CREED III (2023)

Critica Creed III

La tercera entrega del “olvidado” hijo de Apollo Creed no está al nivel de sus predecesoras. Con una ausencia palpable de Rocky, Creed III, se abre indefectiblemente a su propio camino con una narrativa poco seductora y una convincente dirección que brinda un entretenimiento asegurado.

Michael B. Jordan parece tener las cosa claras, el actor ( ahora devenido director) que interpreta al “olvidado” hijo de Apollo Creed, Adonis Creed, está decidido a transitar su propio camino. Con la notoria ausencia (con aviso) de Sylvester Stallone y cualquier reminiscencia hacia Rocky Balboa, la nueva cinta de boxeo toma el inevitable riesgo de continuar sin el alma de la franquicia. Como entretenimiento cumple sin exigencias con sus pulidas secuencias de boxeo pero flaquea en puntos centrales de su narrativa que pueden llevarla al desgaste de la historia.

Después de ostentar el título mundial de pesos pesados, Adonis Creed decide alejarse de los cuadriláteros y concentrarse en su vida familiar y promover a futuros boxeadores. En su gimnasio se entrena el campeón mundial de los pesados, título que se tendrá que revalidar próximamente y el que Adonis gestiona su promoción. Sin embargo, un amigo de la infancia y antiguo boxeador, Damian Anderson, (Jonathan Majors), resurge después de cumplir una larga condena en prisión, interrumpiendo la paz que Creed ha encontrado para sí mismo en su retiro.  Ansioso por demostrar que merece su oportunidad en el ring, Damian crea problemas en las que solo se pueden solucionar arriba del ring. Ahora, Creed tendrá que enfrentar a un hombre que no solo tiene hambre de gloria sino que no tiene nada que perder.

Como preludio de lo que se dirá a continuación hay una serie de factores que bien pueden tenerse en cuenta y que inevitablemente balanceará en el animo del público adulto, estos últimos asiduos seguidores de la franquicia Rocky/Creed. La ausencia con aviso pero inexplicable de Sylvester Stallone como Rocky-primera película sin la parecencia del icónico personaje- hace que todo lo que luzca se mire de reojo, como una observación de prueba y comparación con sus anteriores entregas. Hay que decir que estos métodos son síntomas inevitables que funcionan automáticamente por culpa del legado exitoso de Rocky Balboa y su sana costumbre de presenciarlo en pantalla.

El otro condicionante es el arrastre de la historia que limita la eficiencia del guion. Aquí, Michael B. Jordan, en su doble rol- actor/director- cuenta con un guion poco seductor y su animo de ofrecer algo diferente en términos visuales termina sacrificando cierta cuota de emotividad. Esta sensación de humildad y grandeza ante la superación personal no debe ser comparada con las películas de Rocky y su explicación se debe a que la audiencia ya la ha comprado y no acepta imitaciones. Ello, no obstante, se ha tenido en cuenta en Creed III al matizar la sesiones de entrenamiento y otorgar un original uso de cámara lenta en las secuencias de boxeo.

Dicho esto, Creed III se balancea entre el pasado del protagonista, con la irrupción de un antiguo amigo boxeador, y un drama familiar que lo mantendrá alerta. Ninguna de las cuestiones tienen el impacto deseado y si bien son manejadas con criterio por la dirección e interpretes, nunca alcanzan el nivel máximo de de emoción genuina. En su defensa, se puede decir que el guion no colabora demasiado. Basta mencionar la oportunidad que tiene el amigo de Adonis, a pesar de que nunca ha boxeado a nivel profesional para luego enfrentarse al que detenta el título. Esta observación del esquema narrativo puede pecar de exagerado pero es justamente la grandilocuencia del oponente lo que ha caracterizado toda la franquicia y Creed III no lo tiene.

A pesar de ello, las actuaciones aquí son convincentes. Especialmente de Jonathan Mayors como Damian “Dame” Anderson, quién logra por momentos opacar a la figura de Creed con una interpretación matizada. En el cuadrilátero es donde mejor se desenvuelve la película ofreciendo una novedad en el desarrolla de las secuencias de combate. El uso, en ocasiones trascendentales, de la cámara lenta ofrecen una cuota de frescura y originalidad. La técnica utilizada recuerda al enfoque estilizado de las películas 300 y Sherlock Holmes con una dirección creativa solida. Pero, como toda novedad, puede que distorsione la fluidez constante y brutal que se requiere en las películas de boxeo en donde la materialización de la emotividad no requiere de esos trucos.

Michael B. Jordan parece encaminar el titulo de la saga en una cuarta entrega. Decidido a olvidar su pasado (la referencia a Rocky es nula) deberá encontrar más trucos que los visuales para suplantar el rendimiento de emotividad decreciente. Eso sí, Creed III cumple acabadamente como entretenimiento.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Creed III cumple con el deseo de entretener pero adeuda emotividad y no está al nivel de sus predecesoras. La creatividad detrás de cámara (con efectos de cámara lenta) logran su cometido pero no va más allá de un meritorio truco visual. Creed se olvida completamente de Rocky Balboa, algo que no será esquivo en los seguidores del semental italiano.

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DIG (2022)

critica dig

El pésimo guion y actuaciones por debajo del nivel del promedio hacen de Dig un producto totalmente desechable. Con Thomas Jane y Emile Hirsch.

