LA INVITACION (2022)

La premisa de terror romántica fracasa a causa de la indecisión en sus dos facetas. Inspirada en Drácula, La Invitación (The Invitation) cuenta con una ambiciosa puesta en escena, algo que el guion y los vampiros no saben aprovechar.

¿Se puede ser romántico y terrorífico al mismo tiempo? Evidentemente es algo que no puede responder La Invitación siendo su ambición glamorosa, sensual y sangrienta las principales cusas de su perdición. Con una evidente inspiración en la novela clásica “Drácula”, la película expone giros y revelaciones confusas como predecibles hasta llegar al acto final culminante donde todo se resuelve al mejor estilo “Van Helsing”. Con un reparto actoral que no logra exponer los estandartes que el genero solicita y un guion que no aporta mucho más que líneas mediocres y cursis, el film se derrumba a pesar de su ambiciosa escenificación.

La historia sigue a Evie (Nathalie Emmanuel), una joven artista que llega a una remota finca europea para una boda familiar después de reunirse con parientes lejanos a través de un kit de prueba de ADN.  Durante su estadía en la casa palaciega, Evie es rápidamente seducida por Lord Walter (Thomas Doherty), el dueño de la mansión que esconde un oscuro secreto. Pronto se dará cuenta que “La Invitación” es un acto predestinado.

La película tiene una clara intención de canalizar el horror moderno y el clásico con toques de romanticismo. Algo difícil de ejecutar pero la cuestión es que logra crear un ambiente propicio para narrar este tipo de propuestas. Con una imponente mansión en la que se destaca su entorno gótico, grandes habitaciones oscuras y pintorescos “anfitriones”, representados en la aristocracia inglesa, la película logra imponer una atmosfera sumamente atractiva de lo cual no puede sostener.

El principal problema es su falta de decisión, de carácter que haga transmitir las vivencias de todos sus personajes. Cuando se sumerge en el terreno romántico, no logra buenos resultados porque sus diálogos como los interpretes que los ejecutan no tienen la intensidad necesaria para demostrar el arte del cortejo. Cuando llega, es lo suficientemente fría y cursi quedando el incipiente romance en un acto efímero. Resulta extraño porque el film se toma su tiempo para profundizar el vinculo de los personajes. Pero la cantidad no es lo mismo que calidad y ello se nota de primera mano.

El fallido intento de romance abre las puertas al terror con secuencias sangrientas que propinan algún que otro susto. Pero, como toda sucesión de errores, el segundo acto se siente demasiado predecible convirtiendo a La Invitación en un acto de supervivencia. Pero el derrumbe viene en la escena final culminante donde todo se resuelve de manera rápida, como si fuese una película de aventuras de monstruos.

El principal reproche es en lo atinente a la tradición vampírica. La Invitación, no logra tener una base sólida en lo atinente al título de referencia. Tampoco se expande mucho sobre el origen de los villanos. Mucho antes de la revelación de la película, sus escenas están llenas de referencia a la novela literaria clásica, Drácula, algunos sutiles otros evidentes. Pero lo llamativo es el extraño giro secundario que se intenta imprimir en los personajes de Mina y Jonathan Harker. Quienes hayan leído la obra del conde Drácula encontrarán extraño como inentendible este giro. En cambio, los ocasionales verán un simple hecho predicable.

Ahora, cuando la narrativa opta por el camino de la supervivencia heroica, todo se resuelve cuesta abajo. Desde las transformaciones (con efecto más rápido que un Ibupirac ) hasta las peleas, la dirección trata de resolver lo que el guion no puede suplir y es la coherencia. Aquí, los orígenes vampíricos se sienten descuidos y si bien no es un problema, sí lo es para la La Invitación al compartir una historia similar a la de Drácula.

RESUMEN

En definitiva, La Invitación (The Invitation) falla en casi todo lo que se propone. Con una destaca ambientación y algunos sustos (gore incluido) como punto a favor, no puede superar su indecisión en los géneros que transita. Inspirada en la novela grafica Drácula, sus giros son predecibles como inoportunos. Con todo, funciona como entretenimiento pasajero.

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EMILY THE CRIMINAL (2022)

critica emily the criminal

Potenciada por la sobresaliente actuación de su protagonista principal, Emily The Criminal juega con cartas usadas pero logra imponer su propias reglas. Con un guion dinámico, el thriller gana puntos en intensidad y es todo un triunfo.

El bajo mundo del crimen se manifiesta de múltiples formas y ello ha sido motivo para que los hábiles guionista de Hollywood pongan toda su inspiración para recrear posibles situaciones delictivas. Emily The Criminal, cuenta con tales ingredientes y apuesta a una intensidad que a la postre, es bien recompensada. Potenciada por la sobresaliente actuación de Aubrey Plaza, el thriller se nutre de conceptos ya vistos. Juega con cartas usadas pero imponer sus propias reglas. Su resultado es todo un triunfo.

Emily (Plaza) tiene antecedentes criminales. Un violento asalto en el año 2016 le impide sortear una exitosa entrevista de trabajo, cuyo empleador, a sabiendas, le pide que lo manifieste expresamente en su presencia. Frustrada y enojada por su estigmatización decide optar por un camino que le cambiará la vida. Mientras trabaja en un servicio de catering, un compañero le informa sobre un trabajo de pago fácil. Emily necesita el dinero para pagar una deuda estudiantil por un título de arte que nunca recibió, razón por la que la necesidad económica es su principal interés.

