Categoría: Terror

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EL EXORCISTA DEL PAPA (2023)

la verdadera historia del exorcista del papa

Russell Crowe lucha con los demonios en un subgénero de terror que no asusta tanto como debería pero que brinda buenas dosis de entrenamiento. El Exorcista del Papa dividirá opiniones, pero no funcionaría sin la destacada actuación de Crowe.

Puede que haya servido de inspiración el clásico de terror e William Friedkin de 1973, El exorcista, pero la cuestión es que El Exorcista del Papa no tiene ninguna intención de emularlo. La observación aquí pone de relieve el tratamiento de un subgénero de terror, como es el exorcismo, con practicas religiosas que operan como rituales sobre un cuerpo poseído, materializado con sutiles toques graciosos que aporta el personaje de Crowe, mientras la película se desdobla hacia la aventura. Este tono elegido por la dirección prioriza el entretenimiento visual y funciona en gran medida por la destacada interpretación de Crowe. A pesar del mal que representa y trata de combatir , la sangre y su fuerte partitura musical, EL Exorcista del Papa no da mucho miedo.

La historia sigue a el padre Gabriele Amorth, un sacerdote católico, de la vida real, que afirmó haber realizado decenas de miles de exorcismos en su carrera.  Inspirándose en las memorias y los archivos de casos del propio Amorth, El Exorcista del Papa trata sobre la batalla de Amorth contra varios demonios, que poseían a personas inocentes.  Mientras el Exorcista en Jefe del Vaticano investiga el caso de un niño poseído, también se encuentra con una antigua conspiración que la Iglesia Católica ha tratado de mantener oculta durante siglos.

El exorcista del Papa cuenta con buen material original. La película dice basarse en las memorias del Padre Amorth (Mi batalla contra Satanás y Un exorcista cuenta su historia), quien fue un clérigo que supuestamente cometió más de 100.000 exorcismos, de fe inquebrantable y que combatió en la segunda guerra mundial. Los pergaminos del padre Amorth se enrostran en la figura de Crowe, quién logra nivelar el tono oscuro y malévolo de la película con acertados toques de humor, mientras impone sus practicas religiosas.

En este aspecto, la película puede llegar a perder algún brío de terror bien ganado con remates graciosos en la interpretación de Crowe. Pero lo cierto es que su labor refleja a la personalidad de un hombre que ha vivido una vida plena y su sentido del humor es quizás la razón para mantenerse firme contra las fuerzas del mal. La dirección se apoya en la solvencia y carisma de Crowe, quién mantiene a la película sobre la superficie.

Ahora bien, El exorcista del papá toma riesgos en beneficio del entretenimiento visual. Esto es, adopta ciertas libertades creativas dejando a la película, en su segunda mitad, más cerca de la aventura que en el genero que representa. La dirección a cargo de Julius Avery, responsable de Operación Overlord, no tiene la intención de someter a la audiencia en una sola habitación, con un cuerpo poseído, de risa diabólica, mientras pronuncia un lenguaje vulgar . Hay una historia de fondo, que presenta, además, una conspiración religiosa que lleva a los personajes a investigar sus orígenes.

De manera que, El exorcista del papa, adopta un camino demasiado ambicioso con una serie de secuencias de sangre y cuerpos fantasmales dignas de las películas de aventuras en las que su fallo y acierto dependerá del gusto del observador. En este aspecto y a juzgar por el manejo de la historia, se evidencia un esfuerzo de evitar imitar otra clásica película de exorcismo. Razón por la cual se inspira en películas famosas, tratando de forjar su propio camino, ocupando un posible vacío dejado por películas como El Código Da Vinci.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El exorcista del papá traerá sensaciones encontradas. Para aquellos que busquen profundidad en el genero de terror de exorcismo, saldrán algo decepcionados. Mientras que el resto, disfrutará de un efectivo entretenimiento que se mantiene gracias a la implacable presencia de Russell Crowe.

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CORRE CARIÑO, CORRE (2022)

critica corre cariño corre

Interesante en su comienzo y algo divertida como absurda en segunda mitad, Corre Cariño Corre (RunSweetheart Run)  es otro mediocre thriller de terror de bajo presupuesto. Disponible en Amazon Prime Video.

Una mujer soltera que huye de un ambiente misógino mientras lucha por sobrevivir es un buen pretexto para incorporar capas de terror a una historia, sin perder de vista su fuerte mensaje social. Pero, Corre Cariño Corre, no está interesada en representar aquel contexto. Solo es una interesante insinuación que actúa como fuerza de atracción. Lo que queda , es una tonta, confusa y, por momentos, divertida película de terror de bajo presupuesto que corre riesgos de extenderse demasiado.

Corre cariño corre sigue a Cherie (Ella Balinska), una joven madre soltera que aspira a ser abogada, pero actualmente es secretaria en un bufete de abogados sexista.  Su día comienza con un planteo en forma de denuncia. Ha sido objeto de un desagradable comentario de un socio de la firma, pero su atención en Recursos Humanos no es focalizada. Mientras atiende la agenda de su jefe, se le reclama la coincidencia de un compromiso laboral con el aniversario matrimonial. Para remediar la situación, consiente asistir a una cena con un cliente de la firma. Ethan, es atractivo y encantador y pronto Cherie se ve atraída por sus cualidades. Hasta que revela su costado más oscuro.

