3-5 archivos - El Crítico

16/09/202216/09/2022

EMILY THE CRIMINAL (2022)

Potenciada por la sobresaliente actuación de su protagonista principal, Emily The Criminal juega con cartas usadas pero logra imponer su propias reglas. Con un guion dinámico, el thriller gana puntos en intensidad y es todo un triunfo.

El bajo mundo del crimen se manifiesta de múltiples formas y ello ha sido motivo para que los hábiles guionista de Hollywood pongan toda su inspiración para recrear posibles situaciones delictivas. Emily The Criminal, cuenta con tales ingredientes y apuesta a una intensidad que a la postre, es bien recompensada. Potenciada por la sobresaliente actuación de Aubrey Plaza, el thriller se nutre de conceptos ya vistos. Juega con cartas usadas pero imponer sus propias reglas. Su resultado es todo un triunfo.

Emily (Plaza) tiene antecedentes criminales. Un violento asalto en el año 2016 le impide sortear una exitosa entrevista de trabajo, cuyo empleador, a sabiendas, le pide que lo manifieste expresamente en su presencia. Frustrada y enojada por su estigmatización decide optar por un camino que le cambiará la vida. Mientras trabaja en un servicio de catering, un compañero le informa sobre un trabajo de pago fácil. Emily necesita el dinero para pagar una deuda estudiantil por un título de arte que nunca recibió, razón por la que la necesidad económica es su principal interés.

En el centro de la escena y sin ningún tipo de coacción, se encuentra en medio de una estafa con tarjetas de crédito. El trabajo consiste en comprar un producto y presentar el “plástico” falsificado y esperar que no la descubran. Con la atenta mirada del jefe de la operación, Yousef, Emily se debate entre hacer algo ilegal y la tentación del dinero fácil.

La película retrata a una persona que se encuentra frustrada por un pasado delictivo que no puede borrar y una necesidad económica que la acecha, un combo peligroso para alguien que intenta reinsertarse en la sociedad. El film no victimiza aquí la posición del personaje sino que la centra en un lugar de toma de decisiones en donde las reglas están lo suficientemente claras para arrepentirse.

Emily, tiene un talento para los dibujos de diseño y espera tener una oportunidad en una agencia de publicidad, mientras su amiga Liz trata de conseguirle una entrevista con su jefa desde adentro. La decisión de Emily es mantenerse por el camino correcto hasta que su compañero de catering la tienta con la posibilidad de ganarse un dinero fácil. Solo tiene que llamar a un número desconocido el que le brindará más información cuando asista personalmente. Hay algo evidentemente ilegal aquí, Emily lo sabe y aún así toma la decisión de arriesgarse. En este sentido, la protagonista transmite momentos de tensión sumamente acertados. Su lenguaje corporal, al igual que sus ojos, exhiben muestras de ansiedad y nerviosismo cuando se adentra en cumplir actos ilegales.

El guion es dinámico y le otorga a Aubrey Plaza la posibilidad de transitar diferentes capas de su personaje. La temática sigue la línea de otras propuestas de genero pero logra imponer sus propias reglas. Esto es, ofrece un nivel de emoción genuino gracias a la sobresaliente actuación de su protagonista. El riesgo personal que corre durante todo el film mantendrá expectante a la audiencia, quien la apoyará en circunstancias complejas. Esta situación de aliento es independiente al hecho ilícito en sí, razón por la cual la actuación de Plaza es más meritoria.

Ahora bien, la película se nutre de actos ilegales posibles. La orquestación de la estafa con tarjetas de crédito no dista mucho de la realidad y eso hace que la intriga se mantenga a flote en todo momento. En este aspecto, el líder de la organización y mentor de Emily, Youcef (Theo Rossi) , tiene un papel destacado. Con todo, Emily The Criminal funciona por una historia ordinaria pero meticulosamente ejecutada y una protagonista que transmite emociones genuinas.

RESUMEN

En definitiva, Emily The Criminal es un thriller con profundidad en sus personajes y con un guion meticulosamente ejecutado. Con la tensión e intriga en aumento, toca conceptos de estigmatización social y de su aprovechamiento, mientras la antihéroe ( Aubrey Plaza) afronta riesgos personales. Su resultado es un triunfo.

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27/07/202227/07/2022

EL HOMBRE GRIS (2022)

Netflix sube sus acciones con una trepidante película de acción y con un Ryan Gosling a prueba de balas. El Hombre Gris (The Grey Man) es puro entretenimiento.

Netflix necesitaba dar un golpe sobre la mesa. Con el creciente ascenso de otras plataformas de transmisión (Amazon, Paramount y Star +) y con una perdida considerable de suscriptores, la empresa de entretenimientos tiene un tanque entre sus filas dispuesto a arrasarlo todo. El Hombre Gris es un potencial éxito de taquilla gracias al ritmo frenético que imprimen sus elaboradas y constantes secuencias de acción. La pareja de directores Anthony y Joe Russo (conocidos mundialmente como los Hermanos Russo) reúnen un elenco repleto de estrellas y dan forma a la demanda de estos tiempos, que no es otra que entretener a cualquier costo. En toda la parafernalia visual se destaca Ryan Gosling, el cual sabe mantener, con su estilo, el estereotipo del héroe de los años 80 y 90.

En El Hombre Gris, Gosling interpreta a Sierra Seis, un ex criminal convertido en agente encubierto dentro de la CIA para ejecutar asesinatos extraoficiales. Cuando es convocado para eliminar a un nuevo objetivo, descubre una conspiración que involucra al nuevo jefe de la agencia de inteligencia. Mientras huye con información comprometida, un grupo de mercenarios a cargo del psicópata Lloyd Hansen (Cris Evans) estará tras sus pasos. Con la ayuda del agente de la CIA Dani Miranda (Ana de Armas), Seis deberá mantenerse con vida y rescatar a su antiguo mentor ( Billy Bob Thornton) con su sobrina en el proceso.