En el centro de la escena y sin ningún tipo de coacción, se encuentra en medio de una estafa con tarjetas de crédito. El trabajo consiste en comprar un producto y presentar el “plástico” falsificado y esperar que no la descubran. Con la atenta mirada del jefe de la operación, Yousef, Emily se debate entre hacer algo ilegal y la tentación del dinero fácil.

La película retrata a una persona que se encuentra frustrada por un pasado delictivo que no puede borrar y una necesidad económica que la acecha, un combo peligroso para alguien que intenta reinsertarse en la sociedad. El film no victimiza aquí la posición del personaje sino que la centra en un lugar de toma de decisiones en donde las reglas están lo suficientemente claras para arrepentirse.

Emily, tiene un talento para los dibujos de diseño y espera tener una oportunidad en una agencia de publicidad, mientras su amiga Liz trata de conseguirle una entrevista con su jefa desde adentro. La decisión de Emily es mantenerse por el camino correcto hasta que su compañero de catering la tienta con la posibilidad de ganarse un dinero fácil. Solo tiene que llamar a un número desconocido el que le brindará más información cuando asista personalmente. Hay algo evidentemente ilegal aquí, Emily lo sabe y aún así toma la decisión de arriesgarse. En este sentido, la protagonista transmite momentos de tensión sumamente acertados. Su lenguaje corporal, al igual que sus ojos, exhiben muestras de ansiedad y nerviosismo cuando se adentra en cumplir actos ilegales.

El guion es dinámico y le otorga a Aubrey Plaza la posibilidad de transitar diferentes capas de su personaje. La temática sigue la línea de otras propuestas de genero pero logra imponer sus propias reglas. Esto es, ofrece un nivel de emoción genuino gracias a la sobresaliente actuación de su protagonista. El riesgo personal que corre durante todo el film mantendrá expectante a la audiencia, quien la apoyará en circunstancias complejas. Esta situación de aliento es independiente al hecho ilícito en sí, razón por la cual la actuación de Plaza es más meritoria.

Ahora bien, la película se nutre de actos ilegales posibles. La orquestación de la estafa con tarjetas de crédito no dista mucho de la realidad y eso hace que la intriga se mantenga a flote en todo momento. En este aspecto, el líder de la organización y mentor de Emily, Youcef (Theo Rossi) , tiene un papel destacado. Con todo, Emily The Criminal funciona por una historia ordinaria pero meticulosamente ejecutada y una protagonista que transmite emociones genuinas.

RESUMEN

En definitiva, Emily The Criminal es un thriller con profundidad en sus personajes y con un guion meticulosamente ejecutado. Con la tensión e intriga en aumento, toca conceptos de estigmatización social y de su aprovechamiento, mientras la antihéroe ( Aubrey Plaza) afronta riesgos personales. Su resultado es un triunfo.

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FINAL DEL CAMINO (2022)

Entre el suspenso, lo absurdo y el humor negro, el thriller de Netflix no encuentra su mejor forma. Final del Camino (End of the Road) entretiene por su clásica premisa y aporta ingredientes de maternidad y racismo, que no son recompensados por su inadecuada atmósfera que intenta recrear.

Las películas de supervivencia en la carretera son tan viejas como el cine mismo. En ellas, se suscita una amenaza interna o externa en los viajeros en curso a la que tienen que sortear si quieren llegar a destino con vida. Final del Camino no es la excepción y trata de revivir un genero que ha sido asiduamente explotado. Con personajes fuertes como caricaturescos, el film toma una ruta de entretenimiento rápido y atrapante la cual no puede sostener por su inadecuada atmosfera, que intenta recrear. Con la maternidad y el racismo como base, el film se nutre de ciertos giros (pensados e impensados) pero no encuentra su mejor forma.

La historia sigue a los Freeman, una familia que está a punto de mudarse por problemas financieros. La jefa del hogar, Brenda (Queen Latifah) reúne a sus dos hijos y a su rebelde hermano Reggie (Chris “Ludacris” Bridges) para iniciar un nuevo rumbo hacia la ciudad de Texas. Con poco dinero, a causa de los gastos médicos por enfermedad de su difunto esposo, Brenda y su familia, emprenden un largo viaje donde vive su madre. En el trayecto, son testigos de un brutal asesinato en un motel. Las cosas se complican cuando Reggie se hace de un bolsa de dinero que le pertenece a un señor del crimen al que apodan “Señor Ross”. Cuando el criminal se anoticia del hecho, dará caza a los Freeman a lo largo de la ruta desértica. Sin ayuda posible, Brenda y su familia deberán sobrevivir de un asesino en serie.

La película comienza con una sensible y más que creíble interpretación de Queen Latifah. Su personaje en la piel de Brenda, una viuda que todavía se encuentra transitando el duelo con su familia , hace suponer que el film tendrá un enfoque dramático dentro de la inevitable narrativa de supervivencia que intenta plasmar. Pero mientras el viaje se convierte en un transito de relaciones raciales, con campamento neonazi incluido y psicóticos criminales, la narrativa adiciona ingredientes de humor negro y suspenso (este ultimo desaprovechado) que no tienen resultados esperados.

