HIGH HEAT (2022)

El encanto de Olga Kurylenko y la vuelta de Don Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad. Entre las moderadas secuencias de acción y su apuesta a la comedia, High Heat desaprovecha todo lo que construye.

Los créditos iniciales de High Heat presume pensar que la película será tan ligera como un plato de comida rápida. Algo que no es un reproche, teniendo en cuenta las dimensiones presupuestarias que tienen los largometrajes de clase “B”. Pero mientras estas se construyen con una idea clara en términos de ejecución, High Heat no logra imponer los géneros que transita. La indefinición se hace notoria cuando mezcla la acción, comedia y algo de drama sin buenos resultados a pesar del buen elenco actoral el cual no tiene mucho material con el que trabajar. Las buenas intenciones de la película no se plasman en su estructura a pesar del encanto de Kurylenko y la vuelta de Don Johnson. Así, High Heat tiene poco para ofrecer y desaprovecha todo lo que construye.

La historia sigue a Ana (Kurylenko), una promisoria chef que está a punto de inaugurar un restaurante de primera categoría. La acompaña su esposo y socio comercial (Don Johnson), quién esa noche recibe vistas inesperadas de un antiguo amigo que reclama una deuda. Cuando los mafiosos se deciden quemar los cimientos de restaurant, se revela que Ana no solo tiene el talento para el arte culinario sino también que es una antigua integrante de la KGB. Para salvar el emprendimiento, deberá desterrar sus “habilidades” en lo que será un enfrentamiento de una sola noche.

Se dijo que la película tiene buenas intenciones y esto se evidencia en el tono rápido y caricaturesco que se le imprimen a todos sus personajes. El problema radica en su aspiración a ser algo más de lo que realmente es. High Heat tiene una duración de una hora y veinte minutos y trata de abarcar y mezclar diferentes géneros con resultados negativos. El elenco secundario a disposición de la dirección es realmente bueno (raro en películas de clase “B”) pero aquellos interpretes no tienen ni el guion ni el tiempo para profundizar sus personajes. Ejemplo de ello es el cómico aporte (desaprovechado ) de Jackie Long, convirtiéndose, quizás en el único ejemplo de éxito en ese sentido.

La película tiene pocas locaciones. La cocina del restaurant y un estacionamiento vacío son los entornos donde se desenvuelven las pocas y aceptables secuencias de acción. En este aspecto no tiene mucho para ofrecer y se siente algo moderada y un tanto limitada teniendo en cuenta lo disparatado de su comicidad. Olga Kurylenko usa su encanto para materializar cualquier situación de peligro pero ello no es suficiente y no puede salvar a la película de su mediocridad.

En cuanto a Johnson, muestra química con su estrella principal y si bien es la fuente del conflicto con la cuantiosa suma de dinero adeudada , su aporte no deja de ser secundario. La interacción de mafiosos, deudores y asesinos encubiertos no está bien materializado y ello se evidencia en los focos de conflicto que se van abriendo camino. Así, High Heat se va apagando con el correr de los minutos mientras se observa de reojo las agujas del reloj. Un pecado capital para una propuesta que tiene el fin de generar entretenimiento, sin exigencias.

RESUMEN

High Heat tiene buenas intenciones que la dirección no alcanza a ejecutar. Lo que debería ser su fuerte de exposición (la acción ) es moderada y limitada con lo que la expectativa y el interés se irán diluyendo en el correr de los minutos. El elenco no es un problema pero el guion sí lo es al no saber controlar los diferentes géneros que transita. Con todo, Kurylenko y Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad.

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PARADISE CITY (2022)

Bruce Willis y John Travolta se vuelven a reunir en una película desechable. Paradise City, no tiene con qué cubrir las apariciones ocasionales de las dos estrellas a pesar de contar con un director competente.

Resulta una atracción ver en pantalla a Bruce Willis y John Travolta en una película de acción. Desde la premiada obra de Quentin Tarantino, Tiempos Violentos, las dos estrellas se vuelven a reunir con un resultado decepcionante. Está claro que la pretensión aquí no va más de allá lo mínimo esperable en cuanto a entretenimiento se refiere, dentro de un guion predecible y un esperable andar luminoso de sus figuras centrales. Pero lo cierto es que la historia les reserva apariciones ocasionales dejando todo el flujo de entretenimiento en actores secundarios. El director Chuc Russell no logra sortear el obstáculo y convierte a Paradice City en un película de acción decepcionante.

La historia sigue a Ian Swan (Bruce Willis), un cazarrecompensas que desapareció en algún lugar de las islas hawaianas.  En su búsqueda de un narcotraficante internacional al que ha perseguido durante años, Swan queda atrapado en un fuego cruzado y se presume que está muerto.  Su hijo, Ryan Swan (Blake Jenner) sigue el rastro de su padre hacia un inframundo criminal.  Acompañado por la ex pareja de su padre, Robbie Cole (Stephen Dorff), y Savannah, una detective local (Praya Lundberg), todos se disponen a encontrar al presunto asesino.  Mientras tanto, un corredor de bolsa (John Travolta), amenaza la paz de la isla (Paradise City) con un proyecto de destrucción de sus recursos naturales.

