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24/04/202324/04/2023

GHOSTED (2023)

Sin el encanto esperado de su pareja central, el thriller de espías romántico, Ghosted, transmite pocas sensaciones y apenas cruza el límite del entretenimiento. Con Chris Evans y Ana De Armas.

Ghosted, es de aquellas películas que tienen potencial que, sin embargo, no está del todo explotado. Cuenta con dos estrellas internacionales carismáticas como Chris Evans y Ana De Armas pero, extrañamente, no logra conectar en escena a sus dos artistas. Evidenciando una falta de romance genuino, que la trama demanda, a pesar de buscar la ruta del entretenimiento con aceptables secuencias de acción. El thriller, con toques de comedia, acción y romance fracasa en casi todos sus ámbitos y la razón se debe a su falta de identidad. Sin encanto y el carisma esperado de Evans y De Armas todo fluye a la simplicidad mecanizada, que apenas cruza el límite del entretenimiento.

La trama sigue al agricultor Cole Turner (Chris Evans). Un soltero, que vive con su familia y conoce mucho de plantas. Esto lo lleva a conocer a Sophie (Ana De Armas) en un puesto de ventas agrícola para luego involucrarse sentimentalmente después de su primera cita. Cuando no recibe noticias de ella, decide viajar a Londres para sorprenderla en su lugar de trabajo. En el camino es secuestrado por un grupo de terroristas que lo confunden con un espía bajo el supuesto de que es conocedor de una clave para desbloquear un arma nuclear. Llegado el momento, Cole descubre que Sophie es un agente de la CIA, que siempre estuvo un paso adelante. Con el jefe criminal Leveque (Adrian Brody) pisándole los talones, deberán evitar que el arma caiga en el inframundo criminal mientras descubren sus secretos íntimos.

Si hay algo que no funciona como debería en Ghosted es precisamente la química de su pareja protagónica. Tanto Evans como De Armas son geniales en otras propuestas, son carismáticos y su unión es un atractivo sin dudas, pero desgraciadamente nada de aquello fluye aquí y ello termina perjudicando claramente la esencia de la trama. El thriller tiene el clásico condimento que proporciona el modelo de parejas “desparejas”, con toques de comedia ligera y secuencias de acción impulsadas con pegadizas partituras musicales.

El problema radica en la construcción del romance, que los interpretes no saben sobrellevar por falta de sentimientos genuinos que no se perciben como debería. Los aspectos “románticos” aquí no son tan intensos y los resultado no son los esperados producto de una relación simplista y poco intimista en los responsables de transmitirlos. Tampoco funcionan los toques de comedia. Si bien son desarrollados durante las secuencias de acción, las mismas no tienen el impulso gracioso que se necesita. Evans, es el encargado, en su mayor parte, de ejecutarlas pero pocas veces da en el blanco. Su personaje sufre una clara falta de identidad que se hace aún más notoria en los tramos finales del film. En cuanto a De Armas, es la que ejecuta casi todas las escenas de combate, pero ninguna esta a la altura de otras propuestas.

La escritura de Ghosted tampoco está muy interesada en llevar los límites de la pareja más allá de los previstos. El debido tiempo que se toma en la introducción del romance no goza de sinceridad posterior y si bien hay una clara intensión de desarrollar emocionantes secuencias de acción, las mismas son endebles. Con excepción de la lograda escena del colectivo, las restantes siguen la línea ordinaria de lo ya conocido y en la que la dirección le da fuerza con pegadizas bandas sonoras. Con todo ello, la audiencia juzgara su valoración de acuerdo a su nivel de exigencia.

Ghosted, cuenta con una serie de cameos, que no hacen nada en términos de aumentar el valor del entretenimiento. Las fugaces entradas/salidas de caras reconocidas (todos de la factoría Marvel) parecen ser compromisos contractuales de aquellas estrellas en una clara muestra de falta de identidad de una trama que no se escribió con sentimientos genuinos. Con todo, la capacidad para entretener se ve vulnerada por la falta de romance sincero y una trama secundaria de espías mecanizada. Su resultado no es el esperado y los actores no encajan tan bien como deberían.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Ghosted fracasa en muchas aspectos y es una oportunidad pérdida. El encanto y carisma de Chris Evans y Ana De Armas no se muestra aquí y decepciona teniendo en cuenta el talento involucrado.

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09/09/202209/09/2022

BESTIA (2022)

Con poco sentido de la lógica , Bestia (Beast), ofrece un aceptable entretenimiento que no es tan bueno como el esperado. Esta vez, en cuanto a sustos, la frase de que no es lo mismo llamar al león que verlo venir, queda para otra oportunidad. Con Idris Elba.

Recrear animales salvajes y lograr que interactúen con actores de carne y hueso en una misma escena ha sido un desafío para los especialistas en efectos especiales. En el caso, la portentosa, intimidante y respetuosa figura del león puede ser que sea la más difícil de lograr por las características propias de los felinos. Bestia (Beast) tiene el mérito de, por momentos, conseguirlo pero desaprovecha una gran oportunidad a causa de un argumento con poco sentido de la lógica. La película ofrece un aceptable nivel de entretenimiento, que no es tan bueno como el esperado.

La historia se abre con el Dr. Nate Samuels (Elba), quién viaja a Sudáfrica junto a sus dos hijas para visitar el origen de su difunta esposa. Allí lo espera su amigo Martin (Sharlto Copley), que administra una reserva de caza. Mientras exploran la vida silvestre descubren que los lugareños han sido atacados por un león que ha escapado de cazadores furtivos. Atrapados y sin lugar a donde ir, deben encontrar la manera de sobrevivir en un territorio desconocido.

