido. Comienza entonces un camino de redención y de segundas oportunidades, Jackie deberá luchar para recuperar su lugar en el octágono y conquistar la confianza de su hijo, que desde la muerte de su padre ha perdido el habla.

Herida, cuenta con demasiadas historias que conectan con la esencia y el temperamento explosivo del personaje, pero no logra abarcar ninguna de ellas. Jackie tiene un relación tormentosa con su madre, quien al parecer no prestó atención suficiente cuando aquella fue abusada y violada por sus parejas y parientes. Aquí, el dialogo entre la madre y la luchadora es demasiado superficial, casi de compromiso, con lo que lleva a explicar la relación abusiva que Jackie tiene con su pareja y manager. Se puede llegar a entender que Barry no quiere abusar de sentimentalismo para reservarla (acertadamente) con su hijo pero, teniendo en cuenta sus dos horas y 4 minutos de tiempo de ejecución, bien podría haberse dedicado más tiempo a esta historia.

Lo mismo sucede con el vinculo que tiene, cada vez más cercano, con su exigente entrenadora. La relación afectiva y lésbica exhibida en pantalla no aportan nada a la trama. Incluso, perjudica la imagen de jackie que parece aprovecharse de los sentimientos de su preparadora. Esta relación dura un suspiro y pierde fuerza en su trama final. El deporte de los puños necesita de un rincón que impulse al protagonista a dar todo de sí y Herida no lo tiene.

La entrenadora que acompaña, cuida y prepara a Jackie durante todo el film, llamativamente desaparece en su tramo final, quedando la protagonista sin un soporte emocional que canalice los golpes dados y recibidos. En este sentido Halle Barry pudo haber tenido su Rocky femenina o su Million Dollar Baby, (en el entrenamiento y en el combate culminante) pero la directora se tomo tan en serio lo que sucede fuera del ring, que la termina absorbiendo.

Ahora, el fuerte de Herida está en sus actuaciones. Barry, como protagonista, se muestra convincente. Como directora, se reserva primeros planos para demostrar, ahora sí, el eficaz dramatismo con su hijo. Su rostro magullado se contrasta con la tristeza y mirada perdida de un niño que se siente abandonado. Sin dudas, lo mejor del film y en la que Barry aporta su calidad dramática.

En cuanto las escenas de lucha, sin conocer mucho el deporte, se puede decir que están bien coreografiadas. Las patadas, puñetazos y estilos de llaves están realizadas con esmero y compromiso físico. A tal fin, Barry cuenta con la ayuda de la verdadera campeona de UFC, Valentina Shevchenko, quien será su rival en el combate final. En el apartado técnico, la utilización de la cámara es algo inestable cuando la lucha es filmada con cámara en mano. Los continuos movimientos circulares del posicionamiento de la cámara hace que el combate final pierda fluidez. No obstante ello, resulta elogiable que una actriz con más de 50 años de edad lleve a cabo movimientos, en principio, profesionales.

PUNTOS POSITIVOS

  • Las actuaciones son convincentes. Lo mejor: el delicado camino entre Jackie su hijo.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Demasiados arcos narrativos sin desarrollar.
  • Es un poco extensa. Con humilde opinión, le sobre media hora de metraje.
  • El entrenamiento de Jackie podría haber sido mucho mejor. Es filmado en forma apresurada y sin demasiado entusiasmo.

RESUMEN

Herida (Bruised) es un drama deportivo que abarca demasiados cuestiones narrativas. Algunas un tanto complejas que, de estar profundizadas, hubiera solidificado aún más el personaje y su trama. Con todo, Halle Barry se reserva “delicados” momentos dramáticos con su hijo, el cual habla elocuentemente sin decir una palabra.

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REY RICHARD: Una Familia Ganadora (2021)

critica rey richard

Will Smith interpreta al padre de las dos exitosas tenistas, Venus y Serena Williams.

Toda leyenda del deporte tiene un descubridor, alguien que percibe la “chispa” del talento y la impulsa para que se exteriorice. Dichas personas, que se encuentran alrededor de todo el mundo, desde que se conoce el deporte y su fortuna como tal, se hacen llamar cazatalentos. Sin embargo, dicha terminología se encuentra desactualizada. Ahora, son los propios familiares los que promueven las carreras de sus hijos, teniendo un papel preponderante en el ascenso a la fama. Es el caso de Richard Williams, un afroamericano que logró materializar su visión al impulsar la carrera tenística de dos superestrellas del tenis, Venus y Serena Williams. Will Smith interpreta al padre de familia en el drama biográfico deportivo.