La película, en principio, es decepcionante en su conjunto al abordar diferentes tramas secundarias que se confunden con la principal. La queja radica en la forma de canalizarlas en la cual se presta a confusión. En toda película de bajo presupuesto (Paradice City lo es con todas las letras) hay una clara tendencia a predecir el resultado en beneficio del entretenimiento. Es una formula sencilla, casi automatizada, en donde la escritura es tan lineal como sus secuencias de acción. Aquí, las historias adicionales gozan de un apresuramiento desinteresado que terminan minando la trama principal con una falta de profundización en la motivación del plan del villano en cuestión.

El plan, que incluye la destrucción de los recursos naturales de la isla por un centro de drogas, solo se revela en la mente criminal del ejecutor. Situación que no se dedica mucho tiempo en explorarse y que la dirección no puede suplir con las coloridas imágenes de la isla. Esto hace que la narrativa de Paradice City tenga un andar desinteresado y cansino, con muy poco espacio para que el observador digiera lo que esta sucediendo. También tiene un gran problema de ritmo. Las apariciones ocasionales de Willis y Travolta son cubiertas por actores secundarios que no pueden llevar el interés de la trama. Resulta difícil sentir empatía por ellos atento que no se evidencia ningún tipo de carisma que los identifique.

La decepción llega en su punto culminante cuando se desarrollan las secuencias de acción. Ninguna de ellas tiene un componente confiable. Los movimientos de lucha como las escenas de disparos gozan de gran ordinarez como de una falta total de timing, desaprovechando el talento innato de Willis (a pesar de su diagnostico público de afasia). Resulta llamativo como un director competente como Chuck Russell, responsable de títulos taquilleros como La mascara y El Protector, haya elaborado tremendo descalabro. Las películas de acción tienen que tener como mínimo una sensación de vivacidad y Paradice City no la tiene.

RESUMEN

En definitiva, Paradice City es otro título de acción decepcionante. Las ocasionales intervenciones de Bruce Willis y John Travolta no fueron bien cubiertas por actores secundarios a los que resulta difícil empatizar. Con secuencias de acción poco confiable se vuelve un film desechable.

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ACCIDENT MAN 2 : Hitman’s Holiday (2022) 

critica accident man 2

Con abundantes coreografías de artes marciales en donde brilla el talento de Scott Adkins, Accident Man 2 no aprovecha los aciertos de su antecesora pero no deja de ser un viaje divertido.

Scott Adkins pertenece al genero de actores infravalorados. Su talento en el arte marcial lo ha llevado a ser un referente en películas de bajo costo en donde los recursos se materializan por la acción coreográfica que el actor inglés ejecuta. En esta oportunidad, Adkins impulsa un proyecto propio que comenzó en el año 2018 y en la que ha pasado desapercibido. Accident Man (algo así como el hombre accidente) centra su narrativa en los asesinatos accidentales con un toque de comedia negra . Su continuación se aparta de la esencia de su antecesora y en su lugar despliega abundantes coreografías de acción en donde brilla el talento marcial de Adkins. A saber, es un viaje entretenido para los seguidores del actor como para aquellos que busquen un placer culpable.

Accident Man 2 se centra en el asesino profesional Mike Fallon (Scott Adkins). Después de los acontecimientos de Londres, Mike huye a Malta para mantenerse desapercibido y continuar como contratista de asesinatos accidentales. Cuando su antiguo amigo Fred es secuestrado por una jefa de un peligroso sindicato del crimen, Mike se ve obligado a proteger a su hijo a cambio de la vida de su compañero.

Para empezar hay una clara intención en Accident Man 2 de exaltar una narrativa alegre, absurda y caricaturesca. Desde sus simples y desvergonzados diálogos hasta su ligera introducción de la historia hacen que resulte indiferente visualizar su primera parte ya que su continuación se sostiene por sí sola. Dicho esto, se puede decir que la original había construido las bases para el desarrollo en las preparación de los asesinatos accidentales. Si bien no hay ninguna pisca de originalidad en ella, ya que bien podría haberse tomado de la película El Mecánico (con Jason Statham) en donde el protagonista también disfrazaba los encargos de homicidio en un accidente, la utilización del humor negro y el estilo sombrío de las ejecuciones tenían su valor agregado.

Esta característica tan bien ganada en Accident Man es desaprovechada en su segunda parte y en este punto es donde la película pierde su eje. En su lugar lo compensa con las increíbles coreografías de artes marciales en las que Scott Adkins demuestra que es uno de los mejores en su genero. En relación a ello, todas las escenas de lucha se ven claras. Cada golpe lleva el destino deseado y si bien pecan de exageración van a tono con el aspecto caricaturesco de los personajes. Todas las piezas de acción fueron supervisadas por los hermanos Kirby (a cargo de la dirección). Especialistas en acrobacias, dando sobradas muestras que lo suyo son lo combates vistosos y exagerados. Quienes busquen este tipo de propuestas saldrán altamente recompensados.

Accidente Man 2 cuenta con una buena química en sus protagonistas. Gran parte de su éxito radica en el carisma de sus personajes y en los pasos de comedia que en muchas veces se ven involucrados. En este punto la incursión de Sarah Chang, quién, salvando las distancias, emula a un servidor del Inspector Clouseau  en la Pantera Rosa está bien direccionada. Su aporte trae frescura al elenco y es una buena opción para explotar su personaje, si es que hay una tercera parte. Con todo, Accidente Man 2 tiene lo que se necesita para entretener dentro de su caótica narrativa.