La película tiene el potencial para generar algunos sustos por la impactante presencia del león que merodea asiduamente a sus protagonistas, pero lo logra en contadas ocasiones. La razón puede ser que haya sido intencional para equilibrar la clasificación de edades de la audiencia. Pero lo cierto es que hay precisos momentos en que la falta del sentido de la lógica termina perjudicando cualquier intento de verosimilitud. Mientras que la película logra dar vida a un vengativo león, con destacado efectos en los movimientos de acecho y ataque, su guion es ejecutado sin riesgos ni sentido común.

Desde el carácter de sus protagonista (todos valientes ante el acecho constante del felino) hasta la forma en que son impulsados a defenderse, con un último acto por demás exagerado, el film minimiza su propia premisa. El reproche aquí no está en las cualidades heroicas de sus personajes sino en las aptitudes del león, en las que solo quedan como una simple amenaza. A saber, sin ser especialista en el comportamiento de estos animales es preciso mencionar que estos felinos tiene una impecable visión nocturna. Lo mismo con su olfato, el cual les sirve para detectar cualquier rastro de sangre cercana. Con lo que el film le niega este atributo esencial con una omisión pasmosa, ofreciendo en su lugar un clásico juego de las escondidas.

En el medio de la supervivencia, la película trae conflictos personales e intenta dramatizar la relación de Nate con sus hijas, mientras se producen los ataques del león. Esta circunstancia funciona en pocas ocasiones. Se presume que están diagramadas para poner los pelos de punta al observador, pero es la falta de sentido común las que impregnan sus decisiones logrando desvalorizarlas. En este sentido se podría haber profundizado un poco más en los problemas familiares (incluso hay recuerdos que lucen algo vacíos en su conjunto) agregando un poco más de tensión a un guion supeditado en la supervivencia de la familia.

En cuanto a las secuencias de acción, y al margen de lo antes dicho, se puede decir que están bien escenificadas. Visualmente, los ataque del león tienen el impacto deseado pero por diversos motivos no logra generar el susto esperado. En este sentido la película Garras o La Sombra y la Oscuridad, aquella película de 1996 protagonizada por Michael Douglas y Val Kilmer, es infinitamente mejor. No obstante ello, la ferocidad del felino está presente a pesar de su guion superficial. En cuanto al elenco, Idris Alba y sus hijas mantienen sus interpretaciones sin sobresaltos siendo el papel secundario de Sharlto Copley el más destacado.

RESUMEN

En definitiva, Bestia (Beast), es una película de supervivencia que se balancea en cuanto a entretenimiento. Con poco sentido de la lógica y un guion superficial, cuya atención se centra, principalmente, en los ataques del león.

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05/07/202205/07/2022

LA PRINCESA (2022)

Disney toma un nuevo rumbo. Ahora las princesas son de armas tomar. Con una tendencia hacia la acción sangrienta, La Princesa (The Princess) tiene algunos momentos entretenidos dentro una narrativa plana y mediocre. Con Joe King, Dominic Cooper y Olga Kurylenko.

Los cuentos de hadas han cambiado, o por lo menos van en camino a ello. Lo cierto es que una princesa inocente y prisionera, que espera el rescate de su príncipe azul en lo alto del castillo ya se siente desactualizado. Ahora, son ellas las que hacen frente a la situación con una serie de habilidades que harían levantar la ceja a cualquier héroe de acción. En La Princesa -The Princess-, la acción con movimientos de lucha sangrientos parece ser lo único que verdaderamente importa dentro de un guion mediocre y plano, como la espada que empuña su protagonista. Con el nuevo giro violento del cuento de hadas, Disney pretende dar un golpe sobre la mesa. Tiene momentos divertidos y se evidencia un esfuerzo en la heroína de acción, pero sobre la superficie queda la sensación de ser un producto fallido.

The Princess (La Princesa) sigue a una princesa sin nombre que se encuentra atrapada en lo alto de un castillo. Encadenada y vestida de novia, la princesa se despierta de sus aposentos y decide dar comienzo a su liberación. A simple vista no parece una tarea fácil a raíz de que un ejercito invasor ha tomado posesión del castillo con planes de tomar el poder del reino ficticio de su padre. Hasta que unos guardias ingresan a la habitación y la princesa los elimina rápidamente. Así, comienza un viaje para llegar al descenso de la torre y salvar a su familia de las garras de su posible esposo abandonado.

Para empezar La Princesa, tiene la clara intensión de sorprender a la audiencia con secuencias de acción violentas y sangrientas. La yuxtaposición de aquella herramienta con el estilo cinematográfico de las películas de Disney es un buen contrapunto que sin embargo no define hacia quién está dirigido. Claramente es una película de acción no apta para todo público por el alto nivel de violencia que ejecuta, pero aún así la línea de su historia y de sus personajes no siguen el mismo camino. Con lo que todo parece encolumnares detrás de los movimientos de lucha y manejo de la espada de la princesa frente a su enemigos.

Este indicador puede llegar a resultar un placer culpable al ver una bella y joven princesa matar a muchos hombres adultos en el camino de descenso de la torre. Pero la realidad, es que no tiene mucho más para aportar al carecer de una historia que potencie el desarrollo de personajes secundarios. Desde el rey hasta el potencial esposo abandonado (Dominic Cooper), ningún de ellos parece tener peso en la narrativa. La utilización de flashbacks ayudan a comprender el manejo rápido de la trama pero termina condenando la labor protagónica del antagonista, del cual solo se desprende un personaje común. Solo Olga Kurylenko alcanza levemente a destacarse componiendo a una villana temible pero no es la intención de The Princess interiorizarse en ellos.

