Suspenso archivos - Página 2 de 7

05/09/202205/09/2022

FALL (2022)

Con una increíble sensación de vértigo, (Fall), cumple en el genero de supervivencia. Eso sí, no es ajena a situaciones torpes como inoportunas.

Las películas de supervivencia no requieren mucho trabajo de narrativa. Los personajes y sus conflictos juegan un papel secundario de su estrella principal, que es el peligro que se genera. Con lo que todo se focaliza en el desarrollo de los efectos especiales para recrear un atmosfera de riesgo, vital, para cualquier forma de supervivencia. Fall, sigue ese criterio y lo cumple acabadamente recreando una increíble sensación de miedo en las alturas. Como todo película de genero no es ajena a un argumento torpe y por momentos inoportuno en el que se desenvuelven sus personajes principales.

Fall sigue a Becky (Grace Caroline Currey), una escaladora que no puede salir de un pozo depresivo. Su aventurero marido Dan ha perdido la vida mientras escalaban una montaña rocosa y ello le ha quitado su forma de vivir, refugiándose en el alcohol. Al cabo de 51 semanas aparece su entonces amiga Hunter (Virginia Gardner) para sacarla del ostracismo con una propuesta. Le ofrece escalar una torre de radio de 610 metros de altura en el medio del desierto. Cuando se comienza la aventura y llegan a la cima de la torre, la escalera se cae y quedan atrapadas en las alturas sin servicio de celulares, sin agua y sin que nadie las pueda socorrer. El tiempo y el vértigo apremian, mientras encuentran la forma de bajar.

La película sigue los parámetros del genero de supervivencia tal cual nos tienen acostumbrados. No hay aquí ninguna innovación que determine una idea diferente sino más que seguir un patrón de conducta de los personajes en la osadía de aventurarse al peligro y sus consecuencias. Esta situación genera un clima de torpeza en las decisiones que se someten sus actos, atento que no hay nada que las haya puesto allí más que su propia voluntad. Pero, fuera de la rebeldía de las protagonistas de turno como su endeble significado de la vida ( en donde el peligro de perderla es un factor común) hay una recreación del miedo a las alturas muy bien configurada.

Ese vértigo se representa en la pantalla de forma totalmente eficaz con imágenes que representan la altura de la torre en el medio del desierto. Así como Tom Cruise en el Protocolo Fantasma de Misión Imposible, Fall, triunfa en este aspecto con destacados efectos especiales de impecable factura técnica. Es más que probable que las acrobacias (si las hubiese) y la configuración de su entorno se hallan hecho en una sala de edición. Pero aquí hay que tener un ojo clínico para darse cuenta de ello. Desde que las protagonistas deciden subir la escalera de la antena de comunicación, con poco espacio para moverse, el miedo a las alturas comienza a producir efecto.

La película cuenta con algunos giros que pueden volverse un poco previsibles y hasta repetitivos de otras propuestas. Pero lo cierto es que sirve para complementar la acrofobia. En este aspecto las dos protagonistas no tienen mucho con que trabajar, más que evitar caer al vacío. No está del todo claro el mensaje de la vida que quiere transmitir el film (no hace falta ponerla en riesgo para darse cuenta de ello) pero esto no es motivo de análisis aquí. La cuestión es que los intentos de supervivencia y rescate están diseños para transmitir sensaciones de miedo en las alturas y en esto cumple satisfactoriamente en un tiempo de ejecución de casi dos horas.

CURIOSIDADES

La torre de televisión B67 no es una torre existente. Según el director, la película se basó en la torre de radio KXTV/KOVR, también conocida como Sacramento Joint Venture Tower. Muchos saltadores, a lo largo de los años, han invadido ilegalmente la propiedad y han escalado la torre para saltar y lanzarse en paracaídas al suelo. La torre de radio KXTV/KOVR tiene una altura de 625 m (2049 pies).

RESUMEN

En definitiva, Fall, entretiene por sus logrados efectos visuales y por su sensación de miedo a las alturas. Si bien agrega una nueva perspectiva al genero de supervivencia, no hay nada más que eso en su obvio contenido.

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06/08/202206/08/2022

DEPREDADOR: LA PRESA (2022)

La ultima entrada de la franquicia de Depredador, La Presa, se reencuentra con su estilo y estética redondeando un thriller de acción digno y sumamente entretenido. Disponible en Star +.

El secreto para reiniciar una franquicia cinematográfica parece ser su regreso a las fuentes. Aquellas que marcan los lineamentos de una historia y personajes son un recurso necesario para retomar el exitoso camino perdido. En tiempos actuales, las secuelas, precuelas y remakes se han convertido en una norma desvirtuando el brillo y gloria del que tuvo alguna vez el producto original. En el caso de la saga de Depredador, La Presa, es una digna entrada que aprovecha su raíz violenta y se reencuentra con su estilo perdido. Lejos de la inolvidable y única película de 1987 (con un fabuloso Arnold Schwarzenegger) pero demasiado cerca en espíritu, La Presa es tal vez la mejor entrada desde las dos películas del Depredador.

La película sigue a Naru (Amber Midthunder), una integrante de la comunidad Comanche en 1719, en Norteamérica, que desea demostrar sus capacidades de caza entre sus homólogos masculinos. Esto la lleva a perseguir, con su cercano y líder hermano, a un león que está acechando el territorio indio y ha dejado malherido a uno de sus miembros. Cuando Naru nota la presencia de un ser extraño y todos los demás la ignoran es inducida a demostrar su valor y se aferra a un viaje sobre la peligrosa fauna silvestre. Pero no estará sola, unos violentos colonizadores y un temible y brutal Depredador serán parte de su descubrimiento y con ello el ansiado título de cazador o de presa.

