EL EXORCISTA DEL PAPA (2023)

la verdadera historia del exorcista del papa

Russell Crowe lucha con los demonios en un subgénero de terror que no asusta tanto como debería pero que brinda buenas dosis de entrenamiento. El Exorcista del Papa dividirá opiniones, pero no funcionaría sin la destacada actuación de Crowe.

Puede que haya servido de inspiración el clásico de terror e William Friedkin de 1973, El exorcista, pero la cuestión es que El Exorcista del Papa no tiene ninguna intención de emularlo. La observación aquí pone de relieve el tratamiento de un subgénero de terror, como es el exorcismo, con practicas religiosas que operan como rituales sobre un cuerpo poseído, materializado con sutiles toques graciosos que aporta el personaje de Crowe, mientras la película se desdobla hacia la aventura. Este tono elegido por la dirección prioriza el entretenimiento visual y funciona en gran medida por la destacada interpretación de Crowe. A pesar del mal que representa y trata de combatir , la sangre y su fuerte partitura musical, EL Exorcista del Papa no da mucho miedo.

La historia sigue a el padre Gabriele Amorth, un sacerdote católico, de la vida real, que afirmó haber realizado decenas de miles de exorcismos en su carrera.  Inspirándose en las memorias y los archivos de casos del propio Amorth, El Exorcista del Papa trata sobre la batalla de Amorth contra varios demonios, que poseían a personas inocentes.  Mientras el Exorcista en Jefe del Vaticano investiga el caso de un niño poseído, también se encuentra con una antigua conspiración que la Iglesia Católica ha tratado de mantener oculta durante siglos.

El exorcista del Papa cuenta con buen material original. La película dice basarse en las memorias del Padre Amorth (Mi batalla contra Satanás y Un exorcista cuenta su historia), quien fue un clérigo que supuestamente cometió más de 100.000 exorcismos, de fe inquebrantable y que combatió en la segunda guerra mundial. Los pergaminos del padre Amorth se enrostran en la figura de Crowe, quién logra nivelar el tono oscuro y malévolo de la película con acertados toques de humor, mientras impone sus practicas religiosas.

En este aspecto, la película puede llegar a perder algún brío de terror bien ganado con remates graciosos en la interpretación de Crowe. Pero lo cierto es que su labor refleja a la personalidad de un hombre que ha vivido una vida plena y su sentido del humor es quizás la razón para mantenerse firme contra las fuerzas del mal. La dirección se apoya en la solvencia y carisma de Crowe, quién mantiene a la película sobre la superficie.

Ahora bien, El exorcista del papá toma riesgos en beneficio del entretenimiento visual. Esto es, adopta ciertas libertades creativas dejando a la película, en su segunda mitad, más cerca de la aventura que en el genero que representa. La dirección a cargo de Julius Avery, responsable de Operación Overlord, no tiene la intención de someter a la audiencia en una sola habitación, con un cuerpo poseído, de risa diabólica, mientras pronuncia un lenguaje vulgar . Hay una historia de fondo, que presenta, además, una conspiración religiosa que lleva a los personajes a investigar sus orígenes.

De manera que, El exorcista del papa, adopta un camino demasiado ambicioso con una serie de secuencias de sangre y cuerpos fantasmales dignas de las películas de aventuras en las que su fallo y acierto dependerá del gusto del observador. En este aspecto y a juzgar por el manejo de la historia, se evidencia un esfuerzo de evitar imitar otra clásica película de exorcismo. Razón por la cual se inspira en películas famosas, tratando de forjar su propio camino, ocupando un posible vacío dejado por películas como El Código Da Vinci.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El exorcista del papá traerá sensaciones encontradas. Para aquellos que busquen profundidad en el genero de terror de exorcismo, saldrán algo decepcionados. Mientras que el resto, disfrutará de un efectivo entretenimiento que se mantiene gracias a la implacable presencia de Russell Crowe.

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PLANE (2023)

Con recursos técnicos limitados, Plane es un digno entretenimiento del cine de clase B. La figura y actuación de Gerard Butler hace que aquello sea posible.

Con una clara intensión de exponer lo que alguna vez fue el glorioso cine de los ochenta , la película protagonizada por el escoces Gerard Butler tiene mucho para ofrecer en cuestiones de entretenimiento. La dirección a cargo del francés Jean Francis Richet combina rasgos de aquella época con una narración dinámica y por momentos violenta. Su limitado presupuesto en rubros técnicos no es óbice para la representación del héroe valiente y con nervios de acero, algo que Gerad Butler sabe representar a la perfección maquillando diálogos, situaciones y personajes un tanto caricaturescas. Plane, no pretende ser real ni genuina sino que se inspira en la autenticidad de los héroes de antaño logrando un puro y digno entretenimiento.