Richard (Will Smith) tiene un plan, que no es otro que llevar a sus dos hijas a un éxito sin precedentes en la historia del tenis. Su convencimiento es de tal magnitud que persuade, apresura y entrena a sus propias hijas, sin medir consecuencias. La vida en el peligroso barrio de Campton (EE.UU), donde el índice de pobreza y criminalidad es muy elevado, no es un ámbito propicio para la crianza. Richard y su esposa lo saben, por eso intensifican la educación y el respeto a sus cinco hijas para que su futuro sea beneficioso. No hay tiempo que perder para un afroamericano que dice haber sufrido humillaciones y que creció en el sur del suelo estadounidense en un momento en que el Ku Klux Klan seguía siendo una amenaza.

Richard trabaja de noche como guardia de vigilancia y de día se focaliza en el entrenamiento de sus dos hijas. Percibe en Venus y en Serena un talento como nunca se ha visto pero tiene un obstáculo: no tiene los medios económicos para pagar un entrenador de alta competencia. Entonces, comienza la tarea de un hombre que ejecuta su plan a la perfección. Su obstinación lo lleva a presentar a sus hijas a un grupo de notables en la industria del tenis, en el intento de conseguir su objetivo. En el camino, confrontará con muchos personajes, incluyendo su esposa, al tomar decisiones autoritarias en gracia de su visión de futuro.

Richard Williams ¿Visionario o Charlatán?

El film parece dejarnos algo en claro y es que el padre de Venus y Serena fue un factor determinante para que ambas se conviertan en profesionales. Si bien la historia se centra en el tenis, podría haberse profundizado mucho más en las características del pasado del personaje y los elementos criminales del barrio que habita. Richard es desconfiado, autoritario y controlador, su enfoque nunca se aparta de sus esfuerzos para garantizar que sus hijas se conviertan en profesionales de elite, pero nunca conocemos el inicio de su visión.

Aquella que lo motivó hacer un plan, con vidas ajenas. Solo se exhibe su firme voluntad y convencimiento para que sus hijas lleguen al éxito. En el camino, exhibe su voz de mando como un mandamiento. Sus hijas obedecen, estudian y se mantienen humildes dentro la familia en donde el esfuerzo no se negocia. Por lo dicho, el film tiene un índice de emociones que mantendrá expectante al observador, más allá de sus más de dos horas y media de metraje.

Will Smith lleva el peso de la historia y compone un personaje con un pasado frustrante, al tiempo que mantiene una perspectiva optimista sobre las carreras de sus hijas. Cuando ellas llaman la atención en el circuito profesional, su obstinación su vuelve mas feroz dentro de un ambiente dominado por la raza blanca. Richard confronta con directivos y entrenadores por igual para evitar que sus hijas no pierdan su adolescencia. Algo que se siente contradictorio con su inicial plan de entrenamiento educativo. Es en este punto donde el film se vuelve reiterativo con las constantes negaciones de Richard para que debuten en un torneo profesional.

La película se basa en la entrada de Venus en el circuito profesional, algo por demás llamativo teniendo en cuenta que es Serena la más exitosa. La misma cuenta con 23 torneos de Gran Slam, contra solamente 7 de quien es su hermana mayor. Aún así, su lucha por el campeonato no termina de una manera emotiva. Las hermanas Williams tienen una rica historia en el mundo del tenis y focalizarse solamente en sus 14 años de vida deja la sensación de no haberse aprovechado todo su potencial. Aun así, es una película deportiva que logra contar lo que pretende. Esto es, el esfuerzo de Richard Williams para conseguir que Venus y Serena tengan las herramientas necesarias para competir profesionalmente, a cualquier precio.

PUNTOS POSITIVOS

  • Will Smith y el elenco que lo acompañan.
  • La historia entretiene y es agradable.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Se siente el peso de su extenso metraje en su segunda mitad.
  • En ocasiones se vuelve repetitiva.
  • El final no es emotivo como debería.

RESUMEN

Rey Richard (King Richard) entretiene y cuenta con una destacada actuación de Will Smith. Sin embargo, a nivel emotivo y narrativo no explota todo su potencial.

