El PADRE DE LA NOVIA (2022)

critica el padre de la novia

La nueva versión de El Padre de la Novia tiene un ritmo que el público adulto agradecerá, no así las nuevas generaciones. Al mismo tiempo, los unirá los genuinos sentimientos de cada uno de sus protagonistas. Disponible en HBOMax.

La lucha y el amor de un padre por el bienestar de sus hijos se ha tratado en innumerables ocasiones en el cine y está bien que así sea porque es lo que ocurre en el camino de la vida. La esencia de este tipo de películas es tocar las fibras del corazón y de paso recordarnos que lo importante siempre es la familia. La nueva versión del padre de la novia (en 1950, con Spencer Tracy y en 1991 con Steve Martin) apuntala aquellos conceptos con solvencia y autenticidad dentro de una narrativa reposada.

La película sigue a una familia tradicional cubanoamericana, con residencia en Miami, que está próxima a recibir una sorpresiva noticia. La exitosa abogada e hija mayor de los Herrara, Sofía (Adri Arjona), visita a su familia y anuncia casualmente su compromiso con Adán (Diego Boneta), un hombre que conoce hace poco tiempo. Mientras recibe salutaciones de su madre (Gloria Estefan), rebelde hermana y tíos hay alguien que presta una evidente disconformidad. Billy(Andy García), el padre de la novia, lo considera como una decisión apresurada que rompe sus moldes tradicionales al no conocer a su futuro yerno, quien no le ha pedido la mano de su hija. Mientras lucha por recomponer la relación con su hija mayor e independiente, Billy afronta una situación difícil: su matrimonio está en crisis y a punto de desmoronarse.

La película navega sobre un guion demasiado cómodo para los tiempos actuales en el sentido de que la narrativa no tiene sorpresas. Se plantea un problema familiar de fondo, como lo es un intento de divorcio en un matrimonio tradicional y a partir de allí se yuxtapone con la personalidad del padre de la novia, que quiere lo mejor para su hija. Los tiempos de ejecución de aquellos problemas están manejados con la tranquilidad, carácter y rodaje que solo tienen las personas adultas.

Aquí, todo el peso del relato recae en Andy García, quien no necesita ningún tipo de sobreactuación o situación absurda para destacarse. Su composición como padre de familia será claramente identificable en el observador que asuma las mismas características. No se está hablando de dinero ni de gustos personales. Solo de un hombre con cultura tradicional que trata de ser justo pero con temores de sentirse innecesario para el bien de sus hijas. En este aspecto García se balancea eficazmente entre los “códigos” de su personaje y lo que realmente quieren sus hijas. Llegado el tercer acto, encuentra su mejor forma en su mensaje final, que aunque predecible y sencillo, se siente una recompensa bien ganada.

Dicho todo esto, la película cuenta con una buen reparto actoral y tiene algunos momentos divertidos. Es justamente este punto donde el padre de la novia no fluye como debería atento que las situaciones de enredos no logran exponer todo su potencial. Desde Gloria Estefan hasta Rubén Rabasa (el tío de la familia que comanda el grupo de música Los Inmorales), pasando por el carismático millonario del novio, todos cumplen en buena medida sus papeles y se complementan con un Andy García que absorbe todos los puntos de la trama.

Se puede reprochar al padre de la novia su lento ritmo narrativo para sus casi doras horas de tiempo de ejecución. Algo que puede impacientar a la audiencia más joven, acostumbrada a los rápidos montajes de edición. Ante ello se puede argumentar que la película sigue los lineamientos generales de un clásico y se comporta como tal. Esta falta de creatividad no llega a jugarle una mala pasada por el compromiso emocional de sus protagonistas.

RESUMEN

En definitiva, El padre de la novia (Father of the bride) adapta adecuadamente el clásico que representa. Si bien el ritmo elegido puede llegar a dividir opiniones (o generaciones) es el tercer acto el que inclina la balanza hacia su aprobación con emociones bien ganadas. El público adulto y sobre todo, padres de familia disfrutarán el film por sus genuinos valores.

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GARRA (2022)

garra: explicación del final

El drama deportivo explora el mundo del baloncesto de una manera convencional. En Garra (Hustle), Adam Sandler pivotea sobre una historia de superación de la que resulta favorecido. Disponible en Netflix.

Adam Sandler ha hecho un nombre en la comedia con personajes que marcan una línea de conducta facilista. Su éxito, interpretando a perdedores o tipos comunes con mala suerte, lo ha llevado a repetir una y otra vez la misma secuencia, agotando sus recursos de actor cómico. Pero, la regla del que hace reír puede tener potencial dramático (si se lo trabaja) se aplica para Sandler, sin caer en términos absolutos. Sandler ya ha incursionado en el terreno dramático con Embriagado de Amor y Diamante en Bruto (esta última disponible en Netflix) y ahora lo vuelve hacer interpretando a un cazatalentos entrado en desgracia. Garra, es un inspirador drama deportivo que no se aparta del estereotipo convencional del genero, pero del que Adam Sandler resulta favorecido.

La historia de Garra sigue a Stanley Sugerman ( Adam Sandler), un cazatalentos del equipo de básquet de Filadelfia. Cansado de viajar y perderse los cumpleaños de su hija recibe la oportunidad de su vida como asistente de entrenador. Pero cuando el gerente millonario (Robert Duvall) fallece, el manejo cae en manos de su hijo (Ben Foster), un soberbio y caprichoso administrador que le devuelve el antiguo empleo. Dolorido por su sueño incumplido hace un pacto con la nueva autoridad a los efectos de conseguir un jugador que los impulse a ganar un campeonato.

En uno de los viajes de rigor, se topa accidentalmente con Bo Cruz (Juancho Hernán Gomez)en un parque español.  Stanley identifica rápidamente el talento que tiene Bo en ataque y defensa y cree que podría ser el tipo de jugador que necesita la franquicia y, además, sacarlo de los viajes de seleccionador para siempre. Mientras lidia con la soberbia de su jefe, Stanley desarrolla las habilidades de Bo Cruz y lo prepara como jugador seleccionable para la NBA.