Para empezar y sin animo de generar spoilers, se puede decir que el thriller de terror es lo esperable en una producción de Blumhouse Productions. El estudio cinematográfico, conocido por financiar films de suspenso y terror de bajo presupuesto, como La Purga o la saga Halloween, nos indica claramente aquella sensación. Eso no quieta que Corre Cariño, Corre tenga un planteo interesante. Digamos que, una mujer solitaria que escapa del mundo de los hombres misóginos y desconsiderados, con policías comprometidos, es una buena historia sobre la naturaleza de una sociedad patriarcal. La película mantiene su línea de interés cuando aborda tales conceptos con una introducción que recrea un atmosfera de suspenso sumamente acertada donde pone énfasis en faceta social.

La dirección toma la iniciativa con la historia de una mujer que es acechada por el peligro cotidiano. Desde manoseos no deseados en un colectivo hasta comportamiento inapropiados en el trabajo, la historia parece tener un hilo conductor atractivo donde el peligro acecha en cada rincón. El problema se suscita cuando se da comienzo al titulo de referencia y el intenso thriller se transforma en una persecución sangrienta. La elección aporta los ingredientes necesarios para entretener en un fin de semana por la noche, pero al final de cuentas aquel componente no puede materializarse de manera efectiva.

Luego de un cuarto de ejecución, la película se mete de lleno en el plano sobrenatural. La narrativa, a pesar de los crueles intentos de exposición sangrienta, genera un doble despropósito: socaba la tensión bien ganada y se aleja del terror genuino que venía acechando a la protagonista. Los seguidores de este tipo de propuestas ignorarán lo manifestado y la verán como un sólido entretenimiento en donde la aprobación se juzga por las gotas de sangre. En relación a ello, se puede decir que la película no cuenta con el presupuesto necesario para exponer su ambiciosa narrativa. El ingenio en la dirección trata de disimularlo con algunas ejecuciones intempestivas de sangre ( de corta de duración), pero no logra imponer el efecto deseado.

Otro punto en contra es la mitología interna a la que hace referencia. Es confusa y entra en conflicto con su base narrativa. Llegado al final, el desconcierto se hace evidente con algunas manifestaciones que ponen en duda el concepto de la humanidad. A favor, cuenta con una creíble y comprometida protagonista (Ella Balinska) logrando transmitir sus gotas de sudor (y de sangre) durante la incansable persecución nocturna.

RESUMEN

En definitiva, Corre Cariño Corre (Run Sweetheart Run), funciona mejor en su primer cuarto de hora donde se pone énfasis en el aspecto social. Llegado el terror, la película no tiene nada para aportar más que confusión en la explicación de su mitología interna.

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LA INVITACION (2022)

La premisa de terror romántica fracasa a causa de la indecisión en sus dos facetas. Inspirada en Drácula, La Invitación (The Invitation) cuenta con una ambiciosa puesta en escena, algo que el guion y los vampiros no saben aprovechar.

¿Se puede ser romántico y terrorífico al mismo tiempo? Evidentemente es algo que no puede responder La Invitación siendo su ambición glamorosa, sensual y sangrienta las principales cusas de su perdición. Con una evidente inspiración en la novela clásica “Drácula”, la película expone giros y revelaciones confusas como predecibles hasta llegar al acto final culminante donde todo se resuelve al mejor estilo “Van Helsing”. Con un reparto actoral que no logra exponer los estandartes que el genero solicita y un guion que no aporta mucho más que líneas mediocres y cursis, el film se derrumba a pesar de su ambiciosa escenificación.

La historia sigue a Evie (Nathalie Emmanuel), una joven artista que llega a una remota finca europea para una boda familiar después de reunirse con parientes lejanos a través de un kit de prueba de ADN.  Durante su estadía en la casa palaciega, Evie es rápidamente seducida por Lord Walter (Thomas Doherty), el dueño de la mansión que esconde un oscuro secreto. Pronto se dará cuenta que “La Invitación” es un acto predestinado.

La película tiene una clara intención de canalizar el horror moderno y el clásico con toques de romanticismo. Algo difícil de ejecutar pero la cuestión es que logra crear un ambiente propicio para narrar este tipo de propuestas. Con una imponente mansión en la que se destaca su entorno gótico, grandes habitaciones oscuras y pintorescos “anfitriones”, representados en la aristocracia inglesa, la película logra imponer una atmosfera sumamente atractiva de lo cual no puede sostener.

El principal problema es su falta de decisión, de carácter que haga transmitir las vivencias de todos sus personajes. Cuando se sumerge en el terreno romántico, no logra buenos resultados porque sus diálogos como los interpretes que los ejecutan no tienen la intensidad necesaria para demostrar el arte del cortejo. Cuando llega, es lo suficientemente fría y cursi quedando el incipiente romance en un acto efímero. Resulta extraño porque el film se toma su tiempo para profundizar el vinculo de los personajes. Pero la cantidad no es lo mismo que calidad y ello se nota de primera mano.

El fallido intento de romance abre las puertas al terror con secuencias sangrientas que propinan algún que otro susto. Pero, como toda sucesión de errores, el segundo acto se siente demasiado predecible convirtiendo a La Invitación en un acto de supervivencia. Pero el derrumbe viene en la escena final culminante donde todo se resuelve de manera rápida, como si fuese una película de aventuras de monstruos.