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ROCKY IV: Rocky vs Drago (1985-2021)

Stallone edita el clásico de 1985 con nuevas imágenes inéditas que encajan a la perfección con el estilo de la franquicia. Rocky vs Drago es el corte definitivo del director, después de 36 años.

Robert “Rocky” Balboa es el personaje que ha estado en la sombra de Sylvester Stallone durante toda su vida cinematográfica. La representación de un hombre que busca una oportunidad en la vida sin perder valores en el camino se ha ganado un lugar en el corazón de cada cinéfilo. Es de aquí que Stallone ha tenido durante mucho tiempo una evidente insatisfacción sobre el resultado final de la que fuera la película mas taquillera de toda la serie. Rocky IV logró recaudar 300 millones de dólares en todo el mundo (una cifra descomunal en esos tiempos) pero la critica lo destruyo, alegando que era un producto patriótico en plena Guerra Fría.

Advertencia: SPOILERS de Rocky vs Drago y Rocky IV

El público abrazo el film por su ritmo vertiginoso, su música y sus montajes de entrenamiento. Ahora, Stallone regresa para arreglar lo que no le ha gustado en su versión anterior, restaurando muchas escenas que dejó archivadas en la sala de edición. Con lo que uno se pregunta: ¿Era necesario correr el riesgo de retocar un film exitoso y amado por los fanáticos ? La respuesta puede llegar a tener variantes, pero si se lo piensa desde el punto de vista de la temática de la serie, la respuesta es afirmativa. Rocky IV es un tren a toda velocidad. Encanta y es adictiva, pero fue diseñada como un videoclip, donde todo transcurre vertiginosamente dejando de lado algunas emociones que la saga ha construido desde sus inicios.

Stallone como director, realizó algunos ajustes focalizando toda la atención en su amigo, el gran Apollo Credd. La nueva versión agrega un total de dos minutos al tiempo de ejecución original, pero también cuenta con 40 minutos de nuevas imágenes editadas. ¿Esto genera una película nueva? No, algunos cambios que se agregan son muy sutiles y algunos están enfocados desde perspectivas diferentes. Sin embargo, otros son sustanciales que aportan un peso emocional diferente y merecido. Aquí Stallone acierta en profundizar la amistad con quién fuera su amigo y reconoce expresamente lo importante que era para él en su vida. En este punto, Stallone ha reconocido abiertamente su error en haber “matado” a Apollo y en el corte del director transmite con éxito el vinculo profundo entre los dos boxeadores.

Luego de la brutal exhibición mantenida con Iván Drago, Rocky Balboa se dispone a vengar el fallecimiento de su amigo. El eje central de la trama sigue siendo el mismo, pero aquí Stallone recarga todo el peso emocional para fundamentar la progresión de la historia. En la versión original, el funeral de Apollo pasa casi desapercibido, aquí se evidencia la sensibilidad y el llanto de Rocky junto a un discurso conmovedor de quien fuera su entrenador. En este punto, Stallone acierta en bajar la adrenalina de la versión original al tomar una pausa justificada, honrando a su amigo.

Ahora, los fanáticos deben quedarse tranquilos. Las partes más importantes de Rocky IV permanecen intactas. Tienen unos pequeños ajustes que no cambian la esencia de la original. La espectacular entrada de Apollo Creed, el canto de James Brown, interpretando “living in America”, el entrenamiento de Rocky en Rusia, la canción de John Cafferty “Hearts on Fire” y la pelea final culminante son sacramentales.  Stallone lo sabe y no los toca. Solo aporta algunas pequeñas adiciones y mejoras importantes en temas de sonido y personajes. En este aspecto, los golpes de puño se sienten más reales. No son tan explosivos como la original, pero se hacen sentir.

En cuanto a las eliminaciones, Stallone ha quitado el robot de su cuñado Paulie. En su lugar agrega una escena significativa con Adrian en la cocina en donde se evidencia la preocupación de una mujer que siempre ha estado pendiente de la salud de Rocky. Otro acierto de Stallone, ya que en su versión original el personaje de Talia Share estaba desatendido.