La historia de El Hombre Gris es demasiada rápida para detenerse en detalles. Luego de la pequeña introducción de la política de la CIA en donde sienta las bases del programa de reclutamiento de reclusos denominado Sierra (en el cual el protagonista forma parte), la película se direcciona directamente al terreno de la acción. Los Hermanos Russo tienen una gran capacidad de resumen en cuanto a historia se trata, mostrando su mejor forma en el ritmo y en el desarrollo de la personalidad de sus personajes. El guión en sí está repleto de bromas entre los intérpretes, lo que hace que la película pierda algo de seriedad a la hora de desencadenarse los hechos. Pero es el tono elegido a tal fin y le siente realmente bien.

Ahora, se puede decir que el film tiene un aire espiritual de ciertas películas de los años 80 y 90. En este punto la estampa de héroe simplista y estoico es representado con total solvencia por Gosling el cual sabe darle un estilo cautivador, propio de los grandes héroes de acción. Imperturbable y a prueba de balas, el Sierra Seis de Ryan Gosling es un triunfo y marca una leve diferencia entre otros artistas del genero, en donde su principal arma es el estilo interpretativo.

En una entrevista reciente Gosling confesó ser admirador de Sylvester Stallone y a juzgar por su estilo rudo y simplista puede ser que haya tomado las bases del semblante del creador de la saga de Rocky. Independientemente de ello, Gosling corre, salta y pelea como si fuese John Wick, Ethan Hunt o incluso el agente Bond. La inspiración en exitosas franquicias es innegable como así también su entretenimiento.

Más allá de Gosling, El Hombre Gris cuenta con un excelente reparto. El elenco de apoyo se dejan llevar por la adrenalina que propone el film y que en ocasiones no da respiro. La siempre encantadora Ana de Armas compensa el correcto trabajo de Gosling y Cris Evans se entretiene con un eléctrico y despiadado malvado. El veterano Billy Bob Thornton y la joven estrella en ascenso Regé-Jean Page son útiles en sus papeles secundarios, pero no alcanzan a opacar a sus estrellas.

En general, la película se realza por la actuación de Gosling brindando entretenidas secuencias de acción. Ante ello se puede decir que algunos efectos son mejores que otros, pero la que se lleva especial atención es la secuencia del tranvía en Viena. En este punto, los Hermanos Russo demuestran su efectividad en persecuciones en la vía publica en donde los tiroteos y las explosiones forman parte de una experiencia cinematográfica de primer nivel. Como tal, El Hombre Gris es una película de acción bien ejecutada apoyada por una fuerte inversión financiera (su costo es de más de 200 millones de dólares) y un elenco que se brinda al entretenimiento.

RESUMEN

En definitiva, El Hombre Gris (The Grey Man) es un thriller de acción divertido que no da respiro. La solvente interpretación y carisma de Ryan Gosling puede estar en la línea de aquellas gloriosas películas de acción de los años 80 y 90. Puro y rápido entretenimiento, con excelentes secuencias de acción que potencia la experiencia cinematográfica.

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04/04/202204/04/2022

ZONA DE CHOQUE (2020)

El thriller dinamarqués es sorprendentemente cautivador sin dejar de reflexionar sobre la brutalidad policial y el racismo. Zona de Choque (Shorta) se encuentra disponible en Netflix.

La fuerza policial es un eslabón necesario entre el poder político y la sociedad, que pretende la protección de sus derechos. Cuando se traspasan estos límites, con abusos del uniforme, la sociedad pude verse inmersa en una revuelta popular. Zona de Choque, toma un tema vigente como lo es la brutalidad policial y le agrega diferentes conceptos ( a la vista del observador) como el racismo y las revueltas populares para ser analizadas desde ambos puntos de vista. Todo ello narrado con un ritmo trepidante que hace que el entretenimiento sirva para exhibir eficazmente los temas expuestos.

La historia se centra en dos policías dinamarqueses que quedan atrapados en una ciudad donde la mayoría de la población es inmigrante. Un ciudadano árabe entra en coma por el excesivo uso de la fuerza policial y las tensiones sociales empiezan a crecer cuando ambos oficiales se encuentran patrullando la zona. Las calles se convierten en una zona de guerra, mientras los policías tratan de sobrevivir la noche, a la espera de refuerzos. Mientras luchan por sobrevivir, cada uno de ellos descubrirán quienes son realmente poniendo en duda sus ideales.

Para empezar, no es la historia lo que lo hace cautivadora a Zona de Choque, sino la manera en la que lo es narrada. El thriller dinamarqués cuenta con el suspenso y la tensión necesaria para mantener atención de la audiencia ocupada. Pero también cuenta con un guion que adorna los conflictos actuales entre la fuerza policial y sus abusos. En este punto el film enfrenta a dos policías con patrones de conducta diferentes.

Mike Andersen (Jacob Lohmann) es un policía racista duro y experimentado. Él cree que siempre se debe respaldar a compañeros oficiales, independientemente de lo que hallan hecho. Jens Hoyer (Simon Sears) tiene una perspectiva diferente. Es más progresista que Anderson y cuestiona los métodos que su compañero ejecuta. La forma inicial en la que el film presente a los personajes es la típica formula de policía bueno/policía malo. Pero Zona de Choque es mucho más que eso, al profundizar el comportamiento y la evolución de los oficiales en peligro. En este aspecto, los interpretes logran que se empatice con ellos, al margen de sus reprochables comportamientos. Sin dudas una gran labor protagónica, especialmente de Lohmann, quien supo sacar a flote un personaje complejo.

Zona de Guerra no da respiro. Es un día de supervivencia en un enfurecido barrio marginal inmigrante por la muerte de un joven a causa de un abuso policial. Cuando los agentes de la ley quedan atrapados deberán buscar refugio en el laberintico barrio mientras los residentes los acechan. El tono y su música es llevada con el suficiente esmero para ser creíble cada escena. Los conflictos entre los personajes, sus peleas, discusiones y los pequeños giros de su narrativa dan en la tecla. Todo ello hace que Zona de Choque no pase desapercibida. Siendo un solido thriller policial con un desarrollo narrativo vigente.

CURIOSIDADES

El título provisional del guión era “Panser” (palabra danesa para “armadura”, que también significa “policía” ). El director Anders Ølholm lo cambió a “Shorta”, la palabra árabe para Policía.
El gueto donde se desarrolla la película, Svalegården, es ficticio.