Ello hace que el tono del film pierda cierto brillo en las secuencias de acción atento que el traspaso de un genero a otro debe tener la coordinación necesaria para causar impactos emocionales diferentes. Final del Camino, intenta utilizar el humor negro para evitar el humor propiamente dicho, pero rara vez da resultado. Esto le quita dinámica al genero principal del cual se nutre el film, que es el suspenso. Cuando llegan, mediante secuencias de peligro inminente o mediante persecuciones, no son precisamente las del tipo adecuadas para esta clase de historias. Se puede llegar asumir algún tipo de culpa en su banda sonara con elecciones de música pop, que no logran realzar escenas dentro de la atmosfera de suspenso requerida.

Latifah (oficia también de productora) lleva adelante el protagónico sin sobresaltos, componiendo una madre que hace lo posible por sus hijos, sin importar el precio que tenga que pagar por ello. En este aspecto, el guion la induce a la actriz atravesar situaciones un tanto caricaturescas a lo que demanda esta clase de relatos. Por momentos, y envalentonada por su voluntad de madre, el personaje enfrenta situaciones de peligro como si fuese una persona con habilidades militares. Latifah, conduce, salta, golpea y dispara de forma soberbia. Irreprochable en términos de maternidad, no así en su ejecución, la cual puede tildarse de desmedida, entre otras.

El guion no es tan benevolente con Ludacris (el actor que interpreta a Tej en la saga de Rápidos y Furiosos) al volcarle a su personaje toda clase de decisiones inútiles, que no puede redimir. El resto del elenco secundario cumple con lo necesario, destacándose Beau Bridges, el cual logra suavizar el clásico estereotipo. Con todo, la película no aprovecha adecuadamente su punto fuerte, evocando conceptos como la maternidad y el valor de la familia de una manera harto conocida.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Final del camino (End of the Road) es un tipo de entretenimiento desechable. La mezcla de géneros y la selección musical no le sienta bien y subrayan la falta de una adecuada atmosfera de suspenso.

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ROGUE AGENT (2022)

Inspirada en hechos reales, Rogue Agent construye una historia atemorizante sobre un hombre vil que utiliza su seducción y persuasión como una trampa psicológica. Próximamente disponible en Netflix.

Nada es tan escalofriante como la representación del “mal” en un ser humano. No hay monstruos ni personajes literarios que puedan llegar atemorizarnos tanto como él, por el solo hecho de que aquella posibilidad puede ser posible. Rogue Agent, refiere a la vida de un secuestrador, abusador y estafador, quién en la vida real fuera Robert Freegard. Un hombre que que utilizaba su encanto y persuasión como una trampa psicológica.

La historia esta ambientada en la década del 90 con un escenario político que pone al Reino Unido en alerta. La amenaza de colocación de bombas de parte del IRA hace que el gobierno británico despliegue agentes encubiertos para desenmascararlos. Bajo esta circunstancia, Robert Freegard (James Norton) se hace pasar por un agente de seguridad nacional (del MI5) a fin de perpetrar toda clase de delitos. El enfoque despiadado, metódico y táctico del impostor cambia cuando una de sus víctimas ( Gemma Arterton) descubre sus planes.

La película tiene una introducción ( en la voz en off de Arterton) en donde se revela cuales son los principios tácticos de un supuesto espía. Pero el film no trata de ello, como tampoco sobre los atentados a manos del IRA, que salpica levemente en su introducción. La utilización de aquellos hechos permite a Robert perpetuar su plan para con un grupo de estudiantes universitarios, todos ellos desprevenidos, lavándoles el cerebro, con tácticas mentales. Bajo la firme creencia de que él es un agente del MI5 encubierto, sus víctimas lo siguen, a punto tal de encubrirlo, incluso de sus propias familias.

La película no profundiza la mente de un hombre cruel, sino que lo muestra en un comportamiento continuado. Los delitos aberrantes que ejecuta tiene un fin material, pero su vehículo es un juego mental que utiliza como una trampa psicológica. Robert seduce a sus víctimas sin utilizar ningún tipo de coacción. Su arma es la mente y la forma de introducirse perspicazmente en las de sus víctimas. Cuando ello ocurre, las afectadas se encuentran en un callejón sin salida, incluso tienen a idolatrar al victimario. En este sentido la forma en que se manipula a las personas es realmente escalofriante, a punto tal que invita a una reflexión sobre la vulnerabilidad mental y sus consecuencias.

Ahora bien, el poder de la narrativa se apoya en la figura de Alice Archer (Gemma Arterton). La historia de una mujer que está a punto de caer en la trampa, mientras se debate sobre su estado sentimental tiene el impacto necesario para ser creíble. En este sentido, Arterton logra equilibrar gran cantidad de emociones, llevando a su personaje con la valentía necesaria para neutralizar futuras depravaciones. En relación a eso, Norton compone un personaje siniestro con evidentes capas de seducción. La oscuridad que representa, con sus atroces delitos, se vuelve atemorizante por sus tácticas mentales que, salvando las distancias, no son ajenas a la realidad. Cuando llegan, impactan por lo que representan, más allá de lo visual y Norton las materializa de una forma convincente.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Rogue Agent tiene un enfoque moderado pero cautivador de como un estafador y secuestrador perpetró las mentes de sus víctimas con fines económicos. La implacable necesidad de justicia lleva al personaje de Gemma Arterton a impulsar la narrativa, logrando la equilibrar una gran cantidad de emociones.

