SISU (2022)

Sorprendentemente entretenida, el thriller de acción finlandés hace su propia justicia en el arte de derrotar a los peores villanos de la historia de la humanidad. Sisu, se abre camino entre lo serio y lo absurdo, galopando con un sentido de la épica fenomenal.

Las atrocidades que ha cometido la Alemania nazi durante la segunda guerra mundial son fuente de inspiración de varias películas del siglo XXI para justificar la venganza de los peores villanos que han tenido la humanidad. Dentro de un contexto histórico real pero con personajes e historias ficticias, las narrativas allí previstas giran hacia el entretenimiento en sí mismo, donde lo posible y absurdo tienen límites contiguos. En esta línea de expresión se encuentra Sisu, un thriller de acción violento, sangriento y exagerado que representa la derrota nazi en un viajo épico fenomenal.

Contada en siete capítulos, la trama se abre con un minero finlandés que encuentra oro en los campos de Loponia, durante la retirada de la Alemania nazi en 1944. Mientras los despiadados nazis intentan apoderase del tesoro, el veterano excavador saca a relucir una serie de habilidades que lo hacen evadir de la muerte. Cuando los villanos descubren que el hombre al que le robaron es el legendario héroe de la “Guerra del Invierno”, comienza una despiadada y sangrienta cacería, llena de sorpresas y acción épica que los fanáticos de la acción no pueden dejar pasar.

La dirección de Sisu, a cargo del finlandés Jalmari Helander es sumamente atractiva en lo visual, con locaciones que representan bellos y desolados paisajes de Laponia, mientras un pelotón de despiadados nazis avanzan destruyendo todo a su paso. Aquí, el cineasta es hábil en la representación de la paleta de colores, dejando el tono más sombrío en los campos de retirada nazi , en donde fluye la gran parte de las secuencias de acción.

Las sorpresas no tardan en llegar y cada uno de los capítulos del film muestran una energía épica, en ocasiones extravagante, aumentada por las situaciones de supervivencia que atraviesa el personaje. Aatami Korpi (Jorma Tommila) es un veterano minero aislado en los campos de Laponia, en compañía de su perro. Cuando los nazis se apoderan de lo ajeno y descubren que aquél pertenecía a un antiguo grupo comando finlandés, el film se vuelve violento, sangriento y brutal.

Hay un punto donde la función del entretenimiento se desvía hacia lo extravagante, y que bien puede ser marcado como poco realista. Pero en su defensa se puede argumentar que el film no se toma demasiado en serio a sí mismo. En este punto hay una evidente inspiración en películas como Rambo, John Wick y Bastardos sin Gloria (la de Tarantino) y es por ello que no se puede negar la naturaleza convincente de la película en general.

Sisu cuenta con pocos diálogos. A Tommila se le asignaron aproximadamente tres líneas, pero su presencia es firme y convincente en pantalla. La determinación de su supervivencia se exhibe en el castigado cuerpo del personaje en la que el interprete solo le basta su solida actuación facial. Llegado el momento de la acción, las escenas se vuelven brutalmente violentas. Algunas algo sanguinarias, con un exceso de sangre gore que sirve para glorificar la cacería nazi. Con todo lo dicho, Sisu tiene una historia sencilla par contar que logrará cautivar a cualquier fanático del cine de acción.

RESUMEN

En definitiva, Sisu, a pesar de sus momentos extravagantes, reúne los mejor del cine de acción con un historia de supervivencia bien ejecutada y un sentido de la épica fenomenal, que logrará entretener de principio a fin.

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LA MADRE (2023)

critica la madre

Jennifer López se sumerge en la acción con algunos altibajos técnicos. La Madre no va más allá de una propuesta entretenida. Transmitiendo en Netflix, con Joseph Fiennes y Gael García Bernal.

La producción de Netflix y la dirección, a cargo de Niki Caro, están dispuestos a darle todos los gustos a la superestrella del cine y la música Jennifer López. La versátil actriz es el centro absoluto de atención en un film de guion simple y edición entrecortada que, a la vista, termina perjudicando la calidad de cada secuencia de acción. Dichos altibajos también se exhiben en parte de la historia en donde no era necesario un tiempo de ejecución de dos horas para desarrollarla. La Madre, no es el retorno esperado de Jennifer Lope al cine de acción pero cumple con su función de entretener.

La trama sigue a la embarazada francotiradora (Jennifer Lopéz) convertida en informante del FBI con el fin de hacerse con la captura de dos traficante de armas, Adrian Lovell (Joseph Fiennes) y Héctor Álvarez (Gael García Bernal).  Los hombres no son solo objetivos de la agencia, sino que también representan un riesgo considerable para La Madre, ya que uno de ellos es presumiblemente el padre.  Después de un fallido intento de asesinato contra ella, se ve obligada a desaparecer para proteger a su hija. Años más tarde, sale de su escondite cuando descubre que su hija adolescente se encuentra en peligro.