Dig es una película hecha sin esfuerzo en líneas generales. Su ostensible bajo presupuesto no la excusa de su pésimo guion y de un nivel actoral deficiente, que derriba cada escena de la película. Thomas Jane se une a su hija en la vida real (Harlow Jane) en un thriller totalmente desechable, simbolizando el significado de lo que es una película mala.

La historia se abre con un tragedia. Durante un incidente en una gasolinería, Steve (Thomas Jane) pierde a su esposa y su hija Jane, que en el proceso, pierde la audición. Después de un año de luto, Jane todavía culpa a su padre por la muerte de su madre y Steve se niega a aprender el lenguaje de señas. 

Mientras trata de buscar un tratamiento experimental para devolverle la audición a Jane, Steve recibe la visita de un hombre misterioso (Emile Hirsch). En su taller de reparaciones, se le hace una propuesta que no puede rechazar. El trabajo es simple: Derribar una casa abandonada y quitar todo, pero pase lo que pase, no debe dañar las paredes.  La cuestión se complica cuando Jane accidentalmente rompe un mural y pronto se ven sometidos por una pareja homicida. En un abrir y cerrar de ojos, Steve tendrá que lidiar con la sombras del pasado y descubrir que tiene de valioso la casa en ruinas.

Realmente hay muy poco para destacar en Dig. La película tiene un exagerado aunque aceptable comienzo en donde se trazan las líneas de los personajes. El violento altercado causa una implosión en la familia de Steve (Thomas Jane), quién busca recomponer la confianza de su hija además de solventar un costosos tratamiento para recuperar la audición. Hasta aquí se construye un drama familiar que la película no puede sostener por la irritante irrupción de la pareja homicida. Con lo que el cambio de genero, que se podría decir que se asemeja a un thriller, no da resultado y el film navega en la mediocridad.

Se recuerda a Thomas Jane en participaciones mucho más honorables. Fue un superhéroe en la infravalorada The Punisher y tenía el talento de esquivar tiburones en la entretenida Alerta en lo Profundo. Si bien nunca fue un actor carismático, en Dig su labor es insignificante. La decisión que toma el personaje son un contrasentido. Exagerado y violento en su comienzo y totalmente Pasivo y taciturno en su segunda mitad, se le pide un despertar a gritos. Algo que nunca termina de materializarse por la apática caracterización de Jane, a pesar de correr en peligro su vida.

En sintonía con lo expuesto, en términos de mediocridad, se encuentra la labor de Emile Hirsch y Liana Liberato. La pareja de secuestradores y homicidas sin rumbo son la verdadera perdición de la película. Ambos resultan caricaturescos y nunca imponen el temor que se presume simboliza una situación de riesgo. Aquí, el evidente desinterés que demuestra la pareja por la vida ajena supera cualquier nivel de credibilidad de lo que es malo y lo no tan malo ( en cuanto actuación se trata). En esa línea se desarrolla Dig y el producto resultante es una insatisfacción anticipada.

A favor, cuenta con la correcta interpretación de Harlow Jane. La joven debutante parece ser la que mejor se desenvuelve con su personaje. Sin mucho esfuerzo e imposibilitada por su capacidad auditiva, la actriz logra alguna sutileza en sus miradas que encajan perfectamente con su papel. En cuanto a la dirección y cinematografía no ofrece mucho. Con evidentes escasos recursos, parecería que el peso del relato descansara en los hombros de sus caras más conocidas. La apuesta evidentemente no da resultado por la pasividad de Jane y la exageración caricaturesca de Hirsch, quién en otra ocasión debería replantearse elegir el papel de villano.

RESUMEN

En definitiva, Dig tiene muy poco para ofrecer. Su delgado y endeble guion se corresponde con la deficiente actuación de su plantilla actoral de la cual cobra distancia la hija de Thomas Jane. Mejor dejarla pasar.

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EL ANGEL DE LA MUERTE (2022)

Intrigante en su mayor tiempo de ejecución y con grandes actuaciones de Jessica Chastain y Eddie Redmayne, El Ángel de la Muerte (The Good Nurse) es un drama criminal que te mantendrá expectante hasta el final. Disponible en Netflix.

El Ángel de la Muerte se basa en una historia real. El material adaptado, del libro de crímenes reales del año 2013 de Charles Graeber, es cruel, intrigante y en ocasiones escalofriante. La dirección, a cargo de Tobias Lindholm, resalta aquellos ingredientes de una manera pausada sin perder de vista la estrechez y sospecha de los personajes. Con grandes actuaciones de Jessica Chastain y Eddie Redmayne, el drama criminal de Netflix te mantendrá expectante hasta el final.

Amy Loughren (Chastain) es una enfermera y madre que intenta equilibrar su trabajo y su vida personal mientras sufre un problema médico que amenaza con ser fatal si no descansa.  Cuando Charles Cullen (Redmayne) ingresa a trabajar en la enfermería del Hospital pronto se hacen amigos. Ambos relatan sus historias personales, pero es Amy la que cuenta como secreto su grave condición (miocardiopatía) atento que le restan cumplir cuatro meses de trabajo para que el nosocomio le otorgue cobertura medica. Pronto lo lleva a su casa para que conozca a sus dos hijas, convirtiéndolo gradualmente en parte de la familia.  Cuando un paciente muere en circunstancias sospechosas, dos detectives tienen la tarea de investigar lo sucedido.  Las cosas se complican cuando las pistas comienzan a apuntar hacia Charles y Amy se encuentra atrapada entre la amigable relación y la sospecha.