Lo mismo sucede con Dolph Lundgren. Su Iván Drago se exhibe, levemente, más humanizado. La maquina impenetrable rusa se aparta de la directiva soviética. Muestra rasgos de egoísmo y Stallone también agrega reacciones de sorpresa del manejador de Drago, Nicolai Koloff (Michael Pataki) y la esposa de Ivan, Ludmilla Drago (Brigitte Nielsen), que tienen un efecto notable.

Con todo ello, el corte de Sylvester Stallone de Rocky IV es un autentico regalo para los fanáticos y en el camino encastra la historia con el espíritu emocional de sus anteriores entregas. El cambio sustancial llega en el final. Rocky le muestra respeto a Drago cuando deja el ring. Ambos chocan los guantes y eso es fascinante de ver. Ese agregado tiene una explicación en el nuevo discurso triunfal de Rocky, en donde aprendió que todos los hombres pueden cambiar, dándole la absolución por la muerte de Apollo. El corte del director es atinado. No hay nada que festejar de la épica batalla. Rocky tuvo que hacer lo que tenía que hacer, respetando el código del guerrero. Así, Balboa y su equipo se van con una victoria que representa una perdida irreparable.

RESUMEN

Stallone, con sabiduría eleva el material original y otorga un final acorde con la tragedia de su amigo. Los acordes de ” Eye of the Tiger” en sus créditos finales cobran sentido al reflejar la enseñanza que Rocky adquirió durante su entrenamiento con Apollo. El “ojo de Tigre” representa la mirada de la ambición y de la valentía. De saber que la vida es un camino con obstáculos, pero que nunca hay que rendirse. Ese es el genuino valuarte que ha transmitido Stallone a través de su entrañable y querido personaje. En definitiva, Rocky vs Drago es un retorno a la nostalgia de una forma satisfactoria. Agrega escenas sutiles y remodela otras, sin alterar lo que siempre funcionó.

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CHICA SKATER (2021)

critica chica skater

Un drama deportivo que busca el camino de la felicidad a través de una patineta.

Se puede decir que es más fácil identificar la felicidad que definirla porque su evidencia se manifiesta a través de la mirada. Esa emoción natural que crea una sensación de bienestar, de satisfacción y de alegría es fácilmente detectable si se logra transmitirla. Ello es lo que sucede en Chica Skater, una genuina representación de la felicidad a fuerza de voluntad en una comunidad que vulnera los derechos de la mujer.

La historia se centra en la joven adolescente de la India rural en Rajasthan. Su nombre es Prerna (que significa inspiración) y ocupa su tiempo entre el trabajo y en la ayuda doméstica. Ello le genera dificultades para concurrir al colegio porque su padre la necesita para generar dinero vendiendo comida. En este aspecto vemos la situación precaria del pueblo de la India, un lugar dividido por castas y en el cual la mujer no tiene libertad de decidir. El peso de la decisión la tiene el padre. Un hombre que se mueve por patrones de conducta sociales cuestionables pero que hacen a la costumbre del lugar.

Hasta que llega a la aldea Jessica (Didi para los lugareños), una inglesa que busca revivir su pasado ancestral y encuentra en los niños y en Prerna una movilización interna que antes no tenía. En una secuencia del film Jessica le pregunta a la protagonista que quiere ser cuando sea grande, al cual no tiene respuesta. Nadie le había hecho una pregunta semejante. El rostro y la mirada de la intérprete india empiezan a causar efecto, en este momento su silencio cobra sentido. Es una mujer sin oportunidades, su vida está condenada a las reglas de una sociedad en las que incluye el matrimonio arreglado, es decir la mujer no puede elegir por amor.

No obstante ello, Prerna encuentra su libertad en el skate. El amigo de Jessica (que trabaja en la zona) aparece en patineta y llama la atención de los niños. Ellos ven fascinados el nuevo artilugio y empiezan a interiorizarse por los movimientos. Jessica reparte patinetas con lo que luego causan un revuelvo por todo el pueblo. Aquí empieza a desarrollarse la pasión de Prerna por el skate. No es es el deporte en sí, sino su libertad. La sensación de no someterse a ninguna regla. Ella patinando descubre su felicidad y le creemos, porque su rostro y su mirada es conmovedora a punto tal que uno se involucra en su descubrimiento. No nos importa si nos gusta o no patinar. Nos importa la felicidad de Prerna. En este aspecto, la interpretación de la actriz esta en su punto máximo. Gran descubrimiento.

