FATHER STU (2022)

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Equilibrada hasta su línea de meta, Father Stu sube cuidadosamente escalones en la búsqueda de la fe. Con Mark Wahlberg y Mel Gibson.

La historia de un agnóstico que se convierte en sacerdote requiere de un aura espiritual que lo motive a predicar ese camino. Father Stu lo tiene, y si bien no es la historia más conmovedora, tiene un buen manejo del equilibrio entre lo que es y lo que pretende ser. Con Mark Wahlberg en el papel principal y un elenco secundario comprometido, en la que se destaca Mel Gibson, la película sube cuidadosamente escalones hasta la búsqueda de la fe.

Father Stu se basa en la historia real de Stuart Long (Wahlberg), un boxeador que se ve obligado a renunciar después de sufrir lesiones que su cuerpo ya no podía tolerar.  Stu tiene muchos problemas de ira a causa de un pasado tormentoso. La muerte de su hermano a una temprana edad y el divorcio de sus padres lo han llevado a practicar el arte de los puños por la sencilla razón de que los golpes pueden devolverse. Perdido y sin ningún tipo de creencia religiosa, se muda a Hollywood con la intención de convertirse en actor.

En el camino se enamora de Carmen (Teresa Ruiz), una maestra de escuela católica, y comienza a asistir a la iglesia.  Al principio, es solo para complacerla porque siente que ha encontrado el amor en su vida.  Pero después de un accidente de motocicleta, en la que casi pierde la vida, Stu decide convertirse en sacerdote. Para sorpresa de todos, comienza la búsqueda de la fe, con algunos obstáculos.

Hay algo en Father Stu que hace que la trama (biográfica) sea atractiva, a pesar de ser una historia basada en la fe, y es el buen equilibrio entre el drama, la comedia y su religión. Un hombre aparentemente sin rumbo y desconfiado por naturaleza emprende un camino de reencuentro e iluminación, con el solo propósito de servir a Dios, a pesar de la sorpresa de sus seres queridos. Se enfrenta a bastantes obstáculos en el camino, cosas que están destinadas a hacerlo más fuerte y solidificar su espíritu de fe. En este punto, la película lleva la narrativa con éxito, gracias a la transformación física e espiritual que va experimentado el personaje.

El film no es un viaje aleccionador, ni pretende serlo. Si bien hay una marcada línea religiosa, con base central en la búsqueda de la fe y creencia y disposición hacia Dios, nunca pierde el camino en su cometido. Que es la firme convicción de un hombre que sea ha rencontrado consigo mismo y ser útil en una sociedad, que reclama espiritualidad. En este aspecto, se evidencia un buen trabajo de Mark Wahlberg. El actor, en línea con la narrativa, logra equilibrar la ira y vulnerabilidad hacia la transformación en sacerdote. El rasgo acertado es que nunca pierde su verdadera esencia, Wahlberg transforma la espiritualidad del padre Stu, sin perder la cáscara de su personaje.

Ahora, en el momento que se convierte en un hombre de Dios, despojándose de sus viejos hábitos, la trama toma algunos atajos que le quitan al film cierta impronta de solemnidad. La aparición de la virgen María en el momento posterior al accidente en motocicleta pone en orbita nuestros sentidos pero queda la sensación de que podría haber sido más emotivo, sintiéndose así una oportunidad perdida. No obstante ello, podría haberse dedicado más tiempo en el convencimiento de su transformación, no así en los obstáculos para lograrlo.

Father Stu, cuenta con un elenco secundario comprometido. Desde la madre preocupada hasta su ex-prometida (Teresa Ruíz) , representan el encanto necesario a pesar de que sus personajes son empujados de un extremo a otro. Pero, es el aporte de Gibson lo que impulsa el mensaje final de la película, que no es otra que merecer una segunda oportunidad. Gibson, religioso devoto, muestra un semblante comprometido y convence cada vez que entra en escena. Si bien la construcción de un hombre alcohólico y alejado de su familia no es algo que demande tanto esfuerzo en el famoso actor, son sus instancias finales las aporta su brillo, en la que Gibson habla con su rostro.

CURIOSIDADES

  • Mark Wahlberg terminó financiando el proyecto él mismo después de que varios estudios lo rechazaran.
  • Mark Wahlberg cesó su famoso régimen de entrenamiento y deliberadamente ganó una cantidad significativa de peso para este papel.
  • La actriz Annet Mahendru, que interpreta a la virgen María (en una visión), es la nuera de Mel Gibson.

RESUMEN

En definitiva Father Stu tiene algo de comedia en su búsqueda dramática de la fe. No es tan conmovedora e inspiradora, pero cumple con sus claros objetivos. Con un elenco secundario comprometido, Mark Wahlberg logra equilibrar la ira y sus desencantos hacia el sacerdocio.