El principal reproche es en lo atinente a la tradición vampírica. La Invitación, no logra tener una base sólida en lo atinente al título de referencia. Tampoco se expande mucho sobre el origen de los villanos. Mucho antes de la revelación de la película, sus escenas están llenas de referencia a la novela literaria clásica, Drácula, algunos sutiles otros evidentes. Pero lo llamativo es el extraño giro secundario que se intenta imprimir en los personajes de Mina y Jonathan Harker. Quienes hayan leído la obra del conde Drácula encontrarán extraño como inentendible este giro. En cambio, los ocasionales verán un simple hecho predicable.

Ahora, cuando la narrativa opta por el camino de la supervivencia heroica, todo se resuelve cuesta abajo. Desde las transformaciones (con efecto más rápido que un Ibupirac ) hasta las peleas, la dirección trata de resolver lo que el guion no puede suplir y es la coherencia. Aquí, los orígenes vampíricos se sienten descuidos y si bien no es un problema, sí lo es para la La Invitación al compartir una historia similar a la de Drácula.

RESUMEN

En definitiva, La Invitación (The Invitation) falla en casi todo lo que se propone. Con una destaca ambientación y algunos sustos (gore incluido) como punto a favor, no puede superar su indecisión en los géneros que transita. Inspirada en la novela grafica Drácula, sus giros son predecibles como inoportunos. Con todo, funciona como entretenimiento pasajero.

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WATCHER (2022)

critica watcher

La paranoia y el potencial peligro se funden en Watcher, un film de suspenso bien definido con un claro concepto hitchcockiano. 

Watcher Ending Explained Maika Monroe as Julia

La sensación de misterio, duda, paranoia y peligro no siempre transitan por el mismo camino. En ocasiones, la indefectible preferencia de una sobre otra hace que la narrativa pierda sorpresa en su resultado final. Pero no es la intención de Watcher, un film que parte de un descubrimiento inquietante y lo impulsa a través de una investigación paranoica generada por una potencial situación de peligro. Con un claro concepto hitchcockiano, el film genera una línea elemental de suspenso pero lo compensa con la transmisión de efectivos puntos de tensión que experimenta su protagonista principal.

La historia se abre con un matrimonio que se traslada a Rumania. Francis (Karl Glusman) ha aceptado un ascenso con su empresa de marketing y lleva a su esposa, Julia (Maika Monroe), a vivir en un departamento en Bucarest.  Al instalarse, Julia tiene que lidiar con los problemas del idioma y no tiene idea de su entorno. Sin embargo, eso no es su único problema. Su esposo, a menudo, está fuera en el trabajo, dejándola sola en la ciudad y Julia, con frecuencia, se detiene a mirar la ventana del departamento, mientras que un hombre se queda mirando.  Los nervios por aquel constante comportamiento se potencian cuando se entera de la noticia de que un asesino en serie, conocido como “La Araña”, comienza a aterrorizar a la comunidad. Perturbada y con una incipiente paranoia, comienza una investigación para develar el misterio.

Watcher, adopta el patrón elemental del genero de suspenso pero al mismo no inventa nada nuevo. Se genera un misterio alrededor de un crimen, con un evidente sospechoso, bajo a la atenta desconfianza de una potencial futura victima. Pero mientras que para algunas propuestas la premisa es un indicio para recrear la psicosis criminal y su andar delictuoso; en Watcher sucede todo lo contario. Se potencia una lenta investigación generada por una potencial situación de peligro. En este aspecto la cineasta y escritora Chole Okuno no permite que su obra caiga en el facilismo y brinda efectivos momentos de tensión hasta su tramo final.

El logro se destaca en poner al espectador en la piel del personaje y en sus genuinas sensaciones de terror. Julia es una estadounidense que no habla rumano. Se encuentra en un entorno extraño y pasa sus días en soledad como consecuencia del trabajo de su marido. En este punto Maika Monroe (Julia) comunica en forma competente el animo de aislamiento y justifica su incipiente paranoia en un descubrimiento aberrante. Un asesino conocido como “La Araña” anda suelto en la ciudad y su último asesinato fue en el edificio de enfrente. Casualmente, en el que habita un hombre que observa su ventana todas las noches.

La obsesión de Julia la llevará a involucrarse en una investigación para involucrar a un individuo en la cual considera el principal sospechoso. Aquí es donde Watcher logra su punto más alto, y ello es en el modo exploratorio. La vulnerabilidad que se le imprime al personaje principal dentro de un entorno extraño y con dificultades idiomáticas hará que la audiencia mantenga la guardia alta. Llegado el momento, Watcher logra transformar la tensión en miedo con secuencias de violencia de impacto promedio, que se fortalecen por ser intempestivas. Con todo, la inspiración en Hitchcock es evidente. Pero el film lo utiliza con claridad en la difícil combinación del misterio, suspenso y el terror.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Watcher se inspira en obras de Hitchcock y logra efectivos momentos de angustia y tensión. No inventa nada nuevo pero sumerge al observador en la piel de la protagonista. Maika Monroe lleva la historia con un nivel de pavor convincente por la que vale la pena su revisión.

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FRESH (2022)

Un thriller inquietante que pese a sus buenas actuaciones no va más allá de lo que pretende contar. Fresh, se encuentra disponible en Star +.