La película tiene la habilidad de transmitir diferentes momentos emocionales en una dramatización en donde el sistema de salud también forma parte de los crueles hechos aquí narrados. La historia de la buena enfermera (tal la traducción de su título en su idioma original) y su afección cardíaca es un dispositivo de la trama que encaja bien con la historia principal. Amy, es una madre soltera que hace lo mejor que puede. Su condición medica cala hondo ya que se ve obligada a controlar los síntomas, mientras cuenta los días para recibir el apoyo financiero. En este punto, la dirección aprovecha la afección de Amy, mientras construye su confianza con Charles. La película no explota como debería la aquella relación pero los protagonistas hacen que el atajo empleado sea efectivo.

Cuando la película cambia de tono, con la incipiente sospecha de asesinatos en Charles, la investigación de los hechos empieza a ganar terreno. Aquí, la entrada en escena de la pareja de detectives no cuenta con el tiempo deseado en pantalla. Pero el film va más allá de la elucubración de los hechos y la búsqueda de la verdad material, de por sí escalofriante de parte del criminal del cual se adapta la historia. También se revela la acción poco ética e insidiosa de los sistemas hospitalarios al permitir la contratación de un empleado sospechoso de un asesinato. En este punto, la codicia y el desinterés de la gerencia a cargo de los nosocomios en los que acceden al servicio de salud están a la vista.

Jessica Chastain y Eddie Redmayne impulsan el drama criminal adaptado, con sobresalientes interpretaciones. Chastain logra transmitir la ternura que imprime su personaje en la sana creencia de percibir bondad en las personas. Su personaje lucha con la angustia de sostener a una familia mientras se acrecienta las sospechas en Charlie. Cuando salen a la luz, el nivel interpretativo de Chastain aumenta. En este aspecto, la actriz estadounidense muestra su mejor faceta actoral en un genero que parece ser el suyo.

Redmayne por su parte, acierta con su caracterización . Siniestro en la oscuridad de los hechos pero tierno en la superficie, el actor se mantiene contenido en su personaje a punto tal que logra sembrar algunas dudas en su participación. En cuanto a la dirección, logra mantener la intriga y el suspenso hasta su tercer acto final, sin caer en la tentación de acciones directas. Con todo lo manifestado, El Ángel de la Muerte tiene momentos de miedo gracias a su efectivo uso del suspenso inducido y que no es representado por acciones directas.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El Ángel de la Muerte (The Good Nurse) es un solido drama criminal que elude cualquier tipo de intensidad brutal. En su lugar, construye una relación de estrechez y de sospecha que mantendrá a la audiencia expectante hasta el final.

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MEDIEVAL (2022)

critica medieval

Seria en su estética y estilizada en su representación de época, Medieval, no logra su máximo potencial a pesar de su inspiración en otras películas de genero. La ambiciosa producción checa cuenta con algunos combates brutales y una destacada localización pero no logra la calidad deseada. Con Ben Foster y Michael Caine. Estreno el 8 de Noviembre en Netflix.

Se puede decir que hay una audiencia para cada genero cinematográfico en donde se procesan gustos preestablecidos. Pero en ciertos ocasiones las películas históricas logran unificar toda la atención ya que reviven momentos legendarios de la historia con la recreación de imponentes batallas con enfurecidos y obstinados guerreros. Medieval, está basada en la historia del héroe popular checo Jan Zizka, que se dice nunca fue derrotado en una batalla. Con un nivel de presupuesto acotado, situación en que los trabajos de edición de cámara y las hermosas localizaciones se encargan de disimular convenientemente en los brutales enfrentamientos, la producción checa goza de una seria estilización en su representación de época, pero no logra la calidad deseada de sus antecesoras.

Medieval comienza con Europa al borde del caos tras la muerte del Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico.  Son momentos de incertidumbre, codicia y tiranía en donde la legitimación del poder se establecía con la coronación de la Iglesia Católica. Con dos Papas en el horizonte, uno en Roma y otro en Francia, el negociador Lord Boresh (Michael Caine) tiene la tarea de lograr un paso seguro al heredero del Imperio (actual rey de de Bohemia), a la capital romana para efectivizar aquel propósito.

Sin embargo, se enfrentan con la oposición de Lord Rosenberg (Til Schweiger), un noble adinerado con la mirada puesta en la corona de Bohemia, y el rey húngaro Segismundo (Matthew Goode), el medio hermano del sucesor imperial, cuyo objetivo es llegar al poder.  Como el digno sucesor esta en bancarrota y necesita de los fondos necesarios para el viaje, Boresh se hace de los servicios de Žižka (Ben Foster) y sus mercenarios con el fin de secuestrar a la prometida de Rosenberg, Lady Catherine (Sophie Lowe), que también es sobrina del Rey de Francia, a cambio de un rescate.

Medieval basa su narrativa en traiciones y persecuciones de los aspirantes al trono sucesorio en donde sus ideas se materializan en la acción de sus guerreros. Desde esta perspectiva el guion no tiene mucho que hacer en cuanto a intriga de poder se trata, atento que los planes de los interesados se revelan inmediatamente. Esta falta de profundidad reflejada en sus diálogos no hace más que revitalizar el interés encubierto de la producción en la violencia brutal de los enfrentamientos. Lo señalado no se condice con la postura visualmente atractiva de la película, con hermosos paisajes y locaciones de imponentes de sitios históricos, que la dirección trata de resaltar en todo momento con cuidadas tomas aéreas.

