SECUESTRO EN DIRECTO (2022)

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El thriller de Mel Gibson no efectiviza su propio engaño. Secuestro en Directo (On the Line) tiene un buen comienzo pero su final no es recompensado.

La exitosa carrera de Mel Gibson ha sufrido un desvío hacia el abismo cuando el actor se vio involucrado en algunas declaraciones por demás controvertidas. A diez años de aquél suceso, su imagen ha entrado en decadencia y fue puesto en una lista negra por los grandes estudios cinematográficos. Esto motivó a que Gibson se involucre en películas mediocres o de bajo presupuesto para mantener viva su estampa de estrella de cine o de generar algún dinero, con el menor esfuerzo posible. La realidad es que es un tanto desalentador ver un talento como Gibson desperdiciado durante tantos años sin protagonizar películas a gran escala. Secuestro en Directo, no es un regreso triunfal de Gibson. Ni siquiera entra dentro de sus 15 mejores películas. Pero a pesar de sus fallido final, logra entretener por el carisma del actor. Algo que la dirección a cargo no supo como premiar.

Elvis (Mel Gibson) es un locutor de radio experimentado que trabaja en un programa nocturno, que atrae a un público con diversas problemas personales.  Cuando se dispone a salir al aire, una amenazante llamada lo involucra personalmente. Un ex-militar, Gary, decide poner toda su atención cuando le informa que su esposa y su pequeña hija han sido secuestradas por el maltrato que le dio a una exempleada, después de su paso en su programa. Con el destino de su familia en sus hombros o lo que es mejor su voz, Elvis deberá seguir las reglas del juego de Gary para asegurarse de que sus seres queridos salgan con vida.

Secuestro en Directo tiene una premisa simple y moldea su capacidad de atracción en una amenaza inesperada. Es un punto atrapante cuando hay vidas en riesgo y se plantea la forma para llegar a salvarlas. Aquí, Gibson interpreta a Elvis, una estrella de la locución nocturna que está acostumbrada a lidiar con personas desesperadas. Engreído por su capacidad de respuesta y presumido en su resolución, Elvis, recibe una queja de su jefa sobre la forma en que lleva a cabo su programa. El personaje le permite a Gibson desplegar su picardía pero pronto todo se desploma cuando recibe el llamado de Gary, quién llama para afirmar que el estilo mordaz de Elvis destruye vidas.

El reclamo se revela cuando el agresor comunica que su mejor amiga y ex empleada de la radio se suicidó por el trato de Elvis. Con el secuestro de su esposa e hija, comienza un serie de pruebas que se traducen en amenazas verbales si el anfitrión no está dispuesta a sobrellevarlas. Aquí, la dirección intenta atormentar a la audiencia con un suspenso desnivelado. Mientras Elvis y sus acompañantes tratan de recorrer el estudio buscando pruebas de vida, la guía de la voz agresora no tiene el impacto deseado.

Lo mismo sucede con el tercer acto final. Cuando la película muestra algunas cartas, el observador sabrá ganar la partida de antemano. La firme sospecha de que algo es como se cree que es será descubierta y le restará puntos al film. Una apuesta que pierde el factor sorpresa por utilizar dos veces el mismo truco. En relación a ello, se puede decir que en los momentos finales la dirección no aprovecha ni extiende el talento dramático de Gibson, pero a juzgar por los créditos finales no hay una intención clara de que ello ocurra. En definitiva, Secuestro en Directo entretiene pero no logra cerrar las expectativas dejando una falsa sensación de suspenso.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Secuestro en Directo (On the Line) juega con el factor sorpresa y con algunas dosis de suspenso. Ninguno de los dos cumplen las expectativas. Aun así entretiene y será valorada por los seguidores de Mel Gibson.

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DIG (2022)

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El pésimo guion y actuaciones por debajo del nivel del promedio hacen de Dig un producto totalmente desechable. Con Thomas Jane y Emile Hirsch.

Dig es una película hecha sin esfuerzo en líneas generales. Su ostensible bajo presupuesto no la excusa de su pésimo guion y de un nivel actoral deficiente, que derriba cada escena de la película. Thomas Jane se une a su hija en la vida real (Harlow Jane) en un thriller totalmente desechable, simbolizando el significado de lo que es una película mala.

La historia se abre con un tragedia. Durante un incidente en una gasolinería, Steve (Thomas Jane) pierde a su esposa y su hija Jane, que en el proceso, pierde la audición. Después de un año de luto, Jane todavía culpa a su padre por la muerte de su madre y Steve se niega a aprender el lenguaje de señas. 

Mientras trata de buscar un tratamiento experimental para devolverle la audición a Jane, Steve recibe la visita de un hombre misterioso (Emile Hirsch). En su taller de reparaciones, se le hace una propuesta que no puede rechazar. El trabajo es simple: Derribar una casa abandonada y quitar todo, pero pase lo que pase, no debe dañar las paredes.  La cuestión se complica cuando Jane accidentalmente rompe un mural y pronto se ven sometidos por una pareja homicida. En un abrir y cerrar de ojos, Steve tendrá que lidiar con la sombras del pasado y descubrir que tiene de valioso la casa en ruinas.

