LOU (2022)

lou final explicado

El thriller de Netflix muestra su mejor forma en la actuación convincente de su protagonista principal (Allison Janney). Lou, tiene un buen comienzo y un ritmo adecuado pero sus giros no encastran del todo bien con el contenido de su historia. En su fin de entretener, Lou lo logra dignamente a pesar de su generalidad.

Lou, no pierde tiempo en captar la atención de la audiencia. En sus escasos minutos iniciales presenta una mujer solitaria, dura y misteriosa que oculta un extraño pasado. A esos ingredientes se le agrega un secuestro dentro de un pequeño pueblo en donde se avecina una gran tormenta. El thriller encuentra su mejor forma en el talento de Allison Janney, la actriz principal, de 62 años, que tiene ciertas “habilidades” para sobrevivir. Mientras que la nombrada como el elenco que la acompaña muestran actuaciones físicas y emocionales convincentes, el trasfondo de su historia no encastra bien con los giros que se ejecutan. Su resultado, es una experiencia visual entretenida y genérica dentro de un círculo narrativo un tanto confuso.

En un pequeño pueblo, Lou (Allison Janney) está a punto de tomar una drástica decisión. Después de buscar comida para su perro, matando un ciervo fuera de temporada de caza, y de extraer el total de su dinero bancario, del cual pretende donar a su vecina inquilina, la encuentra a punto de suicidarse. Mientras se avecina una fuerte tormenta, sus planes se ven interrumpidos cuando su vecina Hannah (Jurnee Smollett) le informa que su hija a sido secuestrada por su padre Philip ( Logan Marshall-Green). Sin ninguna posibilidad de comunicación con el sheriff de la ciudad, juntas inician una misión de rescate en donde se revelan algunos secretos.

Lou, trata de equilibrar la historia de los tres personajes centrales. Lou, Allison y Philip son los componentes de un guion que genera una indudable intriga. Se bien los personajes y sus historias se presentan con una elocuente moderación, a la hora de las revelaciones sus intenciones no están bien ejecutadas. Esto crea un ambiente de confusión con el trasfondo de la historia y sus motivaciones, logrando que el film no sea transparente y del todo efectivo en el uso de sus giros. Cuando llegan, pierden cierta influencia y no logran canalizar adecuadamente el sentido de su explicación. Así, entre la eficiente misión de rescate, con luchas incluidas, el circulo narrativo pierde brillo por la mención aludida.

Ahora bien, hay una cosa en particular en la que Lou es todo un triunfo. La actuación de Allison Janney (Lou) es eficiente, transformadora y brutal. Si bien no cambia el estereotipo de antihéroe, la forma salvaje en la que manifiesta su temperamento la hace digna de reconocimiento. Desafortunadamente, las futuras revelaciones no están en consonancia con el nivel interpretativo de la premiada actriz (ganadora de un globo de oro) quien brinda una performance solida y convincente, incluso en las escenas de lucha. En este punto, los desafíos físicos y obstáculos naturales que enfrenta la actriz gozan de buena credibilidad gracias a su impresionante fuerza emocional. El resto del elenco, la acompaña correctamente, sin sobresaltos.

La película también cuenta con una destaca ambientación. Con una dirección prolija, la película logra “vivir” el centro de la escena cuando las protagonistas están en peligro. Llegado el final y por el peso confuso de sus giros (en el cual se involucran cuestiones de maternidad) el film sufre de una generalidad inevitable. Con todo, Lou, con sus altibajos, logra entretener por la actuación sobresaliente de Janney y por un guion astuto, como genérico, que atrapará al observador por su misterioso comienzo.

RESUMEN

En definitiva, Lou, es un thriller que entretiene a pesar de su argumento genérico y de algunos giros no tan bien ejecutados. Como contrapartida, la transformadora y convincente actuación de Allison Janney hace que aquellos pasen algo desapercibidos.

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FINAL DEL CAMINO (2022)

Entre el suspenso, lo absurdo y el humor negro, el thriller de Netflix no encuentra su mejor forma. Final del Camino (End of the Road) entretiene por su clásica premisa y aporta ingredientes de maternidad y racismo, que no son recompensados por su inadecuada atmósfera que intenta recrear.

Las películas de supervivencia en la carretera son tan viejas como el cine mismo. En ellas, se suscita una amenaza interna o externa en los viajeros en curso a la que tienen que sortear si quieren llegar a destino con vida. Final del Camino no es la excepción y trata de revivir un genero que ha sido asiduamente explotado. Con personajes fuertes como caricaturescos, el film toma una ruta de entretenimiento rápido y atrapante la cual no puede sostener por su inadecuada atmosfera, que intenta recrear. Con la maternidad y el racismo como base, el film se nutre de ciertos giros (pensados e impensados) pero no encuentra su mejor forma.

La historia sigue a los Freeman, una familia que está a punto de mudarse por problemas financieros. La jefa del hogar, Brenda (Queen Latifah) reúne a sus dos hijos y a su rebelde hermano Reggie (Chris “Ludacris” Bridges) para iniciar un nuevo rumbo hacia la ciudad de Texas. Con poco dinero, a causa de los gastos médicos por enfermedad de su difunto esposo, Brenda y su familia, emprenden un largo viaje donde vive su madre. En el trayecto, son testigos de un brutal asesinato en un motel. Las cosas se complican cuando Reggie se hace de un bolsa de dinero que le pertenece a un señor del crimen al que apodan “Señor Ross”. Cuando el criminal se anoticia del hecho, dará caza a los Freeman a lo largo de la ruta desértica. Sin ayuda posible, Brenda y su familia deberán sobrevivir de un asesino en serie.

