DEPREDADOR: LA PRESA (2022)

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La ultima entrada de la franquicia de Depredador, La Presa, se reencuentra con su estilo y estética redondeando un thriller de acción digno y sumamente entretenido. Disponible en Star +.

El secreto para reiniciar una franquicia cinematográfica parece ser su regreso a las fuentes. Aquellas que marcan los lineamentos de una historia y personajes son un recurso necesario para retomar el exitoso camino perdido. En tiempos actuales, las secuelas, precuelas y remakes se han convertido en una norma desvirtuando el brillo y gloria del que tuvo alguna vez el producto original. En el caso de la saga de Depredador, La Presa, es una digna entrada que aprovecha su raíz violenta y se reencuentra con su estilo perdido. Lejos de la inolvidable y única película de 1987 (con un fabuloso Arnold Schwarzenegger) pero demasiado cerca en espíritu, La Presa es tal vez la mejor entrada desde las dos películas del Depredador.

La película sigue a Naru (Amber Midthunder), una integrante de la comunidad Comanche en 1719, en Norteamérica, que desea demostrar sus capacidades de caza entre sus homólogos masculinos.  Esto la lleva a perseguir, con su cercano y líder hermano, a un león que está acechando el territorio indio y ha dejado malherido a uno de sus miembros. Cuando Naru nota la presencia de un ser extraño y todos los demás la ignoran es inducida a demostrar su valor y se aferra a un viaje sobre la peligrosa fauna silvestre. Pero no estará sola, unos violentos colonizadores y un temible y brutal Depredador serán parte de su descubrimiento y con ello el ansiado título de cazador o de presa.

Para empezar lo que hace eficiente a Depredador: La Presa es su sentido de pertenencia. La narrativa adopta ese camino en forma simple y es precisamente lo que la película necesita. La forma en que es llevada la historia recuerda a ciertos pasajes de la entrada original. Esto es, el entorno natural de bosques y montañas es utilizado como “algo más” que bellos paisajes en donde se desenvuelve la gran parte de la acción. Lo que fue “la selva” en el Depredador de 1987, lo son los entornos boscosos, con un gran uso en su aplicación. Aquí la fuente como inspiración da resultado y permite que el depredador tarde más en aparecer.

Lo mismo sucede con las secuencias de acción y suspenso. La preparación de lo que es el primer encuentro entre Naru y el Depredador es por demás satisfactoria. Siendo la quinta entrega de la franquicia el grado de sorpresa está prácticamente perdido. Con lo que hay que suplirlo con un fuerte impacto visual o con un nivel de violencia perturbadora. En cierto punto, La Presa lo logra con solidas secuencias de acción acompañadas con un alto grado de violencia sangrienta.

Ante ello se puede decir que las películas de Depredador necesitan nutrirse de este contenido explicito para no traicionar el espíritu del personaje. Se recuerda que Depredador de 1987 era una película apta para 18 años y sus escenas para la época eran estremecedoras. La Presa, sigue el camino que marcó su original con un Depredador ultraviolento y respetuoso de su formar de cazar a sus victimas. En este punto el regreso de la criatura a su fuente también es un acierto.

Ahora bien, la película tiene sus bases en el Depredador y en la manera de ocultarse de su camino. Pero esto no funcionaría sin la participación de su presa o de su cazador, en todo caso. Midthunder (Naru) lleva el protagónico con total soltura y demuestra ser una sorprendente heroína que hace uso de su entorno natural para combatir al alienígena. Naru es valiente y hábil con el hacha pero su fuerte es la estrategia. Otro punto a favor que el film se encarga rápidamente de demostrar y que se fortalece en sus pasajes finales.

En cuanto a las características físicas del Depredador se puede decir que su tonalidad es más oscura y tenebrosa que el original pero que no llegan a olvidar el Depredador de 1987. Lo mismo sucede con la representación de la comunidad comanche. Los indios, sobre todo el hermano de Naru, parecen tener un toque moderno que no se condice con la época que representan. Quizás un uso del lenguaje oficial o ficticio (todos hablan inglés) le hubiese dado más identidad a la comunidad comanche.

CURIOSIDADES

  • Esta sería la quinta entrada en la serie (sin contar las películas Alien vs. Predator). Según se informa, no tendrá ninguna conexión con  El depredador de 2018 .
  • Taabe (Dakota Beavers)dice sobre el Depredador después de herirlo: “Si sangra… podemos matarlo”.  Es un homenaje a la primera  película de Depredador (1987), donde esas mismas palabras las dijo Alan “Dutch” Schaefer (  Arnold Schwarzenegger ).
  • La tecnología utilizada por el Depredador es mucho más simple que en películas anteriores. Por ejemplo, las secciones de camuflaje son más grandes y tienen menos armadura.
  • Primera película de Depredador que se lanza como transmisión exclusiva.

RESUMEN

En definitiva, Depredador: La Presa es una vuelta a los orígenes. Tiene el potencial para dar vida a la franquicia con una serie de aciertos que la transforman en una digna entrada desde la famosa película de 1987.

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EL HOMBRE GRIS (2022)

critica el hombre gris

Netflix sube sus acciones con una trepidante película de acción y con un Ryan Gosling a prueba de balas. El Hombre Gris (The Grey Man) es puro entretenimiento.