Fresh no debería tomarse demasiado en serio o quizás sí, dependiendo de la susceptibilidad del observador. Visualizar mujeres cautivas, mientras se les extrae, cuidadosamente, partes de su cuerpo para una clientela de alto poder económico puede ser un atractivo para los que gusten de thrillers inquietantes, bien llevado por cierto, pero el film no cala en sus temas importantes. Con un tono machista, irónico y provocador, Fresh logra entretener de una manera “original”. Pero no se preocupa por sus motivaciones.

La historia sigue a Noa (Daisy Edgar-Jones), una joven solitaria que está harta de frecuentar encuentros en línea, que no la llevan a ninguna parte. Un día conoce a Steve (Sebastian Stan), un encantador cirujano plástico, en el puesto de frutas de un supermercado. Sorprendida por su comportamiento, se enamora inmediatamente y comienzan a salir juntos. Es en este momento donde Noa acepta ir de viaje de un fin de semana con Steve, pese a la negativa de su amiga bisexual Mollie, quién no se convence del perfil y postura que adopta el cirujano. Steve, no tiene huellas de ninguna red social y Noa descubrirá que su trabajo es mucho más perturbador y oscuro de lo que se pensaba.

Dejando de lado lo manifestado ut-supra, Fresh tiene una introducción de media hora, antes de sus créditos, bastante satisfactoria. Es en este tiempo de ejecución donde se construyen los personajes, más precisamente el de Noa, quién no se resigna a estar sola. En este punto la reacción sentimental de la protagonista esta bien establecida. Su cita de apertura es un tacaño machista que no tardará en insultarla cuando Noa se niega a un futuro encuentro.

Ello la llevará a los brazos de Steve, un hombre encantador que utiliza métodos un tanto “tradicionales” a la hora de socializar. No obstante ello, la forma en que la pareja logra conocerse es algo poco ortodoxa. ¿Qué mujer da su número a un extraño en un supermercado? y ¿Qué mujer acepta irse de viaje con apenas un par de días de conocerse? Independientemente de ello, la narración crea un clima sombrío para el observador que desconfiará en el encanto de Steve.

Cuando la pareja llega al domicilio de Steve, las cosas empiezan a cambiar de rumbo. El terror se abre camino en lo que será el primer gran giro del film. Sin animo de generar spoiler, se puede decir que la situación que vive Noa es aterradora por la sencilla razón de que en la actualidad podría suceder. En este punto, algunos observadores tendrán puntos de vista diferentes en cuanto al camino de su narrativa y a su seriedad. El femicidio por un lado y la cosificación de la mujer por otro, pueden herir alguna susceptibilidad pero se puede argumentar que el film sigue una línea liviana de otras propuestas más fuertes (Hostel) y en la que no debería tomárselo demasiado en serio.

En este sentido, el film ofrece algunos primeros planos visuales bastante “asquerosos” (un muslo envuelto en plástico, brazos congelados, platos de comidas con corte humano), manteniendo el estado de animó expectante hasta sus desarrollo final. En este asepcto, la idea que el cuerpo es un producto para ser vendido y consumido por otros es un mensaje que no va más allá de lo que se muestra. Fresh, no profundiza más de lo necesario en sus temas importantes, usando sus giros narrativos y su cuidada dosis de sangre para completar aquel faltante.

En cuanto al elenco, cumple acabadamente. Steve y Noa tienen química en pantalla y logran generar emociones contrapuestas. Edgar-Jones (Noa) afronta la situación con tristeza pero con determinación y Stan (Steve) aporta carisma con un comportamiento retorcido y desequilibrado.

RESUMEN

En definitiva, Fresh (con sus reservas) es entretenida y sabe como infundir terror en situaciones probables, pero no desarrolla completamente sus temas. Una vez que ocurre el giro, la película comienza a ir en varias direcciones, ofreciendo nueva información y escenarios que, aunque intrigantes, no agregan mucha profundidad a su mensaje general.

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SCREAM (2022)

Repetitiva y crítica de su propia existencia, la última secuela de Scream es víctima de su propio juego de adivinanzas. Solo para fanáticos.

¿Cuál es tu película de miedo favorita? Seguramente Scream no lo sea, pero hay que ser honestos, la saga representa al genero meta horror, una especie de parodia de terror donde las situaciones graciosas se mezclan con los asesinatos. Scream, con su creador Wes Craven, aportó una experiencia original y gratificadora en los años noventa con un asesino encubierto entre colegiales al que apodaban Ghostface. Su inconfundible mascara y cuchillo se potenciaba con sus asesinatos, previa llamada telefónica. El aviso implicaba un juego previo con la futura victima, quién no tenía mas remedio que gritar y escapar.

Han pasado 11 años de su cuarta parte y desde entonces el genero de terror slasher se ha vuelto repetitivo. Scream no es la excepción. Es esencialmente una versión reelaborada de la versión original, con la misma casa, un grupo de adolescentes y la “adivinanza” de averiguar quién es el asesino. Repetitiva y crítica de su propia existencia. La ultima secuela de Scream es victima de su propio juego de adivinanzas y que la nostalgia no puede salvar.

La intranquilidad vuelve apoderarse del pueblo de Woodsboro cuando una joven de nombre Tara recibe una llamada telefónica. Ghostace está de vuelta  y esta vez parece que todas las víctimas están conectadas con los personajes de la película original de una forma u otra. Cuando Tara es llevada al hospital, por múltiples apuñaladas, su hermana Sam regresa al pueblo del que se fue hace años. Con su séquito de amigos acompañándolas, tratarán de descifrar quien es el asesino que retorna cada década.