Para empezar lo que hace eficiente a Depredador: La Presa es su sentido de pertenencia. La narrativa adopta ese camino en forma simple y es precisamente lo que la película necesita. La forma en que es llevada la historia recuerda a ciertos pasajes de la entrada original. Esto es, el entorno natural de bosques y montañas es utilizado como “algo más” que bellos paisajes en donde se desenvuelve la gran parte de la acción. Lo que fue “la selva” en el Depredador de 1987, lo son los entornos boscosos, con un gran uso en su aplicación. Aquí la fuente como inspiración da resultado y permite que el depredador tarde más en aparecer.

Lo mismo sucede con las secuencias de acción y suspenso. La preparación de lo que es el primer encuentro entre Naru y el Depredador es por demás satisfactoria. Siendo la quinta entrega de la franquicia el grado de sorpresa está prácticamente perdido. Con lo que hay que suplirlo con un fuerte impacto visual o con un nivel de violencia perturbadora. En cierto punto, La Presa lo logra con solidas secuencias de acción acompañadas con un alto grado de violencia sangrienta.

Ante ello se puede decir que las películas de Depredador necesitan nutrirse de este contenido explicito para no traicionar el espíritu del personaje. Se recuerda que Depredador de 1987 era una película apta para 18 años y sus escenas para la época eran estremecedoras. La Presa, sigue el camino que marcó su original con un Depredador ultraviolento y respetuoso de su formar de cazar a sus victimas. En este punto el regreso de la criatura a su fuente también es un acierto.

Ahora bien, la película tiene sus bases en el Depredador y en la manera de ocultarse de su camino. Pero esto no funcionaría sin la participación de su presa o de su cazador, en todo caso. Midthunder (Naru) lleva el protagónico con total soltura y demuestra ser una sorprendente heroína que hace uso de su entorno natural para combatir al alienígena. Naru es valiente y hábil con el hacha pero su fuerte es la estrategia. Otro punto a favor que el film se encarga rápidamente de demostrar y que se fortalece en sus pasajes finales.

En cuanto a las características físicas del Depredador se puede decir que su tonalidad es más oscura y tenebrosa que el original pero que no llegan a olvidar el Depredador de 1987. Lo mismo sucede con la representación de la comunidad comanche. Los indios, sobre todo el hermano de Naru, parecen tener un toque moderno que no se condice con la época que representan. Quizás un uso del lenguaje oficial o ficticio (todos hablan inglés) le hubiese dado más identidad a la comunidad comanche.

CURIOSIDADES

Esta sería la quinta entrada en la serie (sin contar las películas Alien vs. Predator). Según se informa, no tendrá ninguna conexión con El depredador de 2018 .
Taabe (Dakota Beavers)dice sobre el Depredador después de herirlo: “Si sangra… podemos matarlo”. Es un homenaje a la primera película de Depredador (1987), donde esas mismas palabras las dijo Alan “Dutch” Schaefer ( Arnold Schwarzenegger ).
La tecnología utilizada por el Depredador es mucho más simple que en películas anteriores. Por ejemplo, las secciones de camuflaje son más grandes y tienen menos armadura.
Primera película de Depredador que se lanza como transmisión exclusiva.

RESUMEN

En definitiva, Depredador: La Presa es una vuelta a los orígenes. Tiene el potencial para dar vida a la franquicia con una serie de aciertos que la transforman en una digna entrada desde la famosa película de 1987.

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28/06/202228/06/2022

WATCHER (2022)

La paranoia y el potencial peligro se funden en Watcher, un film de suspenso bien definido con un claro concepto hitchcockiano.

Watcher Ending Explained Maika Monroe as Julia

La sensación de misterio, duda, paranoia y peligro no siempre transitan por el mismo camino. En ocasiones, la indefectible preferencia de una sobre otra hace que la narrativa pierda sorpresa en su resultado final. Pero no es la intención de Watcher, un film que parte de un descubrimiento inquietante y lo impulsa a través de una investigación paranoica generada por una potencial situación de peligro. Con un claro concepto hitchcockiano, el film genera una línea elemental de suspenso pero lo compensa con la transmisión de efectivos puntos de tensión que experimenta su protagonista principal.

La historia se abre con un matrimonio que se traslada a Rumania. Francis (Karl Glusman) ha aceptado un ascenso con su empresa de marketing y lleva a su esposa, Julia (Maika Monroe), a vivir en un departamento en Bucarest. Al instalarse, Julia tiene que lidiar con los problemas del idioma y no tiene idea de su entorno. Sin embargo, eso no es su único problema. Su esposo, a menudo, está fuera en el trabajo, dejándola sola en la ciudad y Julia, con frecuencia, se detiene a mirar la ventana del departamento, mientras que un hombre se queda mirando. Los nervios por aquel constante comportamiento se potencian cuando se entera de la noticia de que un asesino en serie, conocido como “La Araña”, comienza a aterrorizar a la comunidad. Perturbada y con una incipiente paranoia, comienza una investigación para develar el misterio.