Netflix necesitaba dar un golpe sobre la mesa. Con el creciente ascenso de otras plataformas de transmisión (Amazon, Paramount y Star +) y con una perdida considerable de suscriptores, la empresa de entretenimientos tiene un tanque entre sus filas dispuesto a arrasarlo todo. El Hombre Gris es un potencial éxito de taquilla gracias al ritmo frenético que imprimen sus elaboradas y constantes secuencias de acción. La pareja de directores Anthony y Joe Russo (conocidos mundialmente como los Hermanos Russo) reúnen un elenco repleto de estrellas y dan forma a la demanda de estos tiempos, que no es otra que entretener a cualquier costo. En toda la parafernalia visual se destaca Ryan Gosling, el cual sabe mantener, con su estilo, el estereotipo del héroe de los años 80 y 90.

En El Hombre Gris, Gosling interpreta a Sierra Seis, un ex criminal convertido en agente encubierto dentro de la CIA para ejecutar asesinatos extraoficiales. Cuando es convocado para eliminar a un nuevo objetivo, descubre una conspiración que involucra al nuevo jefe de la agencia de inteligencia. Mientras huye con información comprometida, un grupo de mercenarios a cargo del psicópata Lloyd Hansen (Cris Evans) estará tras sus pasos. Con la ayuda del agente de la CIA Dani Miranda (Ana de Armas), Seis deberá mantenerse con vida y rescatar a su antiguo mentor ( Billy Bob Thornton) con su sobrina en el proceso.

La historia de El Hombre Gris es demasiada rápida para detenerse en detalles. Luego de la pequeña introducción de la política de la CIA en donde sienta las bases del programa de reclutamiento de reclusos denominado Sierra (en el cual el protagonista forma parte), la película se direcciona directamente al terreno de la acción. Los Hermanos Russo tienen una gran capacidad de resumen en cuanto a historia se trata, mostrando su mejor forma en el ritmo y en el desarrollo de la personalidad de sus personajes. El guión en sí está repleto de bromas entre los intérpretes, lo que hace que la película pierda algo de seriedad a la hora de desencadenarse los hechos. Pero es el tono elegido a tal fin y le siente realmente bien.

Ahora, se puede decir que el film tiene un aire espiritual de ciertas películas de los años 80 y 90. En este punto la estampa de héroe simplista y estoico es representado con total solvencia por Gosling el cual sabe darle un estilo cautivador, propio de los grandes héroes de acción. Imperturbable y a prueba de balas, el Sierra Seis de Ryan Gosling es un triunfo y marca una leve diferencia entre otros artistas del genero, en donde su principal arma es el estilo interpretativo.

En una entrevista reciente Gosling confesó ser admirador de Sylvester Stallone y a juzgar por su estilo rudo y simplista puede ser que haya tomado las bases del semblante del creador de la saga de Rocky. Independientemente de ello, Gosling corre, salta y pelea como si fuese John Wick, Ethan Hunt o incluso el agente Bond. La inspiración en exitosas franquicias es innegable como así también su entretenimiento.

Más allá de Gosling, El Hombre Gris cuenta con un excelente reparto. El elenco de apoyo se dejan llevar por la adrenalina que propone el film y que en ocasiones no da respiro. La siempre encantadora Ana de Armas compensa el correcto trabajo de Gosling y Cris Evans se entretiene con un eléctrico y despiadado malvado. El veterano Billy Bob Thornton y la joven estrella en ascenso Regé-Jean Page son útiles en sus papeles secundarios, pero no alcanzan a opacar a sus estrellas.

En general, la película se realza por la actuación de Gosling brindando entretenidas secuencias de acción. Ante ello se puede decir que algunos efectos son mejores que otros, pero la que se lleva especial atención es la secuencia del tranvía en Viena. En este punto, los Hermanos Russo demuestran su efectividad en persecuciones en la vía publica en donde los tiroteos y las explosiones forman parte de una experiencia cinematográfica de primer nivel. Como tal, El Hombre Gris es una película de acción bien ejecutada apoyada por una fuerte inversión financiera (su costo es de más de 200 millones de dólares) y un elenco que se brinda al entretenimiento.

RESUMEN

En definitiva, El Hombre Gris (The Grey Man) es un thriller de acción divertido que no da respiro. La solvente interpretación y carisma de Ryan Gosling puede estar en la línea de aquellas gloriosas películas de acción de los años 80 y 90. Puro y rápido entretenimiento, con excelentes secuencias de acción que potencia la experiencia cinematográfica.

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AGENT GAME (2022)

critica agent game

Con un presupuesto limitado y una escritura confusa, Agent Game se muere en el intento de ser interesante.

La apertura inicial comienza con un hombre sentado en un banco que recibe una notificación en su celular. Pronto, se levanta y comienza a disparar. Ese hombre es nada más que Mel Gibson, justamente la imagen que se antepuso arriba como muestrario. Pero que el observador no se entusiasme, el reconocido actor solo participa en pequeños fragmentos del film, que no pasarán de más de cinco minutos en total. Dicho esto, Agent Game cuenta con un elenco con caras conocidas (Jasson Issacs, Delmot Mulroney) pero su confusa escritura no logra atrapar al observador, que solo verá un simple ejercicio de actuación.

En Bélgica, un grupo especial norteamericano tiene la misión de extraer a un agente fugitivo para luego llevarlo a su país. En Europa del Este, tres agentes, Bill (Jason Isaacs), Visser (Annie Ilonzeh) y Harris (Dermot Mulroney) se encuentran interrogando un líder de la resistencia acusado de terrorismo. El sospechoso niega los hechos, mientras soporta varias técnicas de persuasión, lo que hace dudar a los examinadores. Mientras tanto, un director de la CIA (Mel Gibson) supervisa aquellas misiones con el fin de que se cumple un solo objetivo. A medida que pasa el tiempo, más se sospecha de las misiones.