RESUMEN

En definitiva , Zona de Choque (Shorta) es un thriller policial cautivador que mantendrá la atención de la audiencia hasta el final. Su ritmo trepidante, eficaz interpretación y su buena música hacen del film un entretenimiento satisfactorio. Asimismo, reflexiona sobre nuestra sociedad actual poniendo conceptos analizables como el racismo y la brutalidad policial.

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02/12/202102/12/2021

EL ULTIMO DUELO (2021)

El drama épico medieval de Ridley Scott es una historia de poder y misoginia, disfrazada de honor.

Ambientada en la Francia medieval, dos hombres poderosos se enfrentan por la acusación pública de una mujer. Si bien la reconstrucción histórica y los detalles de época es lo que hacen viajar en retrospectiva, es el tratamiento hacia la mujer lo que logra mantenerla en el tiempo. El circo mediático que rodea las acusaciones de agresiones sexuales y su resultado, dentro de una estructura patriarcal, invita a una reflexión hacia el presente. Ridley Scott, vuelve a mostrarse en su mejor forma dividiendo la trama en tres capítulos, cada uno de los cuales muestra las perspectivas cambiantes de sus personajes principales. Basada en una historia real, coescrita por Matt Damon y Ben Affleck, El Ultimo Duelo es una historia de poder y misoginia, disfrazada de honor.

La historia comienza en 1386 en Francia, allí dos hombres están a punto de enfrentarse a duelo ante la corte del rey Carlos VI y una multitud, como testigos. Los combatiente deben iniciar la lucha a caballo y con lanza en mano, que determinará la caída de uno de ellos, una vez que logre quebrar la resistencia de sus escudos. Lo que se muestra como una introducción, termina siendo el tramo final del culminante duelo entre Sir Jean de Carrouges (Matt Damon) y Jacques Le Gris (Adam Driver), amigos que se enfrentan por la acusación, de violación, de Marguerite de Carrouges (Jodie Comer).

La película ofrece tres perspectivas distintas, cada una de ellas agrega un matiz diferente al comportamiento de los protagonistas, logrando diversos grados de efectividad. Aquí, el oficio del director vuelve hacerse presente al mantener en la superficie la ambigüedad de la violación de Marguerite. La acusación de un delito en un sistema de justicia netamente patriarcal es abordado minuciosamente y Scott se toma el tiempo necesario para abordar el desprecio hacia la mujer y sus cuestionamientos previos.

Los hombres religiosos se interesan repentinamente en la ciencia cuando se trata de condenar a una mujer. La palabra y la correspondiente denuncia no tenían validez sino era apoyada por un noble o caballero. En uno de los fragmentos del film, la madre de Carrouges admite que no hay justicia en la vida, “solo el poder de los hombres”. Lo que es bastante descorazonador en un sistema político/religioso que despreciaba a la mujer. En este sentido, el film no solo logra recrear el sufrimiento y la angustia de Marguerite, sino que crea un espacio de reflexión sobre las denuncias de abusos sexuales de mujeres que no se animan a realizarla por temor a sentirse desprotegidas. Con ese fin, Ridley Scott muestra la brutalidad, que va mas allá de la sangre y la violencia física.

El film muestra un palacio de justicia que no cree en las mujeres y la búsqueda de la verdad es tratada con ambivalencia. Sobre ello, se puede decir que no se recuerdan largometrajes épicos donde se aborde la discriminación de genero. Si bien la época medieval posicionó a la mujer como una cosa u objeto de pertenencia del marido, la película adopta una postura firma y brutal de lo que una mujer pudo haber sufrido en aquella época.

Los tres capítulos que dividen la historia mantendrán expectante al observador y su acumulación generará una emoción adicional en el duelo final. El combate genera un espectáculo esperado. Todo la maquinaria visual y técnica se vuelcan en sus veinte minutos finales, en donde el director hace gala de su talento en el cine épico.

Matt Damon y Adam Driver ofrecen buenas interpretaciones al retratar personajes impulsados por sus egos. Ahora, la que logra destacarse es Jodie Comer (Marguerite). Brilla en el film , como proveedora de la verdad de su capitulo, demostrando diferentes matices en su personaje. La actriz mezcla su fortaleza y desencanto al contar, en público, un hecho aberrante, mientras sufre en silencio por el futuro de su vida.

Lo que se puede llegar a reprochar a El Ultimo Duelo es su tiempo de ejecución. Sus dos horas y media de metraje pueden resultar un poco extensas, debido a los tres capítulos donde se adoptan perspectivas diferentes. Aún así, es una película poderosa y valiente en una época donde la ignorancia y los privilegios del poder de los hombres dañaban a las mujeres. La pregunta que habría que hacerse es si en el transcurso de 635 años de historia algunos prejuicios, conductas y discriminaciones hacia la mujer siguen vigentes.

PUNTOS POSITIVOS

La historia, dividida en capítulos, es atractiva y eficiente. El mensaje es claro y adopta una postura firme.
El elenco. Se destaca Jodie Comer.
El duelo final impacta y es sangriento. Pero no logra opacar el sufrimiento de Marguerite.

PUNTOS NEGATIVOS

Su tiempo de ejecución. Sus dos horas y media de metraje pueden resultar extensas para algunos impacientes porque sus tres capítulos repiten secuencias de perspectivas diferentes.

RESUMEN

El Ultimo Duelo (The Last Duel) proporciona políticas medievales y creencias espirituales que bien merecen un recordatorio, para evitar que aquellas se repitan y si las hay, desaparezcan. La historia de poder y misoginia se divide en tres capítulos, cada uno de los cuales muestra las perspectivas cambiantes de sus personajes principales. Un buen trabajo de Ridley Scott que sigue demostrando que lo suyo es lo épico. Sin embargo, para aquellos que busquen una propuesta semejante a Gladiador o Cruzada se les hace saber que aquí no la encontrarán.

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19/11/202119/11/2021

EL MISTERIO DE SOHO (2021)

Elegante e intrigante y genuinamente perturbadora. El misterio de Soho es un producto auténtico, reforzado por sus grandes actuaciones.

Mezclando la década del sesenta con la actualidad, el director Edgar Wright construye una historia de misterio y terror psicológico en un solo paquete. Atrapa y cautiva con recurrentes viajes en el tiempo de una joven que percibe visiones del pasado. Basado en los secretos más oscuros de Londres , Wright homenajea la ciudad con una impactante puesta escena de aquella época. Elegante e intrigante y genuinamente perturbadora. El misterio de Soho es un producto auténtico, reforzado por sus grandes actuaciones.