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VERTIGO (2022)

Con una increíble sensación de vértigo, Vértigo (Fall), cumple en el genero de supervivencia. Eso sí, no es ajena a situaciones torpes como inoportunas.

Las películas de supervivencia no requieren mucho trabajo de narrativa. Los personajes y sus conflictos juegan un papel secundario de su estrella principal, que es el peligro que se genera. Con lo que todo se focaliza en el desarrollo de los efectos especiales para recrear un atmosfera de riesgo, vital, para cualquier forma de supervivencia. Vértigo sigue ese criterio y lo cumple acabadamente recreando una increíble sensación de miedo en las alturas. Como todo película de genero no es ajena a un argumento torpe y por momentos inoportuno en el que se desenvuelven sus personajes principales.

Vértigo sigue a Becky (Grace Caroline Currey), una escaladora que no puede salir de un pozo depresivo. Su aventurero marido Dan ha perdido la vida mientras escalaban una montaña rocosa y ello le ha quitado su forma de vivir, refugiándose en el alcohol. Al cabo de 51 semanas aparece su entonces amiga Hunter (Virginia Gardner) para sacarla del ostracismo con una propuesta. Le ofrece escalar una torre de radio de 610 metros de altura en el medio del desierto. Cuando se comienza la aventura y llegan a la cima de la torre, la escalera se cae y quedan atrapadas en las alturas sin servicio de celulares, sin agua y sin que nadie las pueda socorrer. El tiempo y el vértigo apremian, mientras encuentran la forma de bajar.

La película sigue los parámetros del genero de supervivencia tal cual nos tienen acostumbrados. No hay aquí ninguna innovación que determine una idea diferente sino más que seguir un patrón de conducta de los personajes en la osadía de aventurarse al peligro y sus consecuencias. Esta situación genera un clima de torpeza en las decisiones que se someten sus actos, atento que no hay nada que las haya puesto allí más que su propia voluntad. Pero, fuera de la rebeldía de las protagonistas de turno como su endeble significado de la vida ( en donde el peligro de perderla es un factor común) hay una recreación del miedo a las alturas muy bien configurada.

Ese vértigo se representa en la pantalla de forma totalmente eficaz con imágenes que representan la altura de la torre en el medio del desierto. Así como Tom Cruise en el Protocolo Fantasma de Misión Imposible, Vértigo, triunfa en este aspecto con destacados efectos especiales de impecable factura técnica. Es más que probable que las acrobacias (si las hubiese) y la configuración de su entorno se hallan hecho en una sala de edición. Pero aquí hay que tener un ojo clínico para darse cuenta de ello. Desde que las protagonistas deciden subir la escalera de la antena de comunicación, con poco espacio para moverse, el miedo a las alturas comienza a producir efecto.

La película cuenta con algunos giros que pueden volverse un poco previsibles y hasta repetitivos de otras propuestas. Pero lo cierto es que sirve para complementar la acrofobia. En este aspecto las dos protagonistas no tienen mucho con que trabajar, más que evitar caer al vacío. No está del todo claro el mensaje de la vida que quiere transmitir el film (no hace falta ponerla en riesgo para darse cuenta de ello) pero esto no es motivo de análisis aquí. La cuestión es que los intentos de supervivencia y rescate están diseños para transmitir sensaciones de miedo en las alturas y en esto cumple satisfactoriamente en un tiempo de ejecución de casi dos horas.

CURIOSIDADES

  • La torre de televisión B67 no es una torre existente. Según el director, la película se basó en la torre de radio KXTV/KOVR, también conocida como Sacramento Joint Venture Tower. Muchos saltadores, a lo largo de los años, han invadido ilegalmente la propiedad y han escalado la torre para saltar y lanzarse en paracaídas al suelo.   La torre de radio KXTV/KOVR tiene una altura de 625 m (2049 pies). 

RESUMEN

En definitiva, Vértigo (Fall), entretiene por sus logrados efectos visuales y por su sensación de miedo a las alturas. Si bien agrega una nueva perspectiva al genero de supervivencia, no hay nada más que eso en su obvio contenido.

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DEPREDADOR: LA PRESA (2022)

depredador la presa: final explicado

La ultima entrada de la franquicia de Depredador, La Presa, se reencuentra con su estilo y estética redondeando un thriller de acción digno y sumamente entretenido. Disponible en Star +.

El secreto para reiniciar una franquicia cinematográfica parece ser su regreso a las fuentes. Aquellas que marcan los lineamentos de una historia y personajes son un recurso necesario para retomar el exitoso camino perdido. En tiempos actuales, las secuelas, precuelas y remakes se han convertido en una norma desvirtuando el brillo y gloria del que tuvo alguna vez el producto original. En el caso de la saga de Depredador, La Presa, es una digna entrada que aprovecha su raíz violenta y se reencuentra con su estilo perdido. Lejos de la inolvidable y única película de 1987 (con un fabuloso Arnold Schwarzenegger) pero demasiado cerca en espíritu, La Presa es tal vez la mejor entrada desde las dos películas del Depredador.