El trasfondo político que se nutre la película no es del todo aprovechado. Hay buenos interpretes aquí (casi todos ingleses en una producción checa) pero el film no se detiene en situaciones de corte político que bien hubiesen servido para fundamentar más aún el interés de la misión principal. El digno sucesor, el actual rey de Bohemia Wenceslao IV, tiene un aporte intrascendente y su personaje se diluye en la atracción del secuestro de  Lady Katherine (Sophie Lowe). El giro rápido y repetitivo de su captura y recaptura, con traiciones y deslealtades incluidas, hace que la película pierda algo de ritmo. Algo extraño atento que no es una película artística, con una clara intención de exponer su cruda violencia.

Las escenas de batallas tiene sus puntos altos, con escenas de sangre y mutilaciones en forma explicita pero no tiene el impacto deseado. Incluso, en ocasiones, se evidencia un dejo de desprolijidad en el trabajo de edición que dificulta la mirada limpia de las peleas en momentos culmines. En relación a esto, se puede decir que Medieval se queda en las puertas de la gloria al carecer del sentido de la épica. En su defensa se puede argumentar la postura seria y terrenal del héroe principal, que según se cuenta nunca ha perdido una batalla. Pero dicho enfoque no le es favorable a Ben Foster (Žižka), cuya actuación es solida pero no así carismática. Lo mismo sucede con el reparto secundario, de manera que cada muerte le resultara intrascendente al observador.

Dicho esto, el héroe legendario checo no es implacable aquí. Goza de una buena secuencia estratégica pero no tiene un momento que lo ilumine como leyenda. Hay una evidente inspiración en Gladiador en la apariencia del protagonista como en su férrea voluntad de seguir sus convicciones pero su comparación aquí no es halagadora. Lo mismo sucede con las batallas. Su estética visual y sangrienta sigue el estilo de Corazón Valiente pero las dificultades antes señaladas (cortes de edición) le quitan limpieza visual a sus coreografías. Con todo, Medieval es altamente entretenida pero no consigue solidificar su historia, imponer el personaje y sobre todo, ignorar las películas mencionadas.

RESUMEN

En definitiva, Medieval no logra desarrollar todo su potencial. La falta de inversión en personajes de corte político, de carisma en su protagonista masculino, y del sentido de la épica en sus batallas hacen que la película se estanque en un simple entretenimiento.

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LOU (2022)

lou final explicado

El thriller de Netflix muestra su mejor forma en la actuación convincente de su protagonista principal (Allison Janney). Lou, tiene un buen comienzo y un ritmo adecuado pero sus giros no encastran del todo bien con el contenido de su historia. En su fin de entretener, Lou lo logra dignamente a pesar de su generalidad.

Lou, no pierde tiempo en captar la atención de la audiencia. En sus escasos minutos iniciales presenta una mujer solitaria, dura y misteriosa que oculta un extraño pasado. A esos ingredientes se le agrega un secuestro dentro de un pequeño pueblo en donde se avecina una gran tormenta. El thriller encuentra su mejor forma en el talento de Allison Janney, la actriz principal, de 62 años, que tiene ciertas “habilidades” para sobrevivir. Mientras que la nombrada como el elenco que la acompaña muestran actuaciones físicas y emocionales convincentes, el trasfondo de su historia no encastra bien con los giros que se ejecutan. Su resultado, es una experiencia visual entretenida y genérica dentro de un círculo narrativo un tanto confuso.

En un pequeño pueblo, Lou (Allison Janney) está a punto de tomar una drástica decisión. Después de buscar comida para su perro, matando un ciervo fuera de temporada de caza, y de extraer el total de su dinero bancario, del cual pretende donar a su vecina inquilina, la encuentra a punto de suicidarse. Mientras se avecina una fuerte tormenta, sus planes se ven interrumpidos cuando su vecina Hannah (Jurnee Smollett) le informa que su hija a sido secuestrada por su padre Philip ( Logan Marshall-Green). Sin ninguna posibilidad de comunicación con el sheriff de la ciudad, juntas inician una misión de rescate en donde se revelan algunos secretos.

Lou, trata de equilibrar la historia de los tres personajes centrales. Lou, Allison y Philip son los componentes de un guion que genera una indudable intriga. Se bien los personajes y sus historias se presentan con una elocuente moderación, a la hora de las revelaciones sus intenciones no están bien ejecutadas. Esto crea un ambiente de confusión con el trasfondo de la historia y sus motivaciones, logrando que el film no sea transparente y del todo efectivo en el uso de sus giros. Cuando llegan, pierden cierta influencia y no logran canalizar adecuadamente el sentido de su explicación. Así, entre la eficiente misión de rescate, con luchas incluidas, el circulo narrativo pierde brillo por la mención aludida.

Ahora bien, hay una cosa en particular en la que Lou es todo un triunfo. La actuación de Allison Janney (Lou) es eficiente, transformadora y brutal. Si bien no cambia el estereotipo de antihéroe, la forma salvaje en la que manifiesta su temperamento la hace digna de reconocimiento. Desafortunadamente, las futuras revelaciones no están en consonancia con el nivel interpretativo de la premiada actriz (ganadora de un globo de oro) quien brinda una performance solida y convincente, incluso en las escenas de lucha. En este punto, los desafíos físicos y obstáculos naturales que enfrenta la actriz gozan de buena credibilidad gracias a su impresionante fuerza emocional. El resto del elenco, la acompaña correctamente, sin sobresaltos.