RESUMEN

En definitiva, Accidente Man: Hitman’s Holiday es un viaje alocado lleno de combates coreografiados donde brilla la figura marcial de Scott Adkins.

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MEDIEVAL (2022)

critica medieval

Seria en su estética y estilizada en su representación de época, Medieval, no logra su máximo potencial a pesar de su inspiración en otras películas de genero. La ambiciosa producción checa cuenta con algunos combates brutales y una destacada localización pero no logra la calidad deseada. Con Ben Foster y Michael Caine. Estreno el 8 de Noviembre en Netflix.

Se puede decir que hay una audiencia para cada genero cinematográfico en donde se procesan gustos preestablecidos. Pero en ciertos ocasiones las películas históricas logran unificar toda la atención ya que reviven momentos legendarios de la historia con la recreación de imponentes batallas con enfurecidos y obstinados guerreros. Medieval, está basada en la historia del héroe popular checo Jan Zizka, que se dice nunca fue derrotado en una batalla. Con un nivel de presupuesto acotado, situación en que los trabajos de edición de cámara y las hermosas localizaciones se encargan de disimular convenientemente en los brutales enfrentamientos, la producción checa goza de una seria estilización en su representación de época, pero no logra la calidad deseada de sus antecesoras.

Medieval comienza con Europa al borde del caos tras la muerte del Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico.  Son momentos de incertidumbre, codicia y tiranía en donde la legitimación del poder se establecía con la coronación de la Iglesia Católica. Con dos Papas en el horizonte, uno en Roma y otro en Francia, el negociador Lord Boresh (Michael Caine) tiene la tarea de lograr un paso seguro al heredero del Imperio (actual rey de de Bohemia), a la capital romana para efectivizar aquel propósito.

Sin embargo, se enfrentan con la oposición de Lord Rosenberg (Til Schweiger), un noble adinerado con la mirada puesta en la corona de Bohemia, y el rey húngaro Segismundo (Matthew Goode), el medio hermano del sucesor imperial, cuyo objetivo es llegar al poder.  Como el digno sucesor esta en bancarrota y necesita de los fondos necesarios para el viaje, Boresh se hace de los servicios de Žižka (Ben Foster) y sus mercenarios con el fin de secuestrar a la prometida de Rosenberg, Lady Catherine (Sophie Lowe), que también es sobrina del Rey de Francia, a cambio de un rescate.

Medieval basa su narrativa en traiciones y persecuciones de los aspirantes al trono sucesorio en donde sus ideas se materializan en la acción de sus guerreros. Desde esta perspectiva el guion no tiene mucho que hacer en cuanto a intriga de poder se trata, atento que los planes de los interesados se revelan inmediatamente. Esta falta de profundidad reflejada en sus diálogos no hace más que revitalizar el interés encubierto de la producción en la violencia brutal de los enfrentamientos. Lo señalado no se condice con la postura visualmente atractiva de la película, con hermosos paisajes y locaciones de imponentes de sitios históricos, que la dirección trata de resaltar en todo momento con cuidadas tomas aéreas.

El trasfondo político que se nutre la película no es del todo aprovechado. Hay buenos interpretes aquí (casi todos ingleses en una producción checa) pero el film no se detiene en situaciones de corte político que bien hubiesen servido para fundamentar más aún el interés de la misión principal. El digno sucesor, el actual rey de Bohemia Wenceslao IV, tiene un aporte intrascendente y su personaje se diluye en la atracción del secuestro de  Lady Katherine (Sophie Lowe). El giro rápido y repetitivo de su captura y recaptura, con traiciones y deslealtades incluidas, hace que la película pierda algo de ritmo. Algo extraño atento que no es una película artística, con una clara intención de exponer su cruda violencia.

Las escenas de batallas tiene sus puntos altos, con escenas de sangre y mutilaciones en forma explicita pero no tiene el impacto deseado. Incluso, en ocasiones, se evidencia un dejo de desprolijidad en el trabajo de edición que dificulta la mirada limpia de las peleas en momentos culmines. En relación a esto, se puede decir que Medieval se queda en las puertas de la gloria al carecer del sentido de la épica. En su defensa se puede argumentar la postura seria y terrenal del héroe principal, que según se cuenta nunca ha perdido una batalla. Pero dicho enfoque no le es favorable a Ben Foster (Žižka), cuya actuación es solida pero no así carismática. Lo mismo sucede con el reparto secundario, de manera que cada muerte le resultara intrascendente al observador.

Dicho esto, el héroe legendario checo no es implacable aquí. Goza de una buena secuencia estratégica pero no tiene un momento que lo ilumine como leyenda. Hay una evidente inspiración en Gladiador en la apariencia del protagonista como en su férrea voluntad de seguir sus convicciones pero su comparación aquí no es halagadora. Lo mismo sucede con las batallas. Su estética visual y sangrienta sigue el estilo de Corazón Valiente pero las dificultades antes señaladas (cortes de edición) le quitan limpieza visual a sus coreografías. Con todo, Medieval es altamente entretenida pero no consigue solidificar su historia, imponer el personaje y sobre todo, ignorar las películas mencionadas.