Scream repite la estructura de sus anteriores secuelas, especialmente el de su original, con lo que parece que estamos mirando el mismo cuadro con distinto marco. Desde la escena inicial del llamado telefónico, las inoportunas y reiteradas muertas, hasta la revelación final del villano, son momentos ya vívidos en su entrega original. Ello no quiere decir que no sea entretenida en razón de que casi todas las secuelas clásicas de películas de terror se reinventan por diferentes razones. La nostalgia puede ser una de ellas, la falta de ideas otra. Independientemente el motivo, Scream es consiente de sus propia limitación y adopta un camino autorreferencial. Se podría decir que es una medida inteligente de parte de los guionistas en cuestión. Pero, llenar minutos con diálogos que sirven como guía de como descubrir a un asesino se siente demasiado paródico, cuando en realidad el observador se siente familiarizado con el tema.

Esta manera de llevar la trama, con constantes diálogos de desconfianza de los personajes, algunos llevados en forma de broma, hacen que el film pierde algo de impulso en los precisos momentos que interviene el asesino. Para ser justos, Ghostface tiene un puñado de muertes bastantes convincentes, pero ninguno de ellas logra el impacto deseado de otras propuestas semejantes. El tono jocoso y autorreferencial le juega en contra en este aspecto.

Scream regresa con sus históricos personajes. Gale (Courteney Cox), Dewey (David Arquetee) y Sidney (Neve Campbell) regresan pero sus participaciones se sientan algo forzadas en la historia. Son más que nada un vehículo para impulsar a los nuevos integrantes, con lo que los personajes heredados son más un producto de la nostalgia que otro cosa. Sin embargo, el único que logra destacarse es David Arquette, como el sheriff retirado que enfrenta su destino. El resto, no tiene mucho material para explayarse.

RESUMEN

En última instancia, Scream no es una típica película de terror. Su sentido autorreferencial y su aire repetitivo y nostálgico le quitan suspenso a los asesinatos que ocasiona Ghostaface. El regreso de personajes heredados no tienen mucho que aportar más que señalar el camino señalizado. Los fanáticos de la saga sabrán sacarle provecho a su narrativa y se divertirán con ello. Los espectadores ocasionales, no tienen nada que hacer aquí.

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NO ME MATES (2021)

critica no me mates

La película italiana es una mezcla de terror y romance adolescente sin buenos resultados. No Me Mates es lo nuevo del catalogo de Netflix.

No me mates – Reseña de Netflix (2/5)

Debe ser realmente difícil o inevitablemente fácil desarrollar una idea para entretener en estos tiempos modernos. Aquellos que han visto, han visto demasiado y los que no han llegado a esa posibilidad, ven cosas ya vistas. Entonces, el juicio de lo valor de lo que se está por ver dependerá de nuestra experiencia cinéfila. No Me Mates, está dirigida a un público adolescente, que no hay que subestimar, y es en su esencia una típica película de vampiros con un trasfondo romántico gótico, toxico y perverso. Dirigida por el italiano Andrea De Sica, la mezcla de terror y romance adolescente recicla ideas probadas, sin buenos resultados.

La historia gira en torno a Mirta (Alice Pagani), una adolescente italiana que vive un fuerte amorío con Robin (Rocco Fasano), quien es un adicto a las drogas. Con lo promesa de que aquello termine, Mirta accede a drogarse con su novio y ambos mueren por sobredosis. Cuando ella vuelve a la vida, se da cuenta que su cuerpo ha cambiado y necesita alimentarse de sangre para no morir. Mientras se esconde de un grupo de cazadores, llamados Benadantie, intenta encontrar el amor de su vida para que pueden estar juntos para siempre.

No me mates – Revisión | Película de terror de Netflix

No Me Mates, navega en aguas demasiado profundas y se queda sin salvavidas. Si bien es una historia de vampiros, a los que llama Supermuertos, apuesta a un costado romántico oscuro y perverso pero en el camino se olvida del fantástico vinculo que une a cada persona. Aquí, el amor en términos de sensaciones y búsqueda, esta prácticamente ausente. Mirta regresa a la vida pero su personaje está más preocupado por alimentarse que por reencontrase con su amado Robin. El trasfondo romántico y emocional planteado aquí traerá sensaciones encontradas. El amor está dentro de la vida y continuar intencionalmente sin ella, en el mundo de los no muertos, deja un sabor extraño en la boca y si bien es perversamente original, se desprende de ella a mitad de camino.

Algunos observadores se sentirán atraídos por la Saga Crespúsculo. Pero la realidad es que se sentirán defraudados porque sus intenciones son más oscuras de las esperadas. La película, de hora y media de duración, se hace algo lenta cuando Mirta recuerda (por medio de flashbacks) los buenos momentos que tuvo cuando estaba viva. En este aspecto, se refleja el vacío momento familiar que genera la ausencia de un ser querido, pero la película no sabe que hacer con los padres de Mirta. Los arcos de sus personajes se sienten inconclusos y solo sirven para dar pie a la organización que la persigue.