El misterio de Soho tiene un comienzo digno de una historia de Cenicienta. Ellíe (Thomasin McKenzie) es una joven aspirante a diseñadora de modas. Vive en el campo con su abuela, en las afueras de Londres, y está obsesionada con todo lo relacionado de la década del 60. Su madre falleció en un tiempo no muy lejano, pero percibe su presencia en el espejo de su habitación. Algo que no la asusta, sino que la fortalece cuando es aceptada en la Escuela de Modas, porque era el deseo de su madre. Al llegar, Eloise se siente abrumada por la vida en la ciudad y se muda a una habitación tranquila y antigua, que le hacer recordar las comodidades de su hogar.

El alquiler es administrado por la Sra. Collins. Una misteriosa casera que le impone ciertas reglas de conducta en su propiedad. Mientras está allí, tiene visiones de una época pasada en los años 60. En sus sueños revive la historia de la aspirante a corista Sandie (Anya Taylor-Joy), una mujer que se hizo un lugar en el glamoroso y oscuro ambiente londinense. Lo que inicialmente se transforma en una inspiración, pronto será una pesadilla en la que Ellie intenta descubrir la verdad del inframundo de Soho.

Para empezar, el misterio de Soho es la clase de películas en la que no hay que ahondar demasiado en detalle para no estropear el desenlace de su trama. La historia dual es llevada con un ritmo vertiginoso y una narración visual impactante, que hace que uno se sienta comprometido. La recreación de la década del 60 luce sobresaliente, el vestuario, los automóviles y la música teletransportan aquella era, gracias a una producción elegante y ambiciosa. Pero lo destacable es la introducción de los personajes en la composición de la escena. En este sentido, el cineasta explora las características “inocentes” de Eloise y hace un paralelismo con la historia de Sandie. Ambas mujeres, en su época, luchan por encajar en una ciudad londinense, que puede ser demasiada para ellas.

Edgar Wright, también demuestra su oficio en el terror, presentando una serie de secuencias perturbadoras mientras Eloise se enfrenta a la dura realidad de su fantasía. El joven director ingles, conocido por combinar su faceta graciosa en escenas tenebrosas (Muertos de Risa y Arma Fatal) se desliga completamente de la primera para impulsar un camino agradable y elegante, pero genuinamente aterrador. Construye una historia pasada, con hombres lascivos, abusadores y proxenetas, maquillada con un candente aire glamoroso de los 60.

Las buenas actuaciones son otro sello distintivo del film. Las jóvenes protagonistas, cada una en su época, realizan un excelente trabajo. McKenzie lleva la historia con un grado de exigencia óptimo. Mientras profundiza en sus exploraciones, más exigente se vuelve su actuación desde el punto de vista emocional. La actriz logra con sus dudas y sus miedos empatizar con ella hasta el acto final culminante. Lo mismo sucede con Anya Taylor-Joy, al caracterizar a una ambiciosa pero frágil corista de un mundo nocturno del que no puede salir. Completan el elenco un interesante Terence Stamp, aportando la cuota de misterio y alerta desde el primer momento que entra en escena y la difunta Diana Rigg, en lo que resultó ser la estrella icónica de la serie de televisión “Los Vengadores” 1965/1968).

RESUMEN

El misterio de Soho busca las entrañas del pasado, la basura debajo de la alfombra, tomando como epicentro a una de las ciudades más atractivas del mundo. En esa línea temática se canaliza la narrativa, en donde sus constantes giros y vueltas sorprenden en una ciudad de “luces y sombras”. Así, el film combina el terror psicológico, viajes en el tiempo y misterio en un combo intrigante.

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15/11/202128/04/2022

ROCKY IV: Rocky vs Drago (1985-2021)

Stallone edita el clásico de 1985 con nuevas imágenes inéditas que encajan a la perfección con el estilo de la franquicia. Rocky vs Drago es el corte definitivo del director, después de 36 años.

Robert “Rocky” Balboa es el personaje que ha estado en la sombra de Sylvester Stallone durante toda su vida cinematográfica. La representación de un hombre que busca una oportunidad en la vida sin perder valores en el camino se ha ganado un lugar en el corazón de cada cinéfilo. Es de aquí que Stallone ha tenido durante mucho tiempo una evidente insatisfacción sobre el resultado final de la que fuera la película mas taquillera de toda la serie. Rocky IV logró recaudar 300 millones de dólares en todo el mundo (una cifra descomunal en esos tiempos) pero la critica lo destruyo, alegando que era un producto patriótico en plena Guerra Fría.

Advertencia: SPOILERS de Rocky vs Drago y Rocky IV

El público abrazo el film por su ritmo vertiginoso, su música y sus montajes de entrenamiento. Ahora, Stallone regresa para arreglar lo que no le ha gustado en su versión anterior, restaurando muchas escenas que dejó archivadas en la sala de edición. Con lo que uno se pregunta: ¿Era necesario correr el riesgo de retocar un film exitoso y amado por los fanáticos ? La respuesta puede llegar a tener variantes, pero si se lo piensa desde el punto de vista de la temática de la serie, la respuesta es afirmativa. Rocky IV es un tren a toda velocidad. Encanta y es adictiva, pero fue diseñada como un videoclip, donde todo transcurre vertiginosamente dejando de lado algunas emociones que la saga ha construido desde sus inicios.

Stallone como director, realizó algunos ajustes focalizando toda la atención en su amigo, el gran Apollo Credd. La nueva versión agrega un total de dos minutos al tiempo de ejecución original, pero también cuenta con 40 minutos de nuevas imágenes editadas. ¿Esto genera una película nueva? No, algunos cambios que se agregan son muy sutiles y algunos están enfocados desde perspectivas diferentes. Sin embargo, otros son sustanciales que aportan un peso emocional diferente y merecido. Aquí Stallone acierta en profundizar la amistad con quién fuera su amigo y reconoce expresamente lo importante que era para él en su vida. En este punto, Stallone ha reconocido abiertamente su error en haber “matado” a Apollo y en el corte del director transmite con éxito el vinculo profundo entre los dos boxeadores.