Se dijo que La Madre tiene altibajos técnicos que pueden llegar a sopesar lo que debería ser una solida película de acción. Su simple guion le permite moverse de una secuencia a otra pero pocas veces lo hace con éxito y ello se debe a su mala edición, visiblemente entrecortada. La dirección cuidada en los planos de la bella figura de López, en donde nos muestra su excelente estado de forma , no se condice con una destacada puesta en escena en los momentos de acción.

En su defensa su puede argumentar que aquellos cortes rápidos e intempestivos puede deberse al uso de dobles en escena o para encubrir algún error en la filmación. Pero lo cierto es que la edición aquí empleada impide que la acción se prolongue un tiempo más del habitual, restando emoción y calidad en el producto final. Con lo que los entretenidos momentos de acción exhibida, se muestran descalibrados.

La película tiene una historia de fondo un tanto desprolija. Si bien el componente Madre-Hija se encuentra relativamente bien plasmado, la dinámica de personajes secundarios no evidencia atención alguna. Los hombres más buscado del FBI y que representa un riesgo considerable en la Madre se encuentran desdibujados. El personaje de Gael García Bernal es el que más sufre y luce intrascendente. Joseph Fiennes tiene un poco más de peso protagónico moldeando un sencillo villano sin ninguna faz emocional. En este aspecto el talento en pantalla, es desperdiciado.

Ahora bien, la clave de la confianza de La Madre es Jennifer López. Esta comprometida con su trabajo. A pesar del evidente uso de dobles en algunas escenas (especialmente los planos largos), López luce esplendida y no desentona cuando entra en acción. Lo mismo sucede con la interacción con su hija. La Madre es dura y de pocas palabras pero posee un instinto maternal que el personaje trata de negar. López logra transmitir esa sensación y hace que la película, a pesar de todo, funcione.

Por último, queda la sensación que a la película le sobre media hora en sus dos horas de tiempo de ejecución. La narración directa y sencillez del guion no son equilibrados, siendo el segundo acto (drama familiar) el que más se prolonga en el tiempo, y si bien sirve para acercar la distancia emocional entre Madre e Hija, no logra culminar acabadamente el tercer acto final, ligeramente anticlimático.

RESUMEN

Con todo, se puede decir que La Madre no es de aquellas películas de acción a considerar. La edición, entrecortada, no logra lucir las secuencias de acción que merecían ser más prolongadas. No obstante ello, cumple como entretenimiento con una Jennifer López comprometida.

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GHOSTED (2023)

Sin el encanto esperado de su pareja central, el thriller de espías romántico, Ghosted, transmite pocas sensaciones y apenas cruza el límite del entretenimiento. Con Chris Evans y Ana De Armas.

Ghosted, es de aquellas películas que tienen potencial que, sin embargo, no está del todo explotado. Cuenta con dos estrellas internacionales carismáticas como Chris Evans y Ana De Armas pero, extrañamente, no logra conectar en escena a sus dos artistas. Evidenciando una falta de romance genuino, que la trama demanda, a pesar de buscar la ruta del entretenimiento con aceptables secuencias de acción. El thriller, con toques de comedia, acción y romance fracasa en casi todos sus ámbitos y la razón se debe a su falta de identidad. Sin encanto y el carisma esperado de Evans y De Armas todo fluye a la simplicidad mecanizada, que apenas cruza el límite del entretenimiento.

La trama sigue al agricultor Cole Turner (Chris Evans). Un soltero, que vive con su familia y conoce mucho de plantas. Esto lo lleva a conocer a Sophie (Ana De Armas) en un puesto de ventas agrícola para luego involucrarse sentimentalmente después de su primera cita. Cuando no recibe noticias de ella, decide viajar a Londres para sorprenderla en su lugar de trabajo. En el camino es secuestrado por un grupo de terroristas que lo confunden con un espía bajo el supuesto de que es conocedor de una clave para desbloquear un arma nuclear. Llegado el momento, Cole descubre que Sophie es un agente de la CIA, que siempre estuvo un paso adelante. Con el jefe criminal Leveque (Adrian Brody) pisándole los talones, deberán evitar que el arma caiga en el inframundo criminal mientras descubren sus secretos íntimos.

Si hay algo que no funciona como debería en Ghosted es precisamente la química de su pareja protagónica. Tanto Evans como De Armas son geniales en otras propuestas, son carismáticos y su unión es un atractivo sin dudas, pero desgraciadamente nada de aquello fluye aquí y ello termina perjudicando claramente la esencia de la trama. El thriller tiene el clásico condimento que proporciona el modelo de parejas “desparejas”, con toques de comedia ligera y secuencias de acción impulsadas con pegadizas partituras musicales.

