LOU (2022)

lou final explicado

El thriller de Netflix muestra su mejor forma en la actuación convincente de su protagonista principal (Allison Janney). Lou, tiene un buen comienzo y un ritmo adecuado pero sus giros no encastran del todo bien con el contenido de su historia. En su fin de entretener, Lou lo logra dignamente a pesar de su generalidad.

Lou, no pierde tiempo en captar la atención de la audiencia. En sus escasos minutos iniciales presenta una mujer solitaria, dura y misteriosa que oculta un extraño pasado. A esos ingredientes se le agrega un secuestro dentro de un pequeño pueblo en donde se avecina una gran tormenta. El thriller encuentra su mejor forma en el talento de Allison Janney, la actriz principal, de 62 años, que tiene ciertas “habilidades” para sobrevivir. Mientras que la nombrada como el elenco que la acompaña muestran actuaciones físicas y emocionales convincentes, el trasfondo de su historia no encastra bien con los giros que se ejecutan. Su resultado, es una experiencia visual entretenida y genérica dentro de un círculo narrativo un tanto confuso.

En un pequeño pueblo, Lou (Allison Janney) está a punto de tomar una drástica decisión. Después de buscar comida para su perro, matando un ciervo fuera de temporada de caza, y de extraer el total de su dinero bancario, del cual pretende donar a su vecina inquilina, la encuentra a punto de suicidarse. Mientras se avecina una fuerte tormenta, sus planes se ven interrumpidos cuando su vecina Hannah (Jurnee Smollett) le informa que su hija a sido secuestrada por su padre Philip ( Logan Marshall-Green). Sin ninguna posibilidad de comunicación con el sheriff de la ciudad, juntas inician una misión de rescate en donde se revelan algunos secretos.

Lou, trata de equilibrar la historia de los tres personajes centrales. Lou, Allison y Philip son los componentes de un guion que genera una indudable intriga. Se bien los personajes y sus historias se presentan con una elocuente moderación, a la hora de las revelaciones sus intenciones no están bien ejecutadas. Esto crea un ambiente de confusión con el trasfondo de la historia y sus motivaciones, logrando que el film no sea transparente y del todo efectivo en el uso de sus giros. Cuando llegan, pierden cierta influencia y no logran canalizar adecuadamente el sentido de su explicación. Así, entre la eficiente misión de rescate, con luchas incluidas, el circulo narrativo pierde brillo por la mención aludida.

Ahora bien, hay una cosa en particular en la que Lou es todo un triunfo. La actuación de Allison Janney (Lou) es eficiente, transformadora y brutal. Si bien no cambia el estereotipo de antihéroe, la forma salvaje en la que manifiesta su temperamento la hace digna de reconocimiento. Desafortunadamente, las futuras revelaciones no están en consonancia con el nivel interpretativo de la premiada actriz (ganadora de un globo de oro) quien brinda una performance solida y convincente, incluso en las escenas de lucha. En este punto, los desafíos físicos y obstáculos naturales que enfrenta la actriz gozan de buena credibilidad gracias a su impresionante fuerza emocional. El resto del elenco, la acompaña correctamente, sin sobresaltos.

La película también cuenta con una destaca ambientación. Con una dirección prolija, la película logra “vivir” el centro de la escena cuando las protagonistas están en peligro. Llegado el final y por el peso confuso de sus giros (en el cual se involucran cuestiones de maternidad) el film sufre de una generalidad inevitable. Con todo, Lou, con sus altibajos, logra entretener por la actuación sobresaliente de Janney y por un guion astuto, como genérico, que atrapará al observador por su misterioso comienzo.

RESUMEN

En definitiva, Lou, es un thriller que entretiene a pesar de su argumento genérico y de algunos giros no tan bien ejecutados. Como contrapartida, la transformadora y convincente actuación de Allison Janney hace que aquellos pasen algo desapercibidos.

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TIERRA SALVAJE (2022)

critica tierra salvaje

El drama que transmite Tierra Salvaje (Jungleland) tiene sus momentos pero no tiene el impacto deseado. Protagonizan Charlie Hunnam y Jack O’Donnell, como dos hermanos en busca del sueño americano. Disponible en Netflix.

Se dice que el boxeo es el arte de pegar sin que te golpeen, más o menos como en la vida en la cual se trata de cometer los menos errores posibles. Tierra Salvaje utiliza los golpes de puño como una referencia omnipresente en donde dos hermanos buscan el anisado sueño de la autoeficiencia económica. Impulsada por su oscuro tono dramático, la historia tiene sus momentos pero son sus giros los que no tienen el impacto deseado. Charlie Hunnam es en los papeles la estrella aquí pero es Jack O’Donnell el que sale más beneficiado.

Tierra Salvaje gira en torno a dos hermanos que están en bancarrota. Sin familia a que recurrir y en compañía de un perro galgo recurren al talento boxístico de uno de ellos para sobrevivir. Sin embargo, las cosas no le resultan nada fáciles al joven boxeador Lion (Jack O’Donnell), su hermano y manager Stanley (Hunnam) afronta una pesada deuda con el jefe mafioso local y pronto se verán en problemas. La relación consanguínea se pone a prueba cuando irrumpe una compañera sorpresa (Jessica Bardem), la cual deberán llevar en forma obligada si quieren participar de un torneo de boxeo sin guantes. Tal circunstancia pondrán en jaque las decisiones personales y profesionales.