La película comienza con una sensible y más que creíble interpretación de Queen Latifah. Su personaje en la piel de Brenda, una viuda que todavía se encuentra transitando el duelo con su familia , hace suponer que el film tendrá un enfoque dramático dentro de la inevitable narrativa de supervivencia que intenta plasmar. Pero mientras el viaje se convierte en un transito de relaciones raciales, con campamento neonazi incluido y psicóticos criminales, la narrativa adiciona ingredientes de humor negro y suspenso (este ultimo desaprovechado) que no tienen resultados esperados.

Ello hace que el tono del film pierda cierto brillo en las secuencias de acción atento que el traspaso de un genero a otro debe tener la coordinación necesaria para causar impactos emocionales diferentes. Final del Camino, intenta utilizar el humor negro para evitar el humor propiamente dicho, pero rara vez da resultado. Esto le quita dinámica al genero principal del cual se nutre el film, que es el suspenso. Cuando llegan, mediante secuencias de peligro inminente o mediante persecuciones, no son precisamente las del tipo adecuadas para esta clase de historias. Se puede llegar asumir algún tipo de culpa en su banda sonara con elecciones de música pop, que no logran realzar escenas dentro de la atmosfera de suspenso requerida.

Latifah (oficia también de productora) lleva adelante el protagónico sin sobresaltos, componiendo una madre que hace lo posible por sus hijos, sin importar el precio que tenga que pagar por ello. En este aspecto, el guion la induce a la actriz atravesar situaciones un tanto caricaturescas a lo que demanda esta clase de relatos. Por momentos, y envalentonada por su voluntad de madre, el personaje enfrenta situaciones de peligro como si fuese una persona con habilidades militares. Latifah, conduce, salta, golpea y dispara de forma soberbia. Irreprochable en términos de maternidad, no así en su ejecución, la cual puede tildarse de desmedida, entre otras.

El guion no es tan benevolente con Ludacris (el actor que interpreta a Tej en la saga de Rápidos y Furiosos) al volcarle a su personaje toda clase de decisiones inútiles, que no puede redimir. El resto del elenco secundario cumple con lo necesario, destacándose Beau Bridges, el cual logra suavizar el clásico estereotipo. Con todo, la película no aprovecha adecuadamente su punto fuerte, evocando conceptos como la maternidad y el valor de la familia de una manera harto conocida.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Final del camino (End of the Road) es un tipo de entretenimiento desechable. La mezcla de géneros y la selección musical no le sienta bien y subrayan la falta de una adecuada atmosfera de suspenso.

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DEPREDADOR: LA PRESA (2022)

depredador la presa: final explicado

La ultima entrada de la franquicia de Depredador, La Presa, se reencuentra con su estilo y estética redondeando un thriller de acción digno y sumamente entretenido. Disponible en Star +.

El secreto para reiniciar una franquicia cinematográfica parece ser su regreso a las fuentes. Aquellas que marcan los lineamentos de una historia y personajes son un recurso necesario para retomar el exitoso camino perdido. En tiempos actuales, las secuelas, precuelas y remakes se han convertido en una norma desvirtuando el brillo y gloria del que tuvo alguna vez el producto original. En el caso de la saga de Depredador, La Presa, es una digna entrada que aprovecha su raíz violenta y se reencuentra con su estilo perdido. Lejos de la inolvidable y única película de 1987 (con un fabuloso Arnold Schwarzenegger) pero demasiado cerca en espíritu, La Presa es tal vez la mejor entrada desde las dos películas del Depredador.

La película sigue a Naru (Amber Midthunder), una integrante de la comunidad Comanche en 1719, en Norteamérica, que desea demostrar sus capacidades de caza entre sus homólogos masculinos.  Esto la lleva a perseguir, con su cercano y líder hermano, a un león que está acechando el territorio indio y ha dejado malherido a uno de sus miembros. Cuando Naru nota la presencia de un ser extraño y todos los demás la ignoran es inducida a demostrar su valor y se aferra a un viaje sobre la peligrosa fauna silvestre. Pero no estará sola, unos violentos colonizadores y un temible y brutal Depredador serán parte de su descubrimiento y con ello el ansiado título de cazador o de presa.

Para empezar lo que hace eficiente a Depredador: La Presa es su sentido de pertenencia. La narrativa adopta ese camino en forma simple y es precisamente lo que la película necesita. La forma en que es llevada la historia recuerda a ciertos pasajes de la entrada original. Esto es, el entorno natural de bosques y montañas es utilizado como “algo más” que bellos paisajes en donde se desenvuelve la gran parte de la acción. Lo que fue “la selva” en el Depredador de 1987, lo son los entornos boscosos, con un gran uso en su aplicación. Aquí la fuente como inspiración da resultado y permite que el depredador tarde más en aparecer.

Lo mismo sucede con las secuencias de acción y suspenso. La preparación de lo que es el primer encuentro entre Naru y el Depredador es por demás satisfactoria. Siendo la quinta entrega de la franquicia el grado de sorpresa está prácticamente perdido. Con lo que hay que suplirlo con un fuerte impacto visual o con un nivel de violencia perturbadora. En cierto punto, La Presa lo logra con solidas secuencias de acción acompañadas con un alto grado de violencia sangrienta.