La estructura narrativa de Garra se maneja de una manera convencional. Aquí hay dos personajes que se necesitan mutuamente mientras buscan el camino de la redención. Ello equivale a que las reglas en este tipo de historias necesitan de ciertos “obstáculos” que se deben sortear, mientras se resuelven sus oscuros pasados. En este aspecto, el film adopta el sentido de superación personal, motivado por una necesidad interna que emerge sin ataduras. Garra, capta la esencia de la película Rocky y no tiene ningún problema en confesarlo, manteniendo expectante su trama hasta su reconfortante final.

Garra, es una película de básquet, pero ello no implica tener amplios conocimientos en la materia para acercarse a ella. El factor emocional y su destino están bien definidos dentro del mundo del baloncesto en donde desfilan estrellas del deporte, reconocibles (ahora sí) por algunos seguidores o practicantes. La película cuando entre en clima deportivo, juega mucho con los entrenamientos en donde Bo Cruz debe aprender a desarrollar sus habilidades. Desde correr una calle empinada por tiempo, hasta diferentes practicas de ejercicio con pelota, Bo, se va acercando a lo que sería un profesional de élite. En este sentido, Hernán Gómez (profesional del equipo de basquetbol americano, Utah Jazz) cumple en líneas generales con lo que demanda el personaje, a pesar de la benevolencia que el guion tiene con él en su costado dramático.

Pero lo que realmente impulsa la película es la interpretación de Adam Sandler, quien contiene su personaje con suaves tics graciosos en beneficio de la narrativa. Sandler, se muestra comprometido con el mundo del baloncesto, del cual es ferviente fanático, evitando cualquier tipo de deshonra al deporte. Por supuesto, que hay algunos juegos internos (juegos mentales) dentro de la cancha, en el cual su pupilo tendrá que lidiar, pero eso no es más que una realidad entre los basquetbolistas.

Garra, no puede plasmar satisfactoriamente algunos aspectos misteriosos de la trama. Tanto el accidente de Stanley como el pasado de Bo no tienen el impacto deseado. Al margen de ello, la película tiene un buen ritmo dentro de una escritura que aporta la suficiente simpatía, en la que Sandler sale favorecido.

CURIOSIDADES

  • La descripción original de la trama decía que el personaje principal de Adam Sandler encuentra “un fenomenal jugador de baloncesto callejero mientras está en China…” Según una entrevista con Dan Patrick, Adam Sandler declaró que debido a la presión de Netflix (que, a partir del desarrollo de esta película, no hace negocios en China), la ubicación ahora se ha cambiado a Mallorca, España.
  • Se ve a Adam Sandler con una camiseta de “Federal Donut”, que es un verdadero restaurante de Filadelfia famoso no solo por sus donas, sino también por su pollo frito. 

RESUMEN

En resumidas cuentas, Garra (Hustle) tiene todo lo que se puede encontrar en una película dramática deportiva. Con un Adam Sandler comprometido, la película llega a su punto final con una recompensa bien ganada.

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TODO EN TODAS PARTES AL MISMO TIEMPO (2022)

todo en todas partes al mismo tiempo: explicación del multiverso

Imaginativa como agotadora, Todo en todas partes al mismo tiempo es un viaje emocional de ciencia ficción sobrecargado, en donde dividirá los gustos de los espectadores. Protagonizada por la legendaria artista marcial asiática, Michelle Yeoh.

Todo en todas partes al mismo tiempo ( Everything everywhere all at once) es de esas películas que irradian una sorprendente capacidad de imaginación. Lo dicho no deja ser un reconocimiento al ingenio de sus creadores al narrar una trama con saltos en el tiempo y universos paralelos. Pero, la grandilocuencia visual y frenética puede llegar a dificultar su capacidad de comprensión y con ella el agotamiento al intentar seguir el ritmo a una producción que abraza la ciencia ficción de una manera alocada. Imaginativa, agotadora y emotiva en ciertos pasajes, Todo en todas partes al mismo tiempo es un viaje emocional demasiado sobrecargado.

La película sigue a Evelyn Wang ( Michelle Yeoh), propietaria de una lavandería a la cual no le está yendo muy bien. Su matrimonio con su esposo Waymond (Ke Huy Quan) está en crisis, todavía se siente distante de su padre (James Hong), y la relación con su hija Joy (Stephanie Hsu) es tensa.  Además de todo eso, Evelyn se encuentra en medio de una auditoría de impuestos encabezada por una severa agente de retención llamada Deirdre (Jamie Lee Curtis).  Evelyn está tratando de salvar sus relaciones que se están desmoronando mientras evita sus propios sentimientos de insuficiencia.  Sin embargo, todo cambia cuando se da cuenta que existe un multiverso, el cual representa una versión de sí misma por decisiones diferentes. La cuestión se complica cuando se le dice que ella es crucial para salvarlo.

Todo en todas partes al mismo tiempo parte de una narración por demás imaginativa al recrear un multiverso motivado por las decisiones. Dependiendo de la capacidad de elegir, existe un universo alternativo en donde la heroína hace un recorrido de todas esas posibilidades. Como toda ciencia ficción, el film tiene sus reglas pero eso no significa que la audiencia lo comprenda con precisión. Ante esto, se puede llegar a ser difícil seguir la línea de tiempo de la historia con sus recurrentes saltos, mientras se pone en ejecución un gran despliegue visual con secuencias sumamente divertidas.

La película tiene una clara intención de sacudir a la audiencia y sacarla de su lugar de confort. Lo logra durante todo su metraje pero en el camino se corre el riesgo de producir agotamiento y confusión con tantos cortes de edición de viajes en el tiempo. La pareja de directores Dan Kwan y Daniel Scheinert (conocidos como Los Daniels) crean un mundo caótico y con opciones ilimitadas inspiradas en otras películas de genero. Desde Matrix hasta Terminator, la película parece rendirle una especie de homenaje con la diferencia que excede su capacidad lógica de comprensión. La pastilla roja y azul de Matrix es una regla de multiplicar simple al lado de lo que se propone aquí.