Realmente hay muy poco para destacar en Dig. La película tiene un exagerado aunque aceptable comienzo en donde se trazan las líneas de los personajes. El violento altercado causa una implosión en la familia de Steve (Thomas Jane), quién busca recomponer la confianza de su hija además de solventar un costosos tratamiento para recuperar la audición. Hasta aquí se construye un drama familiar que la película no puede sostener por la irritante irrupción de la pareja homicida. Con lo que el cambio de genero, que se podría decir que se asemeja a un thriller, no da resultado y el film navega en la mediocridad.

Se recuerda a Thomas Jane en participaciones mucho más honorables. Fue un superhéroe en la infravalorada The Punisher y tenía el talento de esquivar tiburones en la entretenida Alerta en lo Profundo. Si bien nunca fue un actor carismático, en Dig su labor es insignificante. La decisión que toma el personaje son un contrasentido. Exagerado y violento en su comienzo y totalmente Pasivo y taciturno en su segunda mitad, se le pide un despertar a gritos. Algo que nunca termina de materializarse por la apática caracterización de Jane, a pesar de correr en peligro su vida.

En sintonía con lo expuesto, en términos de mediocridad, se encuentra la labor de Emile Hirsch y Liana Liberato. La pareja de secuestradores y homicidas sin rumbo son la verdadera perdición de la película. Ambos resultan caricaturescos y nunca imponen el temor que se presume simboliza una situación de riesgo. Aquí, el evidente desinterés que demuestra la pareja por la vida ajena supera cualquier nivel de credibilidad de lo que es malo y lo no tan malo ( en cuanto actuación se trata). En esa línea se desarrolla Dig y el producto resultante es una insatisfacción anticipada.

A favor, cuenta con la correcta interpretación de Harlow Jane. La joven debutante parece ser la que mejor se desenvuelve con su personaje. Sin mucho esfuerzo e imposibilitada por su capacidad auditiva, la actriz logra alguna sutileza en sus miradas que encajan perfectamente con su papel. En cuanto a la dirección y cinematografía no ofrece mucho. Con evidentes escasos recursos, parecería que el peso del relato descansara en los hombros de sus caras más conocidas. La apuesta evidentemente no da resultado por la pasividad de Jane y la exageración caricaturesca de Hirsch, quién en otra ocasión debería replantearse elegir el papel de villano.

RESUMEN

En definitiva, Dig tiene muy poco para ofrecer. Su delgado y endeble guion se corresponde con la deficiente actuación de su plantilla actoral de la cual cobra distancia la hija de Thomas Jane. Mejor dejarla pasar.

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FANATICO (2019)

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Con un guion confuso, Fanático (The Fanatic) es un thriller que no logra equilibrar el fanatismo tóxico con el allanamiento de morada. John Travolta sale de su zona de confort pero es absorbido por la falta de definición de su personaje. Disponible en Netflix.

Representar el fanatismo en el mundo del espectáculo es una idea interesante atento que hay millones de espectadores con pasiones desmedidas. El seguimiento emocional por un actor al cual se idolatra puede verse desbordado cuando se tiene sentimientos encontrados. El fanático, intenta materializar lo señalado pero confunde su simpleza con aditamentos confusos y mal ejecutados, logrando una evidente decepción a pesar del compromiso de John Travolta.

Travolta interpreta a Moose, el fanático en cuestión. Un hombre autista que idolatra a las estrellas de las películas de terror, coleccionando todo tipo de merchandising .  Mientras asiste a una sesión de autógrafos en una tienda local de artículos de colección, Moose es rechazado por su actor favorito, Hunter Dunbar (Devon Sawa), y se enoja.  Con la ayuda de su amiga Leah (Ana Golja), la fotógrafa paparazzi, Moose descubre dónde vive Hunter y decide visitar la propiedad para entregarle una carta en persona. Las tensiones aumentan cuando el rechazo de la estrella de cine persiste, dando comienzo a un desborde emocional inusitado.

El fanático tiene una idea interesante que ya ha sido retratada en otra oportunidad (The Fan) con Robert de Niro en el papel de un fanático de beisbol. Pero mientras en aquella el Fanático tenía una idea clara de lo que representaba, con un índice de maldad escondido en el fanatismo por el deporte, en la de referencia se confunde aquel propósito y no se logra posicionar al personaje. Es decir, aquí el fanático es un ser indefinido con un autismo que no tiene un propósito en su desborde emocional.

El trastorno psicológico del personaje no tiene un peso propio y el hecho de que este desconectado con el mundo exterior y que sea objeto de recurrentes burlas no logra justificar sus excesos emocionales como fanático. En sintonía con lo dicho, la película no profundiza su discapacidad como la soledad en la que está inmersa el personaje. Ello le da amplia libertad a Travolta para moldear cierto niveles de conducta hasta volverse escalofriante, pero no puede disimular el desconcierto. Las épocas de gloria han pasado para Travolta, quién ha tenido un resurgimiento de la mano de Quentin Tarantino. Aquí, se evidencia un trabajo comprometido y alejado de su zona de confort. Pero el guion y su ejecución no lo ayudan demasiado.