Ante ello se puede decir que las películas de Depredador necesitan nutrirse de este contenido explicito para no traicionar el espíritu del personaje. Se recuerda que Depredador de 1987 era una película apta para 18 años y sus escenas para la época eran estremecedoras. La Presa, sigue el camino que marcó su original con un Depredador ultraviolento y respetuoso de su formar de cazar a sus victimas. En este punto el regreso de la criatura a su fuente también es un acierto.

Ahora bien, la película tiene sus bases en el Depredador y en la manera de ocultarse de su camino. Pero esto no funcionaría sin la participación de su presa o de su cazador, en todo caso. Midthunder (Naru) lleva el protagónico con total soltura y demuestra ser una sorprendente heroína que hace uso de su entorno natural para combatir al alienígena. Naru es valiente y hábil con el hacha pero su fuerte es la estrategia. Otro punto a favor que el film se encarga rápidamente de demostrar y que se fortalece en sus pasajes finales.

En cuanto a las características físicas del Depredador se puede decir que su tonalidad es más oscura y tenebrosa que el original pero que no llegan a olvidar el Depredador de 1987. Lo mismo sucede con la representación de la comunidad comanche. Los indios, sobre todo el hermano de Naru, parecen tener un toque moderno que no se condice con la época que representan. Quizás un uso del lenguaje oficial o ficticio (todos hablan inglés) le hubiese dado más identidad a la comunidad comanche.

CURIOSIDADES

  • Esta sería la quinta entrada en la serie (sin contar las películas Alien vs. Predator). Según se informa, no tendrá ninguna conexión con  El depredador de 2018 .
  • Taabe (Dakota Beavers)dice sobre el Depredador después de herirlo: “Si sangra… podemos matarlo”.  Es un homenaje a la primera  película de Depredador (1987), donde esas mismas palabras las dijo Alan “Dutch” Schaefer (  Arnold Schwarzenegger ).
  • La tecnología utilizada por el Depredador es mucho más simple que en películas anteriores. Por ejemplo, las secciones de camuflaje son más grandes y tienen menos armadura.
  • Primera película de Depredador que se lanza como transmisión exclusiva.

RESUMEN

En definitiva, Depredador: La Presa es una vuelta a los orígenes. Tiene el potencial para dar vida a la franquicia con una serie de aciertos que la transforman en una digna entrada desde la famosa película de 1987.

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EL HOMBRE GRIS (2022)

critica el hombre gris

Netflix sube sus acciones con una trepidante película de acción y con un Ryan Gosling a prueba de balas. El Hombre Gris (The Grey Man) es puro entretenimiento.

Netflix necesitaba dar un golpe sobre la mesa. Con el creciente ascenso de otras plataformas de transmisión (Amazon, Paramount y Star +) y con una perdida considerable de suscriptores, la empresa de entretenimientos tiene un tanque entre sus filas dispuesto a arrasarlo todo. El Hombre Gris es un potencial éxito de taquilla gracias al ritmo frenético que imprimen sus elaboradas y constantes secuencias de acción. La pareja de directores Anthony y Joe Russo (conocidos mundialmente como los Hermanos Russo) reúnen un elenco repleto de estrellas y dan forma a la demanda de estos tiempos, que no es otra que entretener a cualquier costo. En toda la parafernalia visual se destaca Ryan Gosling, el cual sabe mantener, con su estilo, el estereotipo del héroe de los años 80 y 90.

En El Hombre Gris, Gosling interpreta a Sierra Seis, un ex criminal convertido en agente encubierto dentro de la CIA para ejecutar asesinatos extraoficiales. Cuando es convocado para eliminar a un nuevo objetivo, descubre una conspiración que involucra al nuevo jefe de la agencia de inteligencia. Mientras huye con información comprometida, un grupo de mercenarios a cargo del psicópata Lloyd Hansen (Cris Evans) estará tras sus pasos. Con la ayuda del agente de la CIA Dani Miranda (Ana de Armas), Seis deberá mantenerse con vida y rescatar a su antiguo mentor ( Billy Bob Thornton) con su sobrina en el proceso.

La historia de El Hombre Gris es demasiada rápida para detenerse en detalles. Luego de la pequeña introducción de la política de la CIA en donde sienta las bases del programa de reclutamiento de reclusos denominado Sierra (en el cual el protagonista forma parte), la película se direcciona directamente al terreno de la acción. Los Hermanos Russo tienen una gran capacidad de resumen en cuanto a historia se trata, mostrando su mejor forma en el ritmo y en el desarrollo de la personalidad de sus personajes. El guión en sí está repleto de bromas entre los intérpretes, lo que hace que la película pierda algo de seriedad a la hora de desencadenarse los hechos. Pero es el tono elegido a tal fin y le siente realmente bien.

Ahora, se puede decir que el film tiene un aire espiritual de ciertas películas de los años 80 y 90. En este punto la estampa de héroe simplista y estoico es representado con total solvencia por Gosling el cual sabe darle un estilo cautivador, propio de los grandes héroes de acción. Imperturbable y a prueba de balas, el Sierra Seis de Ryan Gosling es un triunfo y marca una leve diferencia entre otros artistas del genero, en donde su principal arma es el estilo interpretativo.

En una entrevista reciente Gosling confesó ser admirador de Sylvester Stallone y a juzgar por su estilo rudo y simplista puede ser que haya tomado las bases del semblante del creador de la saga de Rocky. Independientemente de ello, Gosling corre, salta y pelea como si fuese John Wick, Ethan Hunt o incluso el agente Bond. La inspiración en exitosas franquicias es innegable como así también su entretenimiento.