El problema radica en la construcción del romance, que los interpretes no saben sobrellevar por falta de sentimientos genuinos que no se perciben como debería. Los aspectos “románticos” aquí no son tan intensos y los resultado no son los esperados producto de una relación simplista y poco intimista en los responsables de transmitirlos. Tampoco funcionan los toques de comedia. Si bien son desarrollados durante las secuencias de acción, las mismas no tienen el impulso gracioso que se necesita. Evans, es el encargado, en su mayor parte, de ejecutarlas pero pocas veces da en el blanco. Su personaje sufre una clara falta de identidad que se hace aún más notoria en los tramos finales del film. En cuanto a De Armas, es la que ejecuta casi todas las escenas de combate, pero ninguna esta a la altura de otras propuestas.

La escritura de Ghosted tampoco está muy interesada en llevar los límites de la pareja más allá de los previstos. El debido tiempo que se toma en la introducción del romance no goza de sinceridad posterior y si bien hay una clara intensión de desarrollar emocionantes secuencias de acción, las mismas son endebles. Con excepción de la lograda escena del colectivo, las restantes siguen la línea ordinaria de lo ya conocido y en la que la dirección le da fuerza con pegadizas bandas sonoras. Con todo ello, la audiencia juzgara su valoración de acuerdo a su nivel de exigencia.

Ghosted, cuenta con una serie de cameos, que no hacen nada en términos de aumentar el valor del entretenimiento. Las fugaces entradas/salidas de caras reconocidas (todos de la factoría Marvel) parecen ser compromisos contractuales de aquellas estrellas en una clara muestra de falta de identidad de una trama que no se escribió con sentimientos genuinos. Con todo, la capacidad para entretener se ve vulnerada por la falta de romance sincero y una trama secundaria de espías mecanizada. Su resultado no es el esperado y los actores no encajan tan bien como deberían.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Ghosted fracasa en muchas aspectos y es una oportunidad pérdida. El encanto y carisma de Chris Evans y Ana De Armas no se muestra aquí y decepciona teniendo en cuenta el talento involucrado.

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AGENTE FORTUNE: El Gran Engaño (2023)

critica operation fortune

Jason Statham y Guy Ritchie vuelven a reunirse en una comedia de acción sin encanto. Agente Fortune tiene algunos buenos momentos pero no evita un resultado decepcionante.

Marcar un estilo en la dirección es tal vez la tarea más difícil de lograr en la cada vez más competitiva y repetitiva industria cinematográfica. Aquel “sello distintivo” es lo esperable en ciertos directores que han forjado una reputación a fuerza de un talento valorable detrás de cámara. Guy Ritchie es, sin dudas, uno de ellos al dotar de cierta originalidad a la narrativa en la cual está involucrado. El sarcasmo y la masculinidad en sus ocurrentes diálogos y personajes se mezclan con una cuidada puesta en escena que sirve para diferenciar sus productos del resto. En Agente Fortune, se rodea nuevamente con un gran elenco conocido en una historia de andar irregular y con una comicidad un tanto anticuada que los escasos momentos de acción no pueden subsanar. Con lo dicho, y por ser una película de Ritchie, el resultado es decepcionante.

La trama  sigue al superespía Orson Fortune (Statham), a quien se le ha encomendado la tarea de recuperar un dispositivo robado.  No se sabe mucho acerca de lo que es exactamente, pero es muy peligroso y vale miles de millones de dólares.  Fortune está emparejado con la hacker Sarah Fidel (Audrey Plaza) y un hombre de respaldo llamado JJ Davies (Bugzy Malone).  El trío, para lograr su cometido, deberá acercarse al traficante de armas Greg Simmonds (Hugh Grant) que involucra a su actor favorito de todos los tiempos, Danny Francesco (Josh Hartnett), para que la misión sea exitosa.

Si hay algo que caracteriza a Guy Ritchie es la facilidad para construir encanto en sus personajes. Independiente del valor de la trama, los personajes brillan en sus películas por la energía y atracción que generan las distintas personalidades ,las cuales son caracterizadas generalmente por un séquito de actores de su confianza. En Agente Fortune vuelve a confiar en Jason Statham pero en esta ocasión el interprete inglés no tiene la “chispa” que lo caracteriza. Las pocas escenas de acción que participa son efectivas, es lo esperable por su talento marcial, pero su personaje no tiene encanto. La faceta cómica con la cual pretende involucrarse nunca dan en la tecla y por momentos se siente anticuada, reprimiendo la gracia y el entusiasmo que Statham acostumbra tener.

Dicho esto y ensayando una defensa en favor de Statham se puede argumentar que su personaje no está bien construido desde su matriz. Los diálogos no tienen picardía y sarcasmo para cerrar la comicidad de cada escena, con lo cual su cierre es causal de risa forzada. En líneas generales, sucede lo mismo con el resto de los personajes. La falta de personalidad los carcome y ninguno de ellos logra destacarse, con una tibia excepción de Sarah Fidel, quién logra algo de sustancia en su caracterización. En este momento, la habitualidad es dotar a la contraparte femenina, de fuerza y energía necesaria para contrarrestar el agrado de la espía, que hackea, sin esfuerzo, cualquier dispositivo móvil a su alcance. La ladera de Hugh Grant, Emilia, (Lourdes Faberes) es una pieza ajena de un rompecabezas, con lo cual su participación nunca termina de encastrar.