RESUMEN

En definitiva, Medieval no logra desarrollar todo su potencial. La falta de inversión en personajes de corte político, de carisma en su protagonista masculino, y del sentido de la épica en sus batallas hacen que la película se estanque en un simple entretenimiento.

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LOU (2022)

lou final explicado

El thriller de Netflix muestra su mejor forma en la actuación convincente de su protagonista principal (Allison Janney). Lou, tiene un buen comienzo y un ritmo adecuado pero sus giros no encastran del todo bien con el contenido de su historia. En su fin de entretener, Lou lo logra dignamente a pesar de su generalidad.

Lou, no pierde tiempo en captar la atención de la audiencia. En sus escasos minutos iniciales presenta una mujer solitaria, dura y misteriosa que oculta un extraño pasado. A esos ingredientes se le agrega un secuestro dentro de un pequeño pueblo en donde se avecina una gran tormenta. El thriller encuentra su mejor forma en el talento de Allison Janney, la actriz principal, de 62 años, que tiene ciertas “habilidades” para sobrevivir. Mientras que la nombrada como el elenco que la acompaña muestran actuaciones físicas y emocionales convincentes, el trasfondo de su historia no encastra bien con los giros que se ejecutan. Su resultado, es una experiencia visual entretenida y genérica dentro de un círculo narrativo un tanto confuso.

En un pequeño pueblo, Lou (Allison Janney) está a punto de tomar una drástica decisión. Después de buscar comida para su perro, matando un ciervo fuera de temporada de caza, y de extraer el total de su dinero bancario, del cual pretende donar a su vecina inquilina, la encuentra a punto de suicidarse. Mientras se avecina una fuerte tormenta, sus planes se ven interrumpidos cuando su vecina Hannah (Jurnee Smollett) le informa que su hija a sido secuestrada por su padre Philip ( Logan Marshall-Green). Sin ninguna posibilidad de comunicación con el sheriff de la ciudad, juntas inician una misión de rescate en donde se revelan algunos secretos.

Lou, trata de equilibrar la historia de los tres personajes centrales. Lou, Allison y Philip son los componentes de un guion que genera una indudable intriga. Se bien los personajes y sus historias se presentan con una elocuente moderación, a la hora de las revelaciones sus intenciones no están bien ejecutadas. Esto crea un ambiente de confusión con el trasfondo de la historia y sus motivaciones, logrando que el film no sea transparente y del todo efectivo en el uso de sus giros. Cuando llegan, pierden cierta influencia y no logran canalizar adecuadamente el sentido de su explicación. Así, entre la eficiente misión de rescate, con luchas incluidas, el circulo narrativo pierde brillo por la mención aludida.

Ahora bien, hay una cosa en particular en la que Lou es todo un triunfo. La actuación de Allison Janney (Lou) es eficiente, transformadora y brutal. Si bien no cambia el estereotipo de antihéroe, la forma salvaje en la que manifiesta su temperamento la hace digna de reconocimiento. Desafortunadamente, las futuras revelaciones no están en consonancia con el nivel interpretativo de la premiada actriz (ganadora de un globo de oro) quien brinda una performance solida y convincente, incluso en las escenas de lucha. En este punto, los desafíos físicos y obstáculos naturales que enfrenta la actriz gozan de buena credibilidad gracias a su impresionante fuerza emocional. El resto del elenco, la acompaña correctamente, sin sobresaltos.

La película también cuenta con una destaca ambientación. Con una dirección prolija, la película logra “vivir” el centro de la escena cuando las protagonistas están en peligro. Llegado el final y por el peso confuso de sus giros (en el cual se involucran cuestiones de maternidad) el film sufre de una generalidad inevitable. Con todo, Lou, con sus altibajos, logra entretener por la actuación sobresaliente de Janney y por un guion astuto, como genérico, que atrapará al observador por su misterioso comienzo.

RESUMEN

En definitiva, Lou, es un thriller que entretiene a pesar de su argumento genérico y de algunos giros no tan bien ejecutados. Como contrapartida, la transformadora y convincente actuación de Allison Janney hace que aquellos pasen algo desapercibidos.

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FINAL DEL CAMINO (2022)

Entre el suspenso, lo absurdo y el humor negro, el thriller de Netflix no encuentra su mejor forma. Final del Camino (End of the Road) entretiene por su clásica premisa y aporta ingredientes de maternidad y racismo, que no son recompensados por su inadecuada atmósfera que intenta recrear.

Las películas de supervivencia en la carretera son tan viejas como el cine mismo. En ellas, se suscita una amenaza interna o externa en los viajeros en curso a la que tienen que sortear si quieren llegar a destino con vida. Final del Camino no es la excepción y trata de revivir un genero que ha sido asiduamente explotado. Con personajes fuertes como caricaturescos, el film toma una ruta de entretenimiento rápido y atrapante la cual no puede sostener por su inadecuada atmosfera, que intenta recrear. Con la maternidad y el racismo como base, el film se nutre de ciertos giros (pensados e impensados) pero no encuentra su mejor forma.