Non mi uccidere

La persecución y la amenaza de la Organización secreta impulsa a la historia. Mirta tendrá que aprender a sobrevivir del acoso de un grupo selecto de cazadores, armados con teaser, que existen desde el siglo XVII. Aquí, la trama sigue la puesta en escena de otras propuestas similares con lo que la confrontación tendrá los efectos sangrientos requeridos. Sin ser demasiado exagerado, los efectos de maquillaje y violencia están correctos pero podrían haberse jugado un poco más, en términos visuales. Los últimos 20 minutos aprovecha el estilo gore que demanda esta clase de propuestas pero llega algo tarde. No obstante ello tiene una buena conclusión.

La cinematografía es la que se espera en las películas de terror. Es oscura en su mayor tiempo de ejecución, resaltando eficazmente los ojos de la protagonista en el periodo previo a su abstinencia de sangre. La banda sonora es suave y acompaña los momentos de tensión. No Me Mates, por todos los conceptos que ejecuta debería haber tomado el camino de una serie, en donde podría haber evolucionado de una manera menos superficial.

RESUMEN

En líneas generales, No me Mates ( Non mi uccidere) tiene una actuación aceptable y se reserva los mejores momentos en su parte final. Cuenta algunas escena de sexo, frías como sangre de vampiro, que pueden verse con una abuela sin ningún tipo de pudor. Después de todo, sigue siendo una historia de amor, mal formulada y dudoso de gusto.

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LA MASACRE DE TEXAS (2022)

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Con secuencias brutalmente sangrientas, La Masacre de Texas, se abre camino a toda velocidad, pero este prisa tiene un costo para cualquier profundidad. Pese a ello, cumple con su objetivo. Disponible en Netflix.

¿Qué harías si te sigue un loco grandote con una motosierra? Correr sin mirar atrás sería la mejor opción, a no ser que consideres poner a prueba tu voluntad de hierro. Dejando de lado estas habladurías, La Masacre de Texas retorna de la misma manera que los viejos nuevos clásicos. Al igual que Halloween y Scream, busca reiniciar una franquicia para una nueva generación a prueba de sustos. Aquel personaje de la pregunta en cuestión no es otro que Leatherface, un hombre complejo, psicológicamente traumatizado por sus problemas psicosexuales que desata toda su furia en aras de asesinatos.

En esta oportunidad, la historia comienza unos cincuenta años después del final de la primera película (La Masacre de Texas, 1974), ignorando las secuelas posteriores. Con secuencias brutalmente sangrientas, Netflix saca a Leatherface del ostracismo y le otorga un toque de venganza para justificar los atroces asesinatos. Con un tiempo de ejecución brutal de no más de 70 minutos , La Masacre de Texas se abre camino a toda velocidad, pero esta prisa tiene un costo para cualquier profundidad. Pese a ello, cumple con su objetivo.

La película comienza con un grupo de amigos que se trasladan a una ciudad remota del condado de Texas. El fin de Melody, Lila, Dante y Ruth es renovar un pueblo desierto con el apoyo de otros invasores. El problema surge cuando intentan ocupar un edificio, un viejo orfanato abandonado donde reside una anciana que tiene bajo su cuidado a otro residente que es muy hábil con la motosierra. Cuando se producen una serie de eventos desafortunados, ocasionando la muerte de la mujer, se desencadena los bajos instintos sangrientos de Leatherface, luego de cincuenta largos años. Ahora, el cuarteto de amigos y sus inversores deberán escapar, donde correr no es una opción.

Antes que nada, y más allá del titulo de la película, hay que ser consciente que La Masacre de Texas es un producto que representa al genero slasher donde su potencial es precisamente la brutalidad de los crímenes que se muestran en pantalla. Con lo que el buen gusto o el reproche social violento no tienen nada que hacer aquí, porque su fin es representar el terror con violencia, sangre y brutalidad. Aclarado esto, La Masacre de Texas tiene cosas buenas y malas, íntimamente relacionadas entre sí. Su narrativa se desenvuelve a toda velocidad, como un menú de comida rápida, presentando a los personajes y a Leatherface sin ninguna capa de profundidad.

Hay un intento de justificar el comportamiento de Leatherface con la muerte de la anciana, quién resultó ser su cuidadora, pero este aire de venganza resulta ser algo anticuado para un personaje entendiblemente complejo. Lo mismo sucede con su inspiración de generar terror. Si bien las secuencias son brutalmente sangrientas y elaboradas con un tecnicismo visual impactante no asustan y cuando llegan se trata de una gran exhibición. No hay nada malo en ello, la película tiene suficiente escenas de gore como para tener entretenido a los fanáticos de este genero. Así y todo, tiene momentos de tensión bien elaborados donde el escondite es necesario para evitar la muerte. Cuando se trabaja en este ambiente es más efectivo porque se juega con la presencia de lo que no se ve. Cuando llega el festival sangriento, con extremidad volando por todas partes, el horror se aminora.

Ahora bien, la trama cuenta con un personaje que ha sobrevivido a la masacre de Leatherface en 1973. Sally Hardesty al igual que Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) en Halloween es la heroína que busca revancha, pero su participación se sienta algo desaprovechada. Se puede argumentar una defensa en este punto atento que la actriz original, Marilyn Burns, falleció en 2014 y para evitar una desconexión emocional la participación del personaje haya quedado reducida considerablemente. Al margen de ello, quedan dudan si muchos notarán la ausencia de la actriz original en esta nueva versión.