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LA BATALLA DE KAMDESH (2020)

critica la batalla de kamdesh

Sin ser demasiado vistosa, tiene todo lo que se puede esperar de un genero al que representa. La Batalla de Kamdesh ofrece intensas secuencias de combate. Pero, tiene un defecto, no visualiza la cara del enemigo. Disponible en Netflix.

La Batalla de Kamdesh cuenta la historia de un grupo de soldados estadounidenses en un puesto de batalla cerca de la ciudad de Kamdesh, Afganistán. La película adapta la novela de un corresponsal de la CNN y jefe de prensa del gobierno norteamericano, y refleja la pésima estrategia militar en territorio enemigo. Con soldados estadounidenses resistiendo los ataques sorpresas de los talibanes, el film pone énfasis en el valor y resistencia de aquellos combatientes que atravesaron una odiosa para sobrevivir. La Batalla de Kamdesh (The Outpost), ofrece intensas secuencias de batalla frente a un enemigo referencial pero que se se torna casi invisible para la audiencia.

La película comienza explicando como en el año 2006 el ejercito de los Estados Unidos planificó puntos estratégicos para evitar que los talibanes pudieran recibir armas o cualquier clase de suministros. Es así que uno de los puestos militares fue la base de Keating, en la que se nutre la historia y la que representa una de las batallas más temerarias cerca de Afganistán. La base militar le permitía a los estadounidenses comunicarse con los lugareños, evitando el trafico de armas del enemigo. Pero, está en el centro y rodeado de montañas, lo que lo hace un blanco fácil de posibles ataques. Muchos soldados eran enviado allí, aceptando que probablemente no saldrían con vida, por la ubicación de la base de operaciones. A partir de aquí, un nuevo grupo de combatientes americanos desembarcan para lo que será el principio de la supervivencia.

La película va contando la historia por capítulos, que representan el desembarco de un nuevo capitán en la base de operaciones estadounidense. Con la presentación de un nuevo líder, los soldados van cumpliendo nuevas directivas que en su conjunto equivale a defender eficazmente la instalación. En su primera mitad, la narrativa se toma el tiempo necesario para introducir los personajes, su camaradería y sus temores a sabiendas que son vulnerables ante un potencial ataque. En este punto, se hace un recorrido de las instalaciones y se pone un cierta énfasis en la pésima decisión estratégica de mantener una base, a todas luces, vulnerable.

Mientras los soldados frecuentan conversiones informales son sorprendidos por ráfagas de disparos que llegan desde las alturas de las montañas. Esto coloca al observador en una posición de primera fila cuando el ataque talibán decide atacar la base desde todos sus frentes. Pero, si bien la película se encarga de exhibir la supervivencia y el valor de los soldados en combate, descuida la línea enemiga. Algo que podría entenderse, dado la incertidumbre que genera la situación pero que se torna demasiado confusa por los constantes disparos y explosiones que se generan alrededor.

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Esta apreciación personal no es un reproche. Es una forma subjetiva de apreciar una batalla, donde particularmente se considera más apropiado enfocar ambos frentes. En este aspecto, la cámara se focaliza en los movimientos constantes de los soldados estadounidenses y sus posiciones de combate. Y, si bien sirve para reflejar tensión y nerviosismo se espera que la devolución de los disparos llegan a línea enemigas, algo que pocas veces sucede. Con lo cual la batalla se transforma en un campo de supervivencia, luchando los soldados por sus vidas.

Scott Eastwood representa al sargento Clint Romesha y es la única cara conocida aquí, junto a Orlando Bloom, dentro de varios personajes que se individualizan con un subtitulado. Hay una clara intención de valorar el coraje de los soldados pero ninguno de ellos tiene la profundidad necesaria. No es hasta llegado el final, cuando se aprovecha algún costado vulnerable de aquellos. Sea como fuere, el film aboca su segunda mitad a las escenas de acción dentro de la base militar. En este punto, las secuencias tienen el impacto deseado pero no son vistosas. Logran la atmosfera bélica en relación a la incertidumbre que genera la vivencia de los soldados, quedando en deuda la cara visible del enemigo.

CURIOSIDADES

  • Varios soldados en la película fueron interpretados por soldados reales.
  • Scott Eastwood nunca conoció a Clint Romesha, el sargento del Estado Mayor que interpreta. Aunque se las arregló para discutir extensamente su papel en una conversación telefónica.

RESUMEN

En definitiva, La Batalla de Kamdesh (The Outpost) sumerge a los espectadores en la intensidad e incertidumbre del combate. Si bien el enfoque capta con precisión la ubicación de la base y la acción explosiva, se olvida del campo enemigo. Al margen de ello, es una historia bien filmada que honra a los soldados que sirvieron en la base de keating.