Pero el gran problema de Fanático es la identidad de la víctima. Se presume que el extraño acosador es el que está equivocado. Pero el film aporta una innecesaria confusión al retratar al acosado (Hunter) como una persona un tanto soberbia y desagradable. La deficiencia en esta área aporta poca claridad y le quita el matiz siniestro al personaje de Travolta. Ahora, cuando Moose cruza la línea de lo permitido, el film se transforma en una secuencia de allanamiento de morada. Aquí, el film aporta sus mejores momentos de suspenso con un buen manejo de las niveles tensión en escena y un Travolta totalmente volátil. Pero no es una recompensa ganada, el tercer acto final es un verdadero desconcierto y traerá un frunce de cejas en el observador. Lo que sí hay algo que queda claro, el fanático no es una acosador.

RESUMEN

En resumida cuentas, Fanático (The Fanatic) es un thriller extraño y de difícil recomendación. Su confuso guion y posicionamiento de sus personajes no logra representar con certeza el fanatismo toxico.

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EL EXTRAÑO (2022)

Con una esencia intrigante y perturbadora, El Extraño es un thriller psicológico que desenmascara a fuego lento un crimen atroz. Disponible en Netflix.

El Extraño ( The Stranger) es un relato ficticio de la investigación para resolver el asesinato de un niño de 13 años en Australia.  La historia, basada en un hecho real, elimina los detalles claves del procedimiento y sigue el intento de capturar al asesino a través de una elaborada operación encubierta por parte de la policía.  Si bien la dirección opto por una narrativa lenta y estructural de sus personajes, la labor en eje de sus intérpretes hace que la película mantenga la intriga hasta al final a pesar de un primer acto poco convincente.

El thriller criminal australiano, sigue a un grupo de policías encubiertos que reabren una investigación frustrada por falta de pruebas. El hecho es el secuestro y asesinato de un niño de 13 años que causó conmoción en un pequeño pueblo de Australia. A tal fin, la policía ordena la reactivación de la búsqueda del sospechoso y crean un plan para atraparlo y lograr su confesión. Para que la operación tenga éxito, el oficial Mark (Joel Edgerton ) necesita lograr la confianza del sospechoso Henry (Sean Harris), algo que se anhelaba desde hace mucho tiempo.

El thriller es sombrío, inquietante y perturbador. Estos conceptos están bien manejados por la dirección que priorizó los hechos posteriores al crimen. Aquí no hay ningún indicio que permite restaurar la secuencia del hecho en cuanto a violencia grafica se refiere. Solo hay un claro sospechoso y un intento de capturarlo con una prueba confesional. La perspectiva es un acierto porque permite evitar acciones duras, casi intolerantes, centrándose en la seriedad de la operación encubierta para capturar al asesino. Esto no le quita dureza a la película ya que sobrevuela en el imaginario colectivo la sensación de inquietud a medida que la narración avanza, a fuego lento, alrededor del caso real de la desaparición de un niño de 13 años.

La narrativa tiene una atmosfera de suspenso bien configurada. Si bien se le puede reprochar un primer acto un tanto desconcertante, es su segunda mitad la que logra revitalizarla por completo. La partitura musical tiene vital importancia en el comportamiento de los personajes. La música refleja la seriedad de la operación, la impronta de los personajes y la brutalidad del hecho en cuestión. Hay una clara intención de mantener expectante a la audiencia, la cual se sentirá desconcertada mientras se avanza con el misterio lentamente.

Ahora bien, el acierto de la película es el manejo de la intriga en el que se apoya las interpretaciones de Joel Edgerton y Sean Harris. El primero, como el policía que se hace amigo del sospechoso, demuestra el agotamiento mental que puede ser sometido un agente encubierto, incluso cuando tiene a su cargo un hijo de iguales características al desaparecido. Sin embargo, es el segundo (Harris) que se roba todo el espectáculo. La seriedad atroz con la que encarna al principal sospechoso es silenciosamente aterradora. Si bien Harris es un actor que interpreta generalmente a villanos, no se puede dejar de exaltar la mirada perturbadora y desconfiada de sus movimientos. En relación a ello, el film no aprovecha como debería estos atributos del actor para generar un desconcierto aun mayor en la audiencia.

El enfoque para resolver este caso fue el instrumento necesario para resolver el mayor caso de secuestro en Australia. En este sentido, resulta interesante como se desenvuelven las estrategias de operaciones encubiertas, pero no es el fuerte de la película aquí. Todo el peso de la narrativa recaen en el vinculo de Mark y Henry y en la confianza para genera una confesión.

RESUMEN

En definitiva, El extraño (The Stranger) es un buen thriller psicológico con una destacada labor de Sean Harris. Sin violencia grafica, genera inquietud y perturbación por la brutalidad implícita de un crimen real.

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DEPREDADOR: LA PRESA (2022)

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La ultima entrada de la franquicia de Depredador, La Presa, se reencuentra con su estilo y estética redondeando un thriller de acción digno y sumamente entretenido. Disponible en Star +.

El secreto para reiniciar una franquicia cinematográfica parece ser su regreso a las fuentes. Aquellas que marcan los lineamentos de una historia y personajes son un recurso necesario para retomar el exitoso camino perdido. En tiempos actuales, las secuelas, precuelas y remakes se han convertido en una norma desvirtuando el brillo y gloria del que tuvo alguna vez el producto original. En el caso de la saga de Depredador, La Presa, es una digna entrada que aprovecha su raíz violenta y se reencuentra con su estilo perdido. Lejos de la inolvidable y única película de 1987 (con un fabuloso Arnold Schwarzenegger) pero demasiado cerca en espíritu, La Presa es tal vez la mejor entrada desde las dos películas del Depredador.