La nueva secuela de la Masacre de Texas se centra en las apariciones de Leatherface y sus asesinatos. Va directamente al grano y no escatima en representar los brotes de sangre que ejecuta. En este aspecto se visualiza la destreza de Leatherface en el manejo de la motosierra en una secuencia en un colectivo que es escandalosamente brutal. También ataca corriendo y no duda en lanzar la motosierra original a los pies de las victimas. La Masacre de Texas seguramente tendrá sus detractores pero su fin es llegar a un público que se entretiene con un juego de terror efectivo y sangriento que se deglute como una comida rápida. Si cae mal, mejor solicita otro menú.

PUNTOS POSITIVOS

  • Los fanáticos del genero disfrutarán del film.
  • El estilo gore está más que presente.

PUNTOS NEGATIVOS

  • No está a la altura de la original.
  • Poca profundidad en su narrativa. Los personajes como Leatherface juegan a las escondidas, con secuencias impresionantes, pero nada que no se haya visto antes.

RESUMEN

Por lo dicho, La Masacre de Texas cumple con su liso y llano objetivo de entretener a un publico consumidor de un genero no apto para impresionables. La secuela de Netflix no es tan aterradora como su original pero lo compensa con brutales secuencias sangrientas y con un estilo gore muy efectivo.

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RESIDENT EVIL: Bienvenidos a Raccoon City (2021)

critica resident evil: Bienvenidos a Raccon City

Resident Evil vuelve a su fuente y recupera su esencia, pero no es suficiente.

Resident Evil, cuya traducción al español es el Huésped Maldito, es una franquicia inspirada en la serie de videojuegos de Capcom. A la primera adaptación del 2008 le sucedieron cinco secuelas, todas protagonizadas por Milla Jovovich , quién con su marido, el cineasta Paul W. S. Anderson, se apartaron de la esencia por el cual el videojuego se había echo famoso. Ahora, Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City, restablece su conexión con su fuente reflejando con mayor precisión el estilo de supervivencia y disparos en una ciudad infestada de zombis. ¿Es esto suficiente? No del todo. Si bien es un buen comienzo para reiniciar la historia, con una adaptación fidedigna, se queda corto en el carácter de sus personajes. Algo que no pasará desapercibido en los “gamers” y en los fanáticos de las películas de acción, con dosis de terror.

Resident Evil se centra en la ciudad que lleva su nombre. Raccon City, fue utilizada como prueba de laboratorio de ciertos materiales químicos fabricados por la compañía farmacéutica Umbrella. Cuando se desata un brote zombie, los miembros de la policía tratarán de escapar, sin antes investigar los extraños acontecimientos. Así, Resident Evil presenta a varios personajes principales de los videojuegos que serán fácilmente reconocibles, encabeza por Claire Redfield, que vuelve a la ciudad para avisar a su hermano policía del peligro que se avecina.

La diferencia sustancial que tiene Bienvenidos a Raccon City con las anteriores Resident Evils es el retorno de su esencia. Ambientada en 1998, la película rinde homenaje a los dos primeros juegos de la serie (lanzados en 1996 y 1998, respectivamente), captando los personajes, las narrativas, los escenarios y el tono. Recordar que el videojuego es parte del genero survival horror, en el cual los jugadores deben sobrevivir a los zombies, sin antes llevarse un buen susto.

La película logra captar la ambientación y la estética, pérdida en sus antecesoras, pero adolece de un gran problema: los personajes no son lo suficientemente carismáticos para sobresalir. Con lo que en este aspecto, se invierte el resultado con los trabajos anteriores. Esto significa que la interpretación de Milla Jovovich, era más solida y convincente que las actuales.

Por otro lado, se evidencia un gran esfuerzo para fundamentar la adaptación del videojuego. Para ello el cineasta Johannes Roberts, especialista en el genero de terror, utiliza a los zombies de forma medida. No hay aquí persecuciones alocadas y hordas de zombis, solo están ahí para aparecer en el momento oportuno, facilitando la tensión y el suspenso en vez de la acción trepidante. Ello no significa que no haya disparos, los hay pero no es el estilo elegido.

Si bien Roberts logra un buen trabajo a recrear el espíritu del videojuego, el film no tiene un personaje convincente que mantenga interesado al observador. El elenco ofrece una actuación por debajo del promedio, contrarrestando el tono agradable de la película. Lo dicho se fundamenta en que los personajes son demasiado planos. Algo tontos, por momentos, especialmente cuando se enfrentan a una situación de peligro. Tal acontecimiento, viene siendo frecuente en las actuales películas en donde en vez de correr o estar alerta, la enfrentan con una cara de confusión pasmosa.

La nueva Resident Evil cumple en líneas generales y es un buen reinicio. Si se pule su narrativa y se solidifica sus interpretaciones las continuaciones pueden llegar a tener un mejor resultado.

PUNTOS POSITIVOS

  • Recrea el material original sin sobresaltos. El edificio de la policía, la lluvia que cae sobre la ciudad, la estética y el manejo de los zombies ofrecen una conexión digna con los videojuegos.
  • Los fanáticos de los videojuegos (Resident Evil 1 y 2) verán a Raccon City como la mejor película de la franquicia.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Los personajes principales son demasiados tontos e insulsos. Con excepción del líder de la Corporación Umbrella (Neal McDonough), ninguno de ellos logran recrear una actuación convincente.
  • Algunos puntos de su narrativa flaquean en la construcción del mundo. Esto se evidencia en su abrupto final.
  • Leon Kennedy, el policía debutante, no debió tener un papel secundario.