Luego de la brutal exhibición mantenida con Iván Drago, Rocky Balboa se dispone a vengar el fallecimiento de su amigo. El eje central de la trama sigue siendo el mismo, pero aquí Stallone recarga todo el peso emocional para fundamentar la progresión de la historia. En la versión original, el funeral de Apollo pasa casi desapercibido, aquí se evidencia la sensibilidad y el llanto de Rocky junto a un discurso conmovedor de quien fuera su entrenador. En este punto, Stallone acierta en bajar la adrenalina de la versión original al tomar una pausa justificada, honrando a su amigo.

Ahora, los fanáticos deben quedarse tranquilos. Las partes más importantes de Rocky IV permanecen intactas. Tienen unos pequeños ajustes que no cambian la esencia de la original. La espectacular entrada de Apollo Creed, el canto de James Brown, interpretando “living in America”, el entrenamiento de Rocky en Rusia, la canción de John Cafferty “Hearts on Fire” y la pelea final culminante son sacramentales. Stallone lo sabe y no los toca. Solo aporta algunas pequeñas adiciones y mejoras importantes en temas de sonido y personajes. En este aspecto, los golpes de puño se sienten más reales. No son tan explosivos como la original, pero se hacen sentir.

En cuanto a las eliminaciones, Stallone ha quitado el robot de su cuñado Paulie. En su lugar agrega una escena significativa con Adrian en la cocina en donde se evidencia la preocupación de una mujer que siempre ha estado pendiente de la salud de Rocky. Otro acierto de Stallone, ya que en su versión original el personaje de Talia Share estaba desatendido.

Lo mismo sucede con Dolph Lundgren. Su Iván Drago se exhibe, levemente, más humanizado. La maquina impenetrable rusa se aparta de la directiva soviética. Muestra rasgos de egoísmo y Stallone también agrega reacciones de sorpresa del manejador de Drago, Nicolai Koloff (Michael Pataki) y la esposa de Ivan, Ludmilla Drago (Brigitte Nielsen), que tienen un efecto notable.

Con todo ello, el corte de Sylvester Stallone de Rocky IV es un autentico regalo para los fanáticos y en el camino encastra la historia con el espíritu emocional de sus anteriores entregas. El cambio sustancial llega en el final. Rocky le muestra respeto a Drago cuando deja el ring. Ambos chocan los guantes y eso es fascinante de ver. Ese agregado tiene una explicación en el nuevo discurso triunfal de Rocky, en donde aprendió que todos los hombres pueden cambiar, dándole la absolución por la muerte de Apollo. El corte del director es atinado. No hay nada que festejar de la épica batalla. Rocky tuvo que hacer lo que tenía que hacer, respetando el código del guerrero. Así, Balboa y su equipo se van con una victoria que representa una perdida irreparable.

RESUMEN

Stallone, con sabiduría eleva el material original y otorga un final acorde con la tragedia de su amigo. Los acordes de ” Eye of the Tiger” en sus créditos finales cobran sentido al reflejar la enseñanza que Rocky adquirió durante su entrenamiento con Apollo. El “ojo de Tigre” representa la mirada de la ambición y de la valentía. De saber que la vida es un camino con obstáculos, pero que nunca hay que rendirse. Ese es el genuino valuarte que ha transmitido Stallone a través de su entrañable y querido personaje. En definitiva, Rocky vs Drago es un retorno a la nostalgia de una forma satisfactoria. Agrega escenas sutiles y remodela otras, sin alterar lo que siempre funcionó.

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14/11/202114/11/2021

SIN TIEMPO PARA MORIR (2021)

La quinta y última entrega de Daniel Craig como Bond cuenta con excelentes secuencias de acción y una fotografía impecable. Pero, es una despedida amarga del personaje.

Sin Tiempo para Morir es la entrega número 25 del agente secreto más famoso y más querido del mundo. Bond, James Bond ha entretenido a generaciones enteras. Algunas de ellas transitan, a la fecha, la etapa de adultez y han tenido el privilegio de vivir el nacimiento del personaje en 1962, cuando se estrenó Dr. NO con el inigualable Sean Connery. A partir de allí se fue construyendo una marca registrada, un icono de estilo, de elegancia, de sensualidad, de valentía y sobre todo de entretenimiento.

El Comandante Bond, identificado en las filas de agentes disponibles con el número OO7, con licencia para matar, ha resistido el paso del tiempo y su nombre va más allá de la historia que se cuenta. Dicho esto, los responsables de la continuación del personaje, ahora interpretado por Daniel Craig, no han hecho más que sepultar más de cuarenta años de fantasía cinematográfica. Bond, trasciende la figura de Daniel Craig y si bien es la despedida del actor británico de la franquicia, el agente secreto 007 no debería haber seguido el mismo camino.

La declaración del que redacta no es un reproche, ni siquiera una critica, es una desilusión de alguien que ha vívido los cimientos del personaje y que se la han sacado como a un niño en una juguetería. La quinta y ultima entrega de Daniel Craig como Bond cuenta con excelentes secuencias de acción y una fotografía impecable. Pero, es una despedida amarga del personaje.

En Sin tiempo para Morir, Bond se encuentra retirado de la agencia británica MI6 y disfruta del amor de Madeleine Swann (Léa Seydoux). Pero, el pasado golpea a su puerta. Un nuevo villano altera el orden de la paz mundial al secuestrar a un científico ruso que trabajaba bajo las ordenes de MI6. Los datos robados pueden generar un arma mortífera con solo disponer de ADN de la víctima.

Naturalmente nada es sencillo, y Bond vuelve a la acción. Pero en el camino se encontrará con algunos cambios que ocurrieron en su ausencia. La licencia 007 ya no le pertenece, el número tiene una nueva dueña. Nomi (Lashana Lynch ) es la que se presume que llevará en adelante la identificación y el legado de Bond. Ambos trabajarán juntos para desentrañar un secreto oculto de la Organización Spectre, cerrando así el círculo que se trazó en el año 2006 con Casino Royale.