Por debajo del radar también se encuentra Josh Hartnett (acostumbrado últimamente a los cameos). Su personaje genera atractivo por la potencial situación de peligro que le toca atravesar. En la ficción es un actor que tiene que actuar de sí mismo, pero nunca logra reafirmarse en el papel y, como gran parte de sus compañeros, fracasa.

Por lo dicho, quienes sigan la filmografía del cineasta inglés se sentirán decepcionados por el solo hecho de no presenciar el talento por el cual Ritchie es conocido. En cuanto a Statham, hace lo que acostumbra hacer pero con poco entusiasmo. Las secuencias de acción en las que participa no tienen la estética y creatividad del director, con lo cual el espectáculo visual se siente pedestre.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Agente Fortune: El Gran Engaño, es una misión de espionaje superficial. La falta de personalidad y encanto de sus personajes, como la ausencia de estética en la realización de la dirección hacen que le film sea decepcionante.

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PLANE (2023)

Con recursos técnicos limitados, Plane es un digno entretenimiento del cine de clase B. La figura y actuación de Gerard Butler hace que aquello sea posible.

Con una clara intensión de exponer lo que alguna vez fue el glorioso cine de los ochenta , la película protagonizada por el escoces Gerard Butler tiene mucho para ofrecer en cuestiones de entretenimiento. La dirección a cargo del francés Jean Francis Richet combina rasgos de aquella época con una narración dinámica y por momentos violenta. Su limitado presupuesto en rubros técnicos no es óbice para la representación del héroe valiente y con nervios de acero, algo que Gerad Butler sabe representar a la perfección maquillando diálogos, situaciones y personajes un tanto caricaturescas. Plane, no pretende ser real ni genuina sino que se inspira en la autenticidad de los héroes de antaño logrando un puro y digno entretenimiento.

La historia sigue al valiente y decidido piloto Brodie Torrance (Gerard Butler), quién se ve obligado aterrizar su avión comercial por problemas mecánicos a causa de una gran tormenta eléctrica. Navegando a ciegas y con poco combustible logra aterrizar en una isla remota de filipinas ocupada por mercenarios y secuestradores. Mientras busca comunicación exterior con la ayuda de un prisionero en vuelo (Mike Colter), miembros de la tripulación y pasajeros sobrevivientes son tomados como rehenes. Ahora, deberá rescatarlos sin antes atravesar una jungla y amenaza desconocida.

La película puede dividir opiniones sobre la profundidad en la que se retratan los personajes. En líneas generales la trama tiene mucho para ofrecer con un capitán de una aeronave viudo y una hija que lo espera para pasar la víspera de año nuevo. Pero la dirección no tiene intención de perturbar al observador con la ambientación de sus dos escenarios. Las vivencias dentro del avión como en la isla acechada por secuestradores locales inclinan la balanza hacia la emoción de lo que genera las típicas películas de acción de los ochenta. Y si bien algunas son violentas están estructuradas para engrandecer el camino del héroe. Es en este punto donde la película se hace fuerte en términos de entretenimiento a pesar de contar con un evidente presupuesto limitado el cual pasa algo desapercibido por la siempre efectiva presencia de Gerard Butler.

El actor escoces hace todo lo posible para mantener siempre a flote la narrativa con una caracterización satisfactoria, muy acorde con los héroes de antaño. El capitán Brodie es un hombre normal que intenta hacer lo correcto con pocos recursos disponibles. El guion le ofrece la misma dirección con lo cual la interacción entre los personajes no es tan profunda como debería. No obstante ello, la dirección se encarga de mantener a la audiencia comprometida de principio a fin y eso es un acierto teniendo en cuenta el genero que representa.

Plane, tiene una misión con el observador que no es otra cosa que entretener, por más que en ocasiones lo que se exhibe no tenga mucho sentido. Algunas deficiencias de ritmo entre algunas escenas se compensa con la adrenalina bien ganada que generan las situaciones de peligro. El thriller de acción es una vuelta al pasado, donde los héroes salían fortalecidos por su compromiso con la valentía y preocupación por los demás. Aquí, Butler parece replicarlo con una actuación enérgica medida compensando cualquier defecto técnico visual, como es el caso del avión que atraviesa una tormenta eléctrica. En otro orden de cosas, hay mucho en juego a lo largo de la historia y la recompensa es bien ganada.

RESUMEN

En ultima instancia, Plane (Alerta Extrema) tiene una historia simple para contar y su visualización justifica el entretenimiento con un Gerard Butler que da lo mejor de sí para que aquello suceda.

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HIGH HEAT (2022)

El encanto de Olga Kurylenko y la vuelta de Don Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad. Entre las moderadas secuencias de acción y su apuesta a la comedia, High Heat desaprovecha todo lo que construye.