La película no tarda en definir a sus protagonistas. Los hermanos merodean la ciudad en busca del sueño americano, queriendo lograrlo a fuerza de puños. Todos sus protagonistas son de descendencia británica pero ello no impide aquí representar la nacionalidad aludida. Con un precario trabajo en un fabrica textil, los personajes se mueven en un territorio conocido con lo que la audiencia se sentirá familiarizada. El film tiene un evidente enfoque de lo que sería una película de boxeo pero en realidad es mucho más profundo que ello, es la relación de hermanos con una dinámica muy complicada.

El guion le da a los protagonistas suficiente material para moldear sus personajes, resultando favorecido el talentoso boxeador (O’Donnell) atento que su sufrimiento se intensifica en los tramos finales del film. Hunnam (Stanley) tiene el personaje más llamativo pero no alcanza a llevar su papel al límite. Últimamente acostumbrado a personificar situaciones en desgracia (Véase Last Looks) parecería que el actor busca un salto de calidad que todavía no ha logrado conseguir. No obstante ello, su actuación es solida y convincente aunque en un nivel inferior a su compañero.

La historia cuenta con algunos giros, no tan bien definidos. Desde la introducción de una compañera de ruta de nombre Sky hasta la irrupción de un temible mafioso, cada conflicto sufre de un impulso decaído. Cuando la película cambia hacia el territorio del suspenso, con matones que representan al inframundo criminal, su revelación es demasiado absurda con el tono dramático de la película. El giro retorcido que se intenta aplicar aquí es tardío y no tienen el impacto deseado. De haberse manejado con más vehemencia, quizás el resultado no hubiese sido tan artificial.

Las emociones llegan en su acto final, pero como en todos sus giros, se siente con falta de eficacia. No obstaste ello, el drama que se intenta materializar reúne los ingredientes clásicos del genero aunque nada indica que su resultado pueda perpetuarse como tal.

RESUMEN

En definitiva, Tierra Salvaje (Jungleland) es un drama de dos hermanos con una dinámica muy complicada que puede verse a través de un enfoque de una película de boxeo. Las solidas actuaciones no se condicen con sus giros, los cuales sufren de un impulso decaído.

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BESTIA (2022)

bestia final explicado

Con poco sentido de la lógica , Bestia (Beast), ofrece un aceptable entretenimiento que no es tan bueno como el esperado. Esta vez, en cuanto a sustos, la frase de que no es lo mismo llamar al león que verlo venir, queda para otra oportunidad. Con Idris Elba.

Recrear animales salvajes y lograr que interactúen con actores de carne y hueso en una misma escena ha sido un desafío para los especialistas en efectos especiales. En el caso, la portentosa, intimidante y respetuosa figura del león puede ser que sea la más difícil de lograr por las características propias de los felinos. Bestia (Beast) tiene el mérito de, por momentos, conseguirlo pero desaprovecha una gran oportunidad a causa de un argumento con poco sentido de la lógica. La película ofrece un aceptable nivel de entretenimiento, que no es tan bueno como el esperado.

La historia se abre con el Dr. Nate Samuels (Elba), quién viaja a Sudáfrica junto a sus dos hijas para visitar el origen de su difunta esposa. Allí lo espera su amigo Martin (Sharlto Copley), que administra una reserva de caza. Mientras exploran la vida silvestre descubren que los lugareños han sido atacados por un león que ha escapado de cazadores furtivos. Atrapados y sin lugar a donde ir, deben encontrar la manera de sobrevivir en un territorio desconocido.

La película tiene el potencial para generar algunos sustos por la impactante presencia del león que merodea asiduamente a sus protagonistas, pero lo logra en contadas ocasiones. La razón puede ser que haya sido intencional para equilibrar la clasificación de edades de la audiencia. Pero lo cierto es que hay precisos momentos en que la falta del sentido de la lógica termina perjudicando cualquier intento de verosimilitud. Mientras que la película logra dar vida a un vengativo león, con destacado efectos en los movimientos de acecho y ataque, su guion es ejecutado sin riesgos ni sentido común.

Desde el carácter de sus protagonista (todos valientes ante el acecho constante del felino) hasta la forma en que son impulsados a defenderse, con un último acto por demás exagerado, el film minimiza su propia premisa. El reproche aquí no está en las cualidades heroicas de sus personajes sino en las aptitudes del león, en las que solo quedan como una simple amenaza. A saber, sin ser especialista en el comportamiento de estos animales es preciso mencionar que estos felinos tiene una impecable visión nocturna. Lo mismo con su olfato, el cual les sirve para detectar cualquier rastro de sangre cercana. Con lo que el film le niega este atributo esencial con una omisión pasmosa, ofreciendo en su lugar un clásico juego de las escondidas.

En el medio de la supervivencia, la película trae conflictos personales e intenta dramatizar la relación de Nate con sus hijas, mientras se producen los ataques del león. Esta circunstancia funciona en pocas ocasiones. Se presume que están diagramadas para poner los pelos de punta al observador, pero es la falta de sentido común las que impregnan sus decisiones logrando desvalorizarlas. En este sentido se podría haber profundizado un poco más en los problemas familiares (incluso hay recuerdos que lucen algo vacíos en su conjunto) agregando un poco más de tensión a un guion supeditado en la supervivencia de la familia.