La película sigue a Naru (Amber Midthunder), una integrante de la comunidad Comanche en 1719, en Norteamérica, que desea demostrar sus capacidades de caza entre sus homólogos masculinos.  Esto la lleva a perseguir, con su cercano y líder hermano, a un león que está acechando el territorio indio y ha dejado malherido a uno de sus miembros. Cuando Naru nota la presencia de un ser extraño y todos los demás la ignoran es inducida a demostrar su valor y se aferra a un viaje sobre la peligrosa fauna silvestre. Pero no estará sola, unos violentos colonizadores y un temible y brutal Depredador serán parte de su descubrimiento y con ello el ansiado título de cazador o de presa.

Para empezar lo que hace eficiente a Depredador: La Presa es su sentido de pertenencia. La narrativa adopta ese camino en forma simple y es precisamente lo que la película necesita. La forma en que es llevada la historia recuerda a ciertos pasajes de la entrada original. Esto es, el entorno natural de bosques y montañas es utilizado como “algo más” que bellos paisajes en donde se desenvuelve la gran parte de la acción. Lo que fue “la selva” en el Depredador de 1987, lo son los entornos boscosos, con un gran uso en su aplicación. Aquí la fuente como inspiración da resultado y permite que el depredador tarde más en aparecer.

Lo mismo sucede con las secuencias de acción y suspenso. La preparación de lo que es el primer encuentro entre Naru y el Depredador es por demás satisfactoria. Siendo la quinta entrega de la franquicia el grado de sorpresa está prácticamente perdido. Con lo que hay que suplirlo con un fuerte impacto visual o con un nivel de violencia perturbadora. En cierto punto, La Presa lo logra con solidas secuencias de acción acompañadas con un alto grado de violencia sangrienta.

Ante ello se puede decir que las películas de Depredador necesitan nutrirse de este contenido explicito para no traicionar el espíritu del personaje. Se recuerda que Depredador de 1987 era una película apta para 18 años y sus escenas para la época eran estremecedoras. La Presa, sigue el camino que marcó su original con un Depredador ultraviolento y respetuoso de su formar de cazar a sus victimas. En este punto el regreso de la criatura a su fuente también es un acierto.

Ahora bien, la película tiene sus bases en el Depredador y en la manera de ocultarse de su camino. Pero esto no funcionaría sin la participación de su presa o de su cazador, en todo caso. Midthunder (Naru) lleva el protagónico con total soltura y demuestra ser una sorprendente heroína que hace uso de su entorno natural para combatir al alienígena. Naru es valiente y hábil con el hacha pero su fuerte es la estrategia. Otro punto a favor que el film se encarga rápidamente de demostrar y que se fortalece en sus pasajes finales.

En cuanto a las características físicas del Depredador se puede decir que su tonalidad es más oscura y tenebrosa que el original pero que no llegan a olvidar el Depredador de 1987. Lo mismo sucede con la representación de la comunidad comanche. Los indios, sobre todo el hermano de Naru, parecen tener un toque moderno que no se condice con la época que representan. Quizás un uso del lenguaje oficial o ficticio (todos hablan inglés) le hubiese dado más identidad a la comunidad comanche.

CURIOSIDADES

  • Esta sería la quinta entrada en la serie (sin contar las películas Alien vs. Predator). Según se informa, no tendrá ninguna conexión con  El depredador de 2018 .
  • Taabe (Dakota Beavers)dice sobre el Depredador después de herirlo: “Si sangra… podemos matarlo”.  Es un homenaje a la primera  película de Depredador (1987), donde esas mismas palabras las dijo Alan “Dutch” Schaefer (  Arnold Schwarzenegger ).
  • La tecnología utilizada por el Depredador es mucho más simple que en películas anteriores. Por ejemplo, las secciones de camuflaje son más grandes y tienen menos armadura.
  • Primera película de Depredador que se lanza como transmisión exclusiva.

RESUMEN

En definitiva, Depredador: La Presa es una vuelta a los orígenes. Tiene el potencial para dar vida a la franquicia con una serie de aciertos que la transforman en una digna entrada desde la famosa película de 1987.

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WATCHER (2022)

critica watcher

La paranoia y el potencial peligro se funden en Watcher, un film de suspenso bien definido con un claro concepto hitchcockiano. 

Watcher Ending Explained Maika Monroe as Julia

La sensación de misterio, duda, paranoia y peligro no siempre transitan por el mismo camino. En ocasiones, la indefectible preferencia de una sobre otra hace que la narrativa pierda sorpresa en su resultado final. Pero no es la intención de Watcher, un film que parte de un descubrimiento inquietante y lo impulsa a través de una investigación paranoica generada por una potencial situación de peligro. Con un claro concepto hitchcockiano, el film genera una línea elemental de suspenso pero lo compensa con la transmisión de efectivos puntos de tensión que experimenta su protagonista principal.

La historia se abre con un matrimonio que se traslada a Rumania. Francis (Karl Glusman) ha aceptado un ascenso con su empresa de marketing y lleva a su esposa, Julia (Maika Monroe), a vivir en un departamento en Bucarest.  Al instalarse, Julia tiene que lidiar con los problemas del idioma y no tiene idea de su entorno. Sin embargo, eso no es su único problema. Su esposo, a menudo, está fuera en el trabajo, dejándola sola en la ciudad y Julia, con frecuencia, se detiene a mirar la ventana del departamento, mientras que un hombre se queda mirando.  Los nervios por aquel constante comportamiento se potencian cuando se entera de la noticia de que un asesino en serie, conocido como “La Araña”, comienza a aterrorizar a la comunidad. Perturbada y con una incipiente paranoia, comienza una investigación para develar el misterio.