Ahora bien, lo que tiene de complejo lo tiene de divertido. Las secuencias constantes de saltos en el tiempo lo corresponden con situaciones desopilantes, inverosímiles y grotescas que marcan la capacidad de locura de sus creadores. En el centro de este “tornado imaginativo” se encuentra una historia familiar, con una acertada moraleja. Michelle Yeoh, lleva adelante la trama componiendo un personaje matizado, imbuyendo a Evelyn de desesperación y energía, cada vez que realiza los diferente saltos dimensionales.

Pero, si bien la actriz asiática es el corazón de la historia, no está sola. Ke Huay Quanes (Waymond) es el partenaire perfecto para Yeoh al componer al esposo que ha redactado los papeles de divorcio, hasta que una versión de otro universo se apodera de su cuerpo. La interpretación de Quanes hace que el film tenga algo de explicación con sus marcados cambios de conducta. El resto del elenco siguen la misma línea que marcan sus protagonistas.

Entre tanta situación caótica e irreal, Todo en todas partes al mismo tiempo se enfoca en la dinámica familiar y en los problemas cotidianos con que se lidian continuamente. Evelyn está cansada de su marido y no acepta la nueva relación sentimental de su hija. Mientras trata de resolver todo ello, el mundo la golpea con sensaciones encontradas en el hecho de saber si ha tomado la decisión correcta. El film da muestra de un marcado optimismo y resuelve su problemática de una manera esperanzadora. La recompensa y el sentido del film llegan en su final, si es que los espectadores menos versátiles están dispuestos a aguantar.

RESUMEN

En definitiva, Todo en todas partes al mismo tiempo logra llevar al espectador a otro nivel en la exploración del multiverso. Pero, tal nivel de locura entretenida es llevada al punto del agotamiento.

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OBI-WAN KENOBI (2022)

inquisidores: revelación de sus títulos

Disney apuesta a lo seguro y ofrece una historia familiar, alimentada por la nostalgia. Ewan MacGregor recrea un adulto Obi-Wan Kenobi en la serie de Las Guerras de las Galaxias. Disponible en Star+.

La Guerra de las Galaxias se ha transformado en un espectáculo por sí misma. Luego de la adquisición de Lucasfilm, por parte de Disney, la franquicia está explotando todos sus personajes de todas las formas posibles. Tiene una clara ventaja, tiene en sus manos una mina de oro, con universos por explorar, y un publico cautivo pendiente de cada estreno. The Mandolarian, fue la serie que marcó el camino, con un cazarrecompensas que ya ha tenido una breve participación secundaria en los primeros largometrajes de las Guerras de las Galaxias. A ella, le siguió “El libro de Boba Fett”, con similares resultados.

En esta ocasión, Disney vuelve sobre lo seguro, que es revivir la historia adulta de Obi-Wan Kenobi y el exterminio de los jedis. La nueva serie mantiene los escenarios de The Mandolarian y ofrece una historia familiar, alimentada por la nostalgia.

Obi-Wan Kenobi  se reencuentra con los Jedi diez años después de  Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith. Luego del exterminio de los portadores de sables de luz, Obi- Wan Kenobi se encuentra exiliado en el planeta desértico de Tatooine para vigilar a Luke Skywalker.  Sus escasas interacciones con los lugareños resaltan la forma en que el tiempo ha cambiado a un hombre que alguna vez sirvió de guía en el consejo Jedi. Mientras los propios inquisidores de Darth Vader cazan a los Jedis restantes, Obi-Wan se ve envuelto en la acción cuando aquellos secuestran a una pequeña niña, para sacarlo de su ostracismo.

Como es habitual en cualquier serie de Disney, Obi-Wan-Kenobi se mueve dentro de una narrativa familiar. A sus logrados escenarios y vistosos personajes se le suma la presencia efectiva de Ewan McGregor, quien vuelve a vestir el traje de Jedi. Con un semblante cansino y temeroso, un adulto Obi-Wan lleva el peso de la narrativa lo que permite que la historia vaya cobrando impulso a medida que el personaje despeje sus miedos. En este aspecto, la serie apuesta a lo seguro, poniendo al protagonista en una situación de vulnerabilidad, para fundamentar su resurgimiento.

El Imperio está en su apogeo y los inquisidores son la nueva orden de la Galaxia. Bajo la directiva de Darth Vader, buscan asiduamente a Obi-Wan. La amenaza de aquellos, es quizás la parte más interesante de la historia. Con una fuerte presencia de los hombres de negro, la serie se desenvuelve dentro una zona de confort en lo que no tiene intenciones de salir. Esto no quiere decir que sea una repetición. Sino que replica situaciones y momentos ya vividos. La diferencia está en el cambio de personajes. Mientras que en The Mandolarian era Baby Yoda (Grogu) el que estaba en peligro, ahora es una joven Leida Organa ( Vivien Lyra Blair), cuyo secuestro sirve para sacar a Obi-Wan del escondite y enfrentarse a los Inquisidores. Sin embargo, la aclaración no es un reproche, la incursión de la niña es un acierto, solo que se mueve en un terreno conocido.

Dicho esto, los dos primeros capítulos de la serie gozan de una estética irreprochable. Si bien la producción parece haber aprovechado los escenarios de la ciudad de Tattooine (visto con frecuencia en The Mandolarian), la locación sirve para representar el exilio de Obi-Wan y su forzado retorno. Similar situación sucede en el capitulo segundo, donde las calles y tejados de la ciudad de Daiyu, configuran el peligro y amenaza a lo desconocido. Aquí es donde entra en forma la serie, con una serie de personajes que ilustran la saga de la Guerra de las Galaxias. Con todo, Disney parece seguir los lineamientos de la ingeniería mecánica japonesa. Esto es lo que funciona no se toca, con lo que Obi-Wan utiliza una nostalgia perfeccionada.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Obi-Wan Kenobi seguramente sacará lo mejor de sí en los próximos capítulos. Pero, por lo visto en los primeras entregas no se puede evitar pensar que el impulso de la serie es una nostalgia perfeccionada. Aun así los fanáticos de la franquicia, como los iniciados en la misma, saldrán satisfechos.