Más allá de Gosling, El Hombre Gris cuenta con un excelente reparto. El elenco de apoyo se dejan llevar por la adrenalina que propone el film y que en ocasiones no da respiro. La siempre encantadora Ana de Armas compensa el correcto trabajo de Gosling y Cris Evans se entretiene con un eléctrico y despiadado malvado. El veterano Billy Bob Thornton y la joven estrella en ascenso Regé-Jean Page son útiles en sus papeles secundarios, pero no alcanzan a opacar a sus estrellas.

En general, la película se realza por la actuación de Gosling brindando entretenidas secuencias de acción. Ante ello se puede decir que algunos efectos son mejores que otros, pero la que se lleva especial atención es la secuencia del tranvía en Viena. En este punto, los Hermanos Russo demuestran su efectividad en persecuciones en la vía publica en donde los tiroteos y las explosiones forman parte de una experiencia cinematográfica de primer nivel. Como tal, El Hombre Gris es una película de acción bien ejecutada apoyada por una fuerte inversión financiera (su costo es de más de 200 millones de dólares) y un elenco que se brinda al entretenimiento.

RESUMEN

En definitiva, El Hombre Gris (The Grey Man) es un thriller de acción divertido que no da respiro. La solvente interpretación y carisma de Ryan Gosling puede estar en la línea de aquellas gloriosas películas de acción de los años 80 y 90. Puro y rápido entretenimiento, con excelentes secuencias de acción que potencia la experiencia cinematográfica.

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LA PRINCESA (2022)

critica the princess

Disney toma un nuevo rumbo. Ahora las princesas son de armas tomar. Con una tendencia hacia la acción sangrienta, La Princesa (The Princess) tiene algunos momentos entretenidos dentro una narrativa plana y mediocre. Con Joe King, Dominic Cooper y Olga Kurylenko.

Los cuentos de hadas han cambiado, o por lo menos van en camino a ello. Lo cierto es que una princesa inocente y prisionera, que espera el rescate de su príncipe azul en lo alto del castillo ya se siente desactualizado. Ahora, son ellas las que hacen frente a la situación con una serie de habilidades que harían levantar la ceja a cualquier héroe de acción. En La Princesa -The Princess-, la acción con movimientos de lucha sangrientos parece ser lo único que verdaderamente importa dentro de un guion mediocre y plano, como la espada que empuña su protagonista. Con el nuevo giro violento del cuento de hadas, Disney pretende dar un golpe sobre la mesa. Tiene momentos divertidos y se evidencia un esfuerzo en la heroína de acción, pero sobre la superficie queda la sensación de ser un producto fallido.

The Princess (La Princesa) sigue a una princesa sin nombre que se encuentra atrapada en lo alto de un castillo. Encadenada y vestida de novia, la princesa se despierta de sus aposentos y decide dar comienzo a su liberación. A simple vista no parece una tarea fácil a raíz de que un ejercito invasor ha tomado posesión del castillo con planes de tomar el poder del reino ficticio de su padre. Hasta que unos guardias ingresan a la habitación y la princesa los elimina rápidamente. Así, comienza un viaje para llegar al descenso de la torre y salvar a su familia de las garras de su posible esposo abandonado.

Para empezar La Princesa, tiene la clara intensión de sorprender a la audiencia con secuencias de acción violentas y sangrientas. La yuxtaposición de aquella herramienta con el estilo cinematográfico de las películas de Disney es un buen contrapunto que sin embargo no define hacia quién está dirigido. Claramente es una película de acción no apta para todo público por el alto nivel de violencia que ejecuta, pero aún así la línea de su historia y de sus personajes no siguen el mismo camino. Con lo que todo parece encolumnares detrás de los movimientos de lucha y manejo de la espada de la princesa frente a su enemigos.

Este indicador puede llegar a resultar un placer culpable al ver una bella y joven princesa matar a muchos hombres adultos en el camino de descenso de la torre. Pero la realidad, es que no tiene mucho más para aportar al carecer de una historia que potencie el desarrollo de personajes secundarios. Desde el rey hasta el potencial esposo abandonado (Dominic Cooper), ningún de ellos parece tener peso en la narrativa. La utilización de flashbacks ayudan a comprender el manejo rápido de la trama pero termina condenando la labor protagónica del antagonista, del cual solo se desprende un personaje común. Solo Olga Kurylenko alcanza levemente a destacarse componiendo a una villana temible pero no es la intención de The Princess interiorizarse en ellos.

Toda la atención esta puesta en Joey King (La Princesa). La actriz demuestra compromiso con las secuencias de acción y con algunas maniobras coreografiadas. El personaje sangra, resiste caídas, aguanta la respiración bajo el agua y demás. No hay nada nuevo aquí que no se haya visto antes e incluso algunas conductas son demasiadas predecibles. El impacto que genera ver a una bella joven, que se presume es un delicada princesa, ejecutar movimientos rápidos, violentos y sangrientos se diluye con el correr de los minutos. Algo que el público adulto notará a causa de la falta de una historia con personajes secundarios que potencien la inclinación violenta de la trama.

RESUMEN

En definitiva, The Princess ( La Princesa)toma riesgos al adaptar un cuento de hadas de princesas con un corte acción sangriento. Su principal problema es la falta de una historia con personajes secundarios que justifiquen su trama violenta. Con todo, la película tiene momentos divertidos, pero se relaciona con la princesa y su idea de salvarse a si misma.