En cuanto a las secuencias de acción, y al margen de lo antes dicho, se puede decir que están bien escenificadas. Visualmente, los ataque del león tienen el impacto deseado pero por diversos motivos no logra generar el susto esperado. En este sentido la película Garras o La Sombra y la Oscuridad, aquella película de 1996 protagonizada por Michael Douglas y Val Kilmer, es infinitamente mejor. No obstante ello, la ferocidad del felino está presente a pesar de su guion superficial. En cuanto al elenco, Idris Alba y sus hijas mantienen sus interpretaciones sin sobresaltos siendo el papel secundario de Sharlto Copley el más destacado.

RESUMEN

En definitiva, Bestia (Beast), es una película de supervivencia que se balancea en cuanto a entretenimiento. Con poco sentido de la lógica y un guion superficial, cuya atención se centra, principalmente, en los ataques del león.

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ROGUE AGENT (2022)

Inspirada en hechos reales, Rogue Agent construye una historia atemorizante sobre un hombre vil que utiliza su seducción y persuasión como una trampa psicológica. Próximamente disponible en Netflix.

Nada es tan escalofriante como la representación del “mal” en un ser humano. No hay monstruos ni personajes literarios que puedan llegar atemorizarnos tanto como él, por el solo hecho de que aquella posibilidad puede ser posible. Rogue Agent, refiere a la vida de un secuestrador, abusador y estafador, quién en la vida real fuera Robert Freegard. Un hombre que que utilizaba su encanto y persuasión como una trampa psicológica.

La historia esta ambientada en la década del 90 con un escenario político que pone al Reino Unido en alerta. La amenaza de colocación de bombas de parte del IRA hace que el gobierno británico despliegue agentes encubiertos para desenmascararlos. Bajo esta circunstancia, Robert Freegard (James Norton) se hace pasar por un agente de seguridad nacional (del MI5) a fin de perpetrar toda clase de delitos. El enfoque despiadado, metódico y táctico del impostor cambia cuando una de sus víctimas ( Gemma Arterton) descubre sus planes.

La película tiene una introducción ( en la voz en off de Arterton) en donde se revela cuales son los principios tácticos de un supuesto espía. Pero el film no trata de ello, como tampoco sobre los atentados a manos del IRA, que salpica levemente en su introducción. La utilización de aquellos hechos permite a Robert perpetuar su plan para con un grupo de estudiantes universitarios, todos ellos desprevenidos, lavándoles el cerebro, con tácticas mentales. Bajo la firme creencia de que él es un agente del MI5 encubierto, sus víctimas lo siguen, a punto tal de encubrirlo, incluso de sus propias familias.

La película no profundiza la mente de un hombre cruel, sino que lo muestra en un comportamiento continuado. Los delitos aberrantes que ejecuta tiene un fin material, pero su vehículo es un juego mental que utiliza como una trampa psicológica. Robert seduce a sus víctimas sin utilizar ningún tipo de coacción. Su arma es la mente y la forma de introducirse perspicazmente en las de sus víctimas. Cuando ello ocurre, las afectadas se encuentran en un callejón sin salida, incluso tienen a idolatrar al victimario. En este sentido la forma en que se manipula a las personas es realmente escalofriante, a punto tal que invita a una reflexión sobre la vulnerabilidad mental y sus consecuencias.

Ahora bien, el poder de la narrativa se apoya en la figura de Alice Archer (Gemma Arterton). La historia de una mujer que está a punto de caer en la trampa, mientras se debate sobre su estado sentimental tiene el impacto necesario para ser creíble. En este sentido, Arterton logra equilibrar gran cantidad de emociones, llevando a su personaje con la valentía necesaria para neutralizar futuras depravaciones. En relación a eso, Norton compone un personaje siniestro con evidentes capas de seducción. La oscuridad que representa, con sus atroces delitos, se vuelve atemorizante por sus tácticas mentales que, salvando las distancias, no son ajenas a la realidad. Cuando llegan, impactan por lo que representan, más allá de lo visual y Norton las materializa de una forma convincente.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Rogue Agent tiene un enfoque moderado pero cautivador de como un estafador y secuestrador perpetró las mentes de sus víctimas con fines económicos. La implacable necesidad de justicia lleva al personaje de Gemma Arterton a impulsar la narrativa, logrando la equilibrar una gran cantidad de emociones.

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365 DIAS MAS (2022)

critica 365 días mas

Con escasa coherencia narrativa y cansinas secuencias sexuales, 365 Días más es más de lo mismo. Disponible en Netflix.

La primera parte de 365 días utilizó una historia polémica para llamar la atención. Un poderoso y apuesto gánster italiano secuestra a una mujer y le da un plazo de un año para enamorarse de él. El argumento fue atacado por todos los ángulos posibles y uno de sus fuertes criticas fue que el aberrante delito se perdía en la belleza, erotismo y poder de quién lo ejecuta. El film, inspirado en 50 sombras de grey, potenció escenas de alto contenido erótico y quiso ir más allá del límite de la censura.

Con coreografías eróticas banales y diálogos concisos y torpes, para disimular cualquier pobreza actoral, 365, tenía algo para contar, más allá de su desborde libidinoso. Su segunda parte, 365 Días: Aquel día, y no hizo más que exponer todo lo señalado pero en formato de videoclip, dejando sus diez minutos finales con la intriga de saber si la protagonista (Laura) continuaba con vida, luego de una balacera en la que incluía al hermano gemelo del personaje principal (Massimo).