Los créditos iniciales de High Heat presume pensar que la película será tan ligera como un plato de comida rápida. Algo que no es un reproche, teniendo en cuenta las dimensiones presupuestarias que tienen los largometrajes de clase “B”. Pero mientras estas se construyen con una idea clara en términos de ejecución, High Heat no logra imponer los géneros que transita. La indefinición se hace notoria cuando mezcla la acción, comedia y algo de drama sin buenos resultados a pesar del buen elenco actoral el cual no tiene mucho material con el que trabajar. Las buenas intenciones de la película no se plasman en su estructura a pesar del encanto de Kurylenko y la vuelta de Don Johnson. Así, High Heat tiene poco para ofrecer y desaprovecha todo lo que construye.

La historia sigue a Ana (Kurylenko), una promisoria chef que está a punto de inaugurar un restaurante de primera categoría. La acompaña su esposo y socio comercial (Don Johnson), quién esa noche recibe vistas inesperadas de un antiguo amigo que reclama una deuda. Cuando los mafiosos se deciden quemar los cimientos de restaurant, se revela que Ana no solo tiene el talento para el arte culinario sino también que es una antigua integrante de la KGB. Para salvar el emprendimiento, deberá desterrar sus “habilidades” en lo que será un enfrentamiento de una sola noche.

Se dijo que la película tiene buenas intenciones y esto se evidencia en el tono rápido y caricaturesco que se le imprimen a todos sus personajes. El problema radica en su aspiración a ser algo más de lo que realmente es. High Heat tiene una duración de una hora y veinte minutos y trata de abarcar y mezclar diferentes géneros con resultados negativos. El elenco secundario a disposición de la dirección es realmente bueno (raro en películas de clase “B”) pero aquellos interpretes no tienen ni el guion ni el tiempo para profundizar sus personajes. Ejemplo de ello es el cómico aporte (desaprovechado ) de Jackie Long, convirtiéndose, quizás en el único ejemplo de éxito en ese sentido.

La película tiene pocas locaciones. La cocina del restaurant y un estacionamiento vacío son los entornos donde se desenvuelven las pocas y aceptables secuencias de acción. En este aspecto no tiene mucho para ofrecer y se siente algo moderada y un tanto limitada teniendo en cuenta lo disparatado de su comicidad. Olga Kurylenko usa su encanto para materializar cualquier situación de peligro pero ello no es suficiente y no puede salvar a la película de su mediocridad.

En cuanto a Johnson, muestra química con su estrella principal y si bien es la fuente del conflicto con la cuantiosa suma de dinero adeudada , su aporte no deja de ser secundario. La interacción de mafiosos, deudores y asesinos encubiertos no está bien materializado y ello se evidencia en los focos de conflicto que se van abriendo camino. Así, High Heat se va apagando con el correr de los minutos mientras se observa de reojo las agujas del reloj. Un pecado capital para una propuesta que tiene el fin de generar entretenimiento, sin exigencias.

RESUMEN

High Heat tiene buenas intenciones que la dirección no alcanza a ejecutar. Lo que debería ser su fuerte de exposición (la acción ) es moderada y limitada con lo que la expectativa y el interés se irán diluyendo en el correr de los minutos. El elenco no es un problema pero el guion sí lo es al no saber controlar los diferentes géneros que transita. Con todo, Kurylenko y Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad.

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PARADISE CITY (2022)

Bruce Willis y John Travolta se vuelven a reunir en una película desechable. Paradise City, no tiene con qué cubrir las apariciones ocasionales de las dos estrellas a pesar de contar con un director competente.

Resulta una atracción ver en pantalla a Bruce Willis y John Travolta en una película de acción. Desde la premiada obra de Quentin Tarantino, Tiempos Violentos, las dos estrellas se vuelven a reunir con un resultado decepcionante. Está claro que la pretensión aquí no va más de allá lo mínimo esperable en cuanto a entretenimiento se refiere, dentro de un guion predecible y un esperable andar luminoso de sus figuras centrales. Pero lo cierto es que la historia les reserva apariciones ocasionales dejando todo el flujo de entretenimiento en actores secundarios. El director Chuc Russell no logra sortear el obstáculo y convierte a Paradice City en un película de acción decepcionante.

La historia sigue a Ian Swan (Bruce Willis), un cazarrecompensas que desapareció en algún lugar de las islas hawaianas.  En su búsqueda de un narcotraficante internacional al que ha perseguido durante años, Swan queda atrapado en un fuego cruzado y se presume que está muerto.  Su hijo, Ryan Swan (Blake Jenner) sigue el rastro de su padre hacia un inframundo criminal.  Acompañado por la ex pareja de su padre, Robbie Cole (Stephen Dorff), y Savannah, una detective local (Praya Lundberg), todos se disponen a encontrar al presunto asesino.  Mientras tanto, un corredor de bolsa (John Travolta), amenaza la paz de la isla (Paradise City) con un proyecto de destrucción de sus recursos naturales.