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CENTAURO (2022)

Entretenimiento simple y pasajero que no se detiene en detalles. Centauro, mantiene su expectativa en la velocidad de un guion que se corresponde con la de su moto. Disponible en Netflix.

Un promisorio piloto de motociclismo y asiduo trabajador portuario se sumerge en el inframundo criminal para salvar a su ex-mujer de una deuda de drogas. Con esa premisa, el guion no ahonda en detalles, configurando un thriller en línea recta hasta su punto de meta. Así, Centauro, no tiene intenciones de auto exigirse demasiado más que brindar un entretenimiento pasajero. Cumple en esos términos, en una rápida ejecución de 90 minutos. Pero llega con el combustible justo.

La historia sigue a Rafa (Álex Monner), un joven que sueña con convertirse en piloto profesional de motos. Divide su tiempo entre las pruebas de manejo, su trabajo en el puerto de Barcelona y su rol de padre. Cuando su ex-mujer, quién vive con su hijo, es víctima de un robo de drogas, Rafa tendrá que enmendar la situación para sacar a su familia fuera de peligro. Para pagar la deuda, se tendrá que introducir en un mundo criminal, haciendo uso de la habilidad con la moto.

De este modo, hace un trato con un líder criminal colombiano quién tiene dificultades para entregar mercadería prohibida por asfalto. A bordo de su moto, a toda velocidad, y al margen de la ley, Rafa tendrá cumplir el peligroso encargo, poniendo en juego su vida, su trabajo y su sueño de ser piloto profesional.

Carlos Bardem

Centauro, se mueve sobre territorio conocido a raíz de que es una remake de Burn Out (película francesa, también disponible en Netflix) en donde se vuelve a exponer la misma narrativa, pero con actores españoles. Pero en vez de aprovechar los errores de su predecesora, los vuelve a repetir con una historia que no profundiza en sus personajes. Àlex Monner cuenta con suficiente material para trabajar las capas de su protagónico, pero no tiene el tiempo suficiente para dramatizarlo.

La trama, de desarrollo simple y rápido, no es benevolente con el actor catalán atento que se le plantea varias situaciones por resolver y todas se sienten algo descuidadas. Incluso la sexy secuencia de reconciliación con la madre de su hijo apenas funciona para un hombre que quiere ser piloto de carrera, mientras hace de mula a las ordenes del capo criminal Carlos. En este aspecto, la narrativa ejecuta un cúmulo de situaciones que no está dispuesto a procesar y las maquilla con secuencias en moto a alta velocidad, en tanto se fragmenta el aspecto cansino del motociclista con su pasión por formar parte de una escudería de carreras. Todo lo dicho, se resuelve de un modo precipitado.

Centauro película

Ahora bien, se puede decir que Centauro se destaca por las secuencias de manejo de motos. Pero la realidad es que no hay motivo para sorprenderse. Desde la efectiva secuencia de apertura, filmada como si fuese una transmisión de carrera de GP, hasta las persecuciones nocturnas, no hay nada aquí que valga la pena un aplauso. No obstante ello, las escenas se entienden y son acompañadas por una pegadiza musicalización.

Dicho esto, la película se mueve en un tiempo de ejecución relativamente corto. Los recurrentes toques de edición le dan algo de sustento a su, de por sí, simple narrativa. Se entiende el recorrido del protagonista y su odisea de llevar sustancias prohibidas desde Marsella hasta Barcelona. Lo queda difuso es el trayecto que recorre con sus dos horas de demora. Queda la sensación de que se podría haber sacado algo más de rédito a las persecuciones (la policía persigue solamente con juego de luces) y no ser un simple recorrido lineal. El rápido y no tan creíble final logra corregirlo, pero no es suficiente.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Centauro trabaja sobre un material ya visto (remake de Burn Out) y recorre el mismo camino. No agrega nada. Con una historia simple y con personajes desdibujados, solo algunas dosis de velocidad y adrenalina bien ejecutadas cumplen el propósito de entretener.

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VISTA POR ULTIMA VEZ (2022)

critica last seen alive

Gerard Butler se roba toda la atención en un film que no dice más de lo que es. Vista por última vez (Last Seen Alive), persigue una historia familiar con bajos recursos técnicos. Aun así cobra impulso por la labor de su estrella principal, como el elenco que lo rodea.

Reseña de Last Seen Alive Gerard Butler como Will Spann

Un actor de grado A en una película de clase B es la mejor definición para Last Seen Alive. Un film que no ahonda mucho en su escritura, como en sus recursos técnicos, pero que cuenta con un Gerard Butler comprometido en la búsqueda de su esposa, que desaparece de una estación de servicio. El protagonista no tiene esa clase de “habilidades” características de los héroes de acción. Solo es un hombre común ante una situación límite. Entonces, ¿Qué se haría para salvar a un ser querido? La película tiene sus momentos de tensión y no dice más de lo que es, al igual que Butler, un actor de grado A, que salva el espectáculo.

Will (Gerard Butler) y Lisa (Jaimie Alexander) es un matrimonio que no está pasando por un buen momento y deciden tomarse un tiempo para esclarecer las cosas, sobre todo del lado de Lisa quién no parece estar segura de continuar la relación. Por lo tanto, emprenden camino hacia la casa de los padres de Lisa. Pero en el trayecto el vehículo se queda sin combustible, con lo que se detienen en una estación de servicio. Mientras Will reposta combustible, su esposa entra a comprar un refresco, siendo la ultima vez que la ve.