Agent Game: Review

Agent Game, juega con la incertidumbre en no saber lo que realmente está sucediendo o cuales son las líneas de poder involucradas. Para ello divide la historia en tres líneas de tiempo diferentes, presumiendo una intriga que no es bienvenida. La confusión es su principal defecto y si bien ello se aclara a medida que avanza la trama, queda la sensación de desprolijidad en una escritura que está lidiando con un evidente límite presupuestario.

Jugar con las líneas de tiempo, el misterio y la desorientación es un riesgo que Agent Game no está dispuesto asumir. La misión de Bélgica, en tiempo actual. La de Europa del Este ocurriendo cinco semanas antes y la Washington DC que viene en dos semanas más tarde generan desconcierto. Pretende imprimir una intriga internacional, pero tiene el efecto contrario. Las líneas atemporales terminan siendo una perdición al no saber ordenar su intencional desorden. Con lo que la escritura termina siendo de un gusto incomodo e irritable para el observador, tornándose aburrida.

Agent Game Movie: Katie Cassidy pointing a gun

Agent Game es lento y anodino, y toma casi una hora antes de que toda la situación se aclare un poco, ya que el equipo de Bélgica lidia con mensajes de texto secretos y un prisionero encapuchado, mientras que en Europa del Este suceden más cosas de las que se ven a simple vista. El film presenta algunos juegos psicológicos con un par de giros narrativos, pero distan de ser interesantes. Al final, con el inevitable enfrentamiento todo se vuelve predecible. Es como preparar algo para sorprender que ya tiene gusto y eventualmente los disparos se abren paso a la película, pero llegan algo tarde.

En este aspecto, el film cuenta con una decente secuencia de extracción incial, con disparos y explosión de buena calidad, pero parece que se ha destinado todo el dinero en ello. Las restantes se desenvuelven en una filmación oscura, pero el impacto visual es demasiado poco, acusando el lastre narrativo. Se evidencia un trabajo confiable en Jason Isaacs y Dermot Mulroney, pero mucho más no pueden aportar, más que un ejercicio de actuación.

RESUMEN

En definitiva, Agent Game hace malabarismo con tres líneas de tiempo de una sola historia y no trae más que confusión. La incertidumbre y el misterio de espías no es ejecutado con ningún gusto, en un thriller con un presupuesto limitado. Con un aporte irrisorio de Mel Gibson y solidas actuaciones de Jaacs y Dermot Mulroney, el film no es más que un ejercicio de actuación.

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LA OCTAVA CLAUSULA (2022)

critica la clausula octava

El thriller mexicano cuenta con una premisa escabrosa, que es salvada por sus giros. La Octava Clausula, busca transmitir erotismo e incomodidad, algo que los interpretes no toman el riesgo de asumir. Disponible en Amazon Prime Video.

Filmada en tres semanas y en épocas de pandemia la película reúne un elenco hispanoparlante para confrontar una situación indeseada de un día, dentro de una estética teatral. Infidelidad, erotismo, traición y empoderamiento femenino son las bases en la que se apoya La Octava Clausula. La película se vuelve interesante por sus giros narrativos, que aunque débiles, logran salvarla de su fallido erotismo. Protagonizan Maite Perroni y Oscar Jaenada.

En La Octava Clausula, Oscar Jaenada interpreta a Borja, un empresario exitoso que descubre la infidelidad de su esposa Cat ( Maite Perroni). Con fotos de su mujer y de su mejor amigo (Manuel Vega), como pruebas, decide idear un plan con la ayuda de su abogado para quedarse con las acciones de la empresa. Para lograrlo, decide convocar a los amantes y proponerles un contrato legal con una clausula escabrosa. Es precisamente la octava clausula que tendrán que cumplir, si están dispuestos a firmarla, y no es otra que practicar sexo consensuado en su presencia. Con el conflicto amoroso en ebullición, una extraña mujer solicita ayuda en el domicilio y será testigo de un desenlace inesperado.

Hay algo que de entrada diferencia a la Octava Clausula de otras películas y es su espíritu teatral. Desde el comienzo, la filmación y la dinámica actoral se siente cercana, como si estuviésemos presenciando de nuestra butaca una obra teatral. El escenario es una lujosa propiedad, rodeado de bosques y con un estrecho río que se siente de sus amplios ventanales. La trama y la interacción de sus personajes se desenvuelven allí, en una sola locación. Si bien la pandemia ha traído consecuencias irrebatibles en los sets de filmación, obligando a los elencos a trabajar en burbujas de aislamiento, la premisa aquí planteada no deja de ser favorable. Un triangulo amoroso a punto de ebullición no necesita nada más. Solo un buen argumento para justificar su premisa. ¿Lo tiene la Octava Clausula?

La película tiene un condimento erótico y escabroso que hace al nombre de apertura. La Octava Clausula, es la escusa perfecta para que el film exhiba cierta cuota de erotismo, sensualidad e incomodidad en la audiencia. Pero lo que se ve y lo que se intenta proponer no están emparejados. Razón de ello se evidencia en la incomodidad en las escenas eróticas de la actriz mexicana. Maite Perroni no puede disimularla y por ello las secuencias son cortas e inclusive editadas. No está en juego aquí la cantidad o el exceso de estas secuencias, sí la experiencia de lo que representa, y como propuesta erótica, fracasa. Se puede argumentar en defensa de los interpretes que el ensayo erótico que se propone sirve para justificar su deslace posterior. Pero ello no obsta al logro de transmitir sensaciones y la Octava Clausula es algo fría, como la letra de la ley.