Toda la atención esta puesta en Joey King (La Princesa). La actriz demuestra compromiso con las secuencias de acción y con algunas maniobras coreografiadas. El personaje sangra, resiste caídas, aguanta la respiración bajo el agua y demás. No hay nada nuevo aquí que no se haya visto antes e incluso algunas conductas son demasiadas predecibles. El impacto que genera ver a una bella joven, que se presume es un delicada princesa, ejecutar movimientos rápidos, violentos y sangrientos se diluye con el correr de los minutos. Algo que el público adulto notará a causa de la falta de una historia con personajes secundarios que potencien la inclinación violenta de la trama.

RESUMEN

En definitiva, The Princess ( La Princesa)toma riesgos al adaptar un cuento de hadas de princesas con un corte acción sangriento. Su principal problema es la falta de una historia con personajes secundarios que justifiquen su trama violenta. Con todo, la película tiene momentos divertidos, pero se relaciona con la princesa y su idea de salvarse a si misma.

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08/06/202209/06/2022

TODO EN TODAS PARTES AL MISMO TIEMPO (2022)

todo en todas partes al mismo tiempo: explicación del multiverso

Imaginativa como agotadora, Todo en todas partes al mismo tiempo es un viaje emocional de ciencia ficción sobrecargado, en donde dividirá los gustos de los espectadores. Protagonizada por la legendaria artista marcial asiática, Michelle Yeoh.

Todo en todas partes al mismo tiempo ( Everything everywhere all at once) es de esas películas que irradian una sorprendente capacidad de imaginación. Lo dicho no deja ser un reconocimiento al ingenio de sus creadores al narrar una trama con saltos en el tiempo y universos paralelos. Pero, la grandilocuencia visual y frenética puede llegar a dificultar su capacidad de comprensión y con ella el agotamiento al intentar seguir el ritmo a una producción que abraza la ciencia ficción de una manera alocada. Imaginativa, agotadora y emotiva en ciertos pasajes, Todo en todas partes al mismo tiempo es un viaje emocional demasiado sobrecargado.

La película sigue a Evelyn Wang ( Michelle Yeoh), propietaria de una lavandería a la cual no le está yendo muy bien. Su matrimonio con su esposo Waymond (Ke Huy Quan) está en crisis, todavía se siente distante de su padre (James Hong), y la relación con su hija Joy (Stephanie Hsu) es tensa. Además de todo eso, Evelyn se encuentra en medio de una auditoría de impuestos encabezada por una severa agente de retención llamada Deirdre (Jamie Lee Curtis). Evelyn está tratando de salvar sus relaciones que se están desmoronando mientras evita sus propios sentimientos de insuficiencia. Sin embargo, todo cambia cuando se da cuenta que existe un multiverso, el cual representa una versión de sí misma por decisiones diferentes. La cuestión se complica cuando se le dice que ella es crucial para salvarlo.

Todo en todas partes al mismo tiempo parte de una narración por demás imaginativa al recrear un multiverso motivado por las decisiones. Dependiendo de la capacidad de elegir, existe un universo alternativo en donde la heroína hace un recorrido de todas esas posibilidades. Como toda ciencia ficción, el film tiene sus reglas pero eso no significa que la audiencia lo comprenda con precisión. Ante esto, se puede llegar a ser difícil seguir la línea de tiempo de la historia con sus recurrentes saltos, mientras se pone en ejecución un gran despliegue visual con secuencias sumamente divertidas.

La película tiene una clara intención de sacudir a la audiencia y sacarla de su lugar de confort. Lo logra durante todo su metraje pero en el camino se corre el riesgo de producir agotamiento y confusión con tantos cortes de edición de viajes en el tiempo. La pareja de directores Dan Kwan y Daniel Scheinert (conocidos como Los Daniels) crean un mundo caótico y con opciones ilimitadas inspiradas en otras películas de genero. Desde Matrix hasta Terminator, la película parece rendirle una especie de homenaje con la diferencia que excede su capacidad lógica de comprensión. La pastilla roja y azul de Matrix es una regla de multiplicar simple al lado de lo que se propone aquí.

Ahora bien, lo que tiene de complejo lo tiene de divertido. Las secuencias constantes de saltos en el tiempo lo corresponden con situaciones desopilantes, inverosímiles y grotescas que marcan la capacidad de locura de sus creadores. En el centro de este “tornado imaginativo” se encuentra una historia familiar, con una acertada moraleja. Michelle Yeoh, lleva adelante la trama componiendo un personaje matizado, imbuyendo a Evelyn de desesperación y energía, cada vez que realiza los diferente saltos dimensionales.

Pero, si bien la actriz asiática es el corazón de la historia, no está sola. Ke Huay Quanes (Waymond) es el partenaire perfecto para Yeoh al componer al esposo que ha redactado los papeles de divorcio, hasta que una versión de otro universo se apodera de su cuerpo. La interpretación de Quanes hace que el film tenga algo de explicación con sus marcados cambios de conducta. El resto del elenco siguen la misma línea que marcan sus protagonistas.

Entre tanta situación caótica e irreal, Todo en todas partes al mismo tiempo se enfoca en la dinámica familiar y en los problemas cotidianos con que se lidian continuamente. Evelyn está cansada de su marido y no acepta la nueva relación sentimental de su hija. Mientras trata de resolver todo ello, el mundo la golpea con sensaciones encontradas en el hecho de saber si ha tomado la decisión correcta. El film da muestra de un marcado optimismo y resuelve su problemática de una manera esperanzadora. La recompensa y el sentido del film llegan en su final, si es que los espectadores menos versátiles están dispuestos a aguantar.

RESUMEN

En definitiva, Todo en todas partes al mismo tiempo logra llevar al espectador a otro nivel en la exploración del multiverso. Pero, tal nivel de locura entretenida es llevada al punto del agotamiento.

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05/06/202205/06/2022

INTERCEPTOR (2022)

La nueva producción de Netflix es un rejunte de otras películas, pero no se permite creer su propia tontería. Protagoniza Elsa Pataky.