La historia sigue al valiente y decidido piloto Brodie Torrance (Gerard Butler), quién se ve obligado aterrizar su avión comercial por problemas mecánicos a causa de una gran tormenta eléctrica. Navegando a ciegas y con poco combustible logra aterrizar en una isla remota de filipinas ocupada por mercenarios y secuestradores. Mientras busca comunicación exterior con la ayuda de un prisionero en vuelo (Mike Colter), miembros de la tripulación y pasajeros sobrevivientes son tomados como rehenes. Ahora, deberá rescatarlos sin antes atravesar una jungla y amenaza desconocida.

La película puede dividir opiniones sobre la profundidad en la que se retratan los personajes. En líneas generales la trama tiene mucho para ofrecer con un capitán de una aeronave viudo y una hija que lo espera para pasar la víspera de año nuevo. Pero la dirección no tiene intención de perturbar al observador con la ambientación de sus dos escenarios. Las vivencias dentro del avión como en la isla acechada por secuestradores locales inclinan la balanza hacia la emoción de lo que genera las típicas películas de acción de los ochenta. Y si bien algunas son violentas están estructuradas para engrandecer el camino del héroe. Es en este punto donde la película se hace fuerte en términos de entretenimiento a pesar de contar con un evidente presupuesto limitado el cual pasa algo desapercibido por la siempre efectiva presencia de Gerard Butler.

El actor escoces hace todo lo posible para mantener siempre a flote la narrativa con una caracterización satisfactoria, muy acorde con los héroes de antaño. El capitán Brodie es un hombre normal que intenta hacer lo correcto con pocos recursos disponibles. El guion le ofrece la misma dirección con lo cual la interacción entre los personajes no es tan profunda como debería. No obstante ello, la dirección se encarga de mantener a la audiencia comprometida de principio a fin y eso es un acierto teniendo en cuenta el genero que representa.

Plane, tiene una misión con el observador que no es otra cosa que entretener, por más que en ocasiones lo que se exhibe no tenga mucho sentido. Algunas deficiencias de ritmo entre algunas escenas se compensa con la adrenalina bien ganada que generan las situaciones de peligro. El thriller de acción es una vuelta al pasado, donde los héroes salían fortalecidos por su compromiso con la valentía y preocupación por los demás. Aquí, Butler parece replicarlo con una actuación enérgica medida compensando cualquier defecto técnico visual, como es el caso del avión que atraviesa una tormenta eléctrica. En otro orden de cosas, hay mucho en juego a lo largo de la historia y la recompensa es bien ganada.

RESUMEN

En ultima instancia, Plane (Alerta Extrema) tiene una historia simple para contar y su visualización justifica el entretenimiento con un Gerard Butler que da lo mejor de sí para que aquello suceda.

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LOS CRIMENES DE LA ACADEMIA (2023)

La novela policíaca protagonizada por Christian Bale adopta una narrativa simple y medida en términos de misterio gótico. Inobjetable técnicamente pero discutible en cuento a personajes involucrados, Los Crímenes de la Academia ( The Pale Blue Eye) se hace fuerte por su competente reparto actoral logrando que la historia se vuelva cautivadora. Disponible en Netflix.

No es muy común en el cine moderno apostar por un genero de películas que representen la investigación y el misterio en el siglo XIX. La ambientación de época que representa el vestuario y diseño de producción, al igual que un reparto actoral involucrado, son cruciales para dar vida a una investigación de asesinato. Los Crímenes de la Academia cumple acabadamente en estos términos dentro de su simple premisa. Puede ser juzgada por la escasez de pistas o personajes sospechosos pero se redime en su tercer acto con un final más que satisfactorio.

La historia sigue al famoso detective Augustus Landor (Christian Bale), quién es convocado por la Academia Militar de los Estados Unidos para resolver una muerte en sus instalaciones. Con la ayuda oculta del cadete y poeta Edgar Allan Poe (Harry Melling), Landor busca llegar a la verdad y resolver el misterio en el que pueden estar involucrado practicas satánicas. Mientras se acerca a la monstruosidad del acto violento, los motivos detrás de él son tan humanos como parecen.

Los Crímenes de la Academia acierta con su primer acto con un lenguaje visual que logra captar inmediatamente la atención. En este punto el director Scott Cooper demuestra astucia en exponer el hilo de la historia en sus minutos iniciales, creando un atmósfera oscura sin abusar de la crueldad del acto violento. La habilidad aquí radica en atrapar al observador con un misterio simple y descansar en las espaldas de un excelente reparto actoral como de su impecable fotografía. Lo dicho, no quita el innegable talento de la dirección. Pero a juzgar por el material que tenía entre manos bien podría haber involucrado más personajes sospechosos genuinos. La advertencia es hartamente discutible ya que se puede rebatir ( y con razón ) en que no es necesario una gran cantidad de personajes para develar un misterio y dar forma al increíble acto final que tiene el film.