Watcher, adopta el patrón elemental del genero de suspenso pero al mismo no inventa nada nuevo. Se genera un misterio alrededor de un crimen, con un evidente sospechoso, bajo a la atenta desconfianza de una potencial futura victima. Pero mientras que para algunas propuestas la premisa es un indicio para recrear la psicosis criminal y su andar delictuoso; en Watcher sucede todo lo contario. Se potencia una lenta investigación generada por una potencial situación de peligro. En este aspecto la cineasta y escritora Chole Okuno no permite que su obra caiga en el facilismo y brinda efectivos momentos de tensión hasta su tramo final.

El logro se destaca en poner al espectador en la piel del personaje y en sus genuinas sensaciones de terror. Julia es una estadounidense que no habla rumano. Se encuentra en un entorno extraño y pasa sus días en soledad como consecuencia del trabajo de su marido. En este punto Maika Monroe (Julia) comunica en forma competente el animo de aislamiento y justifica su incipiente paranoia en un descubrimiento aberrante. Un asesino conocido como “La Araña” anda suelto en la ciudad y su último asesinato fue en el edificio de enfrente. Casualmente, en el que habita un hombre que observa su ventana todas las noches.

La obsesión de Julia la llevará a involucrarse en una investigación para involucrar a un individuo en la cual considera el principal sospechoso. Aquí es donde Watcher logra su punto más alto, y ello es en el modo exploratorio. La vulnerabilidad que se le imprime al personaje principal dentro de un entorno extraño y con dificultades idiomáticas hará que la audiencia mantenga la guardia alta. Llegado el momento, Watcher logra transformar la tensión en miedo con secuencias de violencia de impacto promedio, que se fortalecen por ser intempestivas. Con todo, la inspiración en Hitchcock es evidente. Pero el film lo utiliza con claridad en la difícil combinación del misterio, suspenso y el terror.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Watcher se inspira en obras de Hitchcock y logra efectivos momentos de angustia y tensión. No inventa nada nuevo pero sumerge al observador en la piel de la protagonista. Maika Monroe lleva la historia con un nivel de pavor convincente por la que vale la pena su revisión.

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14/06/202214/09/2022

VISTA POR ULTIMA VEZ (2022)

Gerard Butler se roba toda la atención en un film que no dice más de lo que es. Vista por última vez (Last Seen Alive), persigue una historia familiar con bajos recursos técnicos. Aun así cobra impulso por la labor de su estrella principal, como el elenco que lo rodea.

Reseña de Last Seen Alive Gerard Butler como Will Spann

Un actor de grado A en una película de clase B es la mejor definición para Last Seen Alive. Un film que no ahonda mucho en su escritura, como en sus recursos técnicos, pero que cuenta con un Gerard Butler comprometido en la búsqueda de su esposa, que desaparece de una estación de servicio. El protagonista no tiene esa clase de “habilidades” características de los héroes de acción. Solo es un hombre común ante una situación límite. Entonces, ¿Qué se haría para salvar a un ser querido? La película tiene sus momentos de tensión y no dice más de lo que es, al igual que Butler, un actor de grado A, que salva el espectáculo.

Will (Gerard Butler) y Lisa (Jaimie Alexander) es un matrimonio que no está pasando por un buen momento y deciden tomarse un tiempo para esclarecer las cosas, sobre todo del lado de Lisa quién no parece estar segura de continuar la relación. Por lo tanto, emprenden camino hacia la casa de los padres de Lisa. Pero en el trayecto el vehículo se queda sin combustible, con lo que se detienen en una estación de servicio. Mientras Will reposta combustible, su esposa entra a comprar un refresco, siendo la ultima vez que la ve.

A partir de allí, Will empieza una búsqueda frenética, culminando con la notificación a la policía. El detective Paterson se hace cargo del caso pero las cosas comienzan a impacientarse y Will decide rastrear a su esposa por su cuenta. En un medio que no conoce, tendrá que buscar las pistas necesarias, incluso si eso significa estar al margen de la ley.

La historia y su desenlace son muy similares a Sin Rastro (1997), aquella película protagonizada por Kurt Russell en donde su esposa estaba sometida a un secuestro. Vista por Ultima Vez, juega con esa premisa con un particular inicio: muestra las cartas del delito de antemano, no dando pie a ningún tipo de sorpresa, planteando la irremediable búsqueda de un hombre que hará todo lo posible para encontrar a su esposa con vida.

Entonces, el primer acto de apertura exhibe una confesión de alguien que presumiblemente está muerto. La introducción, que sirve como base motivacional de la historia encuentra un rápido atajo hacia su culminante final, en el que resta saber si el protagonista encontrará con vida o no a su mujer. De nada sirve el factor sentimental que se trata de imprimir aquí (con la confesión de infidelidad incluida) debido a que es neutro en el camino de la escena del crimen.

Ahora, lo que compensa su predecible trama es la actuación de Gerard Butler. El actor de origen escoses matiza su personaje sin perder de vista que es un hombre con los pies en la tierra. Will, es un exitoso empresario sin habilidades particulares pero con el instinto salvaje para llegar a destino a cualquier precio (al margen de la ley incluido). La audiencia verá un protagonista decidido y con mucho actitud para enfrentar ciertos obstáculos. Algo que podría llegar a cuestionarse en ciertos pasajes de la historia, pero que se hace creíble por la labor de Butler.

Todos los actores interpretan sus papeles satisfactoriamente, pero al final se queda la sensación de que se podría haber aprovechado un poco más el personaje del detective Paterson. Con todo el peso del relato en las espaldas de Butler, bien podría haberse dado un lugar más preponderante al detective que duda del héroe pero que luego brinda su ayuda. Es ocasiones es difícil encontrar un secundario que sirva de soporte al actor principal. Aquí lo tenían (Russell Hornsby), pero no le dieron mucho tiempo en pantalla.