Las películas de acción modernas en donde el protagonista principal tiene la clara misión de salvar el día, necesitan de una estrategia narrativa para que todo funcione como un reloj. La amenaza exterior, por más inverosímil que sea, debe ser compensada por la impronta de un héroe dispuesto a arruinar los planes de los villanos en cuestión. Entonces, con exitosas películas (transformadas en clásicos) como Duro de Matar o Alerta Máxima, resulta una tarea difícil recrear un material que transmita nuevas sensaciones. Interceptor, no cuenta con las piezas necesarias para crear un digno entretenimiento por una sencilla razón: no se permite creer su propia tontería.

Elsa Pataky interpreta a la capitana JJ Collins, quién retorna a una de las dos bases secretas de interceptores de misiles del ejercito de los Estados Unidos. Estas bases son la última línea de defensa en caso de un ataque nuclear de Rusia o de cualquier otro enemigo del planeta. Después de enfrentar un acoso sexual, Collins es degradada a su antiguo puesto militar. Cuando llega, se anoticia de un ataque terrorista coordinado, que pone en peligro la paz mundial. Con una línea de defensa caída y con la clara intención de lanzar 16 misiles atómicos en ciudades americanas, la capitana Collins deberá resistir los embates del enemigo, siendo la última esperanza de los Estados Unidos.

La película tiene un crédito de apertura temerario por la forma en que describe un potencial escenario de enfrentamiento militar. En ella describe que un misil atómico ruso puede tardar 24 minutos en llegar a un destino estadounidense y a su vez, 12 de ellos en contrarrestarlo. Las líneas de defensa americanas son secretas y una de ellas está en el medio del océano pacifico. Se presume pensar que la amenaza de los terroristas y la resistencia a sus embates se hará en toda la base militar flotante. Pero ello sucede en escasos minutos, transcurriendo gran parte de la acción en una pequeña habitación de comunicación.

Con lo que la heroína en cuestión (una Elsa Pataky en forma) se limita a ser un obstáculo en si misma, perdiendo todo tipo de sorpresa. Esto es, Interceptor se vuelve anodina y algo tonta. Capitaliza una idea trepidante y de acción sin respiro, pero su ejecución es un intento equivocado. Si bien hay una clara inspiración en películas ochentonas, como Duro de Matar, no fundamenta su propia historia, con el agravante de que tampoco se la cree.

La película pierde su equilibrio cuando se trata de revelar las motivaciones del villano Alexander. Interceptor, juega con la mente criminal característica de los villanos de James Bond, pero en el fondo no se llega a entender del todo sus motivaciones. Hay un fin monetario por cierto, pero el hecho de matar a millones de personas, con un reducido numero de terroristas, no convence en absoluto.

Dicho esto, la historia es una tontería en general, que es aplaudida por un invitado inesperado, que no pertenece al elenco de Interceptor. Se trata de Chris Hemsworth, casualmente productor del film y marido de Elsa Pataky, que sigue la misión televisada en un centro de ventas de electrodomésticos. Se entiende que se quiere aportar algo de gracia y humor a la narrativa, pero aquí su aporte no suma, contrarrestando la seriedad de su mujer. Pataky suda bastante para ofrecer algunas aceptables secuencias de acción. La actriz se encuentra en excelente estado de forma, mostrando sus marcados músculos de crossfit. Pero no logra profundizar los aspectos más personales de su personaje. Como heroína esta en deuda al no exhibir la personalidad que imponen las estrellas de acción.

Interceptor, cuenta con escenas demostradamente risibles. Desde el falso intelectualismo del villano Alexander; secuencias ordinarias de lucha y escondite; cameo de Hemsworth mal ejecutado; actitudes intrascendentes de ejecutivos como de la presidenta de los Estados Unidos y un uso del segundero al límite de su tiempo hacen que el film sea una invitación a la risa y a un rápido olvido.

CURIOSIDADES

Elsa Pataky y Chris Hemsworth son marido y mujer en la vida real. Esta es la segunda película en la que colaboran juntos después d Tropa de Herés (2018).
Esta película se inspira en varios aspectos en la película Duro de Matar (1988). La revelación en el medio de la película de que Kessel realmente solo está en esto por el dinero es un guiño a los motivos de Hans Gruber en Die Hard.

RESUMEN

En definitiva, Interceptor intenta hacer una película de acción con ingrediente pasados. Fracasa en todos sus aspectos a pesar del esfuerzo físico de Elsa Pataky.

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03/06/202203/06/2022

INFIERNO EN LA FRONTERA (2019)

La historia del primer afroamericano representante de la ley es algo insulsa y de escasos recursos artísticos. Infierno en la frontera (Hell on the Border) es un western fallido, a pesar de su intento de reivindicar un héroe legendario. Disponible en Netiflix.

Los créditos de apertura declaran que los vaqueros afroamericanos han sido dejado de lado por los libros en los cuales se escriben las historias. Esta es la vida de Badd Reeves, un hombre que nació en la esclavitud para luego convertirse en el primer mariscal de color en el salvaje oeste. Con todo lo expuesto, el film parece tener algo interesante para contar pero no lo aprovecha, al recrear un western insulso y de escasos recursos artísticos.

La historia se centra en un capitulo de lo que se supone que fue la vida de Badd Reeves (David Gyasi). Habiendo escapado de la servidumbre durante la guerra civil, se encuentra trabajando como ayudante de uno de los agentes de la ley a cargo del juez del condado de Arkansas. Mientras el peligroso fugitivo Bob Dozier ( Frank Grillo) y su pandilla confrontan las autoridades, Reeves acepta la misión de capturarlo con la ayuda de un criminal (Ron Perlman). Para demostrar su valía, Reeves, no solo debe protegerse de los disparos. Sino también de una severa discriminación, con la esperanza de ganarse una estrella en el pecho.