Christian Bale es un gran actor. Sus interpretaciones tiene el sello de credibilidad y en esta ocasión el interprete se siente demasiado cómodo. August Landor es un detective tranquilo e intenso, rasgos que Bale sabe matizar a la perfección como también los vaivenes de su carácter. Sin embargo no está solo. Lo acompaña un vibrante y cautivador Harry Melling, como Poe, que si bien tiene un rol secundario, su interpretación y aporte están en el mismo nivel que su estrella principal. El resto del elenco cumple en buenos términos (Robert Duvall tiene un pequeño papel aquí ) pero por lo dicho anteriormente se sienten algo desaprovechados. Ejemplo de ello es la familia del Dr. Marquis que bien podría haber tenido mayor focalización y tiempo de calidad en su narrativa para que atraigan más sospechas que las que realmente tienen.

La investigación (con ingredientes sobrenaturales) que se desarrolla en un tiempo de ejecución de aproximadamente dos horas se puede llegar a sentir algo extensa y con la idea de que se podría haber acelerado el ritmo y sensación de urgencia en algunas escenas. Ante ello se puede argumentar que la dirección no tendría la intención de generar lo esperable en cuestiones de clímax, sino fortalecer la trama con pistas y relatos para desembocar en su satisfactorio final. En relación a ello, puede que resulte necesario una segunda visualización para incorporar algunos detalles perdidos durante su primera. La cuestión será si abra voluntad de volver por la misma experiencia.

RESUMEN

En última instancia, Los Crímenes de la Academia es una buena película de misterio. No es innovadora ni digna de aplausos. Pero cumple acabadamente con una premisa efectista. Las interpretaciones de Bale y Melling junto a su destacable puesta cinematográfica hacen del film un valor agregado.

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TULSA KING (2022)

critica tulsa king

La nueva serie de mafiosos de Paramount + tiene un valor agregado insoslayable: la fuerza y el carisma de Sylvester Stallone.

El legendario actor desembarca por primera vez en el formato de serie de televisión con un proyecto hecho a su medida. Acostumbrado a interpretar protagónicos de héroe de acción en donde la exigencia física y la dimensión de sus personajes (Rocky, Rambo, El Demoledor, Cobra, y tantos otros más) opacaban su talento como actor, ahora tiene la posibilidad de explotar su infravalorada faceta interpretativa. De la mano de Taylor Sheridan, responsable de la exitosa serie Yellowstone, Stallone brilla en solitario con el peso que detentan las grandes figuras y demuestra que a sus 75 años todavía tiene la fuerza y el carisma para revalidarlo. Los primeros dos episodios de Tulsa King se encuentra disponibles en Paramount +.

Tulsa King sigue a un capo de la mafia de New York ( Sylvester Stallone) que, después de haber cumplido 25 años en prisión, regresa al mundo criminal con la clara intención de ser recompensado. Dwight, “The General”, Manfredi ha sacrificado su libertad y su vida privada por un crimen por encargo y su silencio se ha mantenido inquebrantable. Ahora, reclama aquél favor pero el mundo del hampa a cambiado y su presencia se torna anticuada. Los jóvenes capos de la mafia de Brooklyn lo envían a Tulsa. Una desértica ciudad de Oklahoma donde tiene la posibilidad de construir una empresa criminal.

La novedad de la serie es el desembarco televisivo de Sylvester Stallone y la expectativa de lo que puede generar su personaje más allá del peso de su figura. Lo cierto es que el personaje central no un es típico matón que golpea y luego pregunta. Stallone, claramente, no quería eso y en su lugar personifica a un ” viejo gánster” simpático y encantador que no es ajeno a desplegar su violencia cuando su paciencia se irrita. Este rasgo distintivo es un acierto para Stallone atento que logra equilibrar el humor y el sarcasmo con la rudeza propia de un capo criminal venido a menos.

Esto le permite al legendario actor tener más diálogos que de costumbre, demostrando que no es un interprete monosílabo. Los tiempos de la narrativa de Tulsa son llevados a tiempo y con gracia por Stallone, en donde los fanáticos como sus detractores se verán gratamente sorprendidos por su costado más divertido. Es en este aspecto donde la serie ofrece algo diferente logrando que la fuerte y carismática presencia de Stallone no se pierda con la cohesión general de la trama.

La historia de Tulsa King cuenta con ingredientes convencionales del genero lo que hace suponer que la ejecución inicial de la serie (su primera temporada cuenta con 10 capítulos) contará con traiciones y venganzas dentro del asenso de un criminal en el mundo del hampa. A pesar del entusiasmo que genera Stallone en la serie, resta saber si la misma estará condenada a perdurar en el tiempo, teniendo en cuenta que el actor ha declarado que le demanda mucho esfuerzo su participación en los sets televisivos. A pesar de ello, los primeros episodios de Tulsa King es una buena oportunidad para disfrutar otra faceta de la personalidad interpretativa de Stallone. Sorprende, entretiene y divierte. Como siempre lo ha hecho Stallone en sus 75 años de vida, un entrañable actor legendario que resiste el paso del tiempo.