Ahora bien, en la historia tiene sus sinsabores. Uno de ello es la criminalización del uso del skate con lo que llevará a Jessica y sus amigos a idear una pista de competición. La construcción del llamado skatepark fue intencionalmente creada por la cineasta Manjari Makijany con la idea de crear sueños y libertad en los niños aldeanos. Esto es, la pista actualmente sigue allí, se construyo en 45 días para esta película y es uno de los parques de patinaje mas grandes de la India.

En este momento el film se divide en dos partes. La búsqueda de presupuesto para construir la pista de patinaje y el destino de Prerna en la cual la película le otorga la maravillosa posibilidad de decidir. En este punto el film gana en emotividad gracias al aporte sentimental del personaje. Prerna es sensible, honesta y obediente pero valiente. Rasgos perfectamente caracterizados por la actriz a través de su mirada y de su sonrisa.

Chica Skater es netamente convincente en su faceta interpretativa. No así en su narración que se torna previsible. Pero lo que realmente importa es la emoción encendida de Prerna descubriendo su felicidad, ayudada por su querido hermano menor. Ambos realizan una hermosa actuación y de ayuda mutua demostrando que la hermandad es un lazo irrompible y que funciona ante cualquier obstáculo.

PUNTOS POSITIVOS

  • Rachel Saanchita Gupta (Pherna). Su actuación es gratificante.
  • Los actores secundarios.
  • Recomendable para toda la familia.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Es previsible. Pero muy disfrutable.
  • El mensaje es bueno pero por lo visto el pueblo indio necesita algo más que una pista de patinaje.

RESUMEN

Chica Skate (Skater Girld) es disfrutable, mas allá de su previsibilidad. La hermosa y convincente actuación de su protagonista en el descubrimiento de “su” felicidad la hacen un producto recomendable.

Puntuación:3 out of 5 stars (3 / 5)

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EL GRAN DRAGON BLANCO (1988)

Critica Bloodsport

Las películas de artes marciales tuvieron su momento de esplendor en la década del 70 y 80. Bruce Lee, Chuck Norris y Jackie Chan, entre otros, fueron sus principales exponentes. Era una época en que la demostración del arte marcial, quizás un poco como ahora, se mostraba en pleno movimiento, sin pausa, y que si bien formaban parte de una coreografía lucían fluidos a la vista del televidente.

Esto se mantuvo en el tiempo hasta que entró en escena un artista marcial belga de nombre Jean Claude Van Damme que cambió el estilo de hacer este tipo de películas.

Elcritico.com.ar no se refiere al contenido, que obviamente sigue siendo el mismo, sino a la forma en que se desarrollan las escenas de peleas luciendo mucho mas pausadas, en algunas casi en cámara lenta, dando un sentido de espectacularidad cada vez que intervenía Van Damme.

Muchos dirán que el logro de este “descubrimiento” se debe a Newt Arnold. Un cineasta casi desconocido pero que logró reconocimiento mundial al ponerse detrás de la realización de El Gran Dragón Blanco (Bloodsport).

Pero dichas escenas fueron, son y serán una marca registrada de Van Damme quién realizo su primer papel protagónico con un espíritu y carisma arrollador comprándose al público de inmediato y de paso pulverizando todo posible competencia actoral en este genero.

La cinta, también conocida como “Contacto Sangriento ” (basada en el vida real de Frank Dux) gira en torno a la participación de un soldado/luchador del ejercito estadounidense( interpretado por Van Damme) en un torneo ilegal de artes marciales en Hong Kong al que llaman “Kumite”.

Como en todo producción ochentera no falta “el maestro” que enseña a nuestro protagonista a luchar, lo fue el “Señor Miyagi en la recordada Karate Kid (1984), dando un toque de justificación a la historia.

Con la aparición de estos personajes que transmiten todo tipo de conocimientos, no solo de combate, se logra una mueca satisfactoria y de aceptación en el espectador. Basta mencionar la escena donde el “Sensei Tanaka” le hace traer el desayuno con los ojos vendados al protagonista , quién luego de servirlo, logra detener un golpe dirigido por su maestro. Esta técnica será de suma utilidad en los tramos finales del film.

ESTILOS DE COMBATE PROPIO

Pero lo que realmente es destacable en esta cinta, es la puesta en escena de los combates en los que Van Damme se luce con dos estilos que lo marcaron para siempre en la historia del cine de artes marciales y de acción.