La historia sigue a los Freeman, una familia que está a punto de mudarse por problemas financieros. La jefa del hogar, Brenda (Queen Latifah) reúne a sus dos hijos y a su rebelde hermano Reggie (Chris “Ludacris” Bridges) para iniciar un nuevo rumbo hacia la ciudad de Texas. Con poco dinero, a causa de los gastos médicos por enfermedad de su difunto esposo, Brenda y su familia, emprenden un largo viaje donde vive su madre. En el trayecto, son testigos de un brutal asesinato en un motel. Las cosas se complican cuando Reggie se hace de un bolsa de dinero que le pertenece a un señor del crimen al que apodan “Señor Ross”. Cuando el criminal se anoticia del hecho, dará caza a los Freeman a lo largo de la ruta desértica. Sin ayuda posible, Brenda y su familia deberán sobrevivir de un asesino en serie.

La película comienza con una sensible y más que creíble interpretación de Queen Latifah. Su personaje en la piel de Brenda, una viuda que todavía se encuentra transitando el duelo con su familia , hace suponer que el film tendrá un enfoque dramático dentro de la inevitable narrativa de supervivencia que intenta plasmar. Pero mientras el viaje se convierte en un transito de relaciones raciales, con campamento neonazi incluido y psicóticos criminales, la narrativa adiciona ingredientes de humor negro y suspenso (este ultimo desaprovechado) que no tienen resultados esperados.

Ello hace que el tono del film pierda cierto brillo en las secuencias de acción atento que el traspaso de un genero a otro debe tener la coordinación necesaria para causar impactos emocionales diferentes. Final del Camino, intenta utilizar el humor negro para evitar el humor propiamente dicho, pero rara vez da resultado. Esto le quita dinámica al genero principal del cual se nutre el film, que es el suspenso. Cuando llegan, mediante secuencias de peligro inminente o mediante persecuciones, no son precisamente las del tipo adecuadas para esta clase de historias. Se puede llegar asumir algún tipo de culpa en su banda sonara con elecciones de música pop, que no logran realzar escenas dentro de la atmosfera de suspenso requerida.

Latifah (oficia también de productora) lleva adelante el protagónico sin sobresaltos, componiendo una madre que hace lo posible por sus hijos, sin importar el precio que tenga que pagar por ello. En este aspecto, el guion la induce a la actriz atravesar situaciones un tanto caricaturescas a lo que demanda esta clase de relatos. Por momentos, y envalentonada por su voluntad de madre, el personaje enfrenta situaciones de peligro como si fuese una persona con habilidades militares. Latifah, conduce, salta, golpea y dispara de forma soberbia. Irreprochable en términos de maternidad, no así en su ejecución, la cual puede tildarse de desmedida, entre otras.

El guion no es tan benevolente con Ludacris (el actor que interpreta a Tej en la saga de Rápidos y Furiosos) al volcarle a su personaje toda clase de decisiones inútiles, que no puede redimir. El resto del elenco secundario cumple con lo necesario, destacándose Beau Bridges, el cual logra suavizar el clásico estereotipo. Con todo, la película no aprovecha adecuadamente su punto fuerte, evocando conceptos como la maternidad y el valor de la familia de una manera harto conocida.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Final del camino (End of the Road) es un tipo de entretenimiento desechable. La mezcla de géneros y la selección musical no le sienta bien y subrayan la falta de una adecuada atmosfera de suspenso.

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DEPREDADOR: LA PRESA (2022)

depredador la presa: final explicado

La ultima entrada de la franquicia de Depredador, La Presa, se reencuentra con su estilo y estética redondeando un thriller de acción digno y sumamente entretenido. Disponible en Star +.

El secreto para reiniciar una franquicia cinematográfica parece ser su regreso a las fuentes. Aquellas que marcan los lineamentos de una historia y personajes son un recurso necesario para retomar el exitoso camino perdido. En tiempos actuales, las secuelas, precuelas y remakes se han convertido en una norma desvirtuando el brillo y gloria del que tuvo alguna vez el producto original. En el caso de la saga de Depredador, La Presa, es una digna entrada que aprovecha su raíz violenta y se reencuentra con su estilo perdido. Lejos de la inolvidable y única película de 1987 (con un fabuloso Arnold Schwarzenegger) pero demasiado cerca en espíritu, La Presa es tal vez la mejor entrada desde las dos películas del Depredador.

La película sigue a Naru (Amber Midthunder), una integrante de la comunidad Comanche en 1719, en Norteamérica, que desea demostrar sus capacidades de caza entre sus homólogos masculinos.  Esto la lleva a perseguir, con su cercano y líder hermano, a un león que está acechando el territorio indio y ha dejado malherido a uno de sus miembros. Cuando Naru nota la presencia de un ser extraño y todos los demás la ignoran es inducida a demostrar su valor y se aferra a un viaje sobre la peligrosa fauna silvestre. Pero no estará sola, unos violentos colonizadores y un temible y brutal Depredador serán parte de su descubrimiento y con ello el ansiado título de cazador o de presa.

Para empezar lo que hace eficiente a Depredador: La Presa es su sentido de pertenencia. La narrativa adopta ese camino en forma simple y es precisamente lo que la película necesita. La forma en que es llevada la historia recuerda a ciertos pasajes de la entrada original. Esto es, el entorno natural de bosques y montañas es utilizado como “algo más” que bellos paisajes en donde se desenvuelve la gran parte de la acción. Lo que fue “la selva” en el Depredador de 1987, lo son los entornos boscosos, con un gran uso en su aplicación. Aquí la fuente como inspiración da resultado y permite que el depredador tarde más en aparecer.