RESUMEN

En definitiva, los primeros dos episodios de Tulsa King cuenta con el atractivo de una historia criminal que se potencia por la figura estelar de Sylvester Stallone.

MEN

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EL ANGEL DE LA MUERTE (2022)

Intrigante en su mayor tiempo de ejecución y con grandes actuaciones de Jessica Chastain y Eddie Redmayne, El Ángel de la Muerte (The Good Nurse) es un drama criminal que te mantendrá expectante hasta el final. Disponible en Netflix.

El Ángel de la Muerte se basa en una historia real. El material adaptado, del libro de crímenes reales del año 2013 de Charles Graeber, es cruel, intrigante y en ocasiones escalofriante. La dirección, a cargo de Tobias Lindholm, resalta aquellos ingredientes de una manera pausada sin perder de vista la estrechez y sospecha de los personajes. Con grandes actuaciones de Jessica Chastain y Eddie Redmayne, el drama criminal de Netflix te mantendrá expectante hasta el final.

Amy Loughren (Chastain) es una enfermera y madre que intenta equilibrar su trabajo y su vida personal mientras sufre un problema médico que amenaza con ser fatal si no descansa.  Cuando Charles Cullen (Redmayne) ingresa a trabajar en la enfermería del Hospital pronto se hacen amigos. Ambos relatan sus historias personales, pero es Amy la que cuenta como secreto su grave condición (miocardiopatía) atento que le restan cumplir cuatro meses de trabajo para que el nosocomio le otorgue cobertura medica. Pronto lo lleva a su casa para que conozca a sus dos hijas, convirtiéndolo gradualmente en parte de la familia.  Cuando un paciente muere en circunstancias sospechosas, dos detectives tienen la tarea de investigar lo sucedido.  Las cosas se complican cuando las pistas comienzan a apuntar hacia Charles y Amy se encuentra atrapada entre la amigable relación y la sospecha.

La película tiene la habilidad de transmitir diferentes momentos emocionales en una dramatización en donde el sistema de salud también forma parte de los crueles hechos aquí narrados. La historia de la buena enfermera (tal la traducción de su título en su idioma original) y su afección cardíaca es un dispositivo de la trama que encaja bien con la historia principal. Amy, es una madre soltera que hace lo mejor que puede. Su condición medica cala hondo ya que se ve obligada a controlar los síntomas, mientras cuenta los días para recibir el apoyo financiero. En este punto, la dirección aprovecha la afección de Amy, mientras construye su confianza con Charles. La película no explota como debería la aquella relación pero los protagonistas hacen que el atajo empleado sea efectivo.

Cuando la película cambia de tono, con la incipiente sospecha de asesinatos en Charles, la investigación de los hechos empieza a ganar terreno. Aquí, la entrada en escena de la pareja de detectives no cuenta con el tiempo deseado en pantalla. Pero el film va más allá de la elucubración de los hechos y la búsqueda de la verdad material, de por sí escalofriante de parte del criminal del cual se adapta la historia. También se revela la acción poco ética e insidiosa de los sistemas hospitalarios al permitir la contratación de un empleado sospechoso de un asesinato. En este punto, la codicia y el desinterés de la gerencia a cargo de los nosocomios en los que acceden al servicio de salud están a la vista.

Jessica Chastain y Eddie Redmayne impulsan el drama criminal adaptado, con sobresalientes interpretaciones. Chastain logra transmitir la ternura que imprime su personaje en la sana creencia de percibir bondad en las personas. Su personaje lucha con la angustia de sostener a una familia mientras se acrecienta las sospechas en Charlie. Cuando salen a la luz, el nivel interpretativo de Chastain aumenta. En este aspecto, la actriz estadounidense muestra su mejor faceta actoral en un genero que parece ser el suyo.

Redmayne por su parte, acierta con su caracterización . Siniestro en la oscuridad de los hechos pero tierno en la superficie, el actor se mantiene contenido en su personaje a punto tal que logra sembrar algunas dudas en su participación. En cuanto a la dirección, logra mantener la intriga y el suspenso hasta su tercer acto final, sin caer en la tentación de acciones directas. Con todo lo manifestado, El Ángel de la Muerte tiene momentos de miedo gracias a su efectivo uso del suspenso inducido y que no es representado por acciones directas.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El Ángel de la Muerte (The Good Nurse) es un solido drama criminal que elude cualquier tipo de intensidad brutal. En su lugar, construye una relación de estrechez y de sospecha que mantendrá a la audiencia expectante hasta el final.

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PASAJE AL PARAISO (2022)

critica pasaje al paraiso

Con sus debilidades, Pasaje al Paraíso (Ticket to Paradise) cobra impulso por el encanto de George Clooney y Julia Roberts. La comedia romántica es simple, algo divertida y conformista. Aun así se las arregla para ofrecer su mejor costado sentimental.