La actriz mexicana Maite Perroni

La película cobra impulso gracias a sus giros. Que aunque débiles, logran mantener a flote la narrativa hacia su final. Hay ciertas decisiones de la trama que no alcanzan a justificarse como debería, quedando la ligera sensación de que podría obtenerse un mejor resultado. Maite Perroni y Oscar Jaeneda llevan el peso de la historia sobre sus espaldas. Quizás la interprete mexicana es la que tiene un arco más amplio para trabajar su personaje, pudiendo matizar su conducta en varios niveles.

Queda en deuda en su faceta erótica, algo que no puede suplir su belleza. Jaenada, cumple en su rol de marido que busca un escarmiento por la traición, construyendo un personaje que no le amerita demasiado esfuerzo. El actor español es lo mejor del film, pero le hubiera venido bien una contraparte que refleje su impronta dramática. En este punto, el tercero en cuestión, Manuel Vega, no tiene mucho para aportar, es un peón en línea de juego matrimonial y su participación se siente descuidada.

La Octava Clausula, tiene un tiempo de ejecución relativamente corto. Su hora y veinte minutos de duración es la excusa perfecta para un fin de semana a la medianoche. Entretiene hasta un cierto punto pero es fácilmente olvidable al cabo de unas horas. El director Koko Stambuk parece haber dado cuenta de ello, al construir un relato sin muchas exigencias técnicas. Desde la musicalización hasta el acto final culminante, no logra transmitir el impacto deseado. El público, con los giros, busca una recompensa, y si no están bien ejecutados se corre el riesgo de bajar el pulgar. La Octava Clausula no llega a ese punto pero tampoco es digna de elogios. Si se estuviera en un teatro, el aplauso sería restringido.

RESUMEN

En definitiva, La Octava Clausula, fracasa en su intento de erotizar una situación escabrosa. Sus giros logran impulsar el relato dentro de lo que se puede llamar una experiencia cuasi teatral. El erotismo y los aspectos dramáticos que incorpora no funcionan. Pero tiene algo positivo: mantiene expectante a la audiencia hasta el final.

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EL ASEDIO DE SILVERTON (2022)

Inspirada en hechos reales, el thriller político de Netflix toma algunas licencias comerciales, pero logra transmitir el mensaje del valor de la libertad. El Asedio de Silverton(Silverton Siege) es ligeramente efectiva.

En 1980, tres hombres activistas del grupo Umkhonto we Sizwe (Lanza de la Nación), brazo armado del Congreso Nacional Africano, asaltaron un banco en Silverton, Pretoria.  Esto sucedió después de una operación fallida para sabotear una planta petrolera para desestabilizar la era del Apartheid en Sudáfrica.  El trío en cuestión tomó como rehenes a 25 personas y exigió la liberación de Nelson Mandela.  Esta historia es reutilizada en El Asedio de Silverton (Silverton Siege) , que vuelve a narrar la situación pero con algunas licencias creativas. A pesar de ello, logra transmitir el mensaje del valor de la libertad.

La adaptación de Netflix tiene una inicial alteración de lo que fueron los reales acontecimientos. Los activistas armados eran hombres y la historia aquí transcurrida se imagina en dos hombres y una mujer. Calvin (Thabo Rametsi), Aldo (Stefan Erasmus) y Terra (Noxolo Dlamini) intentan sabotear una planta de energía como una declaración contra el Apartheid.  Están preparados y esperan una señal para atacar, pero algo sale mal y sus planes son descubiertos. En el escape, se refugian en un Banco, toman rehenes y comienzan a demandar la liberación de Nelson Mandela. Mientras tanto, un policía se debate entre los peligros de ingresar al edificio por la fuerza.

La película esencialmente toma la historia de Wilfred Mandela, Humphrey Makhubu y Stephen Mafoko para elaborar una narrativa sobre quienes accidentalmente desencadenaron el Movimiento por la libertad de Nelson Mandela. Los tres activistas luchan contra un sistema político que los deshumaniza por el color de su piel y el film se encarga de remarcarlo en cada momento. En este aspecto el mensaje del valor de la libertad late en el corazón de los personajes y ello es un triunfo. Independientemente de las licencias comerciales que se toman aquí (nombres de los personajes), el movimiento reaccionario pinta una imagen de los acontecimientos históricos de aquella época con sentimientos y emociones que mueven a sus protagonistas.

El Asedio de Silverton funciona en un doble sentido. Como entretenimiento, logra dramatizar una situación ya vista en otras propuestas. La toma de rehenes en el Banco es manejada con cierto aplomo a pesar de que se extiende más de lo debido. El film adopta técnicas visuales sencillas y exhibe una sensación de autenticidad en la época en la cual está narrada la historia. Como mensaje, del valor de la libertad de un pueblo que ha sufrido las consecuencias del Apartheid, logra trascender y alienta a reexaminar lo sucedido.