Para empezar, el film tiene un arranque demoledor. Sus primeros 20 minutos de apertura (son los más largos de la franquicia ) son de una calidad artística notable. Bond conduce su Aston Martín DB5 por las calles de la ciudad de Matera en Italia para luchar contra los agentes de Spectre. El director norteamericano Cary Joji Fukunaga rinde homenaje al 007 de Sean Connery con una persecución para el aplauso. El nostálgico auto es un sinónimo de Bond, sus gadgets están equipado con un conjunto completo de armas que van desde bombas explosivas, cortinas de humo y ametralladoras. Las imágenes, las acrobacias y el detalle de la fotografía son tan prometedoras que puede llegar a ser unos de las introducciones mejor realizadas en la historia de la franquicia. En este punto, no defraudará a ningún bondeano.

Ahora, lo que sucede a continuación puede llegar a generar sensaciones encontradas en lo que respecta a su desenlace y su tercer y desgarrador acto final. Como película de acción, su calidad es irreprochable, pero en el camino parece olvidarse de los orígenes del personaje, aquellos que lo han impulsado como un factor de entretenimiento. Que no se malinterprete. Sin tiempo para Morir entretiene a punto tal que uno no puede despegar los ojos de la pantalla, pero, el personaje está sobrecargado emocionalmente. Esta característica saca lo mejor de Daniel Craig como actor, imbuye al personaje de una emoción palpable en situaciones de desconfianza y de cansancio de un hombre que ha tenido un largo recorrido en el arte de matar.

Pero, la seriedad con la que se cuenta la historia aquí es demasiada para una película de Bond. El film trata de equilibrar al agente secreto como alguien que, a pesar de intentar llevar una vida normal, siempre está mirando por encima del hombro. Algo que se siente como una preocupación extra de un agente que siempre fue despreocupado. Ahora, cuando el personaje se calza el traje, realiza alguna broma y entra al ruedo es donde el encanto resurge. En este punto, Daniel Craig puede llegar a tener alguna resistencia, pero lo que no se puede negar es su condición excepcional para las secuencias de acción. De lo que podría ser uno de los mejores de la saga.

Sin Tiempo para morir cuenta con un villano algo confuso. Los planes de Safin (Rami Malek) funcionan mejor cuando son una amenaza para Bond que una autentica amenaza mundial. El villano emerge como un daño colateral de los crímenes de Spectre (la secuencia inicial lo exhibe como si fuese un film de terror) y su éxito se siente como algo no ganado. Aun así, sirve para completar la historia de fondo de Daniel Craig como Bond, pero no del personaje.

Llegado a su tercer acto y desgarrador final, luego de casi dos horas y 40 minutos de metraje, la desilusión y el desencanto cobran una fuerza no querida. Los films Bonds se caracterizan por paralizar los momentos de nuestra privada, son esos momentos donde nuestra mente vive una fantasía a través de un personaje que nos representa. James Bond no es solo un nombre y 007 no es solo un numero y por más que deje un legado nada volverá a ser igual. Así, en épocas de pandemia y de malas noticias, Sin Tiempo Para Morir llega en el momento equivocado.

PUNTOS POSITIVOS

Las secuencias de acción son espectaculares.
La aparición de Ana de Armas es muy efectiva. Merece un lugar en la franquicia.
La apertura inicial es lo mejor del film. Imperdible.

PUNTOS NEGATIVOS

La nueva 007 no tiene carisma. Nomi (Lashana Lynch ) deberá esmerarse para que la saga no caiga en un precipicio.
El villano está desaprovechado. Su plan es algo confuso y la tensión que quiere representar se diluye en la amenaza personal a Bond.
Su metraje es algo extenso. Se siente en su tramo final.
Los fanáticos acérrimos del personaje pueden llegar a desilusionarse.

RESUMEN

Sin Tiempo para Morir (No time to Die) es algo más que una despedida de Daniel Craig. Sus impecables secuencias de acción, las subtramas personales y el buen ritmo en general mantendrán al público en sus asientos. Eso sí, el final será uno de los motivos de lo que se hablará durante algún tiempo.

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13/08/202113/08/2021

SAMURAI X: El Origen

Una tragedia romántica con una impresionante acción de lucha con espadas

Toda guerra civil tiene su baño de sangre, motivada por ideales que empequeñecen los valores de la vida. La elección de uno u otro camino implica un sacrificio, justificado en la defensa de una forma de gobierno en disputa. A finales de la década de 1860, Japón se vio inmerso en una batalla interna que se extendió mas allá de los campos de batalla. La figura del shogunato o del gobierno militar japonés estaba teniendo resistencia por un grupo de patriotas partidarios del emperador, que proclamaban una nueva era. Surge así, la figura de un asesino, un samurái especialista en el arte de la espada llamado “Himura Battousai”. Esta es la historia de un idealista violento y sanguinario que descubre el amor en el campo de batalla. Una tragedia romántica con una impresionante acción de lucha con espadas

El famoso asesino espadachín “Battousai” ha estado asesinando a miembros del shogun. Su voluntad es reestablecer la paz con la llegada del gobierno imperial. Su voluntad asesina es dirigida por un grupo de patriotas, que utilizan sus habilidades para ejecutar impunemente a sus adversarios. Dicho esto, Battousai se ha transformado en una maquina de matar. Sale por las noches sin tener en cuenta el numero de guardias que se le interponen en el camino. Su fin es llevar a Japón hacia una nueva era. Hasta que descubre el amor de una mujer solitaria quién le plantea el valor de la vida humana. “Todos tienen alguien a quien amar” , es un dicho que remueve la culpa de Battousai, quien es un idealista convertido en víctima de una guerra civil sangrienta. Pero para que los tiempos cambien, alguien debe usar la espada.

Samurai X: el Origen, es una adaptación del manga/anime japonés Rurouni Kenshin. Ello no quiere decir que haya que saber la historia del personaje ni mucho menos. La trama es autosuficiente dentro de la rica historia japonesa, con lo que explora acontecimientos verídicos dentro de un contexto civil sangriento. Asimismo, se destaca la ausencia de aspectos sobrehumanos en las batallas con espadas. Las irreales acrobacias, los grandes saltos y las interminables secuencias de escaramuzas están ausentes. Algo que se agradece, a juicio del que redacta, ya que las secuencias de acción están impresas con un cuasi realismo descarnado.