Se puede decir que las comedias románticas están diagramadas para resentir las fibras del corazón. Hay algo en ellas que despierta una atracción placentera por el solo hecho de presenciar una representación amorosa probable. Pero aunque siempre parezcan reiterativas, con personajes antagónicos o de cultura y estratos sociales diferentes siempre salen fortalecidas por su positividad. Esta sensación es la recompensa que se busca en cada comedia romántica, sin ella el fracaso es absoluto. Pasaje al Paraíso, logra aquel concepto en los tramos finales pero no deja de ser una comedia con cierta debilidad. Simple y conformista, por no profundizar en los aspectos románticos, la película cobra impulso por el carisma de Clooney y Roberts.

Georgia (Roberts) y David (Clooney) Cotton se detestan.  Después de cinco años de matrimonio, se divorciaron y han vivido los últimos 25 años con el alivio de estar separados.  Cuando su hija Lily decide casarse, después de solo un mes de conocer a Gede durante sus vacaciones en la isla de Bali, idean un plan para sabotear la boda. Pronto se verán atraídos por viejos sentimientos sin resolver y en los que podrían encauzar su antigua relación.

Pasaje al Paraíso es una comedia romántica simple y conformista. Lo dicho no va en detrimento de su conclusión (lo mejor del film) sino en la falta de profundización de los personajes como de su costado romántico. La película cuenta con el carisma bien ganado de Clooney y Roberts, quienes logran distraer con sus presencias ciertos pasajes mediocres del film. Con un guion programado para evitar dilaciones de tiempo, en cuanto a la historia de los personajes, el film se retrasa en situaciones “divertidas” y omite profundizar otras de contenido romántico, cuando más lo ameritaba por la calidad del elenco.

Clooney y Roberts son artistas consagrados y buenos estandartes en el genero romántico. Pero el guion no evoluciona en aquel sentido. El film expone un marcado antagonismo en los personajes pero no está del todo aprovechado y sus diferencias concluyen rápidamente. Cuando se abre paso a la comedia, las bromas no siempre dan resultado y en ocasiones extienden considerablemente el tiempo de ejecución. Llegado el ansiado momento romántico, la pareja estelar no profundiza demasiado en su relación como tampoco brinda destacados momentos cálidos , en cuanto a besos se refiere. Pero estas debilidades se dejan de lado en su acertada conclusión sentimental, que es en definitiva donde el film contagia en positividad.

La película cuenta con un elenco secundario agradable pero no tienen mucho tiempo para trabajar sus personajes. La joven pareja que decide casarse en la isla paradisiaca no tienen una fuerza presencia en pantalla, más que erradicar una energía de simpleza y tolerancia ante los intentos de sabotear la boda. Como reproche, quizás, se les podría haber incluido una situación más dramática para aprovechar el talento de Clooney y Roberts. Pasaje en el Paraíso la tiene en su esencia, pero esta suavizada.

Con bellos paisajes como escenario, la película cumple en grandes rasgos con lo que propone y ofrece, sin exagerar, un sentido mensaje sentimental. La vuelta de la que alguna vez fue la sonrisa más cotizada de Hollywood (Julia Roberts) junto al siempre galán George Clooney compensan cualquier debilidad narrativa con sobradas dosis de carisma. Juntos logran transmitir la indescriptible sensación a la que apunta toda comedia romántica: la positividad, aquella que erradica un bienestar placentero y que en estos tiempos es demasiado.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Pasaje al Paraíso (Ticket to Paradise) es una comedia romántica que podría haber profundizado más en sus personajes como en su marcada situación romántica y dramática. Aun así, el carisma de Clooney y Roberts hace que el film valga la pena.

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EL EXTRAÑO (2022)

Con una esencia intrigante y perturbadora, El Extraño es un thriller psicológico que desenmascara a fuego lento un crimen atroz. Disponible en Netflix.

El Extraño ( The Stranger) es un relato ficticio de la investigación para resolver el asesinato de un niño de 13 años en Australia.  La historia, basada en un hecho real, elimina los detalles claves del procedimiento y sigue el intento de capturar al asesino a través de una elaborada operación encubierta por parte de la policía.  Si bien la dirección opto por una narrativa lenta y estructural de sus personajes, la labor en eje de sus intérpretes hace que la película mantenga la intriga hasta al final a pesar de un primer acto poco convincente.

El thriller criminal australiano, sigue a un grupo de policías encubiertos que reabren una investigación frustrada por falta de pruebas. El hecho es el secuestro y asesinato de un niño de 13 años que causó conmoción en un pequeño pueblo de Australia. A tal fin, la policía ordena la reactivación de la búsqueda del sospechoso y crean un plan para atraparlo y lograr su confesión. Para que la operación tenga éxito, el oficial Mark (Joel Edgerton ) necesita lograr la confianza del sospechoso Henry (Sean Harris), algo que se anhelaba desde hace mucho tiempo.