Watcher, adopta el patrón elemental del genero de suspenso pero al mismo no inventa nada nuevo. Se genera un misterio alrededor de un crimen, con un evidente sospechoso, bajo a la atenta desconfianza de una potencial futura victima. Pero mientras que para algunas propuestas la premisa es un indicio para recrear la psicosis criminal y su andar delictuoso; en Watcher sucede todo lo contario. Se potencia una lenta investigación generada por una potencial situación de peligro. En este aspecto la cineasta y escritora Chole Okuno no permite que su obra caiga en el facilismo y brinda efectivos momentos de tensión hasta su tramo final.

El logro se destaca en poner al espectador en la piel del personaje y en sus genuinas sensaciones de terror. Julia es una estadounidense que no habla rumano. Se encuentra en un entorno extraño y pasa sus días en soledad como consecuencia del trabajo de su marido. En este punto Maika Monroe (Julia) comunica en forma competente el animo de aislamiento y justifica su incipiente paranoia en un descubrimiento aberrante. Un asesino conocido como “La Araña” anda suelto en la ciudad y su último asesinato fue en el edificio de enfrente. Casualmente, en el que habita un hombre que observa su ventana todas las noches.

La obsesión de Julia la llevará a involucrarse en una investigación para involucrar a un individuo en la cual considera el principal sospechoso. Aquí es donde Watcher logra su punto más alto, y ello es en el modo exploratorio. La vulnerabilidad que se le imprime al personaje principal dentro de un entorno extraño y con dificultades idiomáticas hará que la audiencia mantenga la guardia alta. Llegado el momento, Watcher logra transformar la tensión en miedo con secuencias de violencia de impacto promedio, que se fortalecen por ser intempestivas. Con todo, la inspiración en Hitchcock es evidente. Pero el film lo utiliza con claridad en la difícil combinación del misterio, suspenso y el terror.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Watcher se inspira en obras de Hitchcock y logra efectivos momentos de angustia y tensión. No inventa nada nuevo pero sumerge al observador en la piel de la protagonista. Maika Monroe lleva la historia con un nivel de pavor convincente por la que vale la pena su revisión.

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VISTA POR ULTIMA VEZ (2022)

critica last seen alive

Gerard Butler se roba toda la atención en un film que no dice más de lo que es. Vista por última vez (Last Seen Alive), persigue una historia familiar con bajos recursos técnicos. Aun así cobra impulso por la labor de su estrella principal, como el elenco que lo rodea.

Reseña de Last Seen Alive Gerard Butler como Will Spann

Un actor de grado A en una película de clase B es la mejor definición para Last Seen Alive. Un film que no ahonda mucho en su escritura, como en sus recursos técnicos, pero que cuenta con un Gerard Butler comprometido en la búsqueda de su esposa, que desaparece de una estación de servicio. El protagonista no tiene esa clase de “habilidades” características de los héroes de acción. Solo es un hombre común ante una situación límite. Entonces, ¿Qué se haría para salvar a un ser querido? La película tiene sus momentos de tensión y no dice más de lo que es, al igual que Butler, un actor de grado A, que salva el espectáculo.

Will (Gerard Butler) y Lisa (Jaimie Alexander) es un matrimonio que no está pasando por un buen momento y deciden tomarse un tiempo para esclarecer las cosas, sobre todo del lado de Lisa quién no parece estar segura de continuar la relación. Por lo tanto, emprenden camino hacia la casa de los padres de Lisa. Pero en el trayecto el vehículo se queda sin combustible, con lo que se detienen en una estación de servicio. Mientras Will reposta combustible, su esposa entra a comprar un refresco, siendo la ultima vez que la ve.

A partir de allí, Will empieza una búsqueda frenética, culminando con la notificación a la policía. El detective Paterson se hace cargo del caso pero las cosas comienzan a impacientarse y Will decide rastrear a su esposa por su cuenta. En un medio que no conoce, tendrá que buscar las pistas necesarias, incluso si eso significa estar al margen de la ley.

La historia y su desenlace son muy similares a Sin Rastro (1997), aquella película protagonizada por Kurt Russell en donde su esposa estaba sometida a un secuestro. Vista por Ultima Vez, juega con esa premisa con un particular inicio: muestra las cartas del delito de antemano, no dando pie a ningún tipo de sorpresa, planteando la irremediable búsqueda de un hombre que hará todo lo posible para encontrar a su esposa con vida.

Entonces, el primer acto de apertura exhibe una confesión de alguien que presumiblemente está muerto. La introducción, que sirve como base motivacional de la historia encuentra un rápido atajo hacia su culminante final, en el que resta saber si el protagonista encontrará con vida o no a su mujer. De nada sirve el factor sentimental que se trata de imprimir aquí (con la confesión de infidelidad incluida) debido a que es neutro en el camino de la escena del crimen.