En cuanto al aspecto técnico, se puede decir que es una producción con escenas simples y directas. Se evidencia una estética televisiva en la imagen de filmación y bajos recursos en en algunos efectos. Pero la tensión reinante en su tramo final compensa aquellas falencias con una secuencia brutal y bien escenificada que hará poner los nervios de punta. En este aspecto la partitura musical juega un papel clave, acompañando los movimientos de Butler cada vez que entra en acción. Ante ello se vuelve a señalar que la actuación de Butler es el motivo principal del éxito de la película.

RESUMEN

En definitiva, Vista por última vez (Last Seen Alive) maneja una historia con técnica simplista que cobra impulso por la actuación de su protagonista principal. A pesar de algunos buenos momentos de tensión, es el aporte de Gerard Butler la razón principal para ver la película.

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20/05/202220/05/2022

LA MEMORIA DE UN ASESINO (2022)

Liam Neeson retorna con otro papel a su medida. Si bien La Memoria de un Asesino (Memory) tiene una narrativa desequilibrada, supera a los últimos trabajos del actor. Lo acompañan Monica Bellucci, Guy Pearce y Ray Stevenson. La película está dirigida por Martin Campbell.

Liam Neeson encontró en el año 2009 una nueva faceta de su exitosa carrera. Búsqueda Implacable (Taken) lo catapultó como estrella de acción y sembró un prototipo de héroe con habilidades del cual el actor supo aprovechar sus frutos . Desde aquella película, Neeson ha hecho una versión semejante con sus personajes, componiendo un hombre solitario, que se maneja en las sombras, y que tiene un destacado talento para resolver conflictos. Su última película, La Memoria de un Asesino (Memory), sigue a Neeson como un asesino a punto de retirarse que comienza a perder la memoria. Como es de esperar, utiliza sus habilidades para perseguir a criminales desagradables. Si bien la premisa es sencilla y cuenta con algún que otro desequilibrio en su trama, supera a los recientes trabajos del actor.

Alex (Liam Neeson) es un asesino a sueldo que es contratado para matar dos personas claves para borrar un hecho de trafico de personas. La misión lo lleva apoderarse de unos archivos que prueban hechos comprometedores, mientras se decide a terminar su encargo. Resulta que Alex es un criminal efectivo pero no mata niños. Al ver que su target es una niña indocumentada, decide revelarse y perseguir a los criminales. En el camino encontrará una conexión con un agente del FBI, Vicent Serra (Guy Pearce), que se encuentra empeñado en acabar con el trafico de personas. Los problemas se presentan cuando Alex empieza a perder la memoria a la vez que debe lidiar con la policía y el sindicato del crimen

Los primeros treinta minutos de La Memoria de un Asesino son muy buenos y demuestran mucho, algo que no puede mantener por falta de equilibrio en su narrativa. El personaje de Neeson, Alex, sufre de principio de Alzhéimer y anota en su antebrazo algunos datos para recordarlos oportunamente. Lleva consigo una medicación, para calmar su enfermedad pero esta circunstancia es llevada sin armonía. En algunos pasajes, Nesson se olvida de lo que sucedió el día anterior y en otras actúa con total normalidad. Esta situación se siente desaprovechada atento que podría haber jugado con una vulnerabilidad aún mayor en el personaje.

Independientemente de las habilidades de Alex, en las que Neeson las ejecuta con solvencia en todos sus apariciones, hay una clara muestra de repetir el personaje de Búsqueda Implacable, pero del lado contario y con poca memoria. Esto lejos está de ser un reproche y al film le asienta realmente bien por la presencia de Neeson y por un elenco secundario de primer nivel. En este aspecto logra destacarse Guy Pearce, el cual por momentos logra ponerse en el mismo nivel que el protagonista, interpretando a un honorable y sufrido agente del FBI.

La película tiene varios giros y muchos personajes. Algunos se sienten algo caricaturescos, como algunos integrantes del FBI pero son salvados por un eficaz elenco secundario de apoyo. La presencia de la siempre bella Mónica Bellucci es el personaje más interesante, componiendo a una empresaria inmobiliaria que busca ocultar vínculos con el trafico sexual.

La Memoria de un Asesino desarrolla el trafico sexual con mucha suavidad, insinuando la corrupción en las altas esferas pero nunca se mete de lleno. Quizás no quiso ir más allá para no perturbar el animo del observador, con delitos tan desagradables como estos. Pero lo cierto es que el enfoque sensible del delito se siente mal administrado. Algo que sí supo plasmar Búsqueda Implacable. Independientemente de ello, el director Martín Campbell tiene la habilidad necesaria para salir de temas escabrosos con algunos giros inesperados.

El cineasta utiliza buenos planos del actor y saca replicas de actuación de sus otras películas, algo que los fanáticos agradecerán. Pero teniendo en cuenta que es el director que reflotó la saga de James Bond como Goldeneye y Casino Royale, no esperen nada excepcional aquí. La Memoria de un Asesino es todo lo que uno puede esperar de una película de Liam Neeson, con el aliciente que supera a sus últimos trabajos.

RESUMEN

En definitiva, La memoria de un Asesino (Memory) tiene un elenco y un director competente. La película dura casi dos horas y su trama se siente algo sobrecargada y con falta de equilibrio. Aun así, la audiencia sabrá exactamente lo que esta consumiendo que no es otra cosa que otra película entretenida de Liam Neeson.