La película sigue a Naru (Amber Midthunder), una integrante de la comunidad Comanche en 1719, en Norteamérica, que desea demostrar sus capacidades de caza entre sus homólogos masculinos.  Esto la lleva a perseguir, con su cercano y líder hermano, a un león que está acechando el territorio indio y ha dejado malherido a uno de sus miembros. Cuando Naru nota la presencia de un ser extraño y todos los demás la ignoran es inducida a demostrar su valor y se aferra a un viaje sobre la peligrosa fauna silvestre. Pero no estará sola, unos violentos colonizadores y un temible y brutal Depredador serán parte de su descubrimiento y con ello el ansiado título de cazador o de presa.

Para empezar lo que hace eficiente a Depredador: La Presa es su sentido de pertenencia. La narrativa adopta ese camino en forma simple y es precisamente lo que la película necesita. La forma en que es llevada la historia recuerda a ciertos pasajes de la entrada original. Esto es, el entorno natural de bosques y montañas es utilizado como “algo más” que bellos paisajes en donde se desenvuelve la gran parte de la acción. Lo que fue “la selva” en el Depredador de 1987, lo son los entornos boscosos, con un gran uso en su aplicación. Aquí la fuente como inspiración da resultado y permite que el depredador tarde más en aparecer.

Lo mismo sucede con las secuencias de acción y suspenso. La preparación de lo que es el primer encuentro entre Naru y el Depredador es por demás satisfactoria. Siendo la quinta entrega de la franquicia el grado de sorpresa está prácticamente perdido. Con lo que hay que suplirlo con un fuerte impacto visual o con un nivel de violencia perturbadora. En cierto punto, La Presa lo logra con solidas secuencias de acción acompañadas con un alto grado de violencia sangrienta.

Ante ello se puede decir que las películas de Depredador necesitan nutrirse de este contenido explicito para no traicionar el espíritu del personaje. Se recuerda que Depredador de 1987 era una película apta para 18 años y sus escenas para la época eran estremecedoras. La Presa, sigue el camino que marcó su original con un Depredador ultraviolento y respetuoso de su formar de cazar a sus victimas. En este punto el regreso de la criatura a su fuente también es un acierto.

Ahora bien, la película tiene sus bases en el Depredador y en la manera de ocultarse de su camino. Pero esto no funcionaría sin la participación de su presa o de su cazador, en todo caso. Midthunder (Naru) lleva el protagónico con total soltura y demuestra ser una sorprendente heroína que hace uso de su entorno natural para combatir al alienígena. Naru es valiente y hábil con el hacha pero su fuerte es la estrategia. Otro punto a favor que el film se encarga rápidamente de demostrar y que se fortalece en sus pasajes finales.

En cuanto a las características físicas del Depredador se puede decir que su tonalidad es más oscura y tenebrosa que el original pero que no llegan a olvidar el Depredador de 1987. Lo mismo sucede con la representación de la comunidad comanche. Los indios, sobre todo el hermano de Naru, parecen tener un toque moderno que no se condice con la época que representan. Quizás un uso del lenguaje oficial o ficticio (todos hablan inglés) le hubiese dado más identidad a la comunidad comanche.

CURIOSIDADES

  • Esta sería la quinta entrada en la serie (sin contar las películas Alien vs. Predator). Según se informa, no tendrá ninguna conexión con  El depredador de 2018 .
  • Taabe (Dakota Beavers)dice sobre el Depredador después de herirlo: “Si sangra… podemos matarlo”.  Es un homenaje a la primera  película de Depredador (1987), donde esas mismas palabras las dijo Alan “Dutch” Schaefer (  Arnold Schwarzenegger ).
  • La tecnología utilizada por el Depredador es mucho más simple que en películas anteriores. Por ejemplo, las secciones de camuflaje son más grandes y tienen menos armadura.
  • Primera película de Depredador que se lanza como transmisión exclusiva.

RESUMEN

En definitiva, Depredador: La Presa es una vuelta a los orígenes. Tiene el potencial para dar vida a la franquicia con una serie de aciertos que la transforman en una digna entrada desde la famosa película de 1987.

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EL HOMBRE GRIS (2022)

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Netflix sube sus acciones con una trepidante película de acción y con un Ryan Gosling a prueba de balas. El Hombre Gris (The Grey Man) es puro entretenimiento.

Netflix necesitaba dar un golpe sobre la mesa. Con el creciente ascenso de otras plataformas de transmisión (Amazon, Paramount y Star +) y con una perdida considerable de suscriptores, la empresa de entretenimientos tiene un tanque entre sus filas dispuesto a arrasarlo todo. El Hombre Gris es un potencial éxito de taquilla gracias al ritmo frenético que imprimen sus elaboradas y constantes secuencias de acción. La pareja de directores Anthony y Joe Russo (conocidos mundialmente como los Hermanos Russo) reúnen un elenco repleto de estrellas y dan forma a la demanda de estos tiempos, que no es otra que entretener a cualquier costo. En toda la parafernalia visual se destaca Ryan Gosling, el cual sabe mantener, con su estilo, el estereotipo del héroe de los años 80 y 90.