Ahora, su tercera y ¿última parte? es más de lo mismo, con el aditamento de que su incoherencia narrativa y emocional es harto visible en el correr de los minutos. En esta oportunidad, la historia sigue en los momentos posteriores al crucial enfrentamiento de Massimo con su hermano gemelo. En la segunda parte, Laura ( Anna-Maria Sieklucka) es herida gravemente de bala y todo hace presumir que está muerta y que se avecina una guerra de familias de gánster. Lo cierto es que Laura sobrevivió y continúa su relación con Massimo (Michele Morrone). Pero la pareja entra en crisis cuando Nacho (Simone Sussina) reclama el amor de Laura, dando pie a un trío amoroso en el que solo dos pueden participar.

El gran error que comete la trilogía de 365 días, y que a esta altura no puede suplir, es su falta de coherencia narrativa. Se presume que una situación incierta será revelada en su capitulo siguiente y en donde la explicación completa el círculo. 365 Días más, reitera una vez más, errores del pasado al no contar una situación clave de su trama. Laura ha recibido un disparo de bala lo que hace presumir su riesgo de muerte. La secuencia posterior a los hechos muestran a la protagonista totalmente recuperada y con ganas de tener, “obviamente”, sexo.

Entonces, este corte intencionalmente intempestivo y deliberado de la historia, no hace más que olvidar su pasado, si es que una vez haya tenido intenciones de contarlo. La omisión señalada ha sido reincidente con otros acontecimientos claves, como el intento de asesinato de Laura con pérdida de embarazo incluido. Dicho “olvido” no solo subestima la tolerancia del espectador casual sino que dinamita cualquier intento de ensayo en su defensa.

Con todo, 365 días más nunca pierde de vista sus cansinos encuentros sexuales. Estos, cada vez más obscenos, comenten el error de llevarlos al punto de ser totalmente artificiales. El festival de muecas y movimientos sexuales pierden cualquier intento de erotismo a punto tal que se tornan risibles. En este punto, la plantilla actoral pone a disposición sus físicos trabajados y la voluntad de mostrarse siempre desnudos en pantalla. Indudablemente con ello no basta atento que los torpes y planos diálogos que esgrimen sus protagonistas no alcanzan a revitalizarse porque simplemente no tienen la solvencia para hacerlo.

Sin un timón el barco naufraga a la deriva. Y es precisamente eso lo que ocurre en la saga de 365 días. Quizás, el exceso de imágenes sexuales, fiestas alocadas y lujos de la clase alta, la privó de contar una simple historia de amor. Dicen que los excesos no siempre terminan bien, y la saga de 365 ha llegado a límite de lo permitido, aquellos que marcan un punto de inflexión sobre el tiempo perdido ante una incoherencia narrativa.

RESUMEN

En definitiva, 365 días más repite sus errores de sus predecesoras convirtiéndose en un espectáculo visual sin sentido. La apuesta a sus repetitivas escenas sexuales le juegan, otra vez, una mala pasada por no tener en su trama una coherencia narrativa.

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GARRA (2022)

garra: explicación del final

El drama deportivo explora el mundo del baloncesto de una manera convencional. En Garra (Hustle), Adam Sandler pivotea sobre una historia de superación de la que resulta favorecido. Disponible en Netflix.

Adam Sandler ha hecho un nombre en la comedia con personajes que marcan una línea de conducta facilista. Su éxito, interpretando a perdedores o tipos comunes con mala suerte, lo ha llevado a repetir una y otra vez la misma secuencia, agotando sus recursos de actor cómico. Pero, la regla del que hace reír puede tener potencial dramático (si se lo trabaja) se aplica para Sandler, sin caer en términos absolutos. Sandler ya ha incursionado en el terreno dramático con Embriagado de Amor y Diamante en Bruto (esta última disponible en Netflix) y ahora lo vuelve hacer interpretando a un cazatalentos entrado en desgracia. Garra, es un inspirador drama deportivo que no se aparta del estereotipo convencional del genero, pero del que Adam Sandler resulta favorecido.

La historia de Garra sigue a Stanley Sugerman ( Adam Sandler), un cazatalentos del equipo de básquet de Filadelfia. Cansado de viajar y perderse los cumpleaños de su hija recibe la oportunidad de su vida como asistente de entrenador. Pero cuando el gerente millonario (Robert Duvall) fallece, el manejo cae en manos de su hijo (Ben Foster), un soberbio y caprichoso administrador que le devuelve el antiguo empleo. Dolorido por su sueño incumplido hace un pacto con la nueva autoridad a los efectos de conseguir un jugador que los impulse a ganar un campeonato.

En uno de los viajes de rigor, se topa accidentalmente con Bo Cruz (Juancho Hernán Gomez)en un parque español.  Stanley identifica rápidamente el talento que tiene Bo en ataque y defensa y cree que podría ser el tipo de jugador que necesita la franquicia y, además, sacarlo de los viajes de seleccionador para siempre. Mientras lidia con la soberbia de su jefe, Stanley desarrolla las habilidades de Bo Cruz y lo prepara como jugador seleccionable para la NBA.