A partir de allí, Will empieza una búsqueda frenética, culminando con la notificación a la policía. El detective Paterson se hace cargo del caso pero las cosas comienzan a impacientarse y Will decide rastrear a su esposa por su cuenta. En un medio que no conoce, tendrá que buscar las pistas necesarias, incluso si eso significa estar al margen de la ley.

La historia y su desenlace son muy similares a Sin Rastro (1997), aquella película protagonizada por Kurt Russell en donde su esposa estaba sometida a un secuestro. Vista por Ultima Vez, juega con esa premisa con un particular inicio: muestra las cartas del delito de antemano, no dando pie a ningún tipo de sorpresa, planteando la irremediable búsqueda de un hombre que hará todo lo posible para encontrar a su esposa con vida.

Entonces, el primer acto de apertura exhibe una confesión de alguien que presumiblemente está muerto. La introducción, que sirve como base motivacional de la historia encuentra un rápido atajo hacia su culminante final, en el que resta saber si el protagonista encontrará con vida o no a su mujer. De nada sirve el factor sentimental que se trata de imprimir aquí (con la confesión de infidelidad incluida) debido a que es neutro en el camino de la escena del crimen.

Ahora, lo que compensa su predecible trama es la actuación de Gerard Butler. El actor de origen escoses matiza su personaje sin perder de vista que es un hombre con los pies en la tierra. Will, es un exitoso empresario sin habilidades particulares pero con el instinto salvaje para llegar a destino a cualquier precio (al margen de la ley incluido). La audiencia verá un protagonista decidido y con mucho actitud para enfrentar ciertos obstáculos. Algo que podría llegar a cuestionarse en ciertos pasajes de la historia, pero que se hace creíble por la labor de Butler.

Todos los actores interpretan sus papeles satisfactoriamente, pero al final se queda la sensación de que se podría haber aprovechado un poco más el personaje del detective Paterson. Con todo el peso del relato en las espaldas de Butler, bien podría haberse dado un lugar más preponderante al detective que duda del héroe pero que luego brinda su ayuda. Es ocasiones es difícil encontrar un secundario que sirva de soporte al actor principal. Aquí lo tenían (Russell Hornsby), pero no le dieron mucho tiempo en pantalla.

En cuanto al aspecto técnico, se puede decir que es una producción con escenas simples y directas. Se evidencia una estética televisiva en la imagen de filmación y bajos recursos en en algunos efectos. Pero la tensión reinante en su tramo final compensa aquellas falencias con una secuencia brutal y bien escenificada que hará poner los nervios de punta. En este aspecto la partitura musical juega un papel clave, acompañando los movimientos de Butler cada vez que entra en acción. Ante ello se vuelve a señalar que la actuación de Butler es el motivo principal del éxito de la película.

RESUMEN

En definitiva, Vista por última vez (Last Seen Alive) maneja una historia con técnica simplista que cobra impulso por la actuación de su protagonista principal. A pesar de algunos buenos momentos de tensión, es el aporte de Gerard Butler la razón principal para ver la película.

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TODO EN TODAS PARTES AL MISMO TIEMPO (2022)

todo en todas partes al mismo tiempo: explicación del multiverso

Imaginativa como agotadora, Todo en todas partes al mismo tiempo es un viaje emocional de ciencia ficción sobrecargado, en donde dividirá los gustos de los espectadores. Protagonizada por la legendaria artista marcial asiática, Michelle Yeoh.

Todo en todas partes al mismo tiempo ( Everything everywhere all at once) es de esas películas que irradian una sorprendente capacidad de imaginación. Lo dicho no deja ser un reconocimiento al ingenio de sus creadores al narrar una trama con saltos en el tiempo y universos paralelos. Pero, la grandilocuencia visual y frenética puede llegar a dificultar su capacidad de comprensión y con ella el agotamiento al intentar seguir el ritmo a una producción que abraza la ciencia ficción de una manera alocada. Imaginativa, agotadora y emotiva en ciertos pasajes, Todo en todas partes al mismo tiempo es un viaje emocional demasiado sobrecargado.

La película sigue a Evelyn Wang ( Michelle Yeoh), propietaria de una lavandería a la cual no le está yendo muy bien. Su matrimonio con su esposo Waymond (Ke Huy Quan) está en crisis, todavía se siente distante de su padre (James Hong), y la relación con su hija Joy (Stephanie Hsu) es tensa.  Además de todo eso, Evelyn se encuentra en medio de una auditoría de impuestos encabezada por una severa agente de retención llamada Deirdre (Jamie Lee Curtis).  Evelyn está tratando de salvar sus relaciones que se están desmoronando mientras evita sus propios sentimientos de insuficiencia.  Sin embargo, todo cambia cuando se da cuenta que existe un multiverso, el cual representa una versión de sí misma por decisiones diferentes. La cuestión se complica cuando se le dice que ella es crucial para salvarlo.

Todo en todas partes al mismo tiempo parte de una narración por demás imaginativa al recrear un multiverso motivado por las decisiones. Dependiendo de la capacidad de elegir, existe un universo alternativo en donde la heroína hace un recorrido de todas esas posibilidades. Como toda ciencia ficción, el film tiene sus reglas pero eso no significa que la audiencia lo comprenda con precisión. Ante esto, se puede llegar a ser difícil seguir la línea de tiempo de la historia con sus recurrentes saltos, mientras se pone en ejecución un gran despliegue visual con secuencias sumamente divertidas.