En El Hombre Gris, Gosling interpreta a Sierra Seis, un ex criminal convertido en agente encubierto dentro de la CIA para ejecutar asesinatos extraoficiales. Cuando es convocado para eliminar a un nuevo objetivo, descubre una conspiración que involucra al nuevo jefe de la agencia de inteligencia. Mientras huye con información comprometida, un grupo de mercenarios a cargo del psicópata Lloyd Hansen (Cris Evans) estará tras sus pasos. Con la ayuda del agente de la CIA Dani Miranda (Ana de Armas), Seis deberá mantenerse con vida y rescatar a su antiguo mentor ( Billy Bob Thornton) con su sobrina en el proceso.

La historia de El Hombre Gris es demasiada rápida para detenerse en detalles. Luego de la pequeña introducción de la política de la CIA en donde sienta las bases del programa de reclutamiento de reclusos denominado Sierra (en el cual el protagonista forma parte), la película se direcciona directamente al terreno de la acción. Los Hermanos Russo tienen una gran capacidad de resumen en cuanto a historia se trata, mostrando su mejor forma en el ritmo y en el desarrollo de la personalidad de sus personajes. El guión en sí está repleto de bromas entre los intérpretes, lo que hace que la película pierda algo de seriedad a la hora de desencadenarse los hechos. Pero es el tono elegido a tal fin y le siente realmente bien.

Ahora, se puede decir que el film tiene un aire espiritual de ciertas películas de los años 80 y 90. En este punto la estampa de héroe simplista y estoico es representado con total solvencia por Gosling el cual sabe darle un estilo cautivador, propio de los grandes héroes de acción. Imperturbable y a prueba de balas, el Sierra Seis de Ryan Gosling es un triunfo y marca una leve diferencia entre otros artistas del genero, en donde su principal arma es el estilo interpretativo.

En una entrevista reciente Gosling confesó ser admirador de Sylvester Stallone y a juzgar por su estilo rudo y simplista puede ser que haya tomado las bases del semblante del creador de la saga de Rocky. Independientemente de ello, Gosling corre, salta y pelea como si fuese John Wick, Ethan Hunt o incluso el agente Bond. La inspiración en exitosas franquicias es innegable como así también su entretenimiento.

Más allá de Gosling, El Hombre Gris cuenta con un excelente reparto. El elenco de apoyo se dejan llevar por la adrenalina que propone el film y que en ocasiones no da respiro. La siempre encantadora Ana de Armas compensa el correcto trabajo de Gosling y Cris Evans se entretiene con un eléctrico y despiadado malvado. El veterano Billy Bob Thornton y la joven estrella en ascenso Regé-Jean Page son útiles en sus papeles secundarios, pero no alcanzan a opacar a sus estrellas.

En general, la película se realza por la actuación de Gosling brindando entretenidas secuencias de acción. Ante ello se puede decir que algunos efectos son mejores que otros, pero la que se lleva especial atención es la secuencia del tranvía en Viena. En este punto, los Hermanos Russo demuestran su efectividad en persecuciones en la vía publica en donde los tiroteos y las explosiones forman parte de una experiencia cinematográfica de primer nivel. Como tal, El Hombre Gris es una película de acción bien ejecutada apoyada por una fuerte inversión financiera (su costo es de más de 200 millones de dólares) y un elenco que se brinda al entretenimiento.

RESUMEN

En definitiva, El Hombre Gris (The Grey Man) es un thriller de acción divertido que no da respiro. La solvente interpretación y carisma de Ryan Gosling puede estar en la línea de aquellas gloriosas películas de acción de los años 80 y 90. Puro y rápido entretenimiento, con excelentes secuencias de acción que potencia la experiencia cinematográfica.

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AGENT GAME (2022)

critica agent game

Con un presupuesto limitado y una escritura confusa, Agent Game se muere en el intento de ser interesante.

La apertura inicial comienza con un hombre sentado en un banco que recibe una notificación en su celular. Pronto, se levanta y comienza a disparar. Ese hombre es nada más que Mel Gibson, justamente la imagen que se antepuso arriba como muestrario. Pero que el observador no se entusiasme, el reconocido actor solo participa en pequeños fragmentos del film, que no pasarán de más de cinco minutos en total. Dicho esto, Agent Game cuenta con un elenco con caras conocidas (Jasson Issacs, Delmot Mulroney) pero su confusa escritura no logra atrapar al observador, que solo verá un simple ejercicio de actuación.

En Bélgica, un grupo especial norteamericano tiene la misión de extraer a un agente fugitivo para luego llevarlo a su país. En Europa del Este, tres agentes, Bill (Jason Isaacs), Visser (Annie Ilonzeh) y Harris (Dermot Mulroney) se encuentran interrogando un líder de la resistencia acusado de terrorismo. El sospechoso niega los hechos, mientras soporta varias técnicas de persuasión, lo que hace dudar a los examinadores. Mientras tanto, un director de la CIA (Mel Gibson) supervisa aquellas misiones con el fin de que se cumple un solo objetivo. A medida que pasa el tiempo, más se sospecha de las misiones.