La película, en principio, es decepcionante en su conjunto al abordar diferentes tramas secundarias que se confunden con la principal. La queja radica en la forma de canalizarlas en la cual se presta a confusión. En toda película de bajo presupuesto (Paradice City lo es con todas las letras) hay una clara tendencia a predecir el resultado en beneficio del entretenimiento. Es una formula sencilla, casi automatizada, en donde la escritura es tan lineal como sus secuencias de acción. Aquí, las historias adicionales gozan de un apresuramiento desinteresado que terminan minando la trama principal con una falta de profundización en la motivación del plan del villano en cuestión.

El plan, que incluye la destrucción de los recursos naturales de la isla por un centro de drogas, solo se revela en la mente criminal del ejecutor. Situación que no se dedica mucho tiempo en explorarse y que la dirección no puede suplir con las coloridas imágenes de la isla. Esto hace que la narrativa de Paradice City tenga un andar desinteresado y cansino, con muy poco espacio para que el observador digiera lo que esta sucediendo. También tiene un gran problema de ritmo. Las apariciones ocasionales de Willis y Travolta son cubiertas por actores secundarios que no pueden llevar el interés de la trama. Resulta difícil sentir empatía por ellos atento que no se evidencia ningún tipo de carisma que los identifique.

La decepción llega en su punto culminante cuando se desarrollan las secuencias de acción. Ninguna de ellas tiene un componente confiable. Los movimientos de lucha como las escenas de disparos gozan de gran ordinarez como de una falta total de timing, desaprovechando el talento innato de Willis (a pesar de su diagnostico público de afasia). Resulta llamativo como un director competente como Chuck Russell, responsable de títulos taquilleros como La mascara y El Protector, haya elaborado tremendo descalabro. Las películas de acción tienen que tener como mínimo una sensación de vivacidad y Paradice City no la tiene.

RESUMEN

En definitiva, Paradice City es otro título de acción decepcionante. Las ocasionales intervenciones de Bruce Willis y John Travolta no fueron bien cubiertas por actores secundarios a los que resulta difícil empatizar. Con secuencias de acción poco confiable se vuelve un film desechable.

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ACCIDENT MAN 2 : Hitman’s Holiday (2022) 

critica accident man 2

Con abundantes coreografías de artes marciales en donde brilla el talento de Scott Adkins, Accident Man 2 no aprovecha los aciertos de su antecesora pero no deja de ser un viaje divertido.

Scott Adkins pertenece al genero de actores infravalorados. Su talento en el arte marcial lo ha llevado a ser un referente en películas de bajo costo en donde los recursos se materializan por la acción coreográfica que el actor inglés ejecuta. En esta oportunidad, Adkins impulsa un proyecto propio que comenzó en el año 2018 y en la que ha pasado desapercibido. Accident Man (algo así como el hombre accidente) centra su narrativa en los asesinatos accidentales con un toque de comedia negra . Su continuación se aparta de la esencia de su antecesora y en su lugar despliega abundantes coreografías de acción en donde brilla el talento marcial de Adkins. A saber, es un viaje entretenido para los seguidores del actor como para aquellos que busquen un placer culpable.

Accident Man 2 se centra en el asesino profesional Mike Fallon (Scott Adkins). Después de los acontecimientos de Londres, Mike huye a Malta para mantenerse desapercibido y continuar como contratista de asesinatos accidentales. Cuando su antiguo amigo Fred es secuestrado por una jefa de un peligroso sindicato del crimen, Mike se ve obligado a proteger a su hijo a cambio de la vida de su compañero.

Para empezar hay una clara intención en Accident Man 2 de exaltar una narrativa alegre, absurda y caricaturesca. Desde sus simples y desvergonzados diálogos hasta su ligera introducción de la historia hacen que resulte indiferente visualizar su primera parte ya que su continuación se sostiene por sí sola. Dicho esto, se puede decir que la original había construido las bases para el desarrollo en las preparación de los asesinatos accidentales. Si bien no hay ninguna pisca de originalidad en ella, ya que bien podría haberse tomado de la película El Mecánico (con Jason Statham) en donde el protagonista también disfrazaba los encargos de homicidio en un accidente, la utilización del humor negro y el estilo sombrío de las ejecuciones tenían su valor agregado.

Esta característica tan bien ganada en Accident Man es desaprovechada en su segunda parte y en este punto es donde la película pierde su eje. En su lugar lo compensa con las increíbles coreografías de artes marciales en las que Scott Adkins demuestra que es uno de los mejores en su genero. En relación a ello, todas las escenas de lucha se ven claras. Cada golpe lleva el destino deseado y si bien pecan de exageración van a tono con el aspecto caricaturesco de los personajes. Todas las piezas de acción fueron supervisadas por los hermanos Kirby (a cargo de la dirección). Especialistas en acrobacias, dando sobradas muestras que lo suyo son lo combates vistosos y exagerados. Quienes busquen este tipo de propuestas saldrán altamente recompensados.