La estructura narrativa de Garra se maneja de una manera convencional. Aquí hay dos personajes que se necesitan mutuamente mientras buscan el camino de la redención. Ello equivale a que las reglas en este tipo de historias necesitan de ciertos “obstáculos” que se deben sortear, mientras se resuelven sus oscuros pasados. En este aspecto, el film adopta el sentido de superación personal, motivado por una necesidad interna que emerge sin ataduras. Garra, capta la esencia de la película Rocky y no tiene ningún problema en confesarlo, manteniendo expectante su trama hasta su reconfortante final.

Garra, es una película de básquet, pero ello no implica tener amplios conocimientos en la materia para acercarse a ella. El factor emocional y su destino están bien definidos dentro del mundo del baloncesto en donde desfilan estrellas del deporte, reconocibles (ahora sí) por algunos seguidores o practicantes. La película cuando entre en clima deportivo, juega mucho con los entrenamientos en donde Bo Cruz debe aprender a desarrollar sus habilidades. Desde correr una calle empinada por tiempo, hasta diferentes practicas de ejercicio con pelota, Bo, se va acercando a lo que sería un profesional de élite. En este sentido, Hernán Gómez (profesional del equipo de basquetbol americano, Utah Jazz) cumple en líneas generales con lo que demanda el personaje, a pesar de la benevolencia que el guion tiene con él en su costado dramático.

Pero lo que realmente impulsa la película es la interpretación de Adam Sandler, quien contiene su personaje con suaves tics graciosos en beneficio de la narrativa. Sandler, se muestra comprometido con el mundo del baloncesto, del cual es ferviente fanático, evitando cualquier tipo de deshonra al deporte. Por supuesto, que hay algunos juegos internos (juegos mentales) dentro de la cancha, en el cual su pupilo tendrá que lidiar, pero eso no es más que una realidad entre los basquetbolistas.

Garra, no puede plasmar satisfactoriamente algunos aspectos misteriosos de la trama. Tanto el accidente de Stanley como el pasado de Bo no tienen el impacto deseado. Al margen de ello, la película tiene un buen ritmo dentro de una escritura que aporta la suficiente simpatía, en la que Sandler sale favorecido.

CURIOSIDADES

  • La descripción original de la trama decía que el personaje principal de Adam Sandler encuentra “un fenomenal jugador de baloncesto callejero mientras está en China…” Según una entrevista con Dan Patrick, Adam Sandler declaró que debido a la presión de Netflix (que, a partir del desarrollo de esta película, no hace negocios en China), la ubicación ahora se ha cambiado a Mallorca, España.
  • Se ve a Adam Sandler con una camiseta de “Federal Donut”, que es un verdadero restaurante de Filadelfia famoso no solo por sus donas, sino también por su pollo frito. 

RESUMEN

En resumidas cuentas, Garra (Hustle) tiene todo lo que se puede encontrar en una película dramática deportiva. Con un Adam Sandler comprometido, la película llega a su punto final con una recompensa bien ganada.

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FATHER STU (2022)

critica father stu

Equilibrada hasta su línea de meta, Father Stu sube cuidadosamente escalones en la búsqueda de la fe. Con Mark Wahlberg y Mel Gibson.

La historia de un agnóstico que se convierte en sacerdote requiere de un aura espiritual que lo motive a predicar ese camino. Father Stu lo tiene, y si bien no es la historia más conmovedora, tiene un buen manejo del equilibrio entre lo que es y lo que pretende ser. Con Mark Wahlberg en el papel principal y un elenco secundario comprometido, en la que se destaca Mel Gibson, la película sube cuidadosamente escalones hasta la búsqueda de la fe.

Father Stu se basa en la historia real de Stuart Long (Wahlberg), un boxeador que se ve obligado a renunciar después de sufrir lesiones que su cuerpo ya no podía tolerar.  Stu tiene muchos problemas de ira a causa de un pasado tormentoso. La muerte de su hermano a una temprana edad y el divorcio de sus padres lo han llevado a practicar el arte de los puños por la sencilla razón de que los golpes pueden devolverse. Perdido y sin ningún tipo de creencia religiosa, se muda a Hollywood con la intención de convertirse en actor.

En el camino se enamora de Carmen (Teresa Ruiz), una maestra de escuela católica, y comienza a asistir a la iglesia.  Al principio, es solo para complacerla porque siente que ha encontrado el amor en su vida.  Pero después de un accidente de motocicleta, en la que casi pierde la vida, Stu decide convertirse en sacerdote. Para sorpresa de todos, comienza la búsqueda de la fe, con algunos obstáculos.

Hay algo en Father Stu que hace que la trama (biográfica) sea atractiva, a pesar de ser una historia basada en la fe, y es el buen equilibrio entre el drama, la comedia y su religión. Un hombre aparentemente sin rumbo y desconfiado por naturaleza emprende un camino de reencuentro e iluminación, con el solo propósito de servir a Dios, a pesar de la sorpresa de sus seres queridos. Se enfrenta a bastantes obstáculos en el camino, cosas que están destinadas a hacerlo más fuerte y solidificar su espíritu de fe. En este punto, la película lleva la narrativa con éxito, gracias a la transformación física e espiritual que va experimentado el personaje.