Agent Game: Review

Agent Game, juega con la incertidumbre en no saber lo que realmente está sucediendo o cuales son las líneas de poder involucradas. Para ello divide la historia en tres líneas de tiempo diferentes, presumiendo una intriga que no es bienvenida. La confusión es su principal defecto y si bien ello se aclara a medida que avanza la trama, queda la sensación de desprolijidad en una escritura que está lidiando con un evidente límite presupuestario.

Jugar con las líneas de tiempo, el misterio y la desorientación es un riesgo que Agent Game no está dispuesto asumir. La misión de Bélgica, en tiempo actual. La de Europa del Este ocurriendo cinco semanas antes y la Washington DC que viene en dos semanas más tarde generan desconcierto. Pretende imprimir una intriga internacional, pero tiene el efecto contrario. Las líneas atemporales terminan siendo una perdición al no saber ordenar su intencional desorden. Con lo que la escritura termina siendo de un gusto incomodo e irritable para el observador, tornándose aburrida.

Agent Game Movie: Katie Cassidy pointing a gun

Agent Game es lento y anodino, y toma casi una hora antes de que toda la situación se aclare un poco, ya que el equipo de Bélgica lidia con mensajes de texto secretos y un prisionero encapuchado, mientras que en Europa del Este suceden más cosas de las que se ven a simple vista. El film presenta algunos juegos psicológicos con un par de giros narrativos, pero distan de ser interesantes. Al final, con el inevitable enfrentamiento todo se vuelve predecible. Es como preparar algo para sorprender que ya tiene gusto y eventualmente los disparos se abren paso a la película, pero llegan algo tarde.

En este aspecto, el film cuenta con una decente secuencia de extracción incial, con disparos y explosión de buena calidad, pero parece que se ha destinado todo el dinero en ello. Las restantes se desenvuelven en una filmación oscura, pero el impacto visual es demasiado poco, acusando el lastre narrativo. Se evidencia un trabajo confiable en Jason Isaacs y Dermot Mulroney, pero mucho más no pueden aportar, más que un ejercicio de actuación.

RESUMEN

En definitiva, Agent Game hace malabarismo con tres líneas de tiempo de una sola historia y no trae más que confusión. La incertidumbre y el misterio de espías no es ejecutado con ningún gusto, en un thriller con un presupuesto limitado. Con un aporte irrisorio de Mel Gibson y solidas actuaciones de Jaacs y Dermot Mulroney, el film no es más que un ejercicio de actuación.

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LA OCTAVA CLAUSULA (2022)

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El thriller mexicano cuenta con una premisa escabrosa, que es salvada por sus giros. La Octava Clausula, busca transmitir erotismo e incomodidad, algo que los interpretes no toman el riesgo de asumir. Disponible en Amazon Prime Video.

Filmada en tres semanas y en épocas de pandemia la película reúne un elenco hispanoparlante para confrontar una situación indeseada de un día, dentro de una estética teatral. Infidelidad, erotismo, traición y empoderamiento femenino son las bases en la que se apoya La Octava Clausula. La película se vuelve interesante por sus giros narrativos, que aunque débiles, logran salvarla de su fallido erotismo. Protagonizan Maite Perroni y Oscar Jaenada.

En La Octava Clausula, Oscar Jaenada interpreta a Borja, un empresario exitoso que descubre la infidelidad de su esposa Cat ( Maite Perroni). Con fotos de su mujer y de su mejor amigo (Manuel Vega), como pruebas, decide idear un plan con la ayuda de su abogado para quedarse con las acciones de la empresa. Para lograrlo, decide convocar a los amantes y proponerles un contrato legal con una clausula escabrosa. Es precisamente la octava clausula que tendrán que cumplir, si están dispuestos a firmarla, y no es otra que practicar sexo consensuado en su presencia. Con el conflicto amoroso en ebullición, una extraña mujer solicita ayuda en el domicilio y será testigo de un desenlace inesperado.

Hay algo que de entrada diferencia a la Octava Clausula de otras películas y es su espíritu teatral. Desde el comienzo, la filmación y la dinámica actoral se siente cercana, como si estuviésemos presenciando de nuestra butaca una obra teatral. El escenario es una lujosa propiedad, rodeado de bosques y con un estrecho río que se siente de sus amplios ventanales. La trama y la interacción de sus personajes se desenvuelven allí, en una sola locación. Si bien la pandemia ha traído consecuencias irrebatibles en los sets de filmación, obligando a los elencos a trabajar en burbujas de aislamiento, la premisa aquí planteada no deja de ser favorable. Un triangulo amoroso a punto de ebullición no necesita nada más. Solo un buen argumento para justificar su premisa. ¿Lo tiene la Octava Clausula?

La película tiene un condimento erótico y escabroso que hace al nombre de apertura. La Octava Clausula, es la escusa perfecta para que el film exhiba cierta cuota de erotismo, sensualidad e incomodidad en la audiencia. Pero lo que se ve y lo que se intenta proponer no están emparejados. Razón de ello se evidencia en la incomodidad en las escenas eróticas de la actriz mexicana. Maite Perroni no puede disimularla y por ello las secuencias son cortas e inclusive editadas. No está en juego aquí la cantidad o el exceso de estas secuencias, sí la experiencia de lo que representa, y como propuesta erótica, fracasa. Se puede argumentar en defensa de los interpretes que el ensayo erótico que se propone sirve para justificar su deslace posterior. Pero ello no obsta al logro de transmitir sensaciones y la Octava Clausula es algo fría, como la letra de la ley.