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FATHER STU (2022)

critica father stu

Equilibrada hasta su línea de meta, Father Stu sube cuidadosamente escalones en la búsqueda de la fe. Con Mark Wahlberg y Mel Gibson.

La historia de un agnóstico que se convierte en sacerdote requiere de un aura espiritual que lo motive a predicar ese camino. Father Stu lo tiene, y si bien no es la historia más conmovedora, tiene un buen manejo del equilibrio entre lo que es y lo que pretende ser. Con Mark Wahlberg en el papel principal y un elenco secundario comprometido, en la que se destaca Mel Gibson, la película sube cuidadosamente escalones hasta la búsqueda de la fe.

Father Stu se basa en la historia real de Stuart Long (Wahlberg), un boxeador que se ve obligado a renunciar después de sufrir lesiones que su cuerpo ya no podía tolerar.  Stu tiene muchos problemas de ira a causa de un pasado tormentoso. La muerte de su hermano a una temprana edad y el divorcio de sus padres lo han llevado a practicar el arte de los puños por la sencilla razón de que los golpes pueden devolverse. Perdido y sin ningún tipo de creencia religiosa, se muda a Hollywood con la intención de convertirse en actor.

En el camino se enamora de Carmen (Teresa Ruiz), una maestra de escuela católica, y comienza a asistir a la iglesia.  Al principio, es solo para complacerla porque siente que ha encontrado el amor en su vida.  Pero después de un accidente de motocicleta, en la que casi pierde la vida, Stu decide convertirse en sacerdote. Para sorpresa de todos, comienza la búsqueda de la fe, con algunos obstáculos.

Hay algo en Father Stu que hace que la trama (biográfica) sea atractiva, a pesar de ser una historia basada en la fe, y es el buen equilibrio entre el drama, la comedia y su religión. Un hombre aparentemente sin rumbo y desconfiado por naturaleza emprende un camino de reencuentro e iluminación, con el solo propósito de servir a Dios, a pesar de la sorpresa de sus seres queridos. Se enfrenta a bastantes obstáculos en el camino, cosas que están destinadas a hacerlo más fuerte y solidificar su espíritu de fe. En este punto, la película lleva la narrativa con éxito, gracias a la transformación física e espiritual que va experimentado el personaje.

El film no es un viaje aleccionador, ni pretende serlo. Si bien hay una marcada línea religiosa, con base central en la búsqueda de la fe y creencia y disposición hacia Dios, nunca pierde el camino en su cometido. Que es la firme convicción de un hombre que sea ha rencontrado consigo mismo y ser útil en una sociedad, que reclama espiritualidad. En este aspecto, se evidencia un buen trabajo de Mark Wahlberg. El actor, en línea con la narrativa, logra equilibrar la ira y vulnerabilidad hacia la transformación en sacerdote. El rasgo acertado es que nunca pierde su verdadera esencia, Wahlberg transforma la espiritualidad del padre Stu, sin perder la cáscara de su personaje.

Ahora, en el momento que se convierte en un hombre de Dios, despojándose de sus viejos hábitos, la trama toma algunos atajos que le quitan al film cierta impronta de solemnidad. La aparición de la virgen María en el momento posterior al accidente en motocicleta pone en orbita nuestros sentidos pero queda la sensación de que podría haber sido más emotivo, sintiéndose así una oportunidad perdida. No obstante ello, podría haberse dedicado más tiempo en el convencimiento de su transformación, no así en los obstáculos para lograrlo.

Father Stu, cuenta con un elenco secundario comprometido. Desde la madre preocupada hasta su ex-prometida (Teresa Ruíz) , representan el encanto necesario a pesar de que sus personajes son empujados de un extremo a otro. Pero, es el aporte de Gibson lo que impulsa el mensaje final de la película, que no es otra que merecer una segunda oportunidad. Gibson, religioso devoto, muestra un semblante comprometido y convence cada vez que entra en escena. Si bien la construcción de un hombre alcohólico y alejado de su familia no es algo que demande tanto esfuerzo en el famoso actor, son sus instancias finales las aporta su brillo, en la que Gibson habla con su rostro.

CURIOSIDADES

  • Mark Wahlberg terminó financiando el proyecto él mismo después de que varios estudios lo rechazaran.
  • Mark Wahlberg cesó su famoso régimen de entrenamiento y deliberadamente ganó una cantidad significativa de peso para este papel.
  • La actriz Annet Mahendru, que interpreta a la virgen María (en una visión), es la nuera de Mel Gibson.

RESUMEN

En definitiva Father Stu tiene algo de comedia en su búsqueda dramática de la fe. No es tan conmovedora e inspiradora, pero cumple con sus claros objetivos. Con un elenco secundario comprometido, Mark Wahlberg logra equilibrar la ira y sus desencantos hacia el sacerdocio.

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LA BATALLA DE KAMDESH (2020)

critica la batalla de kamdesh

Sin ser demasiado vistosa, tiene todo lo que se puede esperar de un genero al que representa. La Batalla de Kamdesh ofrece intensas secuencias de combate. Pero, tiene un defecto, no visualiza la cara del enemigo. Disponible en Netflix.

La Batalla de Kamdesh cuenta la historia de un grupo de soldados estadounidenses en un puesto de batalla cerca de la ciudad de Kamdesh, Afganistán. La película adapta la novela de un corresponsal de la CNN y jefe de prensa del gobierno norteamericano, y refleja la pésima estrategia militar en territorio enemigo. Con soldados estadounidenses resistiendo los ataques sorpresas de los talibanes, el film pone énfasis en el valor y resistencia de aquellos combatientes que atravesaron una odiosa para sobrevivir. La Batalla de Kamdesh (The Outpost), ofrece intensas secuencias de batalla frente a un enemigo referencial pero que se se torna casi invisible para la audiencia.