El thriller es sombrío, inquietante y perturbador. Estos conceptos están bien manejados por la dirección que priorizó los hechos posteriores al crimen. Aquí no hay ningún indicio que permite restaurar la secuencia del hecho en cuanto a violencia grafica se refiere. Solo hay un claro sospechoso y un intento de capturarlo con una prueba confesional. La perspectiva es un acierto porque permite evitar acciones duras, casi intolerantes, centrándose en la seriedad de la operación encubierta para capturar al asesino. Esto no le quita dureza a la película ya que sobrevuela en el imaginario colectivo la sensación de inquietud a medida que la narración avanza, a fuego lento, alrededor del caso real de la desaparición de un niño de 13 años.

La narrativa tiene una atmosfera de suspenso bien configurada. Si bien se le puede reprochar un primer acto un tanto desconcertante, es su segunda mitad la que logra revitalizarla por completo. La partitura musical tiene vital importancia en el comportamiento de los personajes. La música refleja la seriedad de la operación, la impronta de los personajes y la brutalidad del hecho en cuestión. Hay una clara intención de mantener expectante a la audiencia, la cual se sentirá desconcertada mientras se avanza con el misterio lentamente.

Ahora bien, el acierto de la película es el manejo de la intriga en el que se apoya las interpretaciones de Joel Edgerton y Sean Harris. El primero, como el policía que se hace amigo del sospechoso, demuestra el agotamiento mental que puede ser sometido un agente encubierto, incluso cuando tiene a su cargo un hijo de iguales características al desaparecido. Sin embargo, es el segundo (Harris) que se roba todo el espectáculo. La seriedad atroz con la que encarna al principal sospechoso es silenciosamente aterradora. Si bien Harris es un actor que interpreta generalmente a villanos, no se puede dejar de exaltar la mirada perturbadora y desconfiada de sus movimientos. En relación a ello, el film no aprovecha como debería estos atributos del actor para generar un desconcierto aun mayor en la audiencia.

El enfoque para resolver este caso fue el instrumento necesario para resolver el mayor caso de secuestro en Australia. En este sentido, resulta interesante como se desenvuelven las estrategias de operaciones encubiertas, pero no es el fuerte de la película aquí. Todo el peso de la narrativa recaen en el vinculo de Mark y Henry y en la confianza para genera una confesión.

RESUMEN

En definitiva, El extraño (The Stranger) es un buen thriller psicológico con una destacada labor de Sean Harris. Sin violencia grafica, genera inquietud y perturbación por la brutalidad implícita de un crimen real.

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ROGUE AGENT (2022)

Inspirada en hechos reales, Rogue Agent construye una historia atemorizante sobre un hombre vil que utiliza su seducción y persuasión como una trampa psicológica. Próximamente disponible en Netflix.

Nada es tan escalofriante como la representación del “mal” en un ser humano. No hay monstruos ni personajes literarios que puedan llegar atemorizarnos tanto como él, por el solo hecho de que aquella posibilidad puede ser posible. Rogue Agent, refiere a la vida de un secuestrador, abusador y estafador, quién en la vida real fuera Robert Freegard. Un hombre que que utilizaba su encanto y persuasión como una trampa psicológica.

La historia esta ambientada en la década del 90 con un escenario político que pone al Reino Unido en alerta. La amenaza de colocación de bombas de parte del IRA hace que el gobierno británico despliegue agentes encubiertos para desenmascararlos. Bajo esta circunstancia, Robert Freegard (James Norton) se hace pasar por un agente de seguridad nacional (del MI5) a fin de perpetrar toda clase de delitos. El enfoque despiadado, metódico y táctico del impostor cambia cuando una de sus víctimas ( Gemma Arterton) descubre sus planes.

La película tiene una introducción ( en la voz en off de Arterton) en donde se revela cuales son los principios tácticos de un supuesto espía. Pero el film no trata de ello, como tampoco sobre los atentados a manos del IRA, que salpica levemente en su introducción. La utilización de aquellos hechos permite a Robert perpetuar su plan para con un grupo de estudiantes universitarios, todos ellos desprevenidos, lavándoles el cerebro, con tácticas mentales. Bajo la firme creencia de que él es un agente del MI5 encubierto, sus víctimas lo siguen, a punto tal de encubrirlo, incluso de sus propias familias.

La película no profundiza la mente de un hombre cruel, sino que lo muestra en un comportamiento continuado. Los delitos aberrantes que ejecuta tiene un fin material, pero su vehículo es un juego mental que utiliza como una trampa psicológica. Robert seduce a sus víctimas sin utilizar ningún tipo de coacción. Su arma es la mente y la forma de introducirse perspicazmente en las de sus víctimas. Cuando ello ocurre, las afectadas se encuentran en un callejón sin salida, incluso tienen a idolatrar al victimario. En este sentido la forma en que se manipula a las personas es realmente escalofriante, a punto tal que invita a una reflexión sobre la vulnerabilidad mental y sus consecuencias.