La actriz mexicana Maite Perroni

La película cobra impulso gracias a sus giros. Que aunque débiles, logran mantener a flote la narrativa hacia su final. Hay ciertas decisiones de la trama que no alcanzan a justificarse como debería, quedando la ligera sensación de que podría obtenerse un mejor resultado. Maite Perroni y Oscar Jaeneda llevan el peso de la historia sobre sus espaldas. Quizás la interprete mexicana es la que tiene un arco más amplio para trabajar su personaje, pudiendo matizar su conducta en varios niveles.

Queda en deuda en su faceta erótica, algo que no puede suplir su belleza. Jaenada, cumple en su rol de marido que busca un escarmiento por la traición, construyendo un personaje que no le amerita demasiado esfuerzo. El actor español es lo mejor del film, pero le hubiera venido bien una contraparte que refleje su impronta dramática. En este punto, el tercero en cuestión, Manuel Vega, no tiene mucho para aportar, es un peón en línea de juego matrimonial y su participación se siente descuidada.

La Octava Clausula, tiene un tiempo de ejecución relativamente corto. Su hora y veinte minutos de duración es la excusa perfecta para un fin de semana a la medianoche. Entretiene hasta un cierto punto pero es fácilmente olvidable al cabo de unas horas. El director Koko Stambuk parece haber dado cuenta de ello, al construir un relato sin muchas exigencias técnicas. Desde la musicalización hasta el acto final culminante, no logra transmitir el impacto deseado. El público, con los giros, busca una recompensa, y si no están bien ejecutados se corre el riesgo de bajar el pulgar. La Octava Clausula no llega a ese punto pero tampoco es digna de elogios. Si se estuviera en un teatro, el aplauso sería restringido.

RESUMEN

En definitiva, La Octava Clausula, fracasa en su intento de erotizar una situación escabrosa. Sus giros logran impulsar el relato dentro de lo que se puede llamar una experiencia cuasi teatral. El erotismo y los aspectos dramáticos que incorpora no funcionan. Pero tiene algo positivo: mantiene expectante a la audiencia hasta el final.

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EL ASEDIO DE SILVERTON (2022)

Inspirada en hechos reales, el thriller político de Netflix toma algunas licencias comerciales, pero logra transmitir el mensaje del valor de la libertad. El Asedio de Silverton(Silverton Siege) es ligeramente efectiva.

En 1980, tres hombres activistas del grupo Umkhonto we Sizwe (Lanza de la Nación), brazo armado del Congreso Nacional Africano, asaltaron un banco en Silverton, Pretoria.  Esto sucedió después de una operación fallida para sabotear una planta petrolera para desestabilizar la era del Apartheid en Sudáfrica.  El trío en cuestión tomó como rehenes a 25 personas y exigió la liberación de Nelson Mandela.  Esta historia es reutilizada en El Asedio de Silverton (Silverton Siege) , que vuelve a narrar la situación pero con algunas licencias creativas. A pesar de ello, logra transmitir el mensaje del valor de la libertad.

La adaptación de Netflix tiene una inicial alteración de lo que fueron los reales acontecimientos. Los activistas armados eran hombres y la historia aquí transcurrida se imagina en dos hombres y una mujer. Calvin (Thabo Rametsi), Aldo (Stefan Erasmus) y Terra (Noxolo Dlamini) intentan sabotear una planta de energía como una declaración contra el Apartheid.  Están preparados y esperan una señal para atacar, pero algo sale mal y sus planes son descubiertos. En el escape, se refugian en un Banco, toman rehenes y comienzan a demandar la liberación de Nelson Mandela. Mientras tanto, un policía se debate entre los peligros de ingresar al edificio por la fuerza.

La película esencialmente toma la historia de Wilfred Mandela, Humphrey Makhubu y Stephen Mafoko para elaborar una narrativa sobre quienes accidentalmente desencadenaron el Movimiento por la libertad de Nelson Mandela. Los tres activistas luchan contra un sistema político que los deshumaniza por el color de su piel y el film se encarga de remarcarlo en cada momento. En este aspecto el mensaje del valor de la libertad late en el corazón de los personajes y ello es un triunfo. Independientemente de las licencias comerciales que se toman aquí (nombres de los personajes), el movimiento reaccionario pinta una imagen de los acontecimientos históricos de aquella época con sentimientos y emociones que mueven a sus protagonistas.

El Asedio de Silverton funciona en un doble sentido. Como entretenimiento, logra dramatizar una situación ya vista en otras propuestas. La toma de rehenes en el Banco es manejada con cierto aplomo a pesar de que se extiende más de lo debido. El film adopta técnicas visuales sencillas y exhibe una sensación de autenticidad en la época en la cual está narrada la historia. Como mensaje, del valor de la libertad de un pueblo que ha sufrido las consecuencias del Apartheid, logra trascender y alienta a reexaminar lo sucedido.