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16/05/202216/05/2022

SHARK BAIT (2022)

Tan tonta como agotada, la premisa de un hambriento tiburón blanco es otra “mordida” mediocre. Shark Bait, toca fondo a pesar de un par de buenos momentos.

No es lo mismo ver un tiburón que verlo venir. A eso han apuntado las recientes producciones con un escuelo hambriento que se encuentra al acecho por decisiones tontas de sus victimas. Dirigida por James Nunn, quien también fue el director de segunda unidad de Terror a 47 metros y su secuela, Shark Bait toca fondo a pesar de un par de buenos momentos.

En esta oportunidad un grupo de jóvenes adolescentes se encuentran disfrutando de unas vacaciones en alguna playa de México. Su único fin parece emborracharse hasta el amanecer y es de aquí que toman la decisión de robar un par de motos de agua y alejarse de los límites de la costa. El problema surge cuando chocan las motos, jugando a un tonto juego que consiste en un duelo para saber quien es el más cobarde.

A toda velocidad, el par de jetsky se enfrentan y se produce el inevitable choque. El resultado es el hundimiento de una moto, un inconsciente y un herido con una grave lesión sangrienta en su pierna. Con una embarcación a flote, los cinco amigos se encuentran varados a millas de distancia y un con un celular que no tiene señal. Mientras encuentran la forma de volver a la orilla, un gran tiburón blanco los acecha para devorarlos.

Las películas de tiburones entretienen por la sencilla razón de que los tiburones existen y están ahí, en el fondo del océano. En cada de uno de nosotros hay un miedo intrínseco cada vez nos que decidimos a bañarnos en el mar. No hay que ir más allá por las dudas dirá nuestro inconsciente. Sobre esta sensación de miedo y terror a lo que no vemos y puede venir, los escritores de Hollywood han ideado numerosas secuencias modernas con un tiburón como protagonista. Great White (Tiburón Blanco) y The Requin fueron las ultimas que abordaron esta temática, con no muy buenos resultados. Ahora le toca el turno a Shark Bait, un film que toma una idea lo suficientemente tonta con la clara intención de mejorar los niveles de entretenimiento.

Desde el momento que se presentan los cinco personajes sabemos que las cosas no van a terminar bien. La decisión de jugar a un juego que incluye la posibilidad de que las motos robadas colisionen a millas de distancia de la costa es un riesgo que va en desmedro de los protagonistas. Cuando colisionan (por su estúpido comportamiento) es difícil empatizar con ellos y es probable que alentemos al tiburón a realizar su tarea. En este punto, el observador hará un juego mental sobre quien será la próxima victima y su intuición es más que probable que de en el acierto. Ello se debe a las tontas decisiones que toman los personajes post al accidente que hacen que el resultado se vuelva demasiado predecible.

Ahora bien, con un gran tiburón blanco acechando la única moto de agua a flote, la escritura de la película le agrega un tono dramático con discusiones tediosas sobre la revelación de que uno de los personajes tuvo una aventura con el novio de su amiga. El celular es la fuente del descubrimiento del engaño y su consecuente reproche parece darle una prioridad superior mientras los personajes se encuentran a merced de un gran depredador. Este toque dramático se siente inoportuno y totalmente desinteresado.

Una vez que aparece el tiburón, Shark Bait mejora un poco. El cineasta James Dunn logra una buena primera aparición del escualo con una secuencia inquietante. La técnica de mostrar poco, solo la aleta del tiburón y su presencia amenazante debajo del agua da resultado. El problema se presenta cuando el tiburón sale del agua y se muestra en primer plano. Una escena en la que ataca la moto de agua es sencillamente artificial y rompe el aceptable suspenso ganado. Lo mismo ocurre con las muertes de la película, los efectos se evidencian demasiado computarizados y dejan mucho que desear. El film es relativamente corto, con una hora y veinte minutos de metraje los fanáticos del genero pueden pasar un rato entretenido por así decirlo. Por lo demás, Shark Bait no logra despegarse de la mediocridad de recientes propuestas que impulsan a la decadencia de un genero agotado.

RESUMEN

En definitiva, Shark Bait es otra película mediocre. La tonta premisa no puede mantenerse a flote a pesar de algunos buenos momentos del tiburón. Se puede decir que es un poco mejor que las recientes Great White o The Requin, pero ello no genera merito alguno.

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02/05/202202/05/2022

LA OCTAVA CLAUSULA (2022)

El thriller mexicano cuenta con una premisa escabrosa, que es salvada por sus giros. La Octava Clausula, busca transmitir erotismo e incomodidad, algo que los interpretes no toman el riesgo de asumir. Disponible en Amazon Prime Video.

Filmada en tres semanas y en épocas de pandemia la película reúne un elenco hispanoparlante para confrontar una situación indeseada de un día, dentro de una estética teatral. Infidelidad, erotismo, traición y empoderamiento femenino son las bases en la que se apoya La Octava Clausula. La película se vuelve interesante por sus giros narrativos, que aunque débiles, logran salvarla de su fallido erotismo. Protagonizan Maite Perroni y Oscar Jaenada.

En La Octava Clausula, Oscar Jaenada interpreta a Borja, un empresario exitoso que descubre la infidelidad de su esposa Cat ( Maite Perroni). Con fotos de su mujer y de su mejor amigo (Manuel Vega), como pruebas, decide idear un plan con la ayuda de su abogado para quedarse con las acciones de la empresa. Para lograrlo, decide convocar a los amantes y proponerles un contrato legal con una clausula escabrosa. Es precisamente la octava clausula que tendrán que cumplir, si están dispuestos a firmarla, y no es otra que practicar sexo consensuado en su presencia. Con el conflicto amoroso en ebullición, una extraña mujer solicita ayuda en el domicilio y será testigo de un desenlace inesperado.