La película también cuenta con una destaca ambientación. Con una dirección prolija, la película logra “vivir” el centro de la escena cuando las protagonistas están en peligro. Llegado el final y por el peso confuso de sus giros (en el cual se involucran cuestiones de maternidad) el film sufre de una generalidad inevitable. Con todo, Lou, con sus altibajos, logra entretener por la actuación sobresaliente de Janney y por un guion astuto, como genérico, que atrapará al observador por su misterioso comienzo.

RESUMEN

En definitiva, Lou, es un thriller que entretiene a pesar de su argumento genérico y de algunos giros no tan bien ejecutados. Como contrapartida, la transformadora y convincente actuación de Allison Janney hace que aquellos pasen algo desapercibidos.

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TIERRA SALVAJE (2022)

critica tierra salvaje

El drama que transmite Tierra Salvaje (Jungleland) tiene sus momentos pero no tiene el impacto deseado. Protagonizan Charlie Hunnam y Jack O’Donnell, como dos hermanos en busca del sueño americano. Disponible en Netflix.

Se dice que el boxeo es el arte de pegar sin que te golpeen, más o menos como en la vida en la cual se trata de cometer los menos errores posibles. Tierra Salvaje utiliza los golpes de puño como una referencia omnipresente en donde dos hermanos buscan el anisado sueño de la autoeficiencia económica. Impulsada por su oscuro tono dramático, la historia tiene sus momentos pero son sus giros los que no tienen el impacto deseado. Charlie Hunnam es en los papeles la estrella aquí pero es Jack O’Donnell el que sale más beneficiado.

Tierra Salvaje gira en torno a dos hermanos que están en bancarrota. Sin familia a que recurrir y en compañía de un perro galgo recurren al talento boxístico de uno de ellos para sobrevivir. Sin embargo, las cosas no le resultan nada fáciles al joven boxeador Lion (Jack O’Donnell), su hermano y manager Stanley (Hunnam) afronta una pesada deuda con el jefe mafioso local y pronto se verán en problemas. La relación consanguínea se pone a prueba cuando irrumpe una compañera sorpresa (Jessica Bardem), la cual deberán llevar en forma obligada si quieren participar de un torneo de boxeo sin guantes. Tal circunstancia pondrán en jaque las decisiones personales y profesionales.

La película no tarda en definir a sus protagonistas. Los hermanos merodean la ciudad en busca del sueño americano, queriendo lograrlo a fuerza de puños. Todos sus protagonistas son de descendencia británica pero ello no impide aquí representar la nacionalidad aludida. Con un precario trabajo en un fabrica textil, los personajes se mueven en un territorio conocido con lo que la audiencia se sentirá familiarizada. El film tiene un evidente enfoque de lo que sería una película de boxeo pero en realidad es mucho más profundo que ello, es la relación de hermanos con una dinámica muy complicada.

El guion le da a los protagonistas suficiente material para moldear sus personajes, resultando favorecido el talentoso boxeador (O’Donnell) atento que su sufrimiento se intensifica en los tramos finales del film. Hunnam (Stanley) tiene el personaje más llamativo pero no alcanza a llevar su papel al límite. Últimamente acostumbrado a personificar situaciones en desgracia (Véase Last Looks) parecería que el actor busca un salto de calidad que todavía no ha logrado conseguir. No obstante ello, su actuación es solida y convincente aunque en un nivel inferior a su compañero.

La historia cuenta con algunos giros, no tan bien definidos. Desde la introducción de una compañera de ruta de nombre Sky hasta la irrupción de un temible mafioso, cada conflicto sufre de un impulso decaído. Cuando la película cambia hacia el territorio del suspenso, con matones que representan al inframundo criminal, su revelación es demasiado absurda con el tono dramático de la película. El giro retorcido que se intenta aplicar aquí es tardío y no tienen el impacto deseado. De haberse manejado con más vehemencia, quizás el resultado no hubiese sido tan artificial.

Las emociones llegan en su acto final, pero como en todos sus giros, se siente con falta de eficacia. No obstaste ello, el drama que se intenta materializar reúne los ingredientes clásicos del genero aunque nada indica que su resultado pueda perpetuarse como tal.

RESUMEN

En definitiva, Tierra Salvaje (Jungleland) es un drama de dos hermanos con una dinámica muy complicada que puede verse a través de un enfoque de una película de boxeo. Las solidas actuaciones no se condicen con sus giros, los cuales sufren de un impulso decaído.

https://youtu.be/KqV-iglJ0qk
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BESTIA (2022)

bestia final explicado

Con poco sentido de la lógica , Bestia (Beast), ofrece un aceptable entretenimiento que no es tan bueno como el esperado. Esta vez, en cuanto a sustos, la frase de que no es lo mismo llamar al león que verlo venir, queda para otra oportunidad. Con Idris Elba.