Battousai es un especialista en el arte de la espada y su protagonista (Takeru Satoh) nos hace creer que ello es realmente así. Los combates son rápidos y sangrientos, con movimientos estupendamente coreografiados. Los samuráis desenvainan sus katanas para matar, no hay lugar para la improvisación o la habladuría. Cuándo ello ocurre, el film se sumerge en un mundo de violencia y muerte con un estilo visual muy convincente. En este punto, las localizaciones y el vestuario recrean el ambiente de la época, el cual goza de notable autenticidad.

Pero la película tiene reservado un trasfondo romántico trágico, que hace que la historia tenga un matiz dramático. Battoussai es un idealista, pero sus constantes asesinatos lo han convertido en un hombre frío y solitario. Es una persona que forma parte de la rebelión pero que no socializa. Su misión antishogun lo ha poseído y solo se expresa a través de su espada. Por otro lado se encuentra Tomoe, una mujer que ha perdido su idealismo y solo vive para vengarse. Su antiguo amor fue asesinado y lleva una culpa interna que no puede superar. Para ella, el amor y el odio es una cara de una misma moneda pero su destino excluirá una de ellas. La llegada de otro hombre cobrará un sentido en su vida configurando la gran tragedia de su amor.

Con todo, Samurai X: El Origen es una buena película de samuráis, dentro de un trasfondo social/político violento y sangriento. Pero, también es un film que expone una tragedia personal en su extenso metraje. Sus dos horas y 18 minutos de duración pueden resultar algo extensos pero sirven para profundizar el origen y la culpa de los personajes. Su resultado es una tragedia romántica con una impresionantes acción de lucha con espadas.

PUNTOS POSITIVOS

La acción con espadas sorprende. La técnica de lucha luce cuasi real y convincente en pantalla. Es sangrienta, violenta y rápida.
La ambientación y su vestuario gozan de notable autenticidad.
La banda sonora. Correcta a nivel general pero emotiva en su acto final.
Los personajes.

PUNTOS NEGATIVOS

Si no te gustan los samurais y la acción con espadas no tienes nada que hacer aquí.

RESUMEN

Samurái X: El Origen es una adaptación de un comic japonés pero es ante todo una buena película de samuráis. Su costado trágico romántico no solo le otorga un equilibrio entre las secuencias de lucha con espadas, sino que también resalta el espíritu de lucha de los personajes. Los ideales pueden perderse cuando está en juego el amor, incluso para alguien que se expresa a través del filo de su espada.

[usrlist “Puntuación: 3.5”]

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16/07/202103/08/2021

LA CALLE DEL TERROR, PARTE 3: 1966

La Tercera parte de la trilogía acomoda las piezas de su narrativa y brinda un satisfactorio cierre final.

La maldición de Sarah Fier llega a su fin sin antes descubrir sus orígenes, siendo estos últimos la mejor puesta en escena de la trilogía. Después de estrenarse la Parte 1 y la Parte 2 (donde se homenajea al cine slasher de los 80 y 90), su cierre final está impreso de un estilo visual propio y cautivador que supera a sus antecesoras. Pero sigue siendo un film que depende de una construcción narrativa anterior, con lo que no se recomienda visualizar los tres capítulos por separado.

La Calle del Terror, Parte 3: 1666 comienza inmediatamente después de los eventos de 1978 , cuando Deena (Kiana Madeira) logra reunir la mano de Sarah Fier con el resto de su cuerpo. Al hacerlo, Deena descubre lo que realmente le sucedió a Sarah Fier y cómo llegó a ser considerada la bruja que maldijo a la ciudad de Shadyside. En este momento el film nos remonta al año 1966 y Deena se entera de cómo el pequeño pueblo de la Unión fue atacado por una plaga.

Una maldición que no se ve pero se acusa, y se hace con el simple dedo de una mano. La comida se pone putrefacta y el agua se contamina. Hay que buscar un culpable de tamaña calamidad, con lo que la gente del pueblo no tarda en acusar a Sarah de brujería y de hacer un trato con el diablo. Sin embargo, la verdad está lejos de lo que Denna suponía. Descubre la verdadera fuente del mal y con la ayuda de su hermano y sus amigos se prepara para combatirlo.

Las tres películas de la trilogía están dirigidas por Leigh Janiak, siendo su última entrega la más original y la que mejor funciona en términos narrativos. A diferencia de 1994 y 1978, 1966 logra un estilo visual propio al apartarse de los homenajes del cine de terror slasher de los 80 y 90. Esto es, 1994 evocaba a Scream y 1978 a la saga de Viernes 13. La primera mitad de 1966 se sumerge en los orígenes de la historia, que en parte fue construida por sus antecesoras, logrando una perspectiva propia. No solo logra entrelazar los conceptos de la historia sino que se permite generar un ambiente perturbador. Y lo hace de una manera satisfactoria, logrando mantener su atención hasta su tramo final.

¿Quién de ustedes ha dado la bienvenida al diablo?, se pregunta un residente del pueblo de la Unión. En este momento se da rienda suelta a las supersticiones y a las acusaciones de un pueblo teñido por la ignorancia. El verdadero mal no está lejos. Esta más cerca de lo que uno cree y es lo que da sustento a su narrativa en su apartado final. La persecución de hombres con antorchas a mujeres acusadas de brujeria rinde tributo a las películas de genero, recreando un ambiente perturbador.

No hay nada peor que un pueblo revuelto y furioso por sus convicciones, mientras en la oscuridad se encubre un acto malvado. El cineasta aprovecha los momentos de tensión en forma eficiente, profundizando la historia de Sarah Fier ensamblando los interrogantes con sumo ingenio.

En general, La Calle del Miedo, Parte 3: 1666 puede ser la que mejor funciona, en términos narrativos, pero depende de sus antecesoras ya que reconstruye una historia establecida. Como tal, no se recomienda ver ninguna de las películas por su cuenta, sino juntas como una sola serie. Por su parte, 1666 ofrece una conclusión totalmente satisfactoria de la maldición de Sarah Fier. Quizás el tratamiento de la mitología de la bruja haya sido su punto culminante y que podría haberse beneficiado por su perspectiva única.

Para aquellos que hayan visto las dos primeras entregas disfrutaran de su capitulo final, mientras que aquellos que no se hayan sentido intrigados por la premisa de la serie pueden hacerlo porque su resultado final es satisfactorio. La Calle del Miedo es una trilogía que va de menor a mayor. Un entretenimiento de terror bueno y divertido, en donde se ven los mejores resultado en su parte final.