Ahora bien, la película no es están ambiciosa en su hora y 44 minutos de tiempo de ejecución. Hay algunas subtramas que se mantienen en la superficie, a pesar de su trazo ligero (como las sospechas de traición entre los activistas) pero no alcanzan a socavar el verdadero mensaje que se trata de plasmar aquí. La película está bien interpretada por su conjunto y todos logran captar la atención para apoyar a sus respectivos personajes . Se destaca Thabo Rametsi, en la piel del líder de los activistas ( Calvin Khumalo) y Arnold Voslo, como el Capitán Johan Langerman.

¿Cuál es el precio de la libertad? Respuesta simple. Pero compleja de entender para aquellos que nunca se la han robado.

CURIOSIDADES

  • La película está inspirada en hechos reales; el objetivo del director no era la precisión total.  La directora Mandla Dune dijo: “No tenemos un personaje que tenga albinismo en la historia real y los tres tipos que estaban en el banco eran todos hombres, y me tomé la libertad de simplemente decir: “Quiero que uno de ellos sea femenino”, ¡porque había trabajado con Noxolo Dlamini en la serie de Netflix Jiva! Luego, obviamente, no usamos los nombres reales de los personajes. Una vez que eso sucedió, me dije a mí mismo: ” Vamos a divertirnos. No estamos haciendo un documental. Estamos haciendo un thriller”, y nos quitamos los guantes, y simplemente fuimos a la batalla para encontrar estos personajes y construirlos, moldearlos y darles forma en lo que ves como un producto final en la pantalla”.

RESUMEN

En ultima instancia, El Asedio de Silberton es un thriller político que no pretende ir más allá de su mensaje. Si bien cuenta con algunas subtramas, trazadas con liviandad, narra un acontecimiento importante de la historia de Sudáfrica con suma simpleza.

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YAKSHA: Operaciones Despiadadas (2022)

El thriller coreano de espías no está a la altura de su ambiciosa escritura. A pesar de ello, Yaksha: Operaciones Despiadadas logra entretener. Disponible en Netflix.

El cine coreano se encuentra en muy buen nivel. Películas o Series, inundan el catalogo de Netflix con propuestas de destacada factura técnica. Independientemente del genero a elegir, la impronta coreana viene demostrando un estilo visual diferenciable. Son tiernos y dulces en el campo romántico y extremadamente brutales y sangrientos en el terreno de la acción. En esto último es en lo que logran destacarse. Gracias a sus originales premisas (muchas de ellas copiadas por los americanos en forma de remake) en las cuales se impulsan sus cuidadas coreografías. Yaksha, es un thriller de espías demasiado ambicioso y se queda corta cuando se trata de brindar el tipo de acción (con ADN coreano) que la película merece. A pesar de ello, logra entretener gracias al aporte de sus protagonistas.

La historia sigue a Ji-hoon, un fiscal general de Corea del Sur que ha entrado en desgracia a causa de un mal manejo de un caso resonante. Con el fin de redimirse y volver a la fiscalía acepta una misión para revisar las operaciones de espionaje en una ciudad de China (Shenyang), donde es dirigida por Kang-inn, también conocido como Yaksha. Mientras trata de descubrir los manejos de su líder, se encontrará con una guerra entre espías de la cual no puede salir.

Yaksha Ruthless Operations Netflix

Tras un promisorio comienzo, la película tiene dificultades en expresar el eje central de la trama. Cuando el fiscal se presenta ante el “complicado” grupo de operaciones y se muestra persistente, el líder no tiene más que entrometerlo en el fondo del asunto. Es en este momento donde la narrativa se vuelve abrupta y desmotivada por la rápida edición de su planteo central. Lo que hace que el observador se sienta algo disperso en las motivaciones de los protagonistas.

Yaksha, cuenta con una cinematografía demasiada ambiciosa para lo que pretende ejecutar. Una ciudad china con múltiples bandos de espías que pretenden apoderarse de información internacional (con tiroteos, traiciones y persecuciones) se queda algo corta cuando se trata de brindar el tipo de acción que la película merece. En este aspecto las coreografías de acción cumplen por encima de la media, con tiroteos poco emocionantes.

El film no cuenta con el presupuesto de las típicas películas de genero, como pueden ser las de Bourne o Misión Imposible, pero da la sensación que aquí se podría haber aprovechado más la esencia coreana (con dosis de sangre incluida) en vez de recrear secuencias de acción ordinaria.

Yaksha: Ruthless Operations Ending Explained Kang-In

Lo dicho no obsta a que el film sea entretenido. La película mantiene el interés y el actuar de los personajes se vuelve más interesante a medida que avance el metraje. Los actores hacen todo lo posible para transmitir las emociones, ganando puntos las interacción entre el fiscal y el líder rebelde Yaksha, química que mantiene el film a flote en todo momento. Su asociación es el aspecto más destacable.

El resto del elenco cumple pero ninguno logra destacarse. El hecho de enfrentar espías de paises oriéntales diferentes hace presumir tácticas de combates acordes a sus orígenes. Hay un subjefe por ahí, portando alguna katana, que el film no aprovecha en el apuro de unir los cabos sueltos de su tercer acto final. Con lo dicho, la película logra entretener pero no se encuentra entre los mejores trabajos del cien coreano.

RESUMEN

En definitiva, Yaksha: Operaciones Despiadadas funciona como un entretenimiento pasatista. Con una intriga general desmotivada y secuencias de acción ordinarias, no logra alcanzar el impacto visual que la industria cinematográfica coreana es capaz de ofrecer.

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