Ahora bien, la película no es están ambiciosa en su hora y 44 minutos de tiempo de ejecución. Hay algunas subtramas que se mantienen en la superficie, a pesar de su trazo ligero (como las sospechas de traición entre los activistas) pero no alcanzan a socavar el verdadero mensaje que se trata de plasmar aquí. La película está bien interpretada por su conjunto y todos logran captar la atención para apoyar a sus respectivos personajes . Se destaca Thabo Rametsi, en la piel del líder de los activistas ( Calvin Khumalo) y Arnold Voslo, como el Capitán Johan Langerman.

¿Cuál es el precio de la libertad? Respuesta simple. Pero compleja de entender para aquellos que nunca se la han robado.

CURIOSIDADES

  • La película está inspirada en hechos reales; el objetivo del director no era la precisión total.  La directora Mandla Dune dijo: “No tenemos un personaje que tenga albinismo en la historia real y los tres tipos que estaban en el banco eran todos hombres, y me tomé la libertad de simplemente decir: “Quiero que uno de ellos sea femenino”, ¡porque había trabajado con Noxolo Dlamini en la serie de Netflix Jiva! Luego, obviamente, no usamos los nombres reales de los personajes. Una vez que eso sucedió, me dije a mí mismo: ” Vamos a divertirnos. No estamos haciendo un documental. Estamos haciendo un thriller”, y nos quitamos los guantes, y simplemente fuimos a la batalla para encontrar estos personajes y construirlos, moldearlos y darles forma en lo que ves como un producto final en la pantalla”.

RESUMEN

En ultima instancia, El Asedio de Silberton es un thriller político que no pretende ir más allá de su mensaje. Si bien cuenta con algunas subtramas, trazadas con liviandad, narra un acontecimiento importante de la historia de Sudáfrica con suma simpleza.

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YAKSHA: Operaciones Despiadadas (2022)

El thriller coreano de espías no está a la altura de su ambiciosa escritura. A pesar de ello, Yaksha: Operaciones Despiadadas logra entretener. Disponible en Netflix.

El cine coreano se encuentra en muy buen nivel. Películas o Series, inundan el catalogo de Netflix con propuestas de destacada factura técnica. Independientemente del genero a elegir, la impronta coreana viene demostrando un estilo visual diferenciable. Son tiernos y dulces en el campo romántico y extremadamente brutales y sangrientos en el terreno de la acción. En esto último es en lo que logran destacarse. Gracias a sus originales premisas (muchas de ellas copiadas por los americanos en forma de remake) en las cuales se impulsan sus cuidadas coreografías. Yaksha, es un thriller de espías demasiado ambicioso y se queda corta cuando se trata de brindar el tipo de acción (con ADN coreano) que la película merece. A pesar de ello, logra entretener gracias al aporte de sus protagonistas.

La historia sigue a Ji-hoon, un fiscal general de Corea del Sur que ha entrado en desgracia a causa de un mal manejo de un caso resonante. Con el fin de redimirse y volver a la fiscalía acepta una misión para revisar las operaciones de espionaje en una ciudad de China (Shenyang), donde es dirigida por Kang-inn, también conocido como Yaksha. Mientras trata de descubrir los manejos de su líder, se encontrará con una guerra entre espías de la cual no puede salir.

Yaksha Ruthless Operations Netflix

Tras un promisorio comienzo, la película tiene dificultades en expresar el eje central de la trama. Cuando el fiscal se presenta ante el “complicado” grupo de operaciones y se muestra persistente, el líder no tiene más que entrometerlo en el fondo del asunto. Es en este momento donde la narrativa se vuelve abrupta y desmotivada por la rápida edición de su planteo central. Lo que hace que el observador se sienta algo disperso en las motivaciones de los protagonistas.

Yaksha, cuenta con una cinematografía demasiada ambiciosa para lo que pretende ejecutar. Una ciudad china con múltiples bandos de espías que pretenden apoderarse de información internacional (con tiroteos, traiciones y persecuciones) se queda algo corta cuando se trata de brindar el tipo de acción que la película merece. En este aspecto las coreografías de acción cumplen por encima de la media, con tiroteos poco emocionantes.

El film no cuenta con el presupuesto de las típicas películas de genero, como pueden ser las de Bourne o Misión Imposible, pero da la sensación que aquí se podría haber aprovechado más la esencia coreana (con dosis de sangre incluida) en vez de recrear secuencias de acción ordinaria.

Yaksha: Ruthless Operations Ending Explained Kang-In

Lo dicho no obsta a que el film sea entretenido. La película mantiene el interés y el actuar de los personajes se vuelve más interesante a medida que avance el metraje. Los actores hacen todo lo posible para transmitir las emociones, ganando puntos las interacción entre el fiscal y el líder rebelde Yaksha, química que mantiene el film a flote en todo momento. Su asociación es el aspecto más destacable.

El resto del elenco cumple pero ninguno logra destacarse. El hecho de enfrentar espías de paises oriéntales diferentes hace presumir tácticas de combates acordes a sus orígenes. Hay un subjefe por ahí, portando alguna katana, que el film no aprovecha en el apuro de unir los cabos sueltos de su tercer acto final. Con lo dicho, la película logra entretener pero no se encuentra entre los mejores trabajos del cien coreano.

RESUMEN

En definitiva, Yaksha: Operaciones Despiadadas funciona como un entretenimiento pasatista. Con una intriga general desmotivada y secuencias de acción ordinarias, no logra alcanzar el impacto visual que la industria cinematográfica coreana es capaz de ofrecer.