Recrear animales salvajes y lograr que interactúen con actores de carne y hueso en una misma escena ha sido un desafío para los especialistas en efectos especiales. En el caso, la portentosa, intimidante y respetuosa figura del león puede ser que sea la más difícil de lograr por las características propias de los felinos. Bestia (Beast) tiene el mérito de, por momentos, conseguirlo pero desaprovecha una gran oportunidad a causa de un argumento con poco sentido de la lógica. La película ofrece un aceptable nivel de entretenimiento, que no es tan bueno como el esperado.

La historia se abre con el Dr. Nate Samuels (Elba), quién viaja a Sudáfrica junto a sus dos hijas para visitar el origen de su difunta esposa. Allí lo espera su amigo Martin (Sharlto Copley), que administra una reserva de caza. Mientras exploran la vida silvestre descubren que los lugareños han sido atacados por un león que ha escapado de cazadores furtivos. Atrapados y sin lugar a donde ir, deben encontrar la manera de sobrevivir en un territorio desconocido.

La película tiene el potencial para generar algunos sustos por la impactante presencia del león que merodea asiduamente a sus protagonistas, pero lo logra en contadas ocasiones. La razón puede ser que haya sido intencional para equilibrar la clasificación de edades de la audiencia. Pero lo cierto es que hay precisos momentos en que la falta del sentido de la lógica termina perjudicando cualquier intento de verosimilitud. Mientras que la película logra dar vida a un vengativo león, con destacado efectos en los movimientos de acecho y ataque, su guion es ejecutado sin riesgos ni sentido común.

Desde el carácter de sus protagonista (todos valientes ante el acecho constante del felino) hasta la forma en que son impulsados a defenderse, con un último acto por demás exagerado, el film minimiza su propia premisa. El reproche aquí no está en las cualidades heroicas de sus personajes sino en las aptitudes del león, en las que solo quedan como una simple amenaza. A saber, sin ser especialista en el comportamiento de estos animales es preciso mencionar que estos felinos tiene una impecable visión nocturna. Lo mismo con su olfato, el cual les sirve para detectar cualquier rastro de sangre cercana. Con lo que el film le niega este atributo esencial con una omisión pasmosa, ofreciendo en su lugar un clásico juego de las escondidas.

En el medio de la supervivencia, la película trae conflictos personales e intenta dramatizar la relación de Nate con sus hijas, mientras se producen los ataques del león. Esta circunstancia funciona en pocas ocasiones. Se presume que están diagramadas para poner los pelos de punta al observador, pero es la falta de sentido común las que impregnan sus decisiones logrando desvalorizarlas. En este sentido se podría haber profundizado un poco más en los problemas familiares (incluso hay recuerdos que lucen algo vacíos en su conjunto) agregando un poco más de tensión a un guion supeditado en la supervivencia de la familia.

En cuanto a las secuencias de acción, y al margen de lo antes dicho, se puede decir que están bien escenificadas. Visualmente, los ataque del león tienen el impacto deseado pero por diversos motivos no logra generar el susto esperado. En este sentido la película Garras o La Sombra y la Oscuridad, aquella película de 1996 protagonizada por Michael Douglas y Val Kilmer, es infinitamente mejor. No obstante ello, la ferocidad del felino está presente a pesar de su guion superficial. En cuanto al elenco, Idris Alba y sus hijas mantienen sus interpretaciones sin sobresaltos siendo el papel secundario de Sharlto Copley el más destacado.

RESUMEN

En definitiva, Bestia (Beast), es una película de supervivencia que se balancea en cuanto a entretenimiento. Con poco sentido de la lógica y un guion superficial, cuya atención se centra, principalmente, en los ataques del león.

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ROGUE AGENT (2022)

Inspirada en hechos reales, Rogue Agent construye una historia atemorizante sobre un hombre vil que utiliza su seducción y persuasión como una trampa psicológica. Próximamente disponible en Netflix.

Nada es tan escalofriante como la representación del “mal” en un ser humano. No hay monstruos ni personajes literarios que puedan llegar atemorizarnos tanto como él, por el solo hecho de que aquella posibilidad puede ser posible. Rogue Agent, refiere a la vida de un secuestrador, abusador y estafador, quién en la vida real fuera Robert Freegard. Un hombre que que utilizaba su encanto y persuasión como una trampa psicológica.

La historia esta ambientada en la década del 90 con un escenario político que pone al Reino Unido en alerta. La amenaza de colocación de bombas de parte del IRA hace que el gobierno británico despliegue agentes encubiertos para desenmascararlos. Bajo esta circunstancia, Robert Freegard (James Norton) se hace pasar por un agente de seguridad nacional (del MI5) a fin de perpetrar toda clase de delitos. El enfoque despiadado, metódico y táctico del impostor cambia cuando una de sus víctimas ( Gemma Arterton) descubre sus planes.

La película tiene una introducción ( en la voz en off de Arterton) en donde se revela cuales son los principios tácticos de un supuesto espía. Pero el film no trata de ello, como tampoco sobre los atentados a manos del IRA, que salpica levemente en su introducción. La utilización de aquellos hechos permite a Robert perpetuar su plan para con un grupo de estudiantes universitarios, todos ellos desprevenidos, lavándoles el cerebro, con tácticas mentales. Bajo la firme creencia de que él es un agente del MI5 encubierto, sus víctimas lo siguen, a punto tal de encubrirlo, incluso de sus propias familias.