Hay algo que de entrada diferencia a la Octava Clausula de otras películas y es su espíritu teatral. Desde el comienzo, la filmación y la dinámica actoral se siente cercana, como si estuviésemos presenciando de nuestra butaca una obra teatral. El escenario es una lujosa propiedad, rodeado de bosques y con un estrecho río que se siente de sus amplios ventanales. La trama y la interacción de sus personajes se desenvuelven allí, en una sola locación. Si bien la pandemia ha traído consecuencias irrebatibles en los sets de filmación, obligando a los elencos a trabajar en burbujas de aislamiento, la premisa aquí planteada no deja de ser favorable. Un triangulo amoroso a punto de ebullición no necesita nada más. Solo un buen argumento para justificar su premisa. ¿Lo tiene la Octava Clausula?

La película tiene un condimento erótico y escabroso que hace al nombre de apertura. La Octava Clausula, es la escusa perfecta para que el film exhiba cierta cuota de erotismo, sensualidad e incomodidad en la audiencia. Pero lo que se ve y lo que se intenta proponer no están emparejados. Razón de ello se evidencia en la incomodidad en las escenas eróticas de la actriz mexicana. Maite Perroni no puede disimularla y por ello las secuencias son cortas e inclusive editadas. No está en juego aquí la cantidad o el exceso de estas secuencias, sí la experiencia de lo que representa, y como propuesta erótica, fracasa. Se puede argumentar en defensa de los interpretes que el ensayo erótico que se propone sirve para justificar su deslace posterior. Pero ello no obsta al logro de transmitir sensaciones y la Octava Clausula es algo fría, como la letra de la ley.

La película cobra impulso gracias a sus giros. Que aunque débiles, logran mantener a flote la narrativa hacia su final. Hay ciertas decisiones de la trama que no alcanzan a justificarse como debería, quedando la ligera sensación de que podría obtenerse un mejor resultado. Maite Perroni y Oscar Jaeneda llevan el peso de la historia sobre sus espaldas. Quizás la interprete mexicana es la que tiene un arco más amplio para trabajar su personaje, pudiendo matizar su conducta en varios niveles.

Queda en deuda en su faceta erótica, algo que no puede suplir su belleza. Jaenada, cumple en su rol de marido que busca un escarmiento por la traición, construyendo un personaje que no le amerita demasiado esfuerzo. El actor español es lo mejor del film, pero le hubiera venido bien una contraparte que refleje su impronta dramática. En este punto, el tercero en cuestión, Manuel Vega, no tiene mucho para aportar, es un peón en línea de juego matrimonial y su participación se siente descuidada.

La Octava Clausula, tiene un tiempo de ejecución relativamente corto. Su hora y veinte minutos de duración es la excusa perfecta para un fin de semana a la medianoche. Entretiene hasta un cierto punto pero es fácilmente olvidable al cabo de unas horas. El director Koko Stambuk parece haber dado cuenta de ello, al construir un relato sin muchas exigencias técnicas. Desde la musicalización hasta el acto final culminante, no logra transmitir el impacto deseado. El público, con los giros, busca una recompensa, y si no están bien ejecutados se corre el riesgo de bajar el pulgar. La Octava Clausula no llega a ese punto pero tampoco es digna de elogios. Si se estuviera en un teatro, el aplauso sería restringido.

RESUMEN

En definitiva, La Octava Clausula, fracasa en su intento de erotizar una situación escabrosa. Sus giros logran impulsar el relato dentro de lo que se puede llamar una experiencia cuasi teatral. El erotismo y los aspectos dramáticos que incorpora no funcionan. Pero tiene algo positivo: mantiene expectante a la audiencia hasta el final.

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19/04/202219/04/2022

INFINITE STORM (2022)

Naomi Watts en un drama de supervivencia mal ejecutado que no aprovecha su fuerte carga emocional. Infinite Storm, es un viaje simple y adormecedor.

Llevar a la pantalla una historia real basada en el heroísmo, la supervivencia y la fuerza de voluntad ante los golpes de la vida es una buena oportunidad para demostrar el talento, delante y detrás de cámara. Infinite Storm, cuenta con la siempre creíble Noami Watts. Pero el film no aprovecha todo su talento dramático, mientras la actriz camina por un terreno escarpado y nevoso durante un tiempo de ejecución excesivamente extenso. Con una cinematografía simple (como su trama) la película es un drama de supervivencia mal ejecutado que no cumple con su fuerte carga emocional, olvidándose por completo de los cinéfilos.

La historia sigue a Pam Bates (Noami Watts), una escaladora de montaña que ha sufrido una tragedia personal. A un año de aquel acontecimiento, emprende un camino hacia la cúspide de una montaña. Sin embargo, antes de que llegue a la cumbre, una gran tormenta de nieve la obliga a volver hacia abajo. En su retiro, observa huellas de zapatillas que la inducen a seguir los rastros de un hombre (John) a punto de congelarse que se encuentra allí por motivos desconocidos. Usando sus habilidades de rescatista, Pam y John deberán bajar antes de que la tormenta los mate a ambos.