Ahora, lo que compensa su predecible trama es la actuación de Gerard Butler. El actor de origen escoses matiza su personaje sin perder de vista que es un hombre con los pies en la tierra. Will, es un exitoso empresario sin habilidades particulares pero con el instinto salvaje para llegar a destino a cualquier precio (al margen de la ley incluido). La audiencia verá un protagonista decidido y con mucho actitud para enfrentar ciertos obstáculos. Algo que podría llegar a cuestionarse en ciertos pasajes de la historia, pero que se hace creíble por la labor de Butler.

Todos los actores interpretan sus papeles satisfactoriamente, pero al final se queda la sensación de que se podría haber aprovechado un poco más el personaje del detective Paterson. Con todo el peso del relato en las espaldas de Butler, bien podría haberse dado un lugar más preponderante al detective que duda del héroe pero que luego brinda su ayuda. Es ocasiones es difícil encontrar un secundario que sirva de soporte al actor principal. Aquí lo tenían (Russell Hornsby), pero no le dieron mucho tiempo en pantalla.

En cuanto al aspecto técnico, se puede decir que es una producción con escenas simples y directas. Se evidencia una estética televisiva en la imagen de filmación y bajos recursos en en algunos efectos. Pero la tensión reinante en su tramo final compensa aquellas falencias con una secuencia brutal y bien escenificada que hará poner los nervios de punta. En este aspecto la partitura musical juega un papel clave, acompañando los movimientos de Butler cada vez que entra en acción. Ante ello se vuelve a señalar que la actuación de Butler es el motivo principal del éxito de la película.

RESUMEN

En definitiva, Vista por última vez (Last Seen Alive) maneja una historia con técnica simplista que cobra impulso por la actuación de su protagonista principal. A pesar de algunos buenos momentos de tensión, es el aporte de Gerard Butler la razón principal para ver la película.

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ASESINO SIN MEMORIA (2022)

critica asesino sin memoria

Liam Neeson retorna con otro papel a su medida. Si bien Asesino sin Memoria (Memory) tiene una narrativa desequilibrada, supera a los últimos trabajos del actor. Lo acompañan Monica Bellucci, Guy Pearce y Ray Stevenson. La película está dirigida por Martin Campbell.

Liam Neeson encontró en el año 2009 una nueva faceta de su exitosa carrera. Búsqueda Implacable (Taken) lo catapultó como estrella de acción y sembró un prototipo de héroe con habilidades del cual el actor supo aprovechar sus frutos . Desde aquella película, Neeson ha hecho una versión semejante con sus personajes, componiendo un hombre solitario, que se maneja en las sombras, y que tiene un destacado talento para resolver conflictos. Su última película, Asesino sin Memoria (Memory), sigue a Neeson como un asesino a punto de retirarse que comienza a perder la memoria. Como es de esperar, utiliza sus habilidades para perseguir a criminales desagradables. Si bien la premisa es sencilla y cuenta con algún que otro desequilibrio en su trama, supera a los recientes trabajos del actor.

Alex (Liam Neeson) es un asesino a sueldo que es contratado para matar dos personas claves para borrar un hecho de trafico de personas. La misión lo lleva apoderarse de unos archivos que prueban hechos comprometedores, mientras se decide a terminar su encargo. Resulta que Alex es un criminal efectivo pero no mata niños. Al ver que su target es una niña indocumentada, decide revelarse y perseguir a los criminales. En el camino encontrará una conexión con un agente del FBI, Vicent Serra (Guy Pearce), que se encuentra empeñado en acabar con el trafico de personas. Los problemas se presentan cuando Alex empieza a perder la memoria a la vez que debe lidiar con la policía y el sindicato del crimen

Los primeros treinta minutos de Asesino sin Memoria son muy buenos y demuestran mucho, algo que no puede mantener por falta de equilibrio en su narrativa. El personaje de Neeson, Alex, sufre de principio de Alzhéimer y anota en su antebrazo algunos datos para recordarlos oportunamente. Lleva consigo una medicación, para calmar su enfermedad pero esta circunstancia es llevada sin armonía. En algunos pasajes, Nesson se olvida de lo que sucedió el día anterior y en otras actúa con total normalidad. Esta situación se siente desaprovechada atento que podría haber jugado con una vulnerabilidad aún mayor en el personaje.

Independientemente de las habilidades de Alex, en las que Neeson las ejecuta con solvencia en todos sus apariciones, hay una clara muestra de repetir el personaje de Búsqueda Implacable, pero del lado contario y con poca memoria. Esto lejos está de ser un reproche y al film le asienta realmente bien por la presencia de Neeson y por un elenco secundario de primer nivel. En este aspecto logra destacarse Guy Pearce, el cual por momentos logra ponerse en el mismo nivel que el protagonista, interpretando a un honorable y sufrido agente del FBI.

La película tiene varios giros y muchos personajes. Algunos se sienten algo caricaturescos, como algunos integrantes del FBI pero son salvados por un eficaz elenco secundario de apoyo. La presencia de la siempre bella Mónica Bellucci es el personaje más interesante, componiendo a una empresaria inmobiliaria que busca ocultar vínculos con el trafico sexual.

Asesino sin Memoria desarrolla el trafico sexual con mucha suavidad, insinuando la corrupción en las altas esferas pero nunca se mete de lleno. Quizás no quiso ir más allá para no perturbar el animo del observador, con delitos tan desagradables como estos. Pero lo cierto es que el enfoque sensible del delito se siente mal administrado. Algo que sí supo plasmar Búsqueda Implacable. Independientemente de ello, el director Martín Campbell tiene la habilidad necesaria para salir de temas escabrosos con algunos giros inesperados.