La película no profundiza la mente de un hombre cruel, sino que lo muestra en un comportamiento continuado. Los delitos aberrantes que ejecuta tiene un fin material, pero su vehículo es un juego mental que utiliza como una trampa psicológica. Robert seduce a sus víctimas sin utilizar ningún tipo de coacción. Su arma es la mente y la forma de introducirse perspicazmente en las de sus víctimas. Cuando ello ocurre, las afectadas se encuentran en un callejón sin salida, incluso tienen a idolatrar al victimario. En este sentido la forma en que se manipula a las personas es realmente escalofriante, a punto tal que invita a una reflexión sobre la vulnerabilidad mental y sus consecuencias.

Ahora bien, el poder de la narrativa se apoya en la figura de Alice Archer (Gemma Arterton). La historia de una mujer que está a punto de caer en la trampa, mientras se debate sobre su estado sentimental tiene el impacto necesario para ser creíble. En este sentido, Arterton logra equilibrar gran cantidad de emociones, llevando a su personaje con la valentía necesaria para neutralizar futuras depravaciones. En relación a eso, Norton compone un personaje siniestro con evidentes capas de seducción. La oscuridad que representa, con sus atroces delitos, se vuelve atemorizante por sus tácticas mentales que, salvando las distancias, no son ajenas a la realidad. Cuando llegan, impactan por lo que representan, más allá de lo visual y Norton las materializa de una forma convincente.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Rogue Agent tiene un enfoque moderado pero cautivador de como un estafador y secuestrador perpetró las mentes de sus víctimas con fines económicos. La implacable necesidad de justicia lleva al personaje de Gemma Arterton a impulsar la narrativa, logrando la equilibrar una gran cantidad de emociones.

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365 DIAS MAS (2022)

critica 365 días mas

Con escasa coherencia narrativa y cansinas secuencias sexuales, 365 Días más es más de lo mismo. Disponible en Netflix.

La primera parte de 365 días utilizó una historia polémica para llamar la atención. Un poderoso y apuesto gánster italiano secuestra a una mujer y le da un plazo de un año para enamorarse de él. El argumento fue atacado por todos los ángulos posibles y uno de sus fuertes criticas fue que el aberrante delito se perdía en la belleza, erotismo y poder de quién lo ejecuta. El film, inspirado en 50 sombras de grey, potenció escenas de alto contenido erótico y quiso ir más allá del límite de la censura.

Con coreografías eróticas banales y diálogos concisos y torpes, para disimular cualquier pobreza actoral, 365, tenía algo para contar, más allá de su desborde libidinoso. Su segunda parte, 365 Días: Aquel día, y no hizo más que exponer todo lo señalado pero en formato de videoclip, dejando sus diez minutos finales con la intriga de saber si la protagonista (Laura) continuaba con vida, luego de una balacera en la que incluía al hermano gemelo del personaje principal (Massimo).

Ahora, su tercera y ¿última parte? es más de lo mismo, con el aditamento de que su incoherencia narrativa y emocional es harto visible en el correr de los minutos. En esta oportunidad, la historia sigue en los momentos posteriores al crucial enfrentamiento de Massimo con su hermano gemelo. En la segunda parte, Laura ( Anna-Maria Sieklucka) es herida gravemente de bala y todo hace presumir que está muerta y que se avecina una guerra de familias de gánster. Lo cierto es que Laura sobrevivió y continúa su relación con Massimo (Michele Morrone). Pero la pareja entra en crisis cuando Nacho (Simone Sussina) reclama el amor de Laura, dando pie a un trío amoroso en el que solo dos pueden participar.

El gran error que comete la trilogía de 365 días, y que a esta altura no puede suplir, es su falta de coherencia narrativa. Se presume que una situación incierta será revelada en su capitulo siguiente y en donde la explicación completa el círculo. 365 Días más, reitera una vez más, errores del pasado al no contar una situación clave de su trama. Laura ha recibido un disparo de bala lo que hace presumir su riesgo de muerte. La secuencia posterior a los hechos muestran a la protagonista totalmente recuperada y con ganas de tener, “obviamente”, sexo.

Entonces, este corte intencionalmente intempestivo y deliberado de la historia, no hace más que olvidar su pasado, si es que una vez haya tenido intenciones de contarlo. La omisión señalada ha sido reincidente con otros acontecimientos claves, como el intento de asesinato de Laura con pérdida de embarazo incluido. Dicho “olvido” no solo subestima la tolerancia del espectador casual sino que dinamita cualquier intento de ensayo en su defensa.

Con todo, 365 días más nunca pierde de vista sus cansinos encuentros sexuales. Estos, cada vez más obscenos, comenten el error de llevarlos al punto de ser totalmente artificiales. El festival de muecas y movimientos sexuales pierden cualquier intento de erotismo a punto tal que se tornan risibles. En este punto, la plantilla actoral pone a disposición sus físicos trabajados y la voluntad de mostrarse siempre desnudos en pantalla. Indudablemente con ello no basta atento que los torpes y planos diálogos que esgrimen sus protagonistas no alcanzan a revitalizarse porque simplemente no tienen la solvencia para hacerlo.

Sin un timón el barco naufraga a la deriva. Y es precisamente eso lo que ocurre en la saga de 365 días. Quizás, el exceso de imágenes sexuales, fiestas alocadas y lujos de la clase alta, la privó de contar una simple historia de amor. Dicen que los excesos no siempre terminan bien, y la saga de 365 ha llegado a límite de lo permitido, aquellos que marcan un punto de inflexión sobre el tiempo perdido ante una incoherencia narrativa.