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EL VALET (2022)

critica el valet

Con un elenco encantador y una historia que fluye sin altibajos, El Valet es una reconfortante pieza visual a tener en cuenta. Disponible en Star+.

En el genero de la comedia, trabajar sobre dos personas con personalidades diferentes puede resultar familiar. Pero El Valet tiene mucho para ofrecer gracias a un guion dulce que potencia el humor, sin antes rescatar los valores familiares. Ayuda que los dos protagonistas sean encantadores, lo que facilita que en muchos aspectos la historia fluya sin altibajos. Eugenio Derbez y Samara Weaving llevan adelante una reconfortante pieza visual que no se debería dejar pasar.

La historia sigue a Antonio (Derbez), un aparcacoches del centro más pudiente de Los Ángeles que se encuentra atravesando una crisis matrimonial. Sus días de separación no son los esperados, se entera que su esposa está saliendo con alguien, mientras vive con su lujuriosa madre y con escaso dinero. Un día choca con su bicicleta un automóvil en el cual se estaba subiendo Olivia (Weaving), una famosa actriz cuya imagen se encuentra en todos los carteles publicitarios de la ciudad. Los dos no tienen nada en común, solo los vincula un hecho fortuito, atento que Antonio se transforma en un novio falso para ocultar la aventura de Olivia con un multimillonario casado. Mientras cumplen lo pactado, ambos se darán cuenta que tienen mucho que aprender sobre la vida del otro.

La premisa de la película atrapa desde su sencillez construyendo una relación central adornada con pequeñas tramas secundarias. El Valet se hace fuerte en la relación de Antonio y Olivia, como personas. Su inesperado vínculo tocará las fibras más sensibles de la audiencia, atento que ambos tienen una historia para contar dentro de sus vidas desiguales. En este punto, se evidencia un claro equilibrio entre los interpretes en donde la intervención de uno es el inicio para el lucimiento del otro. Samara Weaving irrumpe la pantalla con su belleza escénica pero es la descontracturación de la actriz y su soledad lo que la hace fascinante.

El mundo del espectáculo, aunque bello y pudiente muestra algunas capas de miseria que el dinero no puede suplantar. Y aquí es donde emerge la figura de Antonio. Eugenio Derbez es el corazón de la película al afrontar diferentes situaciones de drama y comedia, en los cuales el actor se desenvuelve de manera sobresaliente. Si bien el guion le da suficientes sensaciones para que el que trabajar, es el carisma y el aporte genuino de Derbez lo que hace que el film sea un triunfo. La resolución de las diferentes situaciones que atraviesa su personaje marcan una línea dramática empapada con un humor elegante y familiar. Derbez se luce en una de las escenas finales del film con un discurso conmovedor que puede incitar aplausos en la audiencia.

El elenco secundario funciona realmente bien como soporte complementario. Desde los amigos de Antonio hasta su lujuriosa y simpática madre, la narrativa les otorga líneas de humor genuino que harán sacar algunas risas. En este aspecto, El Valet reconoce las diferencias de clase alta de la sociedad norteamericana con la comunidad inmigrante a la cual Antonio pertenece, pero no profundiza en los problemas raciales. Los integra de una manera matizada y sutil, con algunos comportamientos éticos que el dinero no paga.

Ahora, El Valet cuenta con algunas subtramas que no tiene un desarrollo completo Desde los detectives que se esfuerzan en la tarea de vigilancia hasta el peligro de desaparición del vecindario en el que vive Antonio, sirven para enriquecer a la historia pero tiene un tratamiento reducido. En esencia, la película brilla cuando Olivia y Antonio se desenvuelven en el mundo de las apariencias y en su descubrimiento. La relación de la pareja se lleva el foco de atención por tiempo completo y su resolución satisface de diferentes puntos de vista.

RESUMEN

En definitiva, El Valet es un digno entretenimiento que no se debería dejar pasar. Con un elenco encantador y un reparto secundario eficiente, el film es un éxito en la exploración de los valores de la familia y la amistad.

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EL HOMBRE DEL NORTE (2022)

La historia de venganza es cruel y violenta, pero no llega a elevarse como épica. El Hombre del Norte (The Northman) se nutre de la mitología nórdica y lo aplica en el campo de batalla.

El hombre del norte cuenta con varios recursos cinematográficos bien definidos y en sintonía con el viaje del protagonista. Es cruel, sangrienta y mística, empapada en una furia salvaje que representa una historia de venganza. Un hijo que busca el responsable de la muerte de su padre se ha contado en numerosas ocasiones, El Hombre del Norte se inspira de lo que ya hemos visto teniendo como guía la mitología nórdica que inspiró a Hamlet de William Shakespeare. Esta es una historia de venganza, cruel y violenta pero que no llega a elevarse como épica.