El film no es un viaje aleccionador, ni pretende serlo. Si bien hay una marcada línea religiosa, con base central en la búsqueda de la fe y creencia y disposición hacia Dios, nunca pierde el camino en su cometido. Que es la firme convicción de un hombre que sea ha rencontrado consigo mismo y ser útil en una sociedad, que reclama espiritualidad. En este aspecto, se evidencia un buen trabajo de Mark Wahlberg. El actor, en línea con la narrativa, logra equilibrar la ira y vulnerabilidad hacia la transformación en sacerdote. El rasgo acertado es que nunca pierde su verdadera esencia, Wahlberg transforma la espiritualidad del padre Stu, sin perder la cáscara de su personaje.

Ahora, en el momento que se convierte en un hombre de Dios, despojándose de sus viejos hábitos, la trama toma algunos atajos que le quitan al film cierta impronta de solemnidad. La aparición de la virgen María en el momento posterior al accidente en motocicleta pone en orbita nuestros sentidos pero queda la sensación de que podría haber sido más emotivo, sintiéndose así una oportunidad perdida. No obstante ello, podría haberse dedicado más tiempo en el convencimiento de su transformación, no así en los obstáculos para lograrlo.

Father Stu, cuenta con un elenco secundario comprometido. Desde la madre preocupada hasta su ex-prometida (Teresa Ruíz) , representan el encanto necesario a pesar de que sus personajes son empujados de un extremo a otro. Pero, es el aporte de Gibson lo que impulsa el mensaje final de la película, que no es otra que merecer una segunda oportunidad. Gibson, religioso devoto, muestra un semblante comprometido y convence cada vez que entra en escena. Si bien la construcción de un hombre alcohólico y alejado de su familia no es algo que demande tanto esfuerzo en el famoso actor, son sus instancias finales las aporta su brillo, en la que Gibson habla con su rostro.

CURIOSIDADES

  • Mark Wahlberg terminó financiando el proyecto él mismo después de que varios estudios lo rechazaran.
  • Mark Wahlberg cesó su famoso régimen de entrenamiento y deliberadamente ganó una cantidad significativa de peso para este papel.
  • La actriz Annet Mahendru, que interpreta a la virgen María (en una visión), es la nuera de Mel Gibson.

RESUMEN

En definitiva Father Stu tiene algo de comedia en su búsqueda dramática de la fe. No es tan conmovedora e inspiradora, pero cumple con sus claros objetivos. Con un elenco secundario comprometido, Mark Wahlberg logra equilibrar la ira y sus desencantos hacia el sacerdocio.

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LA BATALLA DE KAMDESH (2020)

critica la batalla de kamdesh

Sin ser demasiado vistosa, tiene todo lo que se puede esperar de un genero al que representa. La Batalla de Kamdesh ofrece intensas secuencias de combate. Pero, tiene un defecto, no visualiza la cara del enemigo. Disponible en Netflix.

La Batalla de Kamdesh cuenta la historia de un grupo de soldados estadounidenses en un puesto de batalla cerca de la ciudad de Kamdesh, Afganistán. La película adapta la novela de un corresponsal de la CNN y jefe de prensa del gobierno norteamericano, y refleja la pésima estrategia militar en territorio enemigo. Con soldados estadounidenses resistiendo los ataques sorpresas de los talibanes, el film pone énfasis en el valor y resistencia de aquellos combatientes que atravesaron una odiosa para sobrevivir. La Batalla de Kamdesh (The Outpost), ofrece intensas secuencias de batalla frente a un enemigo referencial pero que se se torna casi invisible para la audiencia.

La película comienza explicando como en el año 2006 el ejercito de los Estados Unidos planificó puntos estratégicos para evitar que los talibanes pudieran recibir armas o cualquier clase de suministros. Es así que uno de los puestos militares fue la base de Keating, en la que se nutre la historia y la que representa una de las batallas más temerarias cerca de Afganistán. La base militar le permitía a los estadounidenses comunicarse con los lugareños, evitando el trafico de armas del enemigo. Pero, está en el centro y rodeado de montañas, lo que lo hace un blanco fácil de posibles ataques. Muchos soldados eran enviado allí, aceptando que probablemente no saldrían con vida, por la ubicación de la base de operaciones. A partir de aquí, un nuevo grupo de combatientes americanos desembarcan para lo que será el principio de la supervivencia.

La película va contando la historia por capítulos, que representan el desembarco de un nuevo capitán en la base de operaciones estadounidense. Con la presentación de un nuevo líder, los soldados van cumpliendo nuevas directivas que en su conjunto equivale a defender eficazmente la instalación. En su primera mitad, la narrativa se toma el tiempo necesario para introducir los personajes, su camaradería y sus temores a sabiendas que son vulnerables ante un potencial ataque. En este punto, se hace un recorrido de las instalaciones y se pone un cierta énfasis en la pésima decisión estratégica de mantener una base, a todas luces, vulnerable.

Mientras los soldados frecuentan conversiones informales son sorprendidos por ráfagas de disparos que llegan desde las alturas de las montañas. Esto coloca al observador en una posición de primera fila cuando el ataque talibán decide atacar la base desde todos sus frentes. Pero, si bien la película se encarga de exhibir la supervivencia y el valor de los soldados en combate, descuida la línea enemiga. Algo que podría entenderse, dado la incertidumbre que genera la situación pero que se torna demasiado confusa por los constantes disparos y explosiones que se generan alrededor.