Infierno en la frontera , tiene una buena historia entre sus manos. Un supuesto héroe legendario ( no reconocido) dentro del salvaje oeste y un trasfondo histórico racial indisimulable, donde los afroamericanos recién salían de la esclavitud y buscaban un lugar en el mundo. La trama aquí planteada es difícil de discutir y el film se vale de ello, donde los hombres de color no tenían ni siquiera oportunidad de votar. Es decir, no eran considerados ciudadanos con plenos derechos.

En esa época de cambios civiles renace la figura de Badd Reeves, un hombre que no solo decide tener un sistema de justicia justo, sino dedicarse ello. En este punto, el guion le da material necesario a los personajes para que puedan dotarlos de carácter. Hay algunas intervenciones del Juez Parker que reflejan la lucha social por el reconocimiento de los derechos afroamericanos pero los ojos no están puestos en ello. En el centro, Gaysi no logra matizar su personaje, componiendo un Bad Reeves demasiado calmo y lineal. Su escaso carisma parece estar absorbido por los acontecimientos reales de la historia. Es cierto que la música (descoordinada y con falta de empuje) no le ayuda demasiado, pero el personaje, por sus habilidades, debería haber tenido un mejor resultado.

Pero lo que hace fallido a la producción, es justamente sus escenas de tiroteos. Ninguna de ellas logra el impacto deseado. Dentro de su evidente bajo presupuesto, no hay un cuidado en el uso de la acción coreografiada. Los tiroteos se desarrollan con una notoria rapidez desincronizada, con evidentes fallos de edición. Lo que hace que lo que debería ser el punto más fuerte de un western sea un deseo incumplido. Tampoco se desarrolla la habilidad que tiene Reeve en desenfundar el arma. Es rápido y letal, pero no se profundiza demasiado su talento para un hombre que ha salido de la esclavitud.

Otras debilidades se encuentran en su tiempo de ejecución, el cual se hace demasiado extenso. Ron Perlman y Frank Grillo tratan de cubrir aquella deficiencia, con personajes coloridos pero ninguno de ello da en la tecla. Así las cosas, se dice que Badd Reeves fue fuente de inspiración de el llanero solitario y ha influido en el genero occidental durante más de 100 años después de su muerte, en 1910. A juzgar por lo visto, no hay nada aquí que ensalce su gloria.

CURIOSIDADES

Gran parte de la película se filmó en Tannehill State Park en McCalla, Alabama (cerca de Birmingham).

RESUMEN

En definitiva, Infierno en la Frontera (Hell the Border) desperdicia su interesante trama con una producción de escasos recursos artísticos. Sus casi dos horas de duración se hacen demasiado largas, que se habría beneficiado de una edición más juiciosa. Con una partitura musical equivocada, el elenco y sus tiroteos, no logran disipar los repentinos aires de aburrimiento.

RESUMEN

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17/05/202217/05/2022

EL HOMBRE DEL NORTE (2022)

La historia de venganza es cruel y violenta, pero no llega a elevarse como épica. El Hombre del Norte (The Northman) se nutre de la mitología nórdica y lo aplica en el campo de batalla.

El hombre del norte cuenta con varios recursos cinematográficos bien definidos y en sintonía con el viaje del protagonista. Es cruel, sangrienta y mística, empapada en una furia salvaje que representa una historia de venganza. Un hijo que busca el responsable de la muerte de su padre se ha contado en numerosas ocasiones, El Hombre del Norte se inspira de lo que ya hemos visto teniendo como guía la mitología nórdica que inspiró a Hamlet de William Shakespeare. Esta es una historia de venganza, cruel y violenta pero que no llega a elevarse como épica.

La historia se abre con el Rey Aurvandil (Ethan Hawke) que esta de regreso en sus tierras luego de la victoria contra un enemigo. Visiblemente herido, considera que es momento que su hijo vaya adoptando el camino del hombre. Por lo que lleva al joven Amleth a un especie de entrenamiento en el que intervine un sacerdote. Las cosas comienzan a cambiar cuando el rey es atacado y asesinado por su hermano, quien tiene claras intenciones de quedarse con su reino. La ejecución se produce frente a los ojos de Amleth, quién logra escapar sin antes observar como su madre, la reina Gudrún (Nicole Kidman) es capturada. Años más tarde, un adulto Amleth ( Alexander Skarsgard) busca vengar a su padre y rescatar a su madre, sumergiéndose en un viaje brutal y sangriento para recuperar el honor y la vida robada.

El hombre del norte abraza el concepto de venganza dentro de un trayecto simple, oscuro y sangriento. Se bien el cineasta Robert Eggers da muestra de un uso interesante de la mitología nórdica, con imágenes desconcertantes como sorprendentes, dentro de una impactante cinematografía, lo cierto es que en la superficie se sabe muy poco del personaje que solo busca consumar el juramento de venganza. Que no se malinterprete, el film da muestras de una calidad palpable en las texturas de las imágenes; los personajes y los escenarios tienen el grado de suciedad que representan los enfrentamientos sangrientos y hay una clara intención en que así sea.

Pero mientras la estética visual y su confusa y sorprendente misticismo potencian la trama, se sabe muy poco de Amleth luego del asesinato de su padre. La historia lo lleva inmediatamente al adulto guerrero que fue entrenado por los Berserkers, un grupo violento que disfrazados como lobos ataca una aldea y mata a todos sus habitantes. Si bien esta secuencia es lo mejor del film, en donde se muestra la impactante toma de la aldea, con una banda sonora acorde a los movimientos sangrientos de los invasores, es difícil encontrar en el hombre del norte un personaje matizado, atento que su única acción no es más que llevar a cabo el asesinato de su padre.