Lo mismo sucede con las secuencias de acción y suspenso. La preparación de lo que es el primer encuentro entre Naru y el Depredador es por demás satisfactoria. Siendo la quinta entrega de la franquicia el grado de sorpresa está prácticamente perdido. Con lo que hay que suplirlo con un fuerte impacto visual o con un nivel de violencia perturbadora. En cierto punto, La Presa lo logra con solidas secuencias de acción acompañadas con un alto grado de violencia sangrienta.

Ante ello se puede decir que las películas de Depredador necesitan nutrirse de este contenido explicito para no traicionar el espíritu del personaje. Se recuerda que Depredador de 1987 era una película apta para 18 años y sus escenas para la época eran estremecedoras. La Presa, sigue el camino que marcó su original con un Depredador ultraviolento y respetuoso de su formar de cazar a sus victimas. En este punto el regreso de la criatura a su fuente también es un acierto.

Ahora bien, la película tiene sus bases en el Depredador y en la manera de ocultarse de su camino. Pero esto no funcionaría sin la participación de su presa o de su cazador, en todo caso. Midthunder (Naru) lleva el protagónico con total soltura y demuestra ser una sorprendente heroína que hace uso de su entorno natural para combatir al alienígena. Naru es valiente y hábil con el hacha pero su fuerte es la estrategia. Otro punto a favor que el film se encarga rápidamente de demostrar y que se fortalece en sus pasajes finales.

En cuanto a las características físicas del Depredador se puede decir que su tonalidad es más oscura y tenebrosa que el original pero que no llegan a olvidar el Depredador de 1987. Lo mismo sucede con la representación de la comunidad comanche. Los indios, sobre todo el hermano de Naru, parecen tener un toque moderno que no se condice con la época que representan. Quizás un uso del lenguaje oficial o ficticio (todos hablan inglés) le hubiese dado más identidad a la comunidad comanche.

CURIOSIDADES

  • Esta sería la quinta entrada en la serie (sin contar las películas Alien vs. Predator). Según se informa, no tendrá ninguna conexión con  El depredador de 2018 .
  • Taabe (Dakota Beavers)dice sobre el Depredador después de herirlo: “Si sangra… podemos matarlo”.  Es un homenaje a la primera  película de Depredador (1987), donde esas mismas palabras las dijo Alan “Dutch” Schaefer (  Arnold Schwarzenegger ).
  • La tecnología utilizada por el Depredador es mucho más simple que en películas anteriores. Por ejemplo, las secciones de camuflaje son más grandes y tienen menos armadura.
  • Primera película de Depredador que se lanza como transmisión exclusiva.

RESUMEN

En definitiva, Depredador: La Presa es una vuelta a los orígenes. Tiene el potencial para dar vida a la franquicia con una serie de aciertos que la transforman en una digna entrada desde la famosa película de 1987.

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EL HOMBRE GRIS (2022)

critica el hombre gris

Netflix sube sus acciones con una trepidante película de acción y con un Ryan Gosling a prueba de balas. El Hombre Gris (The Grey Man) es puro entretenimiento.

Netflix necesitaba dar un golpe sobre la mesa. Con el creciente ascenso de otras plataformas de transmisión (Amazon, Paramount y Star +) y con una perdida considerable de suscriptores, la empresa de entretenimientos tiene un tanque entre sus filas dispuesto a arrasarlo todo. El Hombre Gris es un potencial éxito de taquilla gracias al ritmo frenético que imprimen sus elaboradas y constantes secuencias de acción. La pareja de directores Anthony y Joe Russo (conocidos mundialmente como los Hermanos Russo) reúnen un elenco repleto de estrellas y dan forma a la demanda de estos tiempos, que no es otra que entretener a cualquier costo. En toda la parafernalia visual se destaca Ryan Gosling, el cual sabe mantener, con su estilo, el estereotipo del héroe de los años 80 y 90.

En El Hombre Gris, Gosling interpreta a Sierra Seis, un ex criminal convertido en agente encubierto dentro de la CIA para ejecutar asesinatos extraoficiales. Cuando es convocado para eliminar a un nuevo objetivo, descubre una conspiración que involucra al nuevo jefe de la agencia de inteligencia. Mientras huye con información comprometida, un grupo de mercenarios a cargo del psicópata Lloyd Hansen (Cris Evans) estará tras sus pasos. Con la ayuda del agente de la CIA Dani Miranda (Ana de Armas), Seis deberá mantenerse con vida y rescatar a su antiguo mentor ( Billy Bob Thornton) con su sobrina en el proceso.

La historia de El Hombre Gris es demasiada rápida para detenerse en detalles. Luego de la pequeña introducción de la política de la CIA en donde sienta las bases del programa de reclutamiento de reclusos denominado Sierra (en el cual el protagonista forma parte), la película se direcciona directamente al terreno de la acción. Los Hermanos Russo tienen una gran capacidad de resumen en cuanto a historia se trata, mostrando su mejor forma en el ritmo y en el desarrollo de la personalidad de sus personajes. El guión en sí está repleto de bromas entre los intérpretes, lo que hace que la película pierda algo de seriedad a la hora de desencadenarse los hechos. Pero es el tono elegido a tal fin y le siente realmente bien.