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Esta apreciación personal no es un reproche. Es una forma subjetiva de apreciar una batalla, donde particularmente se considera más apropiado enfocar ambos frentes. En este aspecto, la cámara se focaliza en los movimientos constantes de los soldados estadounidenses y sus posiciones de combate. Y, si bien sirve para reflejar tensión y nerviosismo se espera que la devolución de los disparos llegan a línea enemigas, algo que pocas veces sucede. Con lo cual la batalla se transforma en un campo de supervivencia, luchando los soldados por sus vidas.

Scott Eastwood representa al sargento Clint Romesha y es la única cara conocida aquí, junto a Orlando Bloom, dentro de varios personajes que se individualizan con un subtitulado. Hay una clara intención de valorar el coraje de los soldados pero ninguno de ellos tiene la profundidad necesaria. No es hasta llegado el final, cuando se aprovecha algún costado vulnerable de aquellos. Sea como fuere, el film aboca su segunda mitad a las escenas de acción dentro de la base militar. En este punto, las secuencias tienen el impacto deseado pero no son vistosas. Logran la atmosfera bélica en relación a la incertidumbre que genera la vivencia de los soldados, quedando en deuda la cara visible del enemigo.

CURIOSIDADES

  • Varios soldados en la película fueron interpretados por soldados reales.
  • Scott Eastwood nunca conoció a Clint Romesha, el sargento del Estado Mayor que interpreta. Aunque se las arregló para discutir extensamente su papel en una conversación telefónica.

RESUMEN

En definitiva, La Batalla de Kamdesh (The Outpost) sumerge a los espectadores en la intensidad e incertidumbre del combate. Si bien el enfoque capta con precisión la ubicación de la base y la acción explosiva, se olvida del campo enemigo. Al margen de ello, es una historia bien filmada que honra a los soldados que sirvieron en la base de keating.

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EL VALET (2022)

critica el valet

Con un elenco encantador y una historia que fluye sin altibajos, El Valet es una reconfortante pieza visual a tener en cuenta. Disponible en Star+.

En el genero de la comedia, trabajar sobre dos personas con personalidades diferentes puede resultar familiar. Pero El Valet tiene mucho para ofrecer gracias a un guion dulce que potencia el humor, sin antes rescatar los valores familiares. Ayuda que los dos protagonistas sean encantadores, lo que facilita que en muchos aspectos la historia fluya sin altibajos. Eugenio Derbez y Samara Weaving llevan adelante una reconfortante pieza visual que no se debería dejar pasar.

La historia sigue a Antonio (Derbez), un aparcacoches del centro más pudiente de Los Ángeles que se encuentra atravesando una crisis matrimonial. Sus días de separación no son los esperados, se entera que su esposa está saliendo con alguien, mientras vive con su lujuriosa madre y con escaso dinero. Un día choca con su bicicleta un automóvil en el cual se estaba subiendo Olivia (Weaving), una famosa actriz cuya imagen se encuentra en todos los carteles publicitarios de la ciudad. Los dos no tienen nada en común, solo los vincula un hecho fortuito, atento que Antonio se transforma en un novio falso para ocultar la aventura de Olivia con un multimillonario casado. Mientras cumplen lo pactado, ambos se darán cuenta que tienen mucho que aprender sobre la vida del otro.

La premisa de la película atrapa desde su sencillez construyendo una relación central adornada con pequeñas tramas secundarias. El Valet se hace fuerte en la relación de Antonio y Olivia, como personas. Su inesperado vínculo tocará las fibras más sensibles de la audiencia, atento que ambos tienen una historia para contar dentro de sus vidas desiguales. En este punto, se evidencia un claro equilibrio entre los interpretes en donde la intervención de uno es el inicio para el lucimiento del otro. Samara Weaving irrumpe la pantalla con su belleza escénica pero es la descontracturación de la actriz y su soledad lo que la hace fascinante.

El mundo del espectáculo, aunque bello y pudiente muestra algunas capas de miseria que el dinero no puede suplantar. Y aquí es donde emerge la figura de Antonio. Eugenio Derbez es el corazón de la película al afrontar diferentes situaciones de drama y comedia, en los cuales el actor se desenvuelve de manera sobresaliente. Si bien el guion le da suficientes sensaciones para que el que trabajar, es el carisma y el aporte genuino de Derbez lo que hace que el film sea un triunfo. La resolución de las diferentes situaciones que atraviesa su personaje marcan una línea dramática empapada con un humor elegante y familiar. Derbez se luce en una de las escenas finales del film con un discurso conmovedor que puede incitar aplausos en la audiencia.

El elenco secundario funciona realmente bien como soporte complementario. Desde los amigos de Antonio hasta su lujuriosa y simpática madre, la narrativa les otorga líneas de humor genuino que harán sacar algunas risas. En este aspecto, El Valet reconoce las diferencias de clase alta de la sociedad norteamericana con la comunidad inmigrante a la cual Antonio pertenece, pero no profundiza en los problemas raciales. Los integra de una manera matizada y sutil, con algunos comportamientos éticos que el dinero no paga.

Ahora, El Valet cuenta con algunas subtramas que no tiene un desarrollo completo Desde los detectives que se esfuerzan en la tarea de vigilancia hasta el peligro de desaparición del vecindario en el que vive Antonio, sirven para enriquecer a la historia pero tiene un tratamiento reducido. En esencia, la película brilla cuando Olivia y Antonio se desenvuelven en el mundo de las apariencias y en su descubrimiento. La relación de la pareja se lleva el foco de atención por tiempo completo y su resolución satisface de diferentes puntos de vista.