Es decir, con todo el misticismo que se le imprime al film, con brujos y magos anticipando su destino, con frases interesantes como rebuscadas, la obviedad nunca se esconde de su narrativa. En este aspecto, hay una clara inspiración en la película que hizo famoso a Arnold Schwarzenegger, en Conan “el bárbaro”.

Alexander Skarsgård interpretar a Amleth como una bestia que busca a su presa. Vive para consumar su venganza observando a su tío, Fjölnir, con una mirada intensa que perdura y nunca muere. El actor se muestra comprometido en el papel, aunque podría haber hecho algo más en su faceta dramática. Nicole Kidman como la reina Gudrún tiene un par de momentos que permiten que su personaje tome el brillo necesario y Kidman los interpreta excepcionalmente bien.

El film tiene lugar para el romance, que no logra el impulso necesario por la persistencia de su misión principal. En este aspecto la historia de amor con Olga (Anya Taylor-Joy,) se siente desaprovechada. Con todo lo dicho, El Hombre del Norte tiene una puesta en escena sorprendente pero no aprovecha todo su potencial. Su ritmo es un tanto desigual y es probable que el observador sienta su tiempo de ejecución ( 2 horas y 17 minutos).

CURIOSIDADES

Después de terminar el rodaje, varios de los actores recibieron obsequios del set. Nicoel Kidman recibió una espada. Willem Dafoe recibió un barco (drakkar) de la vida real. Alexander Skarsgard recibió la tanga manchada de sangre que usó durante una semana mientras filmaba la escena final de la película, en un marco.
La película tiene lugar en un área que incluye la actual Escocia, Ucrania e Islandia.
En un principio, Eggers quería que algunos de los berserkers estuvieran completamente desnudos. No lo hizo porque temía que sería demasiado para la audiencia y le daría a la película una restricción de edad demasiado alta.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El Hombre del Norte (The Northman) es una película hostil y brutal que desencadena la furia salvaje de un guerrero en busca de venganza. La falta de profundidad en la historia, impide que el film alcance todo su potencial.

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11/05/202211/05/2022

LA CIUDAD PERDIDA (2022)

Channing Tatum y Sandra Bullock se divierten y divierten en una entretenida aventura. La ciudad perdida ( The Lost City) es un regreso a las fuentes, aquellas que se presumían perdidas pero que emergen por el encanto de sus estrellas.

La ciudad perdida es un regreso a las fuentes donde la aventura de la búsqueda del tesoro es proporcional al encanto de sus estrellas. Con una narrativa similar a películas del pasado, el film se apoya en el carisma de Bullock y Tatum, quienes parecen sentirse extremadamente cómodos con sus personajes y con el ritmo de la historia. La película no propone hacer nada diferente más que entretener con una formula ya probada. Lo logra, convirtiendo a La Ciudad Perdida en una aventura divertida.

La Ciudad Perdida sigue a la exitosa escritora de novelas románticas Loretta Sage (Sandra Bullock), una viuda que está terminando su ultimo libro antes de la gira promocional. Cansada de la temática de sus escrituras, de los flashes y atracción que atrae el modelo Alan (Channing Tatum) en la portada de sus libros, piensa poner un punto final a la saga de libros, de las que ya no cree. Sin embargo, su vida da un giro inesperado. Un multimillonario (Daniel Radcliffe) la secuestra con la clara intención de encontrar La Ciudad Perdida sobre la que escribió la autora. Enterado de la desaparición, Alan emprenderá su búsqueda. A pesar de no tener la menor idea delo que es un rescate, intentará todo para salvarla.

La Ciudad Perdida tiene una evidente inspiración en películas del pasado, como en busca de la esmeralda perdida o la Joya del Nilo (1985), aquellas recordadas aventuras en donde Michael Douglas y Kathleen Turner brillaban por sobre la propia historia. Aquí se logra algo semejante (aunque lejos está de igualarlas) con un elenco encantador que sabe explotar sus momentos y que se compensan realmente bien. En este aspecto, Bullock es el alma del film y la energía frustrada que transmite es sorprendente. La actriz se deja llevar por la trama siendo la damisela en apuros, con situaciones graciosas que sabe manejar con su buen timing característico, cada vez que está en peligro. Bullock, se siente cómoda con su personaje y con el genero de aventuras, del que debería haber incursionado hace tiempo. Pocas actrices pueden imponer su carisma en beneficio de la historia y Bullock lo logra de sobremanera.

En la misma línea se encuentra Channing Tatum. La buena química con Sandra Bullock lleva al actor a explotar su lado cómico. Si bien la historia del personaje ( es un modelo que no sabe nada de rescate) lo centra para que el actor se comporte de determinada manera, las reacciones de Tatum cumplen, con un semblante por demás divertido. Alan, no tiene habilidades de combate y no conoce ningún método de supervivencia con lo que la audiencia logrará empatizar con el personaje, gracias a la impronta de Tatum.

En referencia al villano de turno, Daniel Redcliffe (más conocido como el que interpretó a Harry Potter) se complemente bien con el elenco en cuestión pero no cuenta con el tiempo necesario para ser realmente amenazante. Párrafo aparte merece la irrupción de Brad Pitt. Su personaje tiene escaso minutos pero cuando interviene impulsa la química de Bullock y Tatum. Una verdadera estrella que no necesita de ningún halago.

La ciudad pérdida cuenta con buen ritmo y con muchas situaciones divertidas. Si bien alguna de ellas no son tan efectivas, no se detienen demasiado para dar comienza a las otras. Principalmente, la película está animada por la labor de Bullock y Tatum. Todo se desenvuelve alrededor de ellos y está bien que así sea. Tal vez se le pueda reprochar la falta de alguna secuencia de acción más ingeniosa que sobrepase los límites de esta clase de aventuras de genero.