La película comienza explicando como en el año 2006 el ejercito de los Estados Unidos planificó puntos estratégicos para evitar que los talibanes pudieran recibir armas o cualquier clase de suministros. Es así que uno de los puestos militares fue la base de Keating, en la que se nutre la historia y la que representa una de las batallas más temerarias cerca de Afganistán. La base militar le permitía a los estadounidenses comunicarse con los lugareños, evitando el trafico de armas del enemigo. Pero, está en el centro y rodeado de montañas, lo que lo hace un blanco fácil de posibles ataques. Muchos soldados eran enviado allí, aceptando que probablemente no saldrían con vida, por la ubicación de la base de operaciones. A partir de aquí, un nuevo grupo de combatientes americanos desembarcan para lo que será el principio de la supervivencia.

La película va contando la historia por capítulos, que representan el desembarco de un nuevo capitán en la base de operaciones estadounidense. Con la presentación de un nuevo líder, los soldados van cumpliendo nuevas directivas que en su conjunto equivale a defender eficazmente la instalación. En su primera mitad, la narrativa se toma el tiempo necesario para introducir los personajes, su camaradería y sus temores a sabiendas que son vulnerables ante un potencial ataque. En este punto, se hace un recorrido de las instalaciones y se pone un cierta énfasis en la pésima decisión estratégica de mantener una base, a todas luces, vulnerable.

Mientras los soldados frecuentan conversiones informales son sorprendidos por ráfagas de disparos que llegan desde las alturas de las montañas. Esto coloca al observador en una posición de primera fila cuando el ataque talibán decide atacar la base desde todos sus frentes. Pero, si bien la película se encarga de exhibir la supervivencia y el valor de los soldados en combate, descuida la línea enemiga. Algo que podría entenderse, dado la incertidumbre que genera la situación pero que se torna demasiado confusa por los constantes disparos y explosiones que se generan alrededor.

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Esta apreciación personal no es un reproche. Es una forma subjetiva de apreciar una batalla, donde particularmente se considera más apropiado enfocar ambos frentes. En este aspecto, la cámara se focaliza en los movimientos constantes de los soldados estadounidenses y sus posiciones de combate. Y, si bien sirve para reflejar tensión y nerviosismo se espera que la devolución de los disparos llegan a línea enemigas, algo que pocas veces sucede. Con lo cual la batalla se transforma en un campo de supervivencia, luchando los soldados por sus vidas.

Scott Eastwood representa al sargento Clint Romesha y es la única cara conocida aquí, junto a Orlando Bloom, dentro de varios personajes que se individualizan con un subtitulado. Hay una clara intención de valorar el coraje de los soldados pero ninguno de ellos tiene la profundidad necesaria. No es hasta llegado el final, cuando se aprovecha algún costado vulnerable de aquellos. Sea como fuere, el film aboca su segunda mitad a las escenas de acción dentro de la base militar. En este punto, las secuencias tienen el impacto deseado pero no son vistosas. Logran la atmosfera bélica en relación a la incertidumbre que genera la vivencia de los soldados, quedando en deuda la cara visible del enemigo.

CURIOSIDADES

  • Varios soldados en la película fueron interpretados por soldados reales.
  • Scott Eastwood nunca conoció a Clint Romesha, el sargento del Estado Mayor que interpreta. Aunque se las arregló para discutir extensamente su papel en una conversación telefónica.

RESUMEN

En definitiva, La Batalla de Kamdesh (The Outpost) sumerge a los espectadores en la intensidad e incertidumbre del combate. Si bien el enfoque capta con precisión la ubicación de la base y la acción explosiva, se olvida del campo enemigo. Al margen de ello, es una historia bien filmada que honra a los soldados que sirvieron en la base de keating.

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ASESINO SIN MEMORIA (2022)

critica asesino sin memoria

Liam Neeson retorna con otro papel a su medida. Si bien Asesino sin Memoria (Memory) tiene una narrativa desequilibrada, supera a los últimos trabajos del actor. Lo acompañan Monica Bellucci, Guy Pearce y Ray Stevenson. La película está dirigida por Martin Campbell.

Liam Neeson encontró en el año 2009 una nueva faceta de su exitosa carrera. Búsqueda Implacable (Taken) lo catapultó como estrella de acción y sembró un prototipo de héroe con habilidades del cual el actor supo aprovechar sus frutos . Desde aquella película, Neeson ha hecho una versión semejante con sus personajes, componiendo un hombre solitario, que se maneja en las sombras, y que tiene un destacado talento para resolver conflictos. Su última película, Asesino sin Memoria (Memory), sigue a Neeson como un asesino a punto de retirarse que comienza a perder la memoria. Como es de esperar, utiliza sus habilidades para perseguir a criminales desagradables. Si bien la premisa es sencilla y cuenta con algún que otro desequilibrio en su trama, supera a los recientes trabajos del actor.

Alex (Liam Neeson) es un asesino a sueldo que es contratado para matar dos personas claves para borrar un hecho de trafico de personas. La misión lo lleva apoderarse de unos archivos que prueban hechos comprometedores, mientras se decide a terminar su encargo. Resulta que Alex es un criminal efectivo pero no mata niños. Al ver que su target es una niña indocumentada, decide revelarse y perseguir a los criminales. En el camino encontrará una conexión con un agente del FBI, Vicent Serra (Guy Pearce), que se encuentra empeñado en acabar con el trafico de personas. Los problemas se presentan cuando Alex empieza a perder la memoria a la vez que debe lidiar con la policía y el sindicato del crimen

Los primeros treinta minutos de Asesino sin Memoria son muy buenos y demuestran mucho, algo que no puede mantener por falta de equilibrio en su narrativa. El personaje de Neeson, Alex, sufre de principio de Alzhéimer y anota en su antebrazo algunos datos para recordarlos oportunamente. Lleva consigo una medicación, para calmar su enfermedad pero esta circunstancia es llevada sin armonía. En algunos pasajes, Nesson se olvida de lo que sucedió el día anterior y en otras actúa con total normalidad. Esta situación se siente desaprovechada atento que podría haber jugado con una vulnerabilidad aún mayor en el personaje.