RESUMEN

En definitiva, El Valet es un digno entretenimiento que no se debería dejar pasar. Con un elenco encantador y un reparto secundario eficiente, el film es un éxito en la exploración de los valores de la familia y la amistad.

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EL HOMBRE DEL NORTE (2022)

La historia de venganza es cruel y violenta, pero no llega a elevarse como épica. El Hombre del Norte (The Northman) se nutre de la mitología nórdica y lo aplica en el campo de batalla.

El hombre del norte cuenta con varios recursos cinematográficos bien definidos y en sintonía con el viaje del protagonista. Es cruel, sangrienta y mística, empapada en una furia salvaje que representa una historia de venganza. Un hijo que busca el responsable de la muerte de su padre se ha contado en numerosas ocasiones, El Hombre del Norte se inspira de lo que ya hemos visto teniendo como guía la mitología nórdica que inspiró a Hamlet de William Shakespeare. Esta es una historia de venganza, cruel y violenta pero que no llega a elevarse como épica.

La historia se abre con el Rey Aurvandil (Ethan Hawke) que esta de regreso en sus tierras luego de la victoria contra un enemigo. Visiblemente herido, considera que es momento que su hijo vaya adoptando el camino del hombre. Por lo que lleva al joven Amleth a un especie de entrenamiento en el que intervine un sacerdote. Las cosas comienzan a cambiar cuando el rey es atacado y asesinado por su hermano, quien tiene claras intenciones de quedarse con su reino. La ejecución se produce frente a los ojos de Amleth, quién logra escapar sin antes observar como su madre, la reina Gudrún (Nicole Kidman) es capturada. Años más tarde, un adulto Amleth ( Alexander Skarsgard) busca vengar a su padre y rescatar a su madre, sumergiéndose en un viaje brutal y sangriento para recuperar el honor y la vida robada.

El hombre del norte abraza el concepto de venganza dentro de un trayecto simple, oscuro y sangriento. Se bien el cineasta Robert Eggers da muestra de un uso interesante de la mitología nórdica, con imágenes desconcertantes como sorprendentes, dentro de una impactante cinematografía, lo cierto es que en la superficie se sabe muy poco del personaje que solo busca consumar el juramento de venganza. Que no se malinterprete, el film da muestras de una calidad palpable en las texturas de las imágenes; los personajes y los escenarios tienen el grado de suciedad que representan los enfrentamientos sangrientos y hay una clara intención en que así sea.

Pero mientras la estética visual y su confusa y sorprendente misticismo potencian la trama, se sabe muy poco de Amleth luego del asesinato de su padre. La historia lo lleva inmediatamente al adulto guerrero que fue entrenado por los Berserkers, un grupo violento que disfrazados como lobos ataca una aldea y mata a todos sus habitantes. Si bien esta secuencia es lo mejor del film, en donde se muestra la impactante toma de la aldea, con una banda sonora acorde a los movimientos sangrientos de los invasores, es difícil encontrar en el hombre del norte un personaje matizado, atento que su única acción no es más que llevar a cabo el asesinato de su padre.

Es decir, con todo el misticismo que se le imprime al film, con brujos y magos anticipando su destino, con frases interesantes como rebuscadas, la obviedad nunca se esconde de su narrativa. En este aspecto, hay una clara inspiración en la película que hizo famoso a Arnold Schwarzenegger, en Conan “el bárbaro”.

Alexander Skarsgård interpretar a Amleth como una bestia que busca a su presa.  Vive para consumar su venganza observando a su tío, Fjölnir, con una mirada intensa que perdura y nunca muere.  El actor se muestra comprometido en el papel, aunque podría haber hecho algo más en su faceta dramática. Nicole Kidman como la reina Gudrún tiene un par de momentos que permiten que su personaje tome el brillo necesario y Kidman los interpreta excepcionalmente bien. 

El film tiene lugar para el romance, que no logra el impulso necesario por la persistencia de su misión principal. En este aspecto la historia de amor con Olga (Anya Taylor-Joy,) se siente desaprovechada. Con todo lo dicho, El Hombre del Norte tiene una puesta en escena sorprendente pero no aprovecha todo su potencial. Su ritmo es un tanto desigual y es probable que el observador sienta su tiempo de ejecución ( 2 horas y 17 minutos).

CURIOSIDADES

  • Después de terminar el rodaje, varios de los actores recibieron obsequios del set. Nicoel Kidman recibió una espada.  Willem Dafoe recibió un barco (drakkar) de la vida real.  Alexander Skarsgard recibió la tanga manchada de sangre que usó durante una semana mientras filmaba la escena final de la película, en un marco.
  • La película tiene lugar en un área que incluye la actual Escocia, Ucrania e Islandia.
  • En un principio, Eggers quería que algunos de los berserkers estuvieran completamente desnudos. No lo hizo porque temía que sería demasiado para la audiencia y le daría a la película una restricción de edad demasiado alta.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El Hombre del Norte (The Northman) es una película hostil y brutal que desencadena la furia salvaje de un guerrero en busca de venganza. La falta de profundidad en la historia, impide que el film alcance todo su potencial.

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