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ZONA DE CHOQUE (2020)

critica shorta

El thriller dinamarqués es sorprendentemente cautivador sin dejar de reflexionar sobre la brutalidad policial y el racismo. Zona de Choque (Shorta) se encuentra disponible en Netflix.

Shorta 2

La fuerza policial es un eslabón necesario entre el poder político y la sociedad, que pretende la protección de sus derechos. Cuando se traspasan estos límites, con abusos del uniforme, la sociedad pude verse inmersa en una revuelta popular. Zona de Choque, toma un tema vigente como lo es la brutalidad policial y le agrega diferentes conceptos ( a la vista del observador) como el racismo y las revueltas populares para ser analizadas desde ambos puntos de vista. Todo ello narrado con un ritmo trepidante que hace que el entretenimiento sirva para exhibir eficazmente los temas expuestos.

La historia se centra en dos policías dinamarqueses que quedan atrapados en una ciudad donde la mayoría de la población es inmigrante. Un ciudadano árabe entra en coma por el excesivo uso de la fuerza policial y las tensiones sociales empiezan a crecer cuando ambos oficiales se encuentran patrullando la zona. Las calles se convierten en una zona de guerra, mientras los policías tratan de sobrevivir la noche, a la espera de refuerzos. Mientras luchan por sobrevivir, cada uno de ellos descubrirán quienes son realmente poniendo en duda sus ideales.

Para empezar, no es la historia lo que lo hace cautivadora a Zona de Choque, sino la manera en la que lo es narrada. El thriller dinamarqués cuenta con el suspenso y la tensión necesaria para mantener atención de la audiencia ocupada. Pero también cuenta con un guion que adorna los conflictos actuales entre la fuerza policial y sus abusos. En este punto el film enfrenta a dos policías con patrones de conducta diferentes.

Mike Andersen (Jacob Lohmann) es un policía racista duro y experimentado.  Él cree que siempre se debe respaldar a compañeros oficiales, independientemente de lo que hallan hecho.  Jens Hoyer (Simon Sears) tiene una perspectiva diferente.  Es más progresista que Anderson y cuestiona los métodos que su compañero ejecuta. La forma inicial en la que el film presente a los personajes es la típica formula de policía bueno/policía malo. Pero Zona de Choque es mucho más que eso, al profundizar el comportamiento y la evolución de los oficiales en peligro. En este aspecto, los interpretes logran que se empatice con ellos, al margen de sus reprochables comportamientos. Sin dudas una gran labor protagónica, especialmente de Lohmann, quien supo sacar a flote un personaje complejo.

Zona de Guerra no da respiro. Es un día de supervivencia en un enfurecido barrio marginal inmigrante por la muerte de un joven a causa de un abuso policial. Cuando los agentes de la ley quedan atrapados deberán buscar refugio en el laberintico barrio mientras los residentes los acechan. El tono y su música es llevada con el suficiente esmero para ser creíble cada escena. Los conflictos entre los personajes, sus peleas, discusiones y los pequeños giros de su narrativa dan en la tecla. Todo ello hace que Zona de Choque no pase desapercibida. Siendo un solido thriller policial con un desarrollo narrativo vigente.

CURIOSIDADES

  • El título provisional del guión era “Panser” (palabra danesa para “armadura”, que también significa “policía” ). El director Anders Ølholm lo cambió a “Shorta”, la palabra árabe para Policía.
  • El gueto donde se desarrolla la película, Svalegården, es ficticio.

RESUMEN

En definitiva , Zona de Choque (Shorta) es un thriller policial cautivador que mantendrá la atención de la audiencia hasta el final. Su ritmo trepidante, eficaz interpretación y su buena música hacen del film un entretenimiento satisfactorio. Asimismo, reflexiona sobre nuestra sociedad actual poniendo conceptos analizables como el racismo y la brutalidad policial.

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FRESH (2022)

Un thriller inquietante que pese a sus buenas actuaciones no va más allá de lo que pretende contar. Fresh, se encuentra disponible en Star +.

Fresh no debería tomarse demasiado en serio o quizás sí, dependiendo de la susceptibilidad del observador. Visualizar mujeres cautivas, mientras se les extrae, cuidadosamente, partes de su cuerpo para una clientela de alto poder económico puede ser un atractivo para los que gusten de thrillers inquietantes, bien llevado por cierto, pero el film no cala en sus temas importantes. Con un tono machista, irónico y provocador, Fresh logra entretener de una manera “original”. Pero no se preocupa por sus motivaciones.

La historia sigue a Noa (Daisy Edgar-Jones), una joven solitaria que está harta de frecuentar encuentros en línea, que no la llevan a ninguna parte. Un día conoce a Steve (Sebastian Stan), un encantador cirujano plástico, en el puesto de frutas de un supermercado. Sorprendida por su comportamiento, se enamora inmediatamente y comienzan a salir juntos. Es en este momento donde Noa acepta ir de viaje de un fin de semana con Steve, pese a la negativa de su amiga bisexual Mollie, quién no se convence del perfil y postura que adopta el cirujano. Steve, no tiene huellas de ninguna red social y Noa descubrirá que su trabajo es mucho más perturbador y oscuro de lo que se pensaba.

Dejando de lado lo manifestado ut-supra, Fresh tiene una introducción de media hora, antes de sus créditos, bastante satisfactoria. Es en este tiempo de ejecución donde se construyen los personajes, más precisamente el de Noa, quién no se resigna a estar sola. En este punto la reacción sentimental de la protagonista esta bien establecida. Su cita de apertura es un tacaño machista que no tardará en insultarla cuando Noa se niega a un futuro encuentro.