Pero, se priorizó el humor, que nunca se siente forzado, por la buena química de sus protagonistas. Debido a eso, el film logra entretener acertando en un genero que se había olvidado. Las aventuras románticas rodeadas de peligro con un tesoro al que descubrir son siempre bienvenidas por la emoción y entretenimiento que generan. La Ciudad Perdida es una de ellas y sin ser de las mejores o de las que se recordarán en el futuro, cuenta con el encanto suficiente para mantener la expectativa hasta el final.

CURIOSIDADES

Sandra Bullock es 16 años mayor que Channing Tatum.
La escena de la silla en la carretilla fue filmada en una sola toma.
La premisa de esta película es muy similar a Tras la Esmeralda Perdida (1984).
Ryan Reynolds fue buscado originalmente para el papel principal masculino.
La Ciudad Perdida fue filmada en Republica Dominicana.
La cita latina dicha por Bullock; “Dulcius ex asperis” es latín y básicamente se traduce como “más dulce después de la victoria”.

RESUMEN

En resumidas cuentas, La Ciudad Pérdida (The Lost City) mezcla el romance, el humor y las aventuras. Es un retorno a las fuentes y si bien no inventa nada nuevo ni trasciende por su propia esencia, logra entretener la mayor parte del tiempo de ejecución gracias a un carismático elenco que entiende lo que es el arte del entretenimiento. Sandra Bullock, Channing Tatum y Brad Pitt deberían replantarse una secuela.

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05/04/202205/04/2022

MOONFALL (2022)

Roland Emmerich vuelve al genero catástrofe. Moonfall, en el afán de ser original, es absurda y desordenada con algunos momentos entretenidos. Protagonizan Halle Barry y Patrick Wilson.

Se puede decir que el director alemán Roland Emmerich es un especialista en el genero de desastres naturales. Películas como Día de la Independencia, 2012 y El día después de Mañana lo han elevado como un cineasta conocedor de la materia. Su ultimo trabajo, Moonfall, es similar a sus anteriores propuestas a pesar del fallido intento de no caer en lo reiterativo. La película de Halle Barry es un drama de ciencia ficción con un desastre natural absurdo y ridículo que irá en aumento a medida que pasen los minutos. Con un guión desordenado, por momentos logra entretener gracias a sus destacados efectos visuales.

La apertura del film comienza con tres astronautas reparando un satélite en el espacio. Mientras realizan su tarea son sorprendidos por un extraño enjambre que destruye su tecnología. De vuelta a la tierra, se culpa a Brian (Patrick Wilson) por la misión fallida y por la muerte de un compañero astronauta. Durante la explicación de los hechos, nadie le cree y es despedido de la NASA, cayendo en desgracia. Diez años después, es convocado por quien fuera su compañera en ese entonces. Jocinda (Halle Barry), ahora directora de la Nasa, descubre que la Luna ha salido de su órbita. A medida que la Luna comienza acercarse a la Tierra, destruyendo e inundando ciudades enteras, se emprende una misión para derrotar al enjambre espacial desconocido y salvar al mundo de la extinción.

Entretenimiento y originalidad son dos variantes que el cine contemporáneo no está sabiendo entrelazar para que un producto fílmico sea redondo. En este caso, Moonfall, producida y dirigida por Emmerich, pretende ser original con la explicación de su argumento, por sí absurda y ridícula, que parece no pertenecer a la película. La decisión de explicar y justificar el cambio de orbita de la Luna es increíblemente disparatada y el director la toma con una seriedad innecesaria.

El dialogo aquí, con el descubrimiento teórico de la conspiración de KC Houseman (John Bradley) es algo torpe y confusa y aunque la premisa de Moonfall es simple, la exposición absurda de sus consecuencias perjudican el campo de la acción. Haciendo una comparación con otros trabajos del director como por ejemplo Día de la Independencia ( en donde los personajes reciben muy poca información sobre el ataque de los extraterrestres), Moonfall hace todo lo contrario al brindar demasiada información sobre la luna, como para justificar la trama y preparar el escenario para una secuela.

Se evidencia una clara intención de Roland Emmerich de realizar algo distinto. Los efectos especiales (algunos sorprendentes) están acompañados con algunos toques dramáticos entre los personajes con una ola de misterio que rodean el universo. Es en este punto donde falla la película porque no tiene una replanteo posible para justificar su premisa. En definitiva, el guion absurdo termina perjudicando la película. Algo que los efectos especiales rara vez alcanzan a compensar.

En cuanto a las relaciones de los personajes, no están bien profundizadas. Tiene material sentimental para trabajar dentro de las relaciones familiares pero no las aprovecha. El guion desordenado de Moonfall, hace que lo que suceda en la tierra, con la trama secundaria que involucra a un grupo tratando de llegar a un lugar seguro, mientras son perseguidos por personajes armados, sea artificial y desinteresado en comparación con la intriga Lunar.

Dicho esto, Moonfall tiene puntos positivos en términos de entrenamiento. A los mencionados efectos especiales, que incluye la formación de un maremoto y terremotos, se destaca una hermosa cinematografía de La Tierra y del espacio. Si bien la explicación de la trama es ridícula se rescata el aporte de John Bradley. Aporta ligereza y convicción en la situación caótica , opacando con su simpatía a la pareja de astronautas protagónica. No hay duda que Roland Emmerich sabe como desenvolverse dentro del cine catástrofe, pero ello no salva a que Moonfall este a la altura de similares propuestas. Pese a ello, algunos observadores la encontrarán agradable a pesar de todo.

CURIOSIDADES

La alteración de la órbita de la luna y la caída de trozos de la luna a la Tierra es la misma trama que el comienzo de Flash Gordon.