Estamos hablado de su artesanal “patada voladora”, “doble patada” o “patada helicóptero” dando un sentido de espectacularidad cuando es filmada en cámara lenta, como bien se señaló al comenzar esta reseña.

El otro estilo es el Split o apertura de piernas que Van Damme hace a la perfección, como si fuera un bailarín de teatro. Estos dos estilos son recurrentes en toda la filmografía de Van Damme que ha hecho de su físico un templo sin perder esa chispa o don natural que solamente tienen los elegidos, que es el carisma.

También es justo mencionar la labor del artista marcial, de nacionalidad china, Bolo Yeung, que participa en la cinta como el campeón defensor en el torneo de “Kumite”, logrando componer un personaje desafiante y amanzánate para el protagonista.

Una película altamente recomendable que ningún fanático de las artes marciales se debería perder.

Este año Van Damme cumplió 60 años. Así que SALUD Jean Claude y que el éxito le siga golpeando la puerta en este maravilloso mundo del cine que no tiene otro fin más que entretener.

Puntuación:4 out of 5 stars (4 / 5)
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CREED 2 (2018)

Critica Creed 2

Debido al éxito de la primera parte de Creed, estrenada en el año 2015, llega esta aceptable secuela que se nutre de la mas “espectacular “película de la franquicia de Rocky, como lo es Rocky 4.

La idea de enfrentar en pantalla a los hijos de Creed y Drago resulta atractiva para el espectador, especialmente para los fanáticos de Rocky, pero que se verá opacada por la fuerte presencias de sus entrenadores. Estamos hablando de Rocky Balboa e Iván Drago.

En Creed 2, Michael B. Jordan vuelve a interpretar a Adonis Creed. Luego de obtener el titulo de campeón de pesos pesados encuentra la oportunidad de enfrentar a Viktor Drago. Dando comienzo a esta historia y en la cual deberá enfrentar sus miedos, dudas y su sed de redimir el apellido de su padre ya que su oponente boxístico no es otro que el hijo de Iván Drago, quién causó el fallecimiento de Apollo Creed en una pelea de exhibición.

El logro de la película, que se diferencia de Rocky 4, es que aquí no nos encontramos con un rincón bueno y otro malo. Si bien se tiene empatía por el hijo de Creed los personajes del lado soviético o “los Drago” también buscan redimir su honor y apellido ya que fueron olvidados y desprestigiados por su pais.

Ahora bien, como se señalara en la introducción de esta reseña, la presencia de los “viejos protagonistas “de Rocky 4, hablamos de Sylvester Stallone y de Dolph Lundgren, hacen que el interés de los fanáticos de la saga (que son muchos) capten su interés por lo que pasa fuera del ring. Basta mencionar cuando los protagonistas se juntan en pantalla o intercambian miradas arriba del cuadrilátero no haciendo otra cosa que satisfacer a los fanáticos dejando con ganas de más.

STALLONE, SIEMPRE STALLONE

Para fortuna de Creed 2 se sigue contando con la presencia de Sylvester Stallone en la piel de Rocky, siendo el alma de la película cada vez que aparece en pantalla y en la cual se reserva momentos emotivos (como nos tiene acostumbrados) en diferentes etapas del largometraje. Parecía ser que esta es su última interpretación como Rocky con lo cual se plantea la duda si es necesario continuar con la franquicia sin su presencia.

No falta la famosa escena de entrenamiento, marca registrada de la saga, donde el protagonista lleva adelante todo su esfuerzo ( especialmente cuando va corriendo) que si bien se muestra original se encuentra lejos, por no decir otra cosa, del nivel épico y emotivo impuesto por Stallone en Rocky.

Las escenas de combate se encuentran muy bien coreografiadas, a tono con lo que exige la saga, mostrando Adonis como Viktor, imponentes estados físicos parecidos al boxeador profesional británico Anthony Joshua.

Tanto Michael B. Jordan (A. Creed) como Florian Munteanu (V. Drago) logran llevar adelante la rivalidad marcada por sus apellidos. Teniendo el primero, por ser el protagonista del film, su momento dramático familiar que-como bien ha señalado elcritico.com.ar en otras reseñas- el espectador tendrá que descubrir.