Ello la llevará a los brazos de Steve, un hombre encantador que utiliza métodos un tanto “tradicionales” a la hora de socializar. No obstante ello, la forma en que la pareja logra conocerse es algo poco ortodoxa. ¿Qué mujer da su número a un extraño en un supermercado? y ¿Qué mujer acepta irse de viaje con apenas un par de días de conocerse? Independientemente de ello, la narración crea un clima sombrío para el observador que desconfiará en el encanto de Steve.

Cuando la pareja llega al domicilio de Steve, las cosas empiezan a cambiar de rumbo. El terror se abre camino en lo que será el primer gran giro del film. Sin animo de generar spoiler, se puede decir que la situación que vive Noa es aterradora por la sencilla razón de que en la actualidad podría suceder. En este punto, algunos observadores tendrán puntos de vista diferentes en cuanto al camino de su narrativa y a su seriedad. El femicidio por un lado y la cosificación de la mujer por otro, pueden herir alguna susceptibilidad pero se puede argumentar que el film sigue una línea liviana de otras propuestas más fuertes (Hostel) y en la que no debería tomárselo demasiado en serio.

En este sentido, el film ofrece algunos primeros planos visuales bastante “asquerosos” (un muslo envuelto en plástico, brazos congelados, platos de comidas con corte humano), manteniendo el estado de animó expectante hasta sus desarrollo final. En este asepcto, la idea que el cuerpo es un producto para ser vendido y consumido por otros es un mensaje que no va más allá de lo que se muestra. Fresh, no profundiza más de lo necesario en sus temas importantes, usando sus giros narrativos y su cuidada dosis de sangre para completar aquel faltante.

En cuanto al elenco, cumple acabadamente. Steve y Noa tienen química en pantalla y logran generar emociones contrapuestas. Edgar-Jones (Noa) afronta la situación con tristeza pero con determinación y Stan (Steve) aporta carisma con un comportamiento retorcido y desequilibrado.

RESUMEN

En definitiva, Fresh (con sus reservas) es entretenida y sabe como infundir terror en situaciones probables, pero no desarrolla completamente sus temas. Una vez que ocurre el giro, la película comienza a ir en varias direcciones, ofreciendo nueva información y escenarios que, aunque intrigantes, no agregan mucha profundidad a su mensaje general.

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SIN SALIDA (2022)

Un thriller efectivo que te mantendrá con los ojos bien abiertos. Sin Salida (No Exit), se encuentra disponible en Star +.

Sin Salida, toma conceptos antes vistos y elabora un efectivo thriller de supervivencia con una convincente actuación de su protagonista principal. Con la historia desarrollándose en un solo lugar, un guión con múltiples giros y una heroína dispuesta a todo ayudan a que el espectador tenga los ojos bien abiertos y no se levante de su sillón. Sin Salida, a pesar de su exceso de lo absurdo, cuenta con suficientes emociones que mantendrán la atención hasta el final.

La historia sigue a Darby (Havana Rose Liu ), una estudiante universitaria en rehabilitación por adicción a las drogas. Mientras frecuenta reuniones grupales recibe una llamada trascendental: su madre está internada en el hospital con un diagnostico de aneurisma cerebral. Sometida por las reglas del establecimiento, en las cuales se le impone la prohibición de realizar llamadas externas como así permanecer alojada hasta que un familiar firme su retiro, decide escapar. Durante el trayecto, una fuerte tormenta de nieve la obliga a buscar refugio en una parada de descanso cerca de la montaña. Sin señal de comunicación, descubre una niña atada en la parte trasera de una camioneta. Los sospechosos son cuatro personas que están esperando el paso de la tormenta. Con nervios de acero, Darby deberá olvidarse de su angustiosa situación personal para escapar del refugio con vida.

Se pueden llegar a reprochar algunas vivencias de la narrativa de Sin Salida, pero lo que es ineludible es la capacidad de generar tensión en los momentos de supervivencia. Aquí, se parte de un sola locación. En este caso una instalación que funciona como un refugio de tormentas de nieve y en donde se desarrollan todas las interacciones. La dirección ágil y dinámica de los acontecimientos hace que el observador se pregunte que sucederá a continuación. Derby, es una adicta, una persona que debe rehabilitarse para no ir a prisión. Las circunstancias de su adicción como el rechazo de su familia no están bien profundizadas pero es suplida por una trama de supervivencia, diseñada por expertos del entretenimiento.

Sin Salida, tiene un evidente trasfondo de trafico infantil pero su narrativa lo instala como pista para develar a sus captores. Ello genera un evidente clima de tensión, lo suficientemente tolerable para no molestar aquellos observadores, susceptibles de este nefasto delito. En su lugar, se elabora un thriller de supervivencia, en las que se apoyan varias novelas policiacas. La heroína en cuestión, es lo suficientemente convincente para mantener a la audiencia comprometida. La actriz oriental transmite con sus ojos la situación inquietante que la aterroriza y en la cual está dispuesta ayudar. Junto a ella, están cuatros interpretes, cada uno de los cuales aporta algo para agregar suspenso a la historia.