RESUMEN

En definitiva, Moonfall divide su trama en un drama de ciencia ficción y desastre naturales. Algo que Roland Emmerich ciertamente sabe como crear, dentro de un argumento absurdo y desordenado. Pese a ello, algunos observadores la encontrarán agradable a pesar de todo.

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12/03/202213/03/2022

EL PROYECTO ADAM (2022)

El viaje en el tiempo tiene momentos familiares conmovedores pero fracasa como película de ciencia ficción. El Proyecto Adam es otra película divertida de Ryan Reynolds. Disponible en Netflix.

Ryan Reynolds es un actor carismático, no hay dudas de ello. En sus ultimas apariciones (Red Notice, Free Guy )parece haber encontrado su lugar como el actor que descontractura cualquier situación dramática o de peligro. Su impronta divertida le viene dando resultado en propuestas de aventuras o de acción con lo que es de esperar que su intervención en el Proyecto Adam diera el mismo resultado. Para bien o para mal (depende de los gustos del observador), Reynolds repite la misma formula en una historia de viajes en el tiempo, con momentos familiares conmovedores, pero sin salir de su zona de confort. Después de logra el éxito con Free Guy, el director Shawn Levy vuelve a reunirse con Reynolds en la nueva película de ciencia ficción para Netflix. Un adelanto: Acierta en su faceta divertida y familiar (con algunas escenas conmovedoras). Pero fracasa como ciencia ficción.

Reynolds interpreta a Adam Reed, un joven piloto de combate que viaja desde el año 2050 hasta el presente para evitar que se construya una maquina del tiempo. Allí, se encuentra con un niño (Walker Scobell), que resulta ser el mismo cuando tenía 12 años, que sufre la muerte de su padre y que le hace la vida un tanto difícil a su madre (Jennifer Gardner). En una misión para salvar el futuro, el viejo y el joven Adam tendrán que frustrar los planes de una incipiente empresa que en el futuro tendrá la capacidad de manejar los viajes en el tiempo y alterar el destino de la civilización.

Como se ha adelantado, el Proyecto Adam cumple acabadamente en el terreno familiar al vincular sensiblemente al viejo y joven Adam con sus padres. El núcleo emocional de la película gira en torno a los sentimientos de cada personaje en su etapa de maduración. El viejo Adam (Reynolds) siente un enojo contenido con su padre al considerar que no le ha brindado el tiempo suficiente cuando era niño. Por su parte, el joven Adam (Scobell) no ha podido superar la muerte de su padre y cataliza su enojo con algunas travesuras con su madre. Las conversaciones de ambos personajes (los dos Adams) les ayudan a ver las cosas desde perspectivas diferentes, teniendo momentos genuinos y emotivos. En este aspecto el film triunfa y deja de lado su endeble historia de ciencia ficción, que parece ser un telón de fondo para resaltar momentos que tocan el corazón.

El Proyecto Adam lo logra gracias a la buena química de sus personajes. Ryan Reynolds no tiene problemas en llevar su caracterización y el observador se sentirá familiarizado con su labor. No obstante ello, el actor brinda momentos emotivos de sinceridad emocional que sirven para moldear su personaje, más allá de su estilo divertido. Cuando interactúa con el joven Adam, es donde el film gana puntos. Reynolds tiene una química excelente con Scobell, una elección perfecta para interpretar a una versión más joven e inteligente de su personaje. Los dos se llevan muy bien entre sí y se evidencia un buen timming en la comedia como el aspecto dramático. Los restantes personajes cumplen satisfactoriamente a excepción de la villana Maya ( Kathleen Turner) que parece haber salido de una caricatura de la factoría Marvel.

Ahora bien, donde falla El Proyecto Adam es en el terreno de la ciencia ficción. El futuro apocalíptico que se intenta prevenir apenas se muestra y se funde con la búsqueda de un amor perdido en el personaje de Reynolds. Ello puede producir una desconexión con la trama general que no afecta negativamente, gracias a sus eficaces momentos divertidos y emotivos. La aeronaves de combate, la villana corporativa y los guardias que van tras la captura de los Adams no son tan sorprendentes como deberían.

Que no se malinterprete. Los efectos especiales son geniales, pero no parecen ser aprovechados en gran forma. Muestra de ello son las escenas de lucha con los malos. El personaje de Reynolds porta un sable al mejor estilo las guerras de las galaxias (sin dudas un claro guiño a la franquicia), en donde las coreografías son agradables pero menos espectaculares. Lo mismo sucede con la escena final en donde se trata de explicar la esencia de la maquina del tiempo, algo subdesarrollada por cierto. En su favor se puede argumentar que se deja de lado el término científico y su evolución catastrófica en el año 2050, en beneficio de la historia de los personajes principales.

El elenco lo completan, Mark Ruffalo (el padre de los Adams) y Zoe Saldana. Sus participaciones son bastante conmovedoras y transmiten de manera eficiente información pertinente sobre las relaciones de los personajes para que el público se involucre.

CURIOSIDADES

Adam (Ryan Reynolds) empuña un arma similar a un sable de luz para luchar, que se asemeja al sable de luz doble que empuña Darth Maul en la franquicia de Star Wars. Ryan Reynolds ha usado previamente un sable de luz como arma en Free Guy (2021), su película anterior con el director Shawn Levy. Reynolds siempre ha estado interesado en unirse a la franquicia de Star Wars.

RESUMEN

El proyecto Adam aterriza en la plataforma de Netflix. En líneas generales es la típica película familiar destinada a ser un gran éxito en la plataforma. No aporta nada nuevo ni revitaliza el genero, pero funciona bien por su ritmo rápido y momentos divertidos. Aquellos seguidores de la filmografía de Ryan Reynolds encontrarán sobrados elementos para aferrarse aquí.

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