Accidente Man 2 cuenta con una buena química en sus protagonistas. Gran parte de su éxito radica en el carisma de sus personajes y en los pasos de comedia que en muchas veces se ven involucrados. En este punto la incursión de Sarah Chang, quién, salvando las distancias, emula a un servidor del Inspector Clouseau  en la Pantera Rosa está bien direccionada. Su aporte trae frescura al elenco y es una buena opción para explotar su personaje, si es que hay una tercera parte. Con todo, Accidente Man 2 tiene lo que se necesita para entretener dentro de su caótica narrativa.

RESUMEN

En definitiva, Accidente Man: Hitman’s Holiday es un viaje alocado lleno de combates coreografiados donde brilla la figura marcial de Scott Adkins.

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MEDIEVAL (2022)

critica medieval

Seria en su estética y estilizada en su representación de época, Medieval, no logra su máximo potencial a pesar de su inspiración en otras películas de genero. La ambiciosa producción checa cuenta con algunos combates brutales y una destacada localización pero no logra la calidad deseada. Con Ben Foster y Michael Caine. Estreno el 8 de Noviembre en Netflix.

Se puede decir que hay una audiencia para cada genero cinematográfico en donde se procesan gustos preestablecidos. Pero en ciertos ocasiones las películas históricas logran unificar toda la atención ya que reviven momentos legendarios de la historia con la recreación de imponentes batallas con enfurecidos y obstinados guerreros. Medieval, está basada en la historia del héroe popular checo Jan Zizka, que se dice nunca fue derrotado en una batalla. Con un nivel de presupuesto acotado, situación en que los trabajos de edición de cámara y las hermosas localizaciones se encargan de disimular convenientemente en los brutales enfrentamientos, la producción checa goza de una seria estilización en su representación de época, pero no logra la calidad deseada de sus antecesoras.

Medieval comienza con Europa al borde del caos tras la muerte del Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico.  Son momentos de incertidumbre, codicia y tiranía en donde la legitimación del poder se establecía con la coronación de la Iglesia Católica. Con dos Papas en el horizonte, uno en Roma y otro en Francia, el negociador Lord Boresh (Michael Caine) tiene la tarea de lograr un paso seguro al heredero del Imperio (actual rey de de Bohemia), a la capital romana para efectivizar aquel propósito.

Sin embargo, se enfrentan con la oposición de Lord Rosenberg (Til Schweiger), un noble adinerado con la mirada puesta en la corona de Bohemia, y el rey húngaro Segismundo (Matthew Goode), el medio hermano del sucesor imperial, cuyo objetivo es llegar al poder.  Como el digno sucesor esta en bancarrota y necesita de los fondos necesarios para el viaje, Boresh se hace de los servicios de Žižka (Ben Foster) y sus mercenarios con el fin de secuestrar a la prometida de Rosenberg, Lady Catherine (Sophie Lowe), que también es sobrina del Rey de Francia, a cambio de un rescate.

Medieval basa su narrativa en traiciones y persecuciones de los aspirantes al trono sucesorio en donde sus ideas se materializan en la acción de sus guerreros. Desde esta perspectiva el guion no tiene mucho que hacer en cuanto a intriga de poder se trata, atento que los planes de los interesados se revelan inmediatamente. Esta falta de profundidad reflejada en sus diálogos no hace más que revitalizar el interés encubierto de la producción en la violencia brutal de los enfrentamientos. Lo señalado no se condice con la postura visualmente atractiva de la película, con hermosos paisajes y locaciones de imponentes de sitios históricos, que la dirección trata de resaltar en todo momento con cuidadas tomas aéreas.

El trasfondo político que se nutre la película no es del todo aprovechado. Hay buenos interpretes aquí (casi todos ingleses en una producción checa) pero el film no se detiene en situaciones de corte político que bien hubiesen servido para fundamentar más aún el interés de la misión principal. El digno sucesor, el actual rey de Bohemia Wenceslao IV, tiene un aporte intrascendente y su personaje se diluye en la atracción del secuestro de  Lady Katherine (Sophie Lowe). El giro rápido y repetitivo de su captura y recaptura, con traiciones y deslealtades incluidas, hace que la película pierda algo de ritmo. Algo extraño atento que no es una película artística, con una clara intención de exponer su cruda violencia.

Las escenas de batallas tiene sus puntos altos, con escenas de sangre y mutilaciones en forma explicita pero no tiene el impacto deseado. Incluso, en ocasiones, se evidencia un dejo de desprolijidad en el trabajo de edición que dificulta la mirada limpia de las peleas en momentos culmines. En relación a esto, se puede decir que Medieval se queda en las puertas de la gloria al carecer del sentido de la épica. En su defensa se puede argumentar la postura seria y terrenal del héroe principal, que según se cuenta nunca ha perdido una batalla. Pero dicho enfoque no le es favorable a Ben Foster (Žižka), cuya actuación es solida pero no así carismática. Lo mismo sucede con el reparto secundario, de manera que cada muerte le resultara intrascendente al observador.