La película cuenta con exagerados momentos de violencia. Algunos redundantes, pero que no logran descarrillarla. La acción, que se desarrolla en las instalaciones de la montaña, cuenta con algún exceso de lo absurdo pero en su valoración final son lo suficientemente convincentes para aprobarlas. Ello es posible gracias a Havana Rose Liu, quién demuestra un notable talento para transmitir emociones. Liu se refugia de la tormenta pero afronta un verdadero infierno en el refugio. Cuando lo enfrenta, emerge las bondades de un personaje complejo. En este sentido, apostar el peso del relato en una heroína, adicta en recuperación, es en rasgos generales una recompensa bien ganada gracias a la solida actuación expresiva de su protagonista.

El film, cuenta con una partitura musical acorde a los momentos de tensión. En este aspecto no solo engrandece la labor de sus interpretes sino que colabora en la atención del espectador. Sin Salida, te mantendrá con los ojos bien abiertos. No es poco, teniendo en cuenta que es un film de una sola locación y con un puñado de personajes.

RESUMEN

En definitiva, Sin Salida (No Exit) es un thriller efectivo y convincente que no defraudará a los que gusten de un suspenso conciso y que los mantenga expectantes hasta el final. Para aquellos que busquen un simple entretenimiento, su experiencia será gratificante. Los más experimentados y afines con un misterio más elaborado, tendrán sus reservas. Disponible en Star +.

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KIMI (2022)

Steven Soderbergh retorna a la dirección con Kimi, un thriller moderno que hace lucir a su estrella principal, Zoë Kravitz. Disponible en HBOMax.

La pandemia mundial y las distintas variantes del Covid 19 cambiaron la forma de vida del ser humano. El miedo a contagiar, y sobre todo, ser contagiado siguen vigentes en cada de uno de nosotros cada vez que recurrimos al mundo exterior. El problema se potencia en aquellas personas que arrastran ataques de pánicos o trastorno de ansiedad asimilables al síndrome de la caverna. Steven Soderbergh, aprovecha el trasfondo social pandémico y elabora un thriller moderno y vertiginoso y hace lucir a su estrella principal, Zoë Kravitz.

La historia sigue a Angela ( Zoë Kravitz), una interprete de transmisión de voz que trabaja para una empresa de tecnología. Su tarea radica en resolver los problemas de los usuarios con el producto Kimi, un artefacto tecnológico que cumple demandas a viva voz. Directivas como prender o apagar la luz, encender el televisor, etc, forman parte del catalogó de opciones del dispositivo Kimi, que se irá actualizando con el transcurso de nuevas ordenes.

Angela es una mujer agorafóbica que se encarga de corregir los errores de Kimi antes que está salga al mercado. Se evidencia un negocio multimillonario aquí y el test de prueba está próxima a concluir en una semana. Mientras Angela escucha la última columna de reclamos, no puede evitar la sospecha de un potencial crimen, grabado por el nuevo artefacto. Con la intención de llevar el caso a la policía, alerta a sus superiores, pero en el camino se dará cuenta que corre peligro su vida.

Se pude decir que Kimi es un thriller inteligente al abordar temas como la corrupción empresarial y la tecnología dentro de un contexto pandémico de nuestra vida cotidiana. También se puede decir que el film aborda un territorio familiar ya probado, ¿recuerdan La Red,? protagonizada por Sandra Bullock. Lo cierto es que Kimi presenta el material de una forma rápida y atractiva. El observador tendrá un tiempo de diez minutos para canalizar el peligro de la historia y su posible consecuencia. No hay una introducción narrativa que desmenuce o profundice la vida de la protagonista; todo lo que aparece en pantalla sirve para desarrollar la historia.

En este punto se evidencia el talento del director Steven Soderbergh para ilustrar rápidamente el problema de Angela. Ella es una adolescente que está aislada del mundo exterior. Su agorafobia está muy bien empleada, creando secuencias tensas e inquietantes ya que su condición se potencia con la pandemia. De manera que el personaje se construye en un camino de adversidades. Angela tendrá que salir de su zona de confort por razones que se vuelven cada vez más evidentes.

Kravitz, lleva adelante el personaje y su fobia de manera convincente. Pude resultar un poco brusco su comportamiento social, especialmente su relación con el vecino de enfrente, pero Angela representa a un grupo de personas apegadas a la tecnología en donde su lenguaje es precisamente la poca comunicación. Esta característica fría y robótica, potenciada por la agorafobia, marca el predominio de la tecnológica en nuestra vida cotidiana y en la cual está destinada a la máxima comodidad y su consecuente aislamiento. Al margen de ello, Kravitz fundamenta su personaje, teniendo momentos destacados.

Ahora bien, el film gira en torno a Angela, con lo que los personajes secundarios se sienten algo desatendidos. Si bien resulta entendible, por el propósito de la narrativa, no hay ningún actor secundario que tenga un papel significativo. La perspectiva de contar la historia desde el personaje de Angela le da margen y libertad a Kravitz para su lucimiento, profundizando algunas capas de su agorafobia. Con un tiempo de ejecución de 89 minutos, la película avanza con ímpetu hasta su desenlace final.

CURIOSIDADES

  • Betsy Brantley (voz de Kimi) es la ex esposa del director Steven Soderbergh.

RESUMEN

Kimi, es un thriller de desarrollo rápido que aprovecha temas actuales, como la destable pandemia. Zoë Kravitz, tiene margen para construir su personaje con su fobia y lo logra, eficazmente. No es unos de los mejores trabajos de Soderbergh (La Gran Estafa, Traffic, Erin Brockovich, entre otras) pero es un producto bien elaborado.

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