Independientemente de las habilidades de Alex, en las que Neeson las ejecuta con solvencia en todos sus apariciones, hay una clara muestra de repetir el personaje de Búsqueda Implacable, pero del lado contario y con poca memoria. Esto lejos está de ser un reproche y al film le asienta realmente bien por la presencia de Neeson y por un elenco secundario de primer nivel. En este aspecto logra destacarse Guy Pearce, el cual por momentos logra ponerse en el mismo nivel que el protagonista, interpretando a un honorable y sufrido agente del FBI.

La película tiene varios giros y muchos personajes. Algunos se sienten algo caricaturescos, como algunos integrantes del FBI pero son salvados por un eficaz elenco secundario de apoyo. La presencia de la siempre bella Mónica Bellucci es el personaje más interesante, componiendo a una empresaria inmobiliaria que busca ocultar vínculos con el trafico sexual.

Asesino sin Memoria desarrolla el trafico sexual con mucha suavidad, insinuando la corrupción en las altas esferas pero nunca se mete de lleno. Quizás no quiso ir más allá para no perturbar el animo del observador, con delitos tan desagradables como estos. Pero lo cierto es que el enfoque sensible del delito se siente mal administrado. Algo que sí supo plasmar Búsqueda Implacable. Independientemente de ello, el director Martín Campbell tiene la habilidad necesaria para salir de temas escabrosos con algunos giros inesperados.

El cineasta utiliza buenos planos del actor y saca replicas de actuación de sus otras películas, algo que los fanáticos agradecerán. Pero teniendo en cuenta que es el director que reflotó la saga de James Bond como Goldeneye y Casino Royale, no esperen nada excepcional aquí. Asesino sin Memoria es todo lo que uno puede esperar de una película de Liam Neeson, con el aliciente que supera a sus últimos trabajos.

RESUMEN

En definitiva, Asesino sin Memoria (Memory) tiene un elenco y un director competente. La película dura casi dos horas y su trama se siente algo sobrecargada y con falta de equilibrio. Aun así, la audiencia sabrá exactamente lo que esta consumiendo que no es otra cosa que otra película entretenida de Liam Neeson.

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EL HOMBRE DEL NORTE (2022)

La historia de venganza es cruel y violenta, pero no llega a elevarse como épica. El Hombre del Norte (The Northman) se nutre de la mitología nórdica y lo aplica en el campo de batalla.

El hombre del norte cuenta con varios recursos cinematográficos bien definidos y en sintonía con el viaje del protagonista. Es cruel, sangrienta y mística, empapada en una furia salvaje que representa una historia de venganza. Un hijo que busca el responsable de la muerte de su padre se ha contado en numerosas ocasiones, El Hombre del Norte se inspira de lo que ya hemos visto teniendo como guía la mitología nórdica que inspiró a Hamlet de William Shakespeare. Esta es una historia de venganza, cruel y violenta pero que no llega a elevarse como épica.

La historia se abre con el Rey Aurvandil (Ethan Hawke) que esta de regreso en sus tierras luego de la victoria contra un enemigo. Visiblemente herido, considera que es momento que su hijo vaya adoptando el camino del hombre. Por lo que lleva al joven Amleth a un especie de entrenamiento en el que intervine un sacerdote. Las cosas comienzan a cambiar cuando el rey es atacado y asesinado por su hermano, quien tiene claras intenciones de quedarse con su reino. La ejecución se produce frente a los ojos de Amleth, quién logra escapar sin antes observar como su madre, la reina Gudrún (Nicole Kidman) es capturada. Años más tarde, un adulto Amleth ( Alexander Skarsgard) busca vengar a su padre y rescatar a su madre, sumergiéndose en un viaje brutal y sangriento para recuperar el honor y la vida robada.

El hombre del norte abraza el concepto de venganza dentro de un trayecto simple, oscuro y sangriento. Se bien el cineasta Robert Eggers da muestra de un uso interesante de la mitología nórdica, con imágenes desconcertantes como sorprendentes, dentro de una impactante cinematografía, lo cierto es que en la superficie se sabe muy poco del personaje que solo busca consumar el juramento de venganza. Que no se malinterprete, el film da muestras de una calidad palpable en las texturas de las imágenes; los personajes y los escenarios tienen el grado de suciedad que representan los enfrentamientos sangrientos y hay una clara intención en que así sea.

Pero mientras la estética visual y su confusa y sorprendente misticismo potencian la trama, se sabe muy poco de Amleth luego del asesinato de su padre. La historia lo lleva inmediatamente al adulto guerrero que fue entrenado por los Berserkers, un grupo violento que disfrazados como lobos ataca una aldea y mata a todos sus habitantes. Si bien esta secuencia es lo mejor del film, en donde se muestra la impactante toma de la aldea, con una banda sonora acorde a los movimientos sangrientos de los invasores, es difícil encontrar en el hombre del norte un personaje matizado, atento que su única acción no es más que llevar a cabo el asesinato de su padre.

Es decir, con todo el misticismo que se le imprime al film, con brujos y magos anticipando su destino, con frases interesantes como rebuscadas, la obviedad nunca se esconde de su narrativa. En este aspecto, hay una clara inspiración en la película que hizo famoso a Arnold Schwarzenegger, en Conan “el bárbaro”.

Alexander Skarsgård interpretar a Amleth como una bestia que busca a su presa.  Vive para consumar su venganza observando a su tío, Fjölnir, con una mirada intensa que perdura y nunca muere.  El actor se muestra comprometido en el papel, aunque podría haber hecho algo más en su faceta dramática. Nicole Kidman como la reina Gudrún tiene un par de momentos que permiten que su personaje tome el brillo necesario y Kidman los interpreta excepcionalmente bien. 