Ahora bien, el poder de la narrativa se apoya en la figura de Alice Archer (Gemma Arterton). La historia de una mujer que está a punto de caer en la trampa, mientras se debate sobre su estado sentimental tiene el impacto necesario para ser creíble. En este sentido, Arterton logra equilibrar gran cantidad de emociones, llevando a su personaje con la valentía necesaria para neutralizar futuras depravaciones. En relación a eso, Norton compone un personaje siniestro con evidentes capas de seducción. La oscuridad que representa, con sus atroces delitos, se vuelve atemorizante por sus tácticas mentales que, salvando las distancias, no son ajenas a la realidad. Cuando llegan, impactan por lo que representan, más allá de lo visual y Norton las materializa de una forma convincente.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Rogue Agent tiene un enfoque moderado pero cautivador de como un estafador y secuestrador perpetró las mentes de sus víctimas con fines económicos. La implacable necesidad de justicia lleva al personaje de Gemma Arterton a impulsar la narrativa, logrando la equilibrar una gran cantidad de emociones.

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DEPREDADOR: LA PRESA (2022)

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La ultima entrada de la franquicia de Depredador, La Presa, se reencuentra con su estilo y estética redondeando un thriller de acción digno y sumamente entretenido. Disponible en Star +.

El secreto para reiniciar una franquicia cinematográfica parece ser su regreso a las fuentes. Aquellas que marcan los lineamentos de una historia y personajes son un recurso necesario para retomar el exitoso camino perdido. En tiempos actuales, las secuelas, precuelas y remakes se han convertido en una norma desvirtuando el brillo y gloria del que tuvo alguna vez el producto original. En el caso de la saga de Depredador, La Presa, es una digna entrada que aprovecha su raíz violenta y se reencuentra con su estilo perdido. Lejos de la inolvidable y única película de 1987 (con un fabuloso Arnold Schwarzenegger) pero demasiado cerca en espíritu, La Presa es tal vez la mejor entrada desde las dos películas del Depredador.

La película sigue a Naru (Amber Midthunder), una integrante de la comunidad Comanche en 1719, en Norteamérica, que desea demostrar sus capacidades de caza entre sus homólogos masculinos.  Esto la lleva a perseguir, con su cercano y líder hermano, a un león que está acechando el territorio indio y ha dejado malherido a uno de sus miembros. Cuando Naru nota la presencia de un ser extraño y todos los demás la ignoran es inducida a demostrar su valor y se aferra a un viaje sobre la peligrosa fauna silvestre. Pero no estará sola, unos violentos colonizadores y un temible y brutal Depredador serán parte de su descubrimiento y con ello el ansiado título de cazador o de presa.

Para empezar lo que hace eficiente a Depredador: La Presa es su sentido de pertenencia. La narrativa adopta ese camino en forma simple y es precisamente lo que la película necesita. La forma en que es llevada la historia recuerda a ciertos pasajes de la entrada original. Esto es, el entorno natural de bosques y montañas es utilizado como “algo más” que bellos paisajes en donde se desenvuelve la gran parte de la acción. Lo que fue “la selva” en el Depredador de 1987, lo son los entornos boscosos, con un gran uso en su aplicación. Aquí la fuente como inspiración da resultado y permite que el depredador tarde más en aparecer.

Lo mismo sucede con las secuencias de acción y suspenso. La preparación de lo que es el primer encuentro entre Naru y el Depredador es por demás satisfactoria. Siendo la quinta entrega de la franquicia el grado de sorpresa está prácticamente perdido. Con lo que hay que suplirlo con un fuerte impacto visual o con un nivel de violencia perturbadora. En cierto punto, La Presa lo logra con solidas secuencias de acción acompañadas con un alto grado de violencia sangrienta.

Ante ello se puede decir que las películas de Depredador necesitan nutrirse de este contenido explicito para no traicionar el espíritu del personaje. Se recuerda que Depredador de 1987 era una película apta para 18 años y sus escenas para la época eran estremecedoras. La Presa, sigue el camino que marcó su original con un Depredador ultraviolento y respetuoso de su formar de cazar a sus victimas. En este punto el regreso de la criatura a su fuente también es un acierto.

Ahora bien, la película tiene sus bases en el Depredador y en la manera de ocultarse de su camino. Pero esto no funcionaría sin la participación de su presa o de su cazador, en todo caso. Midthunder (Naru) lleva el protagónico con total soltura y demuestra ser una sorprendente heroína que hace uso de su entorno natural para combatir al alienígena. Naru es valiente y hábil con el hacha pero su fuerte es la estrategia. Otro punto a favor que el film se encarga rápidamente de demostrar y que se fortalece en sus pasajes finales.