RESUMEN

Asi las cosas, Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City es una propuesta divertida, pero carece de sustancia. Si bien es una buena adaptación de los videojuegos, los personajes (demasiado tontos e insulsos), sus interpretaciones y parte de su deficiente narrativa la privaron de ser emocionante. Aun así, es la mejor Resident Evil (fiel al material original) y un buen comienzo para futuras secuelas.

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BLACK FRIDAY (2021)

Black Friday exhibe en la vidriera una comedia de terror con un vicio redhibitorio. No cumple con lo que promete, desperdiciando todo su potencial.

Un central comercial con importantes descuentos en el que asisten miles de compradores compulsivos, en el día de acción de gracia en los EE.UU, es un tratamiento que bien puede representar una metáfora de lo que representa el comercio minorista y el consumismo en la actualidad. Ahora, si se agrega un factor alienígena en aquellos conceptos, representado por criaturas que se apoderan del cuerpo de los furiosos compradores, la idea cobra un sentido de critica social que Black Friday desaprovecha. En su lugar, ofrece un producto de terror de clase “B”, sin demasiado sentido narrativo y de lo que es peor, sin emociones baratas. Así, la comedia de terror lleva inmerso un vicio oculto que no tarda en salir a la luz. No cumple con lo que promete, desperdiciando todo su potencial.

Black Friday se centra en un grupo de trabajadores en una tienda de juguetes, preparándose para recibir a una “manada” de compradores que buscan ofertas en el día de acción de gracias. Es una época donde las ventas y el consumo están en su pico más alto, con lo que se requiere un esfuerzo y una dedicación adicional del personal del comercio minorista. Sin embargo, una misteriosa forma de vida alienígena invade el local e infecta a los compradores, provocando una reacción en cadena y desatando un caos violento y sangriento. Ahora, lo único que importa es buscar la forma de sobrevivir

Se puede catalogar a Black Friday (viernes negro) como una representación del subgénero de supervivencia zombie. Aquí, se reemplaza los tradicionales “no muertos” por una forma de vida alienígena, de color rosado y amorfa, que invade como un meteorito el local de compras. En este aspecto, la presentación de la criatura y sus protagonistas es de desarrollo rápido. Los primeros momentos prometen lo que podría ser una divertida película de terror, con una critica social indirecta, pero el film se vuelve obsoleto con bastante rapidez, en razón de su falta de inventiva.

Black Friday, desaprovecha su elenco, el entorno y las criaturas, no logrando equilibrar lo absurdo con lo aterrador. Es un riesgo que las películas de clase “B” están dispuesta asumir. Cuando no lo logran, el resultado es altamente decepcionante porque da curso al sentido del ridículo. Nada de lo que ocurre en la película es creíble, algo que no está mal por cierto, pero todo se desarrolla con una energía deprimente.

Igualmente decepcionante, es la utilización de la juguetería como escenario. Es un lugar divertido para esconderse y utilizar algunos juguetes como armas, pero el film no los aprovecha. En lugar de ello, se repite una y otra vez la misma secuencia de escape, lo que hace de Black Friday algo monótona. Lo mismo sucede con sus personajes, no reciben la atención que se merecen y son solo piezas que escapan del asedio de las criaturas. En este sentido el artista marcial Michael Jai White es el más perjudicado, al componer un personaje fuerte y decidido, pero sin posibilidad de mostrar sus habilidades.

Black Friday opta por tomar la ruta superficial en su crítica social, con algunas líneas sobre la codicia corporativa y el consumismo estadounidense. No profundiza mucho más que ello, especialmente cuando George A. Romero lo hizo tan bien hace más de 40 años en El Amanecer de los Muertos. La falta de ingenio se vuelva más evidente y aunque algunas bromas quitan el aburrimiento, no son suficientes ya que se lanzan en sus primera mitad. Lo que resta, es un festival de corridas sin sentido. Las criaturas que contagian a los compradores tiene un maquillaje por demás cuestionable. Su diseño es feroz, con unos dientes afilados y una lengua pegajosa que usan para contagiar a otros. Sin embargo, son risueños. Saltan, corren y muerden pero no hay ningún indicio de terror aquí que pueda llegar a impresionar hasta el más asustadizo.

Dicho esto, los creadores de las criaturas no hacen absolutamente nada con ellos. Ni siquiera una genuina emoción barata y repetitiva que se haya visto antes. Así, Black Friday nos regala una comedia de terror que no se encuentra.

PUNTOS POSITIVOS

  • Los primeros minutos. Luego se vuelve obsoleta.
  • Su elenco. Todos competentes, pero subdesarrollados.
  • Michael Jai White merecía mostrar sus habilidades marciales. Solo empuña una pistola con clavos.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Elenco desaprovechado. El film cuenta con el aporte de Bruce Campbell (mejor conocido por interpretar a Ash Williams en la   franquicia El despertar del Diablo ).
  • Las criaturas tienen un nivel de detalle por debajo del promedio.
  • La historia se vuelve obsoleta con rapidez.
  • Bromas esporádicas y poco índice de sangre.

RESUMEN

Black Friday desaprovecha su elenco competente en beneficio de una idea, más que una historia. No logra equilibrar lo absurdo con el terror, y lo que es peor no supo aprovechar su potencial. Al fin de cuentas, se siente como aquel producto tecnológico que ostenta un vicio oculto y que requiere la devolución del dinero.

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