El film tiene lugar para el romance, que no logra el impulso necesario por la persistencia de su misión principal. En este aspecto la historia de amor con Olga (Anya Taylor-Joy,) se siente desaprovechada. Con todo lo dicho, El Hombre del Norte tiene una puesta en escena sorprendente pero no aprovecha todo su potencial. Su ritmo es un tanto desigual y es probable que el observador sienta su tiempo de ejecución ( 2 horas y 17 minutos).

CURIOSIDADES

  • Después de terminar el rodaje, varios de los actores recibieron obsequios del set. Nicoel Kidman recibió una espada.  Willem Dafoe recibió un barco (drakkar) de la vida real.  Alexander Skarsgard recibió la tanga manchada de sangre que usó durante una semana mientras filmaba la escena final de la película, en un marco.
  • La película tiene lugar en un área que incluye la actual Escocia, Ucrania e Islandia.
  • En un principio, Eggers quería que algunos de los berserkers estuvieran completamente desnudos. No lo hizo porque temía que sería demasiado para la audiencia y le daría a la película una restricción de edad demasiado alta.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El Hombre del Norte (The Northman) es una película hostil y brutal que desencadena la furia salvaje de un guerrero en busca de venganza. La falta de profundidad en la historia, impide que el film alcance todo su potencial.

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EL ARMA DEL ENGAÑO (2022)

critica el arma del engaño

El drama de guerra es sutilmente entretenido gracias a su comprometido elenco británico. El arma del engaño (Operation Mincemeat) se encuentra disponible en Netflix. Con Colin Firth y Jason Isaacs.

En una típica película de la segunda guerra mundial los enfrentamientos bélicos se exaltan con largas batallas, locaciones destruidas y recuentos de sobrevivientes. Nada de eso se encontrará en el Arma del Engaño. Un film que pretende contar una historia de espías espiados en una guerra silenciosa y oscura, donde la mentira es la principal arma del engaño. Con un elenco británico comprometido dentro de una trama “adulta”, el drama de guerra es sutilmente entretenido.

Basada en una genuina historia militar de la Segunda Guerra Mundial,  Operación Carne Picada (Operation Mincemeat ) cuenta la historia de cómo la inteligencia militar británica convenció a la Alemania nazi de que los aliados planeaban invadir Grecia en lugar de Sicilia. Para ello dieron forma a una mentira cargando un cadáver con documentos falsos para luego tirarlo cerca de las costas españolas, donde la información y su descreimiento es la batalla de los espías.

Los dos encargados de liderar el plan son Ewen Montagu (Colin Firth), un oficial naval que acepta la asignación después de que su esposa e hijos huyen a Estados Unidos, y Charles Cholmondeley (Matthew Macfadyen), un soltero solitario que le ha prometido a su madre la búsqueda de su hermano caído en la guerra.  Mientras el primer ministro británico (Winston Churchill) elabora una estrategia de ataque en tierras italianas; los nombrados y su equipo de inteligencia deberán elaborar una mentira estratégica. Aquella que pueda confundir la realidad con la ficción.

El film cuenta con un elenco británico lo suficientemente creíble como para que la historia militar cuente con las bases de autenticidad deseadas. Dicen que las historias la cuentan los que ganan y no es motivo cuestionar aquí ningún hecho supuestamente verídico. Pero la cuestión es que la trama se enfoca en una operación estratégica, cuyo único fin es engañar a los servicios de contrainteligencia de la Alemania nazi. El enfoque elegante y adulto que adopta la película es en sí meritorio. Lo mismo los diálogos de los personajes. Tienen buen ritmo y mantienen a la audiencia entretenida con una hipótesis de engaño bien definida.

Ahora, el film se sumerge en un mundo de espías del cual no puede sobresalir. Hay una trama secundaria sobre un posible traidor entre ellos, pero se siente algo descuidada. Lo mismo sucede cuando la historia se traslada a España. En este aspecto el juego de espías no tiene el impulso necesario para definir la línea de meta de la historia. Esto que podría ser fatal en otra propuesta. No lo es en el arma del engaño por el compromiso de un elenco que está a la altura de las expectativas.

Mientras se definen los puntos centrales de ejecución de la Operación “carne picada”, hay un relación platónica entre los integrantes de la organización que se siente lo suficientemente convincente para acompañarlos. Los horrores de la guerra y lejanía de los seres queridos intuye a pensar que la vida se muestra en la mirada del otro. Al margen de aquel comportamiento, sutilmente manejado por los interpretes, el guión se encarga de centrar las conducta de los personajes en su mundo real y el mensaje, mitad esperanzador, mitad desgarrador, es un acierto.

Se habla mucho de que todos en la comunidad de inteligencia escriben o quieren escribir una novela de espías, lo que rima muy bien con la operación en sí, que consiste en construir una vida ficticia para el cadáver que forma parte de la Operación.  Ahora, lo que le quita cierta solvencia a la trama son los guiños a las novelas de espías Ian Fleming, siendo James Bond su personaje emblemático.

En un secuencia del film, Fleming agarra un reloj que tiene una cierra circular, que gira a toda velocidad. La audiencia sabrá que es un guiño a las películas de Bond y si bien Fleming era un oficial de inteligencia distraído, su displicente semblante hace que la misión pierda algo de realismo. Al margen de ello, la visión romántica de los personajes y la historia en general (no, las escenas de espías) hace que el film tenga su cuota de entretenimiento.