En cuanto a las características físicas del Depredador se puede decir que su tonalidad es más oscura y tenebrosa que el original pero que no llegan a olvidar el Depredador de 1987. Lo mismo sucede con la representación de la comunidad comanche. Los indios, sobre todo el hermano de Naru, parecen tener un toque moderno que no se condice con la época que representan. Quizás un uso del lenguaje oficial o ficticio (todos hablan inglés) le hubiese dado más identidad a la comunidad comanche.

CURIOSIDADES

  • Esta sería la quinta entrada en la serie (sin contar las películas Alien vs. Predator). Según se informa, no tendrá ninguna conexión con  El depredador de 2018 .
  • Taabe (Dakota Beavers)dice sobre el Depredador después de herirlo: “Si sangra… podemos matarlo”.  Es un homenaje a la primera  película de Depredador (1987), donde esas mismas palabras las dijo Alan “Dutch” Schaefer (  Arnold Schwarzenegger ).
  • La tecnología utilizada por el Depredador es mucho más simple que en películas anteriores. Por ejemplo, las secciones de camuflaje son más grandes y tienen menos armadura.
  • Primera película de Depredador que se lanza como transmisión exclusiva.

RESUMEN

En definitiva, Depredador: La Presa es una vuelta a los orígenes. Tiene el potencial para dar vida a la franquicia con una serie de aciertos que la transforman en una digna entrada desde la famosa película de 1987.

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WATCHER (2022)

critica watcher

La paranoia y el potencial peligro se funden en Watcher, un film de suspenso bien definido con un claro concepto hitchcockiano. 

Watcher Ending Explained Maika Monroe as Julia

La sensación de misterio, duda, paranoia y peligro no siempre transitan por el mismo camino. En ocasiones, la indefectible preferencia de una sobre otra hace que la narrativa pierda sorpresa en su resultado final. Pero no es la intención de Watcher, un film que parte de un descubrimiento inquietante y lo impulsa a través de una investigación paranoica generada por una potencial situación de peligro. Con un claro concepto hitchcockiano, el film genera una línea elemental de suspenso pero lo compensa con la transmisión de efectivos puntos de tensión que experimenta su protagonista principal.

La historia se abre con un matrimonio que se traslada a Rumania. Francis (Karl Glusman) ha aceptado un ascenso con su empresa de marketing y lleva a su esposa, Julia (Maika Monroe), a vivir en un departamento en Bucarest.  Al instalarse, Julia tiene que lidiar con los problemas del idioma y no tiene idea de su entorno. Sin embargo, eso no es su único problema. Su esposo, a menudo, está fuera en el trabajo, dejándola sola en la ciudad y Julia, con frecuencia, se detiene a mirar la ventana del departamento, mientras que un hombre se queda mirando.  Los nervios por aquel constante comportamiento se potencian cuando se entera de la noticia de que un asesino en serie, conocido como “La Araña”, comienza a aterrorizar a la comunidad. Perturbada y con una incipiente paranoia, comienza una investigación para develar el misterio.

Watcher, adopta el patrón elemental del genero de suspenso pero al mismo no inventa nada nuevo. Se genera un misterio alrededor de un crimen, con un evidente sospechoso, bajo a la atenta desconfianza de una potencial futura victima. Pero mientras que para algunas propuestas la premisa es un indicio para recrear la psicosis criminal y su andar delictuoso; en Watcher sucede todo lo contario. Se potencia una lenta investigación generada por una potencial situación de peligro. En este aspecto la cineasta y escritora Chole Okuno no permite que su obra caiga en el facilismo y brinda efectivos momentos de tensión hasta su tramo final.

El logro se destaca en poner al espectador en la piel del personaje y en sus genuinas sensaciones de terror. Julia es una estadounidense que no habla rumano. Se encuentra en un entorno extraño y pasa sus días en soledad como consecuencia del trabajo de su marido. En este punto Maika Monroe (Julia) comunica en forma competente el animo de aislamiento y justifica su incipiente paranoia en un descubrimiento aberrante. Un asesino conocido como “La Araña” anda suelto en la ciudad y su último asesinato fue en el edificio de enfrente. Casualmente, en el que habita un hombre que observa su ventana todas las noches.

La obsesión de Julia la llevará a involucrarse en una investigación para involucrar a un individuo en la cual considera el principal sospechoso. Aquí es donde Watcher logra su punto más alto, y ello es en el modo exploratorio. La vulnerabilidad que se le imprime al personaje principal dentro de un entorno extraño y con dificultades idiomáticas hará que la audiencia mantenga la guardia alta. Llegado el momento, Watcher logra transformar la tensión en miedo con secuencias de violencia de impacto promedio, que se fortalecen por ser intempestivas. Con todo, la inspiración en Hitchcock es evidente. Pero el film lo utiliza con claridad en la difícil combinación del misterio, suspenso y el terror.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Watcher se inspira en obras de Hitchcock y logra efectivos momentos de angustia y tensión. No inventa nada nuevo pero sumerge al observador en la piel de la protagonista. Maika Monroe lleva la historia con un nivel de pavor convincente por la que vale la pena su revisión.

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