PUNTOS POSITIVOS

1966 cierra la trilogía con total solvencia. Es la mejor de la tres.
Su primera hora es cautivadora. Los orígenes de Sarah Fier están bien profundizados.
Buenas actuaciones.

PUNTOS NEGATIVOS

Depende por completo de sus antecesoras. Quien no hayan vistos 1994 y 1978 se perderán la gracia de la historia.

RESUMEN

La Casa del Terror, Parte 3: 1966 envuelve la historia de la trilogía con total solvencia. Une los puntos del pasado y explora la caza de brujas de forma convincente con una estética visual perturbadora. Se recomienda no visualizarla por separado.

[usrlist “Puntuación: 3.5”]

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29/06/202103/08/2021

UN LUGAR EN SILENCIO: PARTE II (2021)

Recuerda, no emitas sonido alguno porque la criatura te escuchará.

La primera parte de Un lugar en Silencio se enfocó en la supervivencia de una familia frente a un grupo de depredadores alienígenas. El fin era mantenerse en silencio para que las ciegas criaturas no los escuchen. Es posible que su continuación pierda el factor sorpresa por cuestiones obvias. Conocemos el aspecto de los alienígenas como su debilidad, que no es otra que aturdir su notable capacidad auditiva. Su secuela vuelve a desarrollar un mundo postapocalíptico eficaz en donde el mínimo ruido puede hacer que te maten, mientras los mismos personajes luchan por sobrevivir. Es otro ejemplo de que las segundas partes, a veces, son buenas.

Como en la primera película hay una información mínima relativa al origen del ataque alienígena. Su preludio está elaborado de forma notable. Son doce minutos donde se nos exhibe el caos de una ciudad azotada por la invasión de las criaturas. ¿Cómo llegan ? El camino en llamas de un Meteorito parece ser su vehículo de aterrizaje. En este punto, se evidencia un gran manejo de los momentos de los estados emocionales. La tranquilidad aparente del pueblo se sumerge en una secuencia aterradora. Las criaturas invaden con una velocidad y fuerza devastadora haciendo suponer que el film se encarrilla en las clásicas secuencias de violencia. Pero ello no sucede, la tranquilidad y el silencio vuelven a ser el motivo dominante de la escena, donde el sigilo es fundamental para sobrevivir.

Luego de su impactante secuencia inicial, volvemos al día 474. El padre de la familia murió en su primera parte, con lo que ahora la madre (Emily Blunt), su hijo Marcus, su hija Regan, con discapacidad auditiva, y su pequeño bebé, el cual llevan en una caja insonorizada con oxigeno, deberán dejar la casa para buscar un nuevo refugio. Para ello deberán cruzar más allá del camino de arena que puso el difunto padre para disminuir los ruidos. Ahora, cada paso será medido con sumo cautela para generar el menor tipo de ruido posible. Pero la familia ya no tiene ese miedo a los desconocido, sino que absorben esa sensación con conocimiento. Cuentan con un dispositivo electrónico de alta frecuencia que utilizarán como un arma porque las criaturas son sensibles a la retroalimentación de sonido.

Hasta que llegan a una fabrica abandonada. Un cementerio industrial en donde encontrarán la ayuda de un antiguo vecino (Cillian Murphy). Gran parte de la acción sucede en este lugar con detalles diseñados para generar claustrofobia. Un gran horno empotrado será su escondite pero también una trampa mortal si no es utilizado con suma cautela. Dentro de él, el oxigeno será limitado. Mientras tanto, Reagan descubre que hay una comunidad que vive alejada de las criaturas. Emprende en solitario su búsqueda sin el consentimiento de la madre. Para ello deberá atravesar territorio desconocido en donde no solamente las criaturas estarán al acecho.

El cineasta John krasinski vuelve a realizar una destacable película de suspenso. Para ello se vale de la misma técnica que su antecesora, que es dividir al grupo. Cada situación que atraviesan los protagonistas es de riesgo de muerte, acelerando el pulso narrativo cada vez que intervienen los alienígenas. En este sentido se destaca un notable apartado visual de las criaturas y su comportamiento con el entorno. Tanto los movimiento en lugares cerrados como en campo abierto son de impecable factura técnica. Lucen realmente aterradores e invencibles, pero siempre con el tiempo necesario en pantalla. No hay un abuso en su exposición, siendo el silencio el principal exponente narrativo.

Ahora, lo interesante de esta película es la visión de un mundo postapocalíptico. En este sentido es más ambicioso que su antecesora al exhibir un mundo completamente devastado. Los planos de puentes, calles y vías de tren abandonadas, cimentan la idea de su completo aislamiento, favorecido por una vigorosa partitura orquestal.

Emily Blunt compone una madre protectora. Su aporte es eficaz pero debió tener más minutos en pantalla. No sucede lo mismo con sus hijos. Tanto Marcus como Reagan realizan estupendas actuaciones, destacándose esta ultima quien lidera la revuelta contra los alienígenas.

Un lugar en Silencio: Parte II, logra lo que muchas secuelas no pueden, que es mantener el nivel de su antecesora. La audiencia encontrará momentos de tensión angustiantes y lo destacable es que nos son repetitivas y de relleno. Son momentos que determinan situaciones desesperantes y que se reflejan en la expresión de los protagonistas. Un combo satisfactorio, la interpretación y su dirección en beneficio de su narrativa.

PUNTOS POSITIVOS

Mantiene el nivel de su antecesora. Tensión y suspenso garantizado.
Las interpretaciones. Esta vez, se destaca Reagan (Millicent Simmonds).
Las criaturas lucen más detalladas.

PUNTOS NEGATIVOS

Sigue sin dar muchas explicaciones, a pesar de su preludio, sobre el comportamiento de los alienígenas.

RESUMEN

Un lugar en Silencio: Parte II (A Quiet Place Part II) es una continuación efectiva con historias duales desarrolladas con ingenio y tensión. Si a usted le gustó la primera seguramente disfrutará su segunda parte, mucho más ambiciosa, que al parecer tendrá posibles continuaciones.

[usrlist “Puntuación: 3.5”]

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