Ahora, se puede decir que el film tiene un aire espiritual de ciertas películas de los años 80 y 90. En este punto la estampa de héroe simplista y estoico es representado con total solvencia por Gosling el cual sabe darle un estilo cautivador, propio de los grandes héroes de acción. Imperturbable y a prueba de balas, el Sierra Seis de Ryan Gosling es un triunfo y marca una leve diferencia entre otros artistas del genero, en donde su principal arma es el estilo interpretativo.

En una entrevista reciente Gosling confesó ser admirador de Sylvester Stallone y a juzgar por su estilo rudo y simplista puede ser que haya tomado las bases del semblante del creador de la saga de Rocky. Independientemente de ello, Gosling corre, salta y pelea como si fuese John Wick, Ethan Hunt o incluso el agente Bond. La inspiración en exitosas franquicias es innegable como así también su entretenimiento.

Más allá de Gosling, El Hombre Gris cuenta con un excelente reparto. El elenco de apoyo se dejan llevar por la adrenalina que propone el film y que en ocasiones no da respiro. La siempre encantadora Ana de Armas compensa el correcto trabajo de Gosling y Cris Evans se entretiene con un eléctrico y despiadado malvado. El veterano Billy Bob Thornton y la joven estrella en ascenso Regé-Jean Page son útiles en sus papeles secundarios, pero no alcanzan a opacar a sus estrellas.

En general, la película se realza por la actuación de Gosling brindando entretenidas secuencias de acción. Ante ello se puede decir que algunos efectos son mejores que otros, pero la que se lleva especial atención es la secuencia del tranvía en Viena. En este punto, los Hermanos Russo demuestran su efectividad en persecuciones en la vía publica en donde los tiroteos y las explosiones forman parte de una experiencia cinematográfica de primer nivel. Como tal, El Hombre Gris es una película de acción bien ejecutada apoyada por una fuerte inversión financiera (su costo es de más de 200 millones de dólares) y un elenco que se brinda al entretenimiento.

RESUMEN

En definitiva, El Hombre Gris (The Grey Man) es un thriller de acción divertido que no da respiro. La solvente interpretación y carisma de Ryan Gosling puede estar en la línea de aquellas gloriosas películas de acción de los años 80 y 90. Puro y rápido entretenimiento, con excelentes secuencias de acción que potencia la experiencia cinematográfica.

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LA PRINCESA (2022)

critica the princess

Disney toma un nuevo rumbo. Ahora las princesas son de armas tomar. Con una tendencia hacia la acción sangrienta, La Princesa (The Princess) tiene algunos momentos entretenidos dentro una narrativa plana y mediocre. Con Joe King, Dominic Cooper y Olga Kurylenko.

Los cuentos de hadas han cambiado, o por lo menos van en camino a ello. Lo cierto es que una princesa inocente y prisionera, que espera el rescate de su príncipe azul en lo alto del castillo ya se siente desactualizado. Ahora, son ellas las que hacen frente a la situación con una serie de habilidades que harían levantar la ceja a cualquier héroe de acción. En La Princesa -The Princess-, la acción con movimientos de lucha sangrientos parece ser lo único que verdaderamente importa dentro de un guion mediocre y plano, como la espada que empuña su protagonista. Con el nuevo giro violento del cuento de hadas, Disney pretende dar un golpe sobre la mesa. Tiene momentos divertidos y se evidencia un esfuerzo en la heroína de acción, pero sobre la superficie queda la sensación de ser un producto fallido.

The Princess (La Princesa) sigue a una princesa sin nombre que se encuentra atrapada en lo alto de un castillo. Encadenada y vestida de novia, la princesa se despierta de sus aposentos y decide dar comienzo a su liberación. A simple vista no parece una tarea fácil a raíz de que un ejercito invasor ha tomado posesión del castillo con planes de tomar el poder del reino ficticio de su padre. Hasta que unos guardias ingresan a la habitación y la princesa los elimina rápidamente. Así, comienza un viaje para llegar al descenso de la torre y salvar a su familia de las garras de su posible esposo abandonado.

Para empezar La Princesa, tiene la clara intensión de sorprender a la audiencia con secuencias de acción violentas y sangrientas. La yuxtaposición de aquella herramienta con el estilo cinematográfico de las películas de Disney es un buen contrapunto que sin embargo no define hacia quién está dirigido. Claramente es una película de acción no apta para todo público por el alto nivel de violencia que ejecuta, pero aún así la línea de su historia y de sus personajes no siguen el mismo camino. Con lo que todo parece encolumnares detrás de los movimientos de lucha y manejo de la espada de la princesa frente a su enemigos.

Este indicador puede llegar a resultar un placer culpable al ver una bella y joven princesa matar a muchos hombres adultos en el camino de descenso de la torre. Pero la realidad, es que no tiene mucho más para aportar al carecer de una historia que potencie el desarrollo de personajes secundarios. Desde el rey hasta el potencial esposo abandonado (Dominic Cooper), ningún de ellos parece tener peso en la narrativa. La utilización de flashbacks ayudan a comprender el manejo rápido de la trama pero termina condenando la labor protagónica del antagonista, del cual solo se desprende un personaje común. Solo Olga Kurylenko alcanza levemente a destacarse componiendo a una villana temible pero no es la intención de The Princess interiorizarse en ellos.