Dicho esto, el héroe legendario checo no es implacable aquí. Goza de una buena secuencia estratégica pero no tiene un momento que lo ilumine como leyenda. Hay una evidente inspiración en Gladiador en la apariencia del protagonista como en su férrea voluntad de seguir sus convicciones pero su comparación aquí no es halagadora. Lo mismo sucede con las batallas. Su estética visual y sangrienta sigue el estilo de Corazón Valiente pero las dificultades antes señaladas (cortes de edición) le quitan limpieza visual a sus coreografías. Con todo, Medieval es altamente entretenida pero no consigue solidificar su historia, imponer el personaje y sobre todo, ignorar las películas mencionadas.

RESUMEN

En definitiva, Medieval no logra desarrollar todo su potencial. La falta de inversión en personajes de corte político, de carisma en su protagonista masculino, y del sentido de la épica en sus batallas hacen que la película se estanque en un simple entretenimiento.

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LOU (2022)

lou final explicado

El thriller de Netflix muestra su mejor forma en la actuación convincente de su protagonista principal (Allison Janney). Lou, tiene un buen comienzo y un ritmo adecuado pero sus giros no encastran del todo bien con el contenido de su historia. En su fin de entretener, Lou lo logra dignamente a pesar de su generalidad.

Lou, no pierde tiempo en captar la atención de la audiencia. En sus escasos minutos iniciales presenta una mujer solitaria, dura y misteriosa que oculta un extraño pasado. A esos ingredientes se le agrega un secuestro dentro de un pequeño pueblo en donde se avecina una gran tormenta. El thriller encuentra su mejor forma en el talento de Allison Janney, la actriz principal, de 62 años, que tiene ciertas “habilidades” para sobrevivir. Mientras que la nombrada como el elenco que la acompaña muestran actuaciones físicas y emocionales convincentes, el trasfondo de su historia no encastra bien con los giros que se ejecutan. Su resultado, es una experiencia visual entretenida y genérica dentro de un círculo narrativo un tanto confuso.

En un pequeño pueblo, Lou (Allison Janney) está a punto de tomar una drástica decisión. Después de buscar comida para su perro, matando un ciervo fuera de temporada de caza, y de extraer el total de su dinero bancario, del cual pretende donar a su vecina inquilina, la encuentra a punto de suicidarse. Mientras se avecina una fuerte tormenta, sus planes se ven interrumpidos cuando su vecina Hannah (Jurnee Smollett) le informa que su hija a sido secuestrada por su padre Philip ( Logan Marshall-Green). Sin ninguna posibilidad de comunicación con el sheriff de la ciudad, juntas inician una misión de rescate en donde se revelan algunos secretos.

Lou, trata de equilibrar la historia de los tres personajes centrales. Lou, Allison y Philip son los componentes de un guion que genera una indudable intriga. Se bien los personajes y sus historias se presentan con una elocuente moderación, a la hora de las revelaciones sus intenciones no están bien ejecutadas. Esto crea un ambiente de confusión con el trasfondo de la historia y sus motivaciones, logrando que el film no sea transparente y del todo efectivo en el uso de sus giros. Cuando llegan, pierden cierta influencia y no logran canalizar adecuadamente el sentido de su explicación. Así, entre la eficiente misión de rescate, con luchas incluidas, el circulo narrativo pierde brillo por la mención aludida.

Ahora bien, hay una cosa en particular en la que Lou es todo un triunfo. La actuación de Allison Janney (Lou) es eficiente, transformadora y brutal. Si bien no cambia el estereotipo de antihéroe, la forma salvaje en la que manifiesta su temperamento la hace digna de reconocimiento. Desafortunadamente, las futuras revelaciones no están en consonancia con el nivel interpretativo de la premiada actriz (ganadora de un globo de oro) quien brinda una performance solida y convincente, incluso en las escenas de lucha. En este punto, los desafíos físicos y obstáculos naturales que enfrenta la actriz gozan de buena credibilidad gracias a su impresionante fuerza emocional. El resto del elenco, la acompaña correctamente, sin sobresaltos.

La película también cuenta con una destaca ambientación. Con una dirección prolija, la película logra “vivir” el centro de la escena cuando las protagonistas están en peligro. Llegado el final y por el peso confuso de sus giros (en el cual se involucran cuestiones de maternidad) el film sufre de una generalidad inevitable. Con todo, Lou, con sus altibajos, logra entretener por la actuación sobresaliente de Janney y por un guion astuto, como genérico, que atrapará al observador por su misterioso comienzo.

RESUMEN

En definitiva, Lou, es un thriller que entretiene a pesar de su argumento genérico y de algunos giros no tan bien ejecutados. Como contrapartida, la transformadora y convincente actuación de Allison Janney hace que aquellos pasen algo desapercibidos.

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