El cineasta utiliza buenos planos del actor y saca replicas de actuación de sus otras películas, algo que los fanáticos agradecerán. Pero teniendo en cuenta que es el director que reflotó la saga de James Bond como Goldeneye y Casino Royale, no esperen nada excepcional aquí. Asesino sin Memoria es todo lo que uno puede esperar de una película de Liam Neeson, con el aliciente que supera a sus últimos trabajos.

RESUMEN

En definitiva, Asesino sin Memoria (Memory) tiene un elenco y un director competente. La película dura casi dos horas y su trama se siente algo sobrecargada y con falta de equilibrio. Aun así, la audiencia sabrá exactamente lo que esta consumiendo que no es otra cosa que otra película entretenida de Liam Neeson.

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SHARK BAIT (2022)

critica shark bite

Tan tonta como agotada, la premisa de un hambriento tiburón blanco es otra “mordida” mediocre. Shark Bait, toca fondo a pesar de un par de buenos momentos.

No es lo mismo ver un tiburón que verlo venir. A eso han apuntado las recientes producciones con un escuelo hambriento que se encuentra al acecho por decisiones tontas de sus victimas. Dirigida por James Nunn, quien también fue el director de segunda unidad de Terror a 47 metros y su secuela, Shark Bait toca fondo a pesar de un par de buenos momentos.

En esta oportunidad un grupo de jóvenes adolescentes se encuentran disfrutando de unas vacaciones en alguna playa de México. Su único fin parece emborracharse hasta el amanecer y es de aquí que toman la decisión de robar un par de motos de agua y alejarse de los límites de la costa. El problema surge cuando chocan las motos, jugando a un tonto juego que consiste en un duelo para saber quien es el más cobarde.

A toda velocidad, el par de jetsky se enfrentan y se produce el inevitable choque. El resultado es el hundimiento de una moto, un inconsciente y un herido con una grave lesión sangrienta en su pierna. Con una embarcación a flote, los cinco amigos se encuentran varados a millas de distancia y un con un celular que no tiene señal. Mientras encuentran la forma de volver a la orilla, un gran tiburón blanco los acecha para devorarlos.

Cebo para tiburones 1

Las películas de tiburones entretienen por la sencilla razón de que los tiburones existen y están ahí, en el fondo del océano. En cada de uno de nosotros hay un miedo intrínseco cada vez nos que decidimos a bañarnos en el mar. No hay que ir más allá por las dudas dirá nuestro inconsciente. Sobre esta sensación de miedo y terror a lo que no vemos y puede venir, los escritores de Hollywood han ideado numerosas secuencias modernas con un tiburón como protagonista. Great White (Tiburón Blanco) y The Requin fueron las ultimas que abordaron esta temática, con no muy buenos resultados. Ahora le toca el turno a Shark Bait, un film que toma una idea lo suficientemente tonta con la clara intención de mejorar los niveles de entretenimiento.

Desde el momento que se presentan los cinco personajes sabemos que las cosas no van a terminar bien. La decisión de jugar a un juego que incluye la posibilidad de que las motos robadas colisionen a millas de distancia de la costa es un riesgo que va en desmedro de los protagonistas. Cuando colisionan (por su estúpido comportamiento) es difícil empatizar con ellos y es probable que alentemos al tiburón a realizar su tarea. En este punto, el observador hará un juego mental sobre quien será la próxima victima y su intuición es más que probable que de en el acierto. Ello se debe a las tontas decisiones que toman los personajes post al accidente que hacen que el resultado se vuelva demasiado predecible.

Cebo de tiburón 2

Ahora bien, con un gran tiburón blanco acechando la única moto de agua a flote, la escritura de la película le agrega un tono dramático con discusiones tediosas sobre la revelación de que uno de los personajes tuvo una aventura con el novio de su amiga. El celular es la fuente del descubrimiento del engaño y su consecuente reproche parece darle una prioridad superior mientras los personajes se encuentran a merced de un gran depredador. Este toque dramático se siente inoportuno y totalmente desinteresado.

Una vez que aparece el tiburón, Shark Bait mejora un poco. El cineasta James Dunn logra una buena primera aparición del escualo con una secuencia inquietante. La técnica de mostrar poco, solo la aleta del tiburón y su presencia amenazante debajo del agua da resultado. El problema se presenta cuando el tiburón sale del agua y se muestra en primer plano. Una escena en la que ataca la moto de agua es sencillamente artificial y rompe el aceptable suspenso ganado. Lo mismo ocurre con las muertes de la película, los efectos se evidencian demasiado computarizados y dejan mucho que desear. El film es relativamente corto, con una hora y veinte minutos de metraje los fanáticos del genero pueden pasar un rato entretenido por así decirlo. Por lo demás, Shark Bait no logra despegarse de la mediocridad de recientes propuestas que impulsan a la decadencia de un genero agotado.

RESUMEN

En definitiva, Shark Bait es otra película mediocre. La tonta premisa no puede mantenerse a flote a pesar de algunos buenos momentos del tiburón. Se puede decir que es un poco mejor que las recientes Great White o The Requin, pero ello no genera merito alguno.

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