Infinite Storm cuenta con una gran historia central sobre la resistencia y como debemos sobrellevar los trágicos momentos cuando se pierden seres queridos. Pero, el reproche aquí no es exigir una aventura trepidante y heroica (el film no los tiene). Sino hacer sentir momentos de tensión y emoción de estar viendo lo que intentan transmitir los personajes. Que no se malinterprete. La protagonista sufre una tragedia familiar y ello la impulsa a seguir adelante. Aquel momento desgarrador está latente pero no es bien manejado en la trama a causa de flashbacks intermitentes que aíslan la secuencia por completo. Ello produce una falta de conexión cuando la rescatista emprende el viaje y hace frente a la tormenta.

Con lo dicho, el film fracasa porque fue estipulado para transmitir su fuerte carga emocional, que se arruina por su deficiente ejecución. El mensaje poético del film sobre cómo un horrible evento de vida terminó salvando a otro no llega a sobrecargar el nivel de emoción requerido, luego de haber transitado una hora y treinta y ocho minutos de ejecución. Otro punto negativo es el enfoque de la acción. Se entiende que es un film dramático e independiente. Pero la acción no es realista ni tiene el peso necesario para trascender. Lo compensa el sonido. El diseño de sonido juega un papel importante, ya sea por la falta de él o por las pocas instancias en las que suena música.

Watts se encuentra en buena forma física pero los planos de la actriz caminando por la nieve no están bien rodados. Por momentos parece un documental. La lentitud con la que se va desarrollando la historia dentro de una cinematografía amateur (véase los planos frontales de la actriz ) me hizo pensar los peligros que puede llegar a generar un viaje de rescate de esa magnitud. Lo cierto es que en Infinite Storm hay una falta clara de urgencia en la caminata por la montaña. Las vidas están en juego y el rescatado tiene los pies congelados, lo que debería ser una aventura sin respiro.

Pero, como se dijo, la película se enfoca más en representar el espíritu humano y esta bien que así sea. El tema es que su mensaje se pierde a largo de todo el metraje. Cuando lo retoma, en su conclusión final, no tiene la suficiente fuerza emocional producto del viaje simple y aburrido.

RESUMEN

En definitiva, Infinite Storm tiene una buena historia para contar que no ha sido bien ejecutada. Desaprovecha el talento de Noami Watts como su fuerte carga dramática y no hace nada por los cinéfilos. Estos últimos, necesitan algo que les haga sentir que están viviendo el momento junto con los personajes.

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18/04/202218/04/2022

THE INTRUDER (2019)

El thriller de invasión a la propiedad es predecible y extrañamente divertido. The Intruder (El intruso) mantiene el interés gracias al aporte de Dennis Quaid. Disponible en Netflix.

Los thrillers de invasión a la propiedad son un “cuento” que se ha agotado. Insistir con una formula que ha sido explotada durante varias décadas trae como correlato la falta de sorpresa. Sin ella, los films que abordan dicha temática van perdiendo su esencia quedando sobre la superficie una narrativa predecible que cualquier observador promedio puede captar de inmediato. The Intruder, hace todo lo posible para aquello suceda, utilizando en los personajes un nivel de comportamiento demasiado inocente. A pesar de sus falencias tiene una carta entretenida. Dennis Quaid, por momentos, hace olvidar las tibias elecciones del film y su aporte hace que luzca extrañamente divertida.

La historia sigue a Scott (Michael Ealy) y Annie (Meagan Good), una pareja que desea alejarse del ruido de la ciudad para comenzar una nueva vida y extender la familia. Para ello ponen el ojo en la venta de una amplia propiedad rural en la cual habita un viudo (Dennis Quaid) que está listo para mudarse a Florida con su hija, luego de que su esposa falleciera a causa del cáncer. Con la adquisición de la propiedad, la pareja comienza a vivir su sueño. Pero el antiguo casero, Charlie, sigue dando vueltas por el vecindario. Cuando las visitas de aquél se hacen espontaneas e imprevistas, Scott comienza a sospechar que hay algo perturbador detrás de su presencia.

Como se adelantó, la historia de acosadores obsesivos o de allanadores de propiedades han sido retratados y expuestos con anterioridad, con lo que la fórmula parece harto agotada. En The Intruder, se repiten conceptos y ritmos narrativos antes vistos con el aditamento que no hay sorpresa en su premisa. Todo es llevado con un patrón de conducta inocente en donde la pareja trata de vivir una vida elegante con espacio para futuros hijos, mientras entran en contacto con un hombre aparentemente triste que no puede dejar la casa que acaba de vender.

No es el fin aquí juzgar repeticiones. Las películas, en todos su géneros, se reciclan constantemente buscando algún giro en su narrativa que pueda llegar a sorprender, impactar y asustar a la audiencia. The Intruder no logra ninguna de ellas y sigue un comportamiento extraño, casi inocente de sus personajes, que desemboca en su inevitable previsibilidad. No hay ningún intento de inspiración o de innovación en la película. Todo lo que se ve, se ha visto antes y el film parece contentarse con ello. En este aspecto el nivel de violencia es débil y la cuota de suspenso es mediocre.

Mientras la pareja trata de descifrar la conducta del antiguo propietario, Charlie, la narrativa permanece en un patrón de espera durante gran parte de su ejecución. En este punto, los problemas extramatrimoniales que la pareja supo tener en el pasado si siente de más, no estando bien explotado. Lo mismo sucede con los amigos de la pareja. En un momento crucial, la esposa del amigo es succionada por el guión cuando debería aportar alguna información de relevancia.