CURIOSIDADES

  • Se ha dicho que Ian Fleming fue el autor de esta operación. La operación se detalló y se le dio crédito a Fleming en la miniserie de televisión Fleming (2014).
  • La identidad del hombre fallecido no se reveló hasta 1998. Solo entonces se dijo la verdad de que Michael murió sin ningún pariente vivo que le diera permiso.  La lápida tallada en su lugar de entierro en España originalmente hacía referencia al nombre de su supuesto padre como “John Glyndwyr Martin” y a su madre como “Antonia Martin”.  Después de que todo finalmente se hizo público, a la lápida se le agregaron las palabras: “Glyndwr Michael se desempeñó como comandante William Martin, RM”.
  • La Operación Mincemeat fue una apuesta masiva por parte de la inteligencia naval británica. Incluso mucho después de que se supiera que la red de espionaje alemana había caído en la trampa.  Un oficial nazi de alto rango, que se cree que es Heinrich Himmler, supuestamente le dijo a Adolf Hitler que tenía la sensación de que era un engaño, pero sus preocupaciones fueron descartadas.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El arma del engaño centra su narrativa en una operación que cambio el curso de la guerra. La intencionalidad romántica de los personajes es un acierto y es llevada con total sutileza, gracias al convincente aporte de sus protagonistas. Como reproche, se puede decir que el film está lejos de ser un thriller de espías.

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LA CIUDAD PERDIDA (2022)

critica la ciudad perdida

Channing Tatum y Sandra Bullock se divierten y divierten en una entretenida aventura. La ciudad perdida ( The Lost City) es un regreso a las fuentes, aquellas que se presumían perdidas pero que emergen por el encanto de sus estrellas.

La ciudad perdida es un regreso a las fuentes donde la aventura de la búsqueda del tesoro es proporcional al encanto de sus estrellas. Con una narrativa similar a películas del pasado, el film se apoya en el carisma de Bullock y Tatum, quienes parecen sentirse extremadamente cómodos con sus personajes y con el ritmo de la historia. La película no propone hacer nada diferente más que entretener con una formula ya probada. Lo logra, convirtiendo a La Ciudad Perdida en una aventura divertida.

La Ciudad Perdida sigue a la exitosa escritora de novelas románticas Loretta Sage (Sandra Bullock), una viuda que está terminando su ultimo libro antes de la gira promocional. Cansada de la temática de sus escrituras, de los flashes y atracción que atrae el modelo Alan (Channing Tatum) en la portada de sus libros, piensa poner un punto final a la saga de libros, de las que ya no cree. Sin embargo, su vida da un giro inesperado. Un multimillonario (Daniel Radcliffe) la secuestra con la clara intención de encontrar La Ciudad Perdida sobre la que escribió la autora. Enterado de la desaparición, Alan emprenderá su búsqueda. A pesar de no tener la menor idea delo que es un rescate, intentará todo para salvarla.

La Ciudad Perdida tiene una evidente inspiración en películas del pasado, como en busca de la esmeralda perdida o la Joya del Nilo (1985), aquellas recordadas aventuras en donde Michael Douglas y Kathleen Turner brillaban por sobre la propia historia. Aquí se logra algo semejante (aunque lejos está de igualarlas) con un elenco encantador que sabe explotar sus momentos y que se compensan realmente bien. En este aspecto, Bullock es el alma del film y la energía frustrada que transmite es sorprendente. La actriz se deja llevar por la trama siendo la damisela en apuros, con situaciones graciosas que sabe manejar con su buen timing característico, cada vez que está en peligro. Bullock, se siente cómoda con su personaje y con el genero de aventuras, del que debería haber incursionado hace tiempo. Pocas actrices pueden imponer su carisma en beneficio de la historia y Bullock lo logra de sobremanera.

En la misma línea se encuentra Channing Tatum. La buena química con Sandra Bullock lleva al actor a explotar su lado cómico. Si bien la historia del personaje ( es un modelo que no sabe nada de rescate) lo centra para que el actor se comporte de determinada manera, las reacciones de Tatum cumplen, con un semblante por demás divertido. Alan, no tiene habilidades de combate y no conoce ningún método de supervivencia con lo que la audiencia logrará empatizar con el personaje, gracias a la impronta de Tatum.

En referencia al villano de turno, Daniel Redcliffe (más conocido como el que interpretó a Harry Potter) se complemente bien con el elenco en cuestión pero no cuenta con el tiempo necesario para ser realmente amenazante. Párrafo aparte merece la irrupción de Brad Pitt. Su personaje tiene escaso minutos pero cuando interviene impulsa la química de Bullock y Tatum. Una verdadera estrella que no necesita de ningún halago.

La ciudad pérdida cuenta con buen ritmo y con muchas situaciones divertidas. Si bien alguna de ellas no son tan efectivas, no se detienen demasiado para dar comienza a las otras. Principalmente, la película está animada por la labor de Bullock y Tatum. Todo se desenvuelve alrededor de ellos y está bien que así sea. Tal vez se le pueda reprochar la falta de alguna secuencia de acción más ingeniosa que sobrepase los límites de esta clase de aventuras de genero.

Pero, se priorizó el humor, que nunca se siente forzado, por la buena química de sus protagonistas. Debido a eso, el film logra entretener acertando en un genero que se había olvidado. Las aventuras románticas rodeadas de peligro con un tesoro al que descubrir son siempre bienvenidas por la emoción y entretenimiento que generan. La Ciudad Perdida es una de ellas y sin ser de las mejores o de las que se recordarán en el futuro, cuenta con el encanto suficiente para mantener la expectativa hasta el final.

CURIOSIDADES

  • Sandra Bullock es 16 años mayor que Channing Tatum.
  • La escena de la silla en la carretilla fue filmada en una sola toma.
  • La premisa de esta película es muy similar a Tras la Esmeralda Perdida (1984).
  • Ryan Reynolds fue buscado originalmente para el papel principal masculino.
  • La Ciudad Perdida fue filmada en Republica Dominicana.
  • La cita latina dicha por Bullock; “Dulcius ex asperis” es latín y básicamente se traduce como “más dulce después de la victoria”. 

RESUMEN

En resumidas cuentas, La Ciudad Pérdida (The Lost City) mezcla el romance, el humor y las aventuras. Es un retorno a las fuentes y si bien no inventa nada nuevo ni trasciende por su propia esencia, logra entretener la mayor parte del tiempo de ejecución gracias a un carismático elenco que entiende lo que es el arte del entretenimiento. Sandra Bullock, Channing Tatum y Brad Pitt deberían replantarse una secuela.

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