Toda la atención esta puesta en Joey King (La Princesa). La actriz demuestra compromiso con las secuencias de acción y con algunas maniobras coreografiadas. El personaje sangra, resiste caídas, aguanta la respiración bajo el agua y demás. No hay nada nuevo aquí que no se haya visto antes e incluso algunas conductas son demasiadas predecibles. El impacto que genera ver a una bella joven, que se presume es un delicada princesa, ejecutar movimientos rápidos, violentos y sangrientos se diluye con el correr de los minutos. Algo que el público adulto notará a causa de la falta de una historia con personajes secundarios que potencien la inclinación violenta de la trama.

RESUMEN

En definitiva, The Princess ( La Princesa)toma riesgos al adaptar un cuento de hadas de princesas con un corte acción sangriento. Su principal problema es la falta de una historia con personajes secundarios que justifiquen su trama violenta. Con todo, la película tiene momentos divertidos, pero se relaciona con la princesa y su idea de salvarse a si misma.

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CENTAURO (2022)

Entretenimiento simple y pasajero que no se detiene en detalles. Centauro, mantiene su expectativa en la velocidad de un guion que se corresponde con la de su moto. Disponible en Netflix.

Un promisorio piloto de motociclismo y asiduo trabajador portuario se sumerge en el inframundo criminal para salvar a su ex-mujer de una deuda de drogas. Con esa premisa, el guion no ahonda en detalles, configurando un thriller en línea recta hasta su punto de meta. Así, Centauro, no tiene intenciones de auto exigirse demasiado más que brindar un entretenimiento pasajero. Cumple en esos términos, en una rápida ejecución de 90 minutos. Pero llega con el combustible justo.

La historia sigue a Rafa (Álex Monner), un joven que sueña con convertirse en piloto profesional de motos. Divide su tiempo entre las pruebas de manejo, su trabajo en el puerto de Barcelona y su rol de padre. Cuando su ex-mujer, quién vive con su hijo, es víctima de un robo de drogas, Rafa tendrá que enmendar la situación para sacar a su familia fuera de peligro. Para pagar la deuda, se tendrá que introducir en un mundo criminal, haciendo uso de la habilidad con la moto.

De este modo, hace un trato con un líder criminal colombiano quién tiene dificultades para entregar mercadería prohibida por asfalto. A bordo de su moto, a toda velocidad, y al margen de la ley, Rafa tendrá cumplir el peligroso encargo, poniendo en juego su vida, su trabajo y su sueño de ser piloto profesional.

Carlos Bardem

Centauro, se mueve sobre territorio conocido a raíz de que es una remake de Burn Out (película francesa, también disponible en Netflix) en donde se vuelve a exponer la misma narrativa, pero con actores españoles. Pero en vez de aprovechar los errores de su predecesora, los vuelve a repetir con una historia que no profundiza en sus personajes. Àlex Monner cuenta con suficiente material para trabajar las capas de su protagónico, pero no tiene el tiempo suficiente para dramatizarlo.

La trama, de desarrollo simple y rápido, no es benevolente con el actor catalán atento que se le plantea varias situaciones por resolver y todas se sienten algo descuidadas. Incluso la sexy secuencia de reconciliación con la madre de su hijo apenas funciona para un hombre que quiere ser piloto de carrera, mientras hace de mula a las ordenes del capo criminal Carlos. En este aspecto, la narrativa ejecuta un cúmulo de situaciones que no está dispuesto a procesar y las maquilla con secuencias en moto a alta velocidad, en tanto se fragmenta el aspecto cansino del motociclista con su pasión por formar parte de una escudería de carreras. Todo lo dicho, se resuelve de un modo precipitado.

Centauro película

Ahora bien, se puede decir que Centauro se destaca por las secuencias de manejo de motos. Pero la realidad es que no hay motivo para sorprenderse. Desde la efectiva secuencia de apertura, filmada como si fuese una transmisión de carrera de GP, hasta las persecuciones nocturnas, no hay nada aquí que valga la pena un aplauso. No obstante ello, las escenas se entienden y son acompañadas por una pegadiza musicalización.

Dicho esto, la película se mueve en un tiempo de ejecución relativamente corto. Los recurrentes toques de edición le dan algo de sustento a su, de por sí, simple narrativa. Se entiende el recorrido del protagonista y su odisea de llevar sustancias prohibidas desde Marsella hasta Barcelona. Lo queda difuso es el trayecto que recorre con sus dos horas de demora. Queda la sensación de que se podría haber sacado algo más de rédito a las persecuciones (la policía persigue solamente con juego de luces) y no ser un simple recorrido lineal. El rápido y no tan creíble final logra corregirlo, pero no es suficiente.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Centauro trabaja sobre un material ya visto (remake de Burn Out) y recorre el mismo camino. No agrega nada. Con una historia simple y con personajes desdibujados, solo algunas dosis de velocidad y adrenalina bien ejecutadas cumplen el propósito de entretener.

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