RESUMEN

Por lo dicho, Creed 2 es una buena película, sumamente entretenida y que se hace fuerte por la presencia de Rocky y por la sombra de: “el destructor bailando”, “el príncipe del puñetazo”, “el rey del golpe”, “el maestro del desastre”, el único e inigualable Apollo Creed.

Puntuación:3 out of 5 stars (3 / 5)

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ROCKY BALBOA (2006)

Critica Rocky Balboa

Estamos ante una de las franquicias cinematográficas más queridas por el público y que en su momento y por la edad de Sylvester Stallone (tenía cerca de 60 años cuando volvió a interpretar a Rocky ) muchos se preguntaron si era necesario el regreso del personaje.

Desde ya elcritico.com.ar adelanta, como seguidor de la saga de Rocky, que le es muy difícil separar la subjetividad del presente comentario porque simplemente se creció con el personaje (recordemos que la primera Rocky se estreno en 1976). Se escuchó su música (quien no ha entrenado en el gimnasio o salido a correr con la típica música de Rocky) y se ha tenido, a lo largo de su infancia, algún que otro poster con la típica pose característica del semental italiano, con lo cual uno termina queriendo a Rocky por su sola presencia en pantalla.

Ahora bien a la pregunta que elcritico.com.ar hizo referencia en la introducción (sobre el regreso del personaje) se tiene que decir que era sumamente necesario, no solo porque Rocky 5 no había colmado las expectativas sino porque la saga merecía una despedida digna y emotiva como lo es su última entrega.-

En esta parte vemos a un Rocky muy solo. Su mujer, la entrañable Adrián, murió. Su hijo se mantiene esquivo y su cuñado Polie, que sigue trabajando en el frigorífico, no quiere vivir de los recuerdos del pasado, con lo que solo le queda atender el Restaurante, de nombre Adrians, contando anécdotas de sus peleas a los comensales.

Hasta que una secuencia virtual de combate entre Rocky y el actual campeón de pesos pesados, “The Line” Dixon, da ganador, por knockout, a Rocky. A partir de ese momento se comienza a organizar un combate de exhibición entre ellos, logrando captar la atención del público.

Cuando se habla de Rocky se habla de Stallone. Nunca un actor estuvo tan ligado a un personaje (ojo, también tiene a Rambo) como él, y no hablo solo de su interpretación, sino de su dedicación en la construcción del personaje.

Recordemos que fue el responsable absoluto de la creación de la historia (es el guionista de toda la saga) y en la dirección de esta última (también lo fue en Rocky 2, 3 y 4). Se evidencia un cuidado del personaje hasta el mínimo detalle logrando una película digna y que deja más que satisfecho a todos los seguidores de Rocky.

UN VIAJE EMOCIONAL IMPERDIBLE

El realizador/interprete (Stallone) nos va llevando por diferentes momentos sentimentales en el transcurso de la película. Siendo el primero la Melancolía al ver a un Rocky golpeado por la muerte de Adrián (brillante Stallone) recordando los momentos vividos y de paso enseñándonos lo importante que es tener un familiar querido a tu lado y de la tristeza cuando ya se te fue.

El segundo momento es la Satisfacción al ver nuevamente entrenar a Rocky. Sonando fuerte la música de Bill Conti ,”Gonna Fly now” , donde el espectador acompaña el esfuerzo y la puesta a punto del protagonista a lo largo de tres gloriosos minutos. Simplemente un último regalo de Stallone a los fans de Rocky en donde anticipa lo que esta por venir: Rocky va a dejar todo porque “nada se acaba hasta que se acaba”.

El último es la Emoción. Aquí Rocky llega al combate junto a sus seres queridos en su esquina. Teniendo momentos de tensión donde el espectador no quiere que le pase nada a Rocky, con buenas coreografías, siendo la pelea final más realista que sus antecesoras, pero muy emotiva, especialmente en los minutos finales donde el protagonista se despide de su público.

Como corolario debo decir que todos somos Rocky. Pero no el boxeador, sino el espíritu del personaje que llevamos dentro y que nos obliga a levantarnos cada vez que nos golpea alguna situación particular de la vida.

Un abrazo imaginario para Sylvester Stallone por haber creado y personificado a este entrañable personaje cinematográfico que tantas alegrías nos dio.

Saga Recomendable hasta los huesos.

Puntuación:5 out of 5 stars (5 / 5)
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