La película tiene una clara intención de sacudir a la audiencia y sacarla de su lugar de confort. Lo logra durante todo su metraje pero en el camino se corre el riesgo de producir agotamiento y confusión con tantos cortes de edición de viajes en el tiempo. La pareja de directores Dan Kwan y Daniel Scheinert (conocidos como Los Daniels) crean un mundo caótico y con opciones ilimitadas inspiradas en otras películas de genero. Desde Matrix hasta Terminator, la película parece rendirle una especie de homenaje con la diferencia que excede su capacidad lógica de comprensión. La pastilla roja y azul de Matrix es una regla de multiplicar simple al lado de lo que se propone aquí.

Ahora bien, lo que tiene de complejo lo tiene de divertido. Las secuencias constantes de saltos en el tiempo lo corresponden con situaciones desopilantes, inverosímiles y grotescas que marcan la capacidad de locura de sus creadores. En el centro de este “tornado imaginativo” se encuentra una historia familiar, con una acertada moraleja. Michelle Yeoh, lleva adelante la trama componiendo un personaje matizado, imbuyendo a Evelyn de desesperación y energía, cada vez que realiza los diferente saltos dimensionales.

Pero, si bien la actriz asiática es el corazón de la historia, no está sola. Ke Huay Quanes (Waymond) es el partenaire perfecto para Yeoh al componer al esposo que ha redactado los papeles de divorcio, hasta que una versión de otro universo se apodera de su cuerpo. La interpretación de Quanes hace que el film tenga algo de explicación con sus marcados cambios de conducta. El resto del elenco siguen la misma línea que marcan sus protagonistas.

Entre tanta situación caótica e irreal, Todo en todas partes al mismo tiempo se enfoca en la dinámica familiar y en los problemas cotidianos con que se lidian continuamente. Evelyn está cansada de su marido y no acepta la nueva relación sentimental de su hija. Mientras trata de resolver todo ello, el mundo la golpea con sensaciones encontradas en el hecho de saber si ha tomado la decisión correcta. El film da muestra de un marcado optimismo y resuelve su problemática de una manera esperanzadora. La recompensa y el sentido del film llegan en su final, si es que los espectadores menos versátiles están dispuestos a aguantar.

RESUMEN

En definitiva, Todo en todas partes al mismo tiempo logra llevar al espectador a otro nivel en la exploración del multiverso. Pero, tal nivel de locura entretenida es llevada al punto del agotamiento.

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WHITE ELEPHANT (2022)

critica white elephant

Con un guion endeble y de escaso presupuesto, White Elephant no puede sobresalir del difícil genero de clase B. Con Michael Rooker, Bruce Willis, John Malcovich y Olga kurylenko.

Elefante blanco

El cine de acción clase “b” se ha mostrado como una fuente de trabajo para aquellos grandes actores que están viviendo sus atardeceres en la industria del entretenimiento. Pero lo que para viejas glorias pasadas es una forma de mantenerse vigente, para ciertos cineastas es una forma de exhibir su talento. En este lugar se encuentra Jesse V. Johnson (asiduo colaborador del artista marcial Scott Adkins), quién se esfuerza por llevar adelante una historia del inframundo criminal, con resultados diversos. Apoyándose en el oficio de Michael Rooker y en algunas logradas escenas de acción, no puede darle vida a un mundo criminal que lo absorbe.

La historia se abre con Gabriel (Michael Rooker), un ex marine convertido en asesino a sueldo que trabaja bajo las ordenes de un capo mafioso, Arnold (Bruce Willis). Cuando recibe un nuevo encargo, Gabriel le encomienda a su socio y aprendiz, Carlos, que ejecute al objetivo para destrabar el conflicto entre las organizaciones criminales mexicanas y rusas. Usando una bomba para limpiar la escena del crimen, Carlos es descubierto por la agente Flynn (Olga Kurylenko) transformándola en un testigo eliminable. Con Gabriel retomando la situación, una serie de eventos hará reconsiderar su vida criminal en la que pueda ser su sentencia de muerte.

White Elephant se nutre de una narrativa estándar y de diálogos habituales para este tipo de producciones. Hay una clara intención de recrear una línea dramática que no es del todo explotada por situaciones criminales que el guion adopta. Gabriel (Michael Rooker) es un ejecutor que extraña mucho a su esposa. Su prematura muerte y una promesa incumplida, lo llevan a reconsiderar su vida criminal. En este sentido, el guion complica el camino del personaje en su triple tarea de ejecutor, maestro del crimen y subordinado.

A pesar de ello, Rooker lleva adelante el film con total solvencia. Es un trabajo sencillo para un actor con mucho oficio, pero cuando el intérprete entra en escena, el film saca sus mejores réditos. La película le reserva eficaces secuencias de acción, especialmente en su tramo final, donde Rooker muestra su mejor forma. En igual sentido, lo acompaña Olga Kurylenko, demostrando todo sus profesionalismo aquí.

Elefante blanco

Bruce Willis y John Malkovich tienen papeles por demás secundarios, sobre todo el segundo, quién interpreta a un corrupto abogado, que disfruta contar historias de la antigua Grecia, como moraleja. El personaje de Malkovich es simpático, pero no aporta nada a la trama. En cuanto a Willis, su triste enfermedad (afasia) le impide hacer lo que realmente esperamos. Se evidencia un trato considerado en la condición de Willis al usarlo en interacciones cortas y concisas; y si bien el famoso y querido actor se la pasa la mayor cantidad de tiempo sentado, nos regala una aceptable escena con ametralladora en donde da muestra de toda su carisma.