De más está decir de la ingenuidad de la pareja. Scott y Annie, ella más que nada, se muestran confiados y amables ante la visita intempestiva de Charlie. Ambos observan como les corta sorpresivamente el césped, mientras interfiere y opina en cada refacción de la propiedad. Los límites que la pareja le propina a Charlie son demasiado tibios. Scott, extrañamente, no hace nada al respecto y ello enerva la paciencia del observador. En este aspecto, la pareja protagónica no tiene mucho para dar más que dejarse llevar por la locura de Charlie.

The Intruder no es una buena película. Pero tiene algo que induce a su visualización y es la interpretación de Dennis Quaid (Charlie). Sin él, el film no tendría mucho sentido y se puede decir que la interpretación de Quaid maquilla los inconvenientes de un guion predecible. Charlie aparece sin previo aviso y se muestra entre las sombras. Un extraño en el hogar induce a generar horror pero el film no hace mucho para generarlo. Afortunadamente, Quaid aporta toda su experiencia para componer un maniático encantador, logrando entretener a la audiencia hasta su tramo final.

CURIOSIDADES

Las tomas de la carretera que utiliza Scott para ir y volver del trabajo es la misma carretera que se ve en Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock .
Dennis Quaid protagonizó anteriormente Cold Creek Manor (2003), una película sobre una familia que se muda a una histórica casa familiar rural que el dueño anterior se niega a dejar ir. En esta película su papel se invierte.

RESUMEN

En definitiva, The Intruder (El Intruso) se siente como un deja vu. Es una historia que se ha contado antes, con una premisa demasiado inocente. Sin embargo, la fuerte actuación de Dennis Quaid transforma sus evidente fallas en un pasatiempo extrañamente divertido.

https://youtu.be/qmIWOXiHC6Q

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11/04/202211/04/2022

YAKSHA: Operaciones Despiadadas (2022)

El thriller coreano de espías no está a la altura de su ambiciosa escritura. A pesar de ello, Yaksha: Operaciones Despiadadas logra entretener. Disponible en Netflix.

El cine coreano se encuentra en muy buen nivel. Películas o Series, inundan el catalogo de Netflix con propuestas de destacada factura técnica. Independientemente del genero a elegir, la impronta coreana viene demostrando un estilo visual diferenciable. Son tiernos y dulces en el campo romántico y extremadamente brutales y sangrientos en el terreno de la acción. En esto último es en lo que logran destacarse. Gracias a sus originales premisas (muchas de ellas copiadas por los americanos en forma de remake) en las cuales se impulsan sus cuidadas coreografías. Yaksha, es un thriller de espías demasiado ambicioso y se queda corta cuando se trata de brindar el tipo de acción (con ADN coreano) que la película merece. A pesar de ello, logra entretener gracias al aporte de sus protagonistas.

La historia sigue a Ji-hoon, un fiscal general de Corea del Sur que ha entrado en desgracia a causa de un mal manejo de un caso resonante. Con el fin de redimirse y volver a la fiscalía acepta una misión para revisar las operaciones de espionaje en una ciudad de China (Shenyang), donde es dirigida por Kang-inn, también conocido como Yaksha. Mientras trata de descubrir los manejos de su líder, se encontrará con una guerra entre espías de la cual no puede salir.

Tras un promisorio comienzo, la película tiene dificultades en expresar el eje central de la trama. Cuando el fiscal se presenta ante el “complicado” grupo de operaciones y se muestra persistente, el líder no tiene más que entrometerlo en el fondo del asunto. Es en este momento donde la narrativa se vuelve abrupta y desmotivada por la rápida edición de su planteo central. Lo que hace que el observador se sienta algo disperso en las motivaciones de los protagonistas.

Yaksha, cuenta con una cinematografía demasiada ambiciosa para lo que pretende ejecutar. Una ciudad china con múltiples bandos de espías que pretenden apoderarse de información internacional (con tiroteos, traiciones y persecuciones) se queda algo corta cuando se trata de brindar el tipo de acción que la película merece. En este aspecto las coreografías de acción cumplen por encima de la media, con tiroteos poco emocionantes.

El film no cuenta con el presupuesto de las típicas películas de genero, como pueden ser las de Bourne o Misión Imposible, pero da la sensación que aquí se podría haber aprovechado más la esencia coreana (con dosis de sangre incluida) en vez de recrear secuencias de acción ordinaria.

Yaksha: Ruthless Operations Ending Explained Kang-In

Lo dicho no obsta a que el film sea entretenido. La película mantiene el interés y el actuar de los personajes se vuelve más interesante a medida que avance el metraje. Los actores hacen todo lo posible para transmitir las emociones, ganando puntos las interacción entre el fiscal y el líder rebelde Yaksha, química que mantiene el film a flote en todo momento. Su asociación es el aspecto más destacable.

El resto del elenco cumple pero ninguno logra destacarse. El hecho de enfrentar espías de paises oriéntales diferentes hace presumir tácticas de combates acordes a sus orígenes. Hay un subjefe por ahí, portando alguna katana, que el film no aprovecha en el apuro de unir los cabos sueltos de su tercer acto final. Con lo dicho, la película logra entretener pero no se encuentra entre los mejores trabajos del cien coreano.

RESUMEN

En definitiva, Yaksha: Operaciones Despiadadas funciona como un entretenimiento pasatista. Con una intriga general desmotivada y secuencias de acción ordinarias, no logra alcanzar el impacto visual que la industria cinematográfica coreana es capaz de ofrecer.

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