RESUMEN

En definitiva, 365 días más repite sus errores de sus predecesoras convirtiéndose en un espectáculo visual sin sentido. La apuesta a sus repetitivas escenas sexuales le juegan, otra vez, una mala pasada por no tener en su trama una coherencia narrativa.

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GARRA (2022)

garra: explicación del final

El drama deportivo explora el mundo del baloncesto de una manera convencional. En Garra (Hustle), Adam Sandler pivotea sobre una historia de superación de la que resulta favorecido. Disponible en Netflix.

Adam Sandler ha hecho un nombre en la comedia con personajes que marcan una línea de conducta facilista. Su éxito, interpretando a perdedores o tipos comunes con mala suerte, lo ha llevado a repetir una y otra vez la misma secuencia, agotando sus recursos de actor cómico. Pero, la regla del que hace reír puede tener potencial dramático (si se lo trabaja) se aplica para Sandler, sin caer en términos absolutos. Sandler ya ha incursionado en el terreno dramático con Embriagado de Amor y Diamante en Bruto (esta última disponible en Netflix) y ahora lo vuelve hacer interpretando a un cazatalentos entrado en desgracia. Garra, es un inspirador drama deportivo que no se aparta del estereotipo convencional del genero, pero del que Adam Sandler resulta favorecido.

La historia de Garra sigue a Stanley Sugerman ( Adam Sandler), un cazatalentos del equipo de básquet de Filadelfia. Cansado de viajar y perderse los cumpleaños de su hija recibe la oportunidad de su vida como asistente de entrenador. Pero cuando el gerente millonario (Robert Duvall) fallece, el manejo cae en manos de su hijo (Ben Foster), un soberbio y caprichoso administrador que le devuelve el antiguo empleo. Dolorido por su sueño incumplido hace un pacto con la nueva autoridad a los efectos de conseguir un jugador que los impulse a ganar un campeonato.

En uno de los viajes de rigor, se topa accidentalmente con Bo Cruz (Juancho Hernán Gomez)en un parque español.  Stanley identifica rápidamente el talento que tiene Bo en ataque y defensa y cree que podría ser el tipo de jugador que necesita la franquicia y, además, sacarlo de los viajes de seleccionador para siempre. Mientras lidia con la soberbia de su jefe, Stanley desarrolla las habilidades de Bo Cruz y lo prepara como jugador seleccionable para la NBA.

La estructura narrativa de Garra se maneja de una manera convencional. Aquí hay dos personajes que se necesitan mutuamente mientras buscan el camino de la redención. Ello equivale a que las reglas en este tipo de historias necesitan de ciertos “obstáculos” que se deben sortear, mientras se resuelven sus oscuros pasados. En este aspecto, el film adopta el sentido de superación personal, motivado por una necesidad interna que emerge sin ataduras. Garra, capta la esencia de la película Rocky y no tiene ningún problema en confesarlo, manteniendo expectante su trama hasta su reconfortante final.

Garra, es una película de básquet, pero ello no implica tener amplios conocimientos en la materia para acercarse a ella. El factor emocional y su destino están bien definidos dentro del mundo del baloncesto en donde desfilan estrellas del deporte, reconocibles (ahora sí) por algunos seguidores o practicantes. La película cuando entre en clima deportivo, juega mucho con los entrenamientos en donde Bo Cruz debe aprender a desarrollar sus habilidades. Desde correr una calle empinada por tiempo, hasta diferentes practicas de ejercicio con pelota, Bo, se va acercando a lo que sería un profesional de élite. En este sentido, Hernán Gómez (profesional del equipo de basquetbol americano, Utah Jazz) cumple en líneas generales con lo que demanda el personaje, a pesar de la benevolencia que el guion tiene con él en su costado dramático.

Pero lo que realmente impulsa la película es la interpretación de Adam Sandler, quien contiene su personaje con suaves tics graciosos en beneficio de la narrativa. Sandler, se muestra comprometido con el mundo del baloncesto, del cual es ferviente fanático, evitando cualquier tipo de deshonra al deporte. Por supuesto, que hay algunos juegos internos (juegos mentales) dentro de la cancha, en el cual su pupilo tendrá que lidiar, pero eso no es más que una realidad entre los basquetbolistas.

Garra, no puede plasmar satisfactoriamente algunos aspectos misteriosos de la trama. Tanto el accidente de Stanley como el pasado de Bo no tienen el impacto deseado. Al margen de ello, la película tiene un buen ritmo dentro de una escritura que aporta la suficiente simpatía, en la que Sandler sale favorecido.

CURIOSIDADES

  • La descripción original de la trama decía que el personaje principal de Adam Sandler encuentra “un fenomenal jugador de baloncesto callejero mientras está en China…” Según una entrevista con Dan Patrick, Adam Sandler declaró que debido a la presión de Netflix (que, a partir del desarrollo de esta película, no hace negocios en China), la ubicación ahora se ha cambiado a Mallorca, España.
  • Se ve a Adam Sandler con una camiseta de “Federal Donut”, que es un verdadero restaurante de Filadelfia famoso no solo por sus donas, sino también por su pollo frito. 

RESUMEN

En resumidas cuentas, Garra (Hustle) tiene todo lo que se puede encontrar en una película dramática deportiva. Con un Adam Sandler comprometido, la película llega a su punto final con una recompensa bien ganada.

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