White Elephant se mueve en una trama demasiada básica como intrincada, donde las interacciones no tienen el suficiente impulso para rescatarla. El cineasta hace lo que puede con pocos recursos, que parece haberse destinado al conocido elenco. Aun así, se las arregla para organizar la acción, con algunas secuencias de aceptable factura. Más no se le puede pedir a una propuesta mediocre, que cobra algo de impulso por ciertos destellos del director, como de sus grandes actores.

RESUMEN

En definitiva, White Elephant podría haber sido mucho mejor. Con un elenco conocido, en el que se destaca Michael Rooker, el film no puede resolver su intrincada trama, a pesar de algunas aceptables secuencia de acción. Dentro del genero de clase B no logra destacarse y ello dice mucho.

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INTERCEPTOR (2022)

critica interceptor

La nueva producción de Netflix es un rejunte de otras películas, pero no se permite creer su propia tontería. Protagoniza Elsa Pataky.

Las películas de acción modernas en donde el protagonista principal tiene la clara misión de salvar el día, necesitan de una estrategia narrativa para que todo funcione como un reloj. La amenaza exterior, por más inverosímil que sea, debe ser compensada por la impronta de un héroe dispuesto a arruinar los planes de los villanos en cuestión. Entonces, con exitosas películas (transformadas en clásicos) como Duro de Matar o Alerta Máxima, resulta una tarea difícil recrear un material que transmita nuevas sensaciones. Interceptor, no cuenta con las piezas necesarias para crear un digno entretenimiento por una sencilla razón: no se permite creer su propia tontería.

Elsa Pataky interpreta a la capitana JJ Collins, quién retorna a una de las dos bases secretas de interceptores de misiles del ejercito de los Estados Unidos. Estas bases son la última línea de defensa en caso de un ataque nuclear de Rusia o de cualquier otro enemigo del planeta. Después de enfrentar un acoso sexual, Collins es degradada a su antiguo puesto militar. Cuando llega, se anoticia de un ataque terrorista coordinado, que pone en peligro la paz mundial. Con una línea de defensa caída y con la clara intención de lanzar 16 misiles atómicos en ciudades americanas, la capitana Collins deberá resistir los embates del enemigo, siendo la última esperanza de los Estados Unidos.

La película tiene un crédito de apertura temerario por la forma en que describe un potencial escenario de enfrentamiento militar. En ella describe que un misil atómico ruso puede tardar 24 minutos en llegar a un destino estadounidense y a su vez, 12 de ellos en contrarrestarlo. Las líneas de defensa americanas son secretas y una de ellas está en el medio del océano pacifico. Se presume pensar que la amenaza de los terroristas y la resistencia a sus embates se hará en toda la base militar flotante. Pero ello sucede en escasos minutos, transcurriendo gran parte de la acción en una pequeña habitación de comunicación.

Con lo que la heroína en cuestión (una Elsa Pataky en forma) se limita a ser un obstáculo en si misma, perdiendo todo tipo de sorpresa. Esto es, Interceptor se vuelve anodina y algo tonta. Capitaliza una idea trepidante y de acción sin respiro, pero su ejecución es un intento equivocado. Si bien hay una clara inspiración en películas ochentonas, como Duro de Matar, no fundamenta su propia historia, con el agravante de que tampoco se la cree.

La película pierde su equilibrio cuando se trata de revelar las motivaciones del villano Alexander. Interceptor, juega con la mente criminal característica de los villanos de James Bond, pero en el fondo no se llega a entender del todo sus motivaciones. Hay un fin monetario por cierto, pero el hecho de matar a millones de personas, con un reducido numero de terroristas, no convence en absoluto.

Dicho esto, la historia es una tontería en general, que es aplaudida por un invitado inesperado, que no pertenece al elenco de Interceptor. Se trata de Chris Hemsworth, casualmente productor del film y marido de Elsa Pataky, que sigue la misión televisada en un centro de ventas de electrodomésticos. Se entiende que se quiere aportar algo de gracia y humor a la narrativa, pero aquí su aporte no suma, contrarrestando la seriedad de su mujer. Pataky suda bastante para ofrecer algunas aceptables secuencias de acción. La actriz se encuentra en excelente estado de forma, mostrando sus marcados músculos de crossfit. Pero no logra profundizar los aspectos más personales de su personaje. Como heroína esta en deuda al no exhibir la personalidad que imponen las estrellas de acción.

Interceptor, cuenta con escenas demostradamente risibles. Desde el falso intelectualismo del villano Alexander; secuencias ordinarias de lucha y escondite; cameo de Hemsworth mal ejecutado; actitudes intrascendentes de ejecutivos como de la presidenta de los Estados Unidos y un uso del segundero al límite de su tiempo hacen que el film sea una invitación a la risa y a un rápido olvido.

CURIOSIDADES

  • Elsa Pataky y Chris Hemsworth son marido y mujer en la vida real. Esta es la segunda película en la que colaboran juntos después  d Tropa de Herés (2018).
  • Esta película se inspira en varios aspectos en la película Duro de Matar (1988). La revelación en el medio de la película de que Kessel realmente solo está en esto por el dinero es un guiño a los motivos de Hans Gruber en Die Hard. 

RESUMEN

En definitiva, Interceptor intenta hacer una película de acción con ingrediente pasados. Fracasa en todos sus aspectos a pesar del esfuerzo físico de Elsa Pataky.

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