La historia se abre con el Rey Aurvandil (Ethan Hawke) que esta de regreso en sus tierras luego de la victoria contra un enemigo. Visiblemente herido, considera que es momento que su hijo vaya adoptando el camino del hombre. Por lo que lleva al joven Amleth a un especie de entrenamiento en el que intervine un sacerdote. Las cosas comienzan a cambiar cuando el rey es atacado y asesinado por su hermano, quien tiene claras intenciones de quedarse con su reino. La ejecución se produce frente a los ojos de Amleth, quién logra escapar sin antes observar como su madre, la reina Gudrún (Nicole Kidman) es capturada. Años más tarde, un adulto Amleth ( Alexander Skarsgard) busca vengar a su padre y rescatar a su madre, sumergiéndose en un viaje brutal y sangriento para recuperar el honor y la vida robada.

El hombre del norte abraza el concepto de venganza dentro de un trayecto simple, oscuro y sangriento. Se bien el cineasta Robert Eggers da muestra de un uso interesante de la mitología nórdica, con imágenes desconcertantes como sorprendentes, dentro de una impactante cinematografía, lo cierto es que en la superficie se sabe muy poco del personaje que solo busca consumar el juramento de venganza. Que no se malinterprete, el film da muestras de una calidad palpable en las texturas de las imágenes; los personajes y los escenarios tienen el grado de suciedad que representan los enfrentamientos sangrientos y hay una clara intención en que así sea.

Pero mientras la estética visual y su confusa y sorprendente misticismo potencian la trama, se sabe muy poco de Amleth luego del asesinato de su padre. La historia lo lleva inmediatamente al adulto guerrero que fue entrenado por los Berserkers, un grupo violento que disfrazados como lobos ataca una aldea y mata a todos sus habitantes. Si bien esta secuencia es lo mejor del film, en donde se muestra la impactante toma de la aldea, con una banda sonora acorde a los movimientos sangrientos de los invasores, es difícil encontrar en el hombre del norte un personaje matizado, atento que su única acción no es más que llevar a cabo el asesinato de su padre.

Es decir, con todo el misticismo que se le imprime al film, con brujos y magos anticipando su destino, con frases interesantes como rebuscadas, la obviedad nunca se esconde de su narrativa. En este aspecto, hay una clara inspiración en la película que hizo famoso a Arnold Schwarzenegger, en Conan “el bárbaro”.

Alexander Skarsgård interpretar a Amleth como una bestia que busca a su presa.  Vive para consumar su venganza observando a su tío, Fjölnir, con una mirada intensa que perdura y nunca muere.  El actor se muestra comprometido en el papel, aunque podría haber hecho algo más en su faceta dramática. Nicole Kidman como la reina Gudrún tiene un par de momentos que permiten que su personaje tome el brillo necesario y Kidman los interpreta excepcionalmente bien. 

El film tiene lugar para el romance, que no logra el impulso necesario por la persistencia de su misión principal. En este aspecto la historia de amor con Olga (Anya Taylor-Joy,) se siente desaprovechada. Con todo lo dicho, El Hombre del Norte tiene una puesta en escena sorprendente pero no aprovecha todo su potencial. Su ritmo es un tanto desigual y es probable que el observador sienta su tiempo de ejecución ( 2 horas y 17 minutos).

CURIOSIDADES

  • Después de terminar el rodaje, varios de los actores recibieron obsequios del set. Nicoel Kidman recibió una espada.  Willem Dafoe recibió un barco (drakkar) de la vida real.  Alexander Skarsgard recibió la tanga manchada de sangre que usó durante una semana mientras filmaba la escena final de la película, en un marco.
  • La película tiene lugar en un área que incluye la actual Escocia, Ucrania e Islandia.
  • En un principio, Eggers quería que algunos de los berserkers estuvieran completamente desnudos. No lo hizo porque temía que sería demasiado para la audiencia y le daría a la película una restricción de edad demasiado alta.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El Hombre del Norte (The Northman) es una película hostil y brutal que desencadena la furia salvaje de un guerrero en busca de venganza. La falta de profundidad en la historia, impide que el film alcance todo su potencial.

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EL ARMA DEL ENGAÑO (2022)

critica el arma del engaño

El drama de guerra es sutilmente entretenido gracias a su comprometido elenco británico. El arma del engaño (Operation Mincemeat) se encuentra disponible en Netflix. Con Colin Firth y Jason Isaacs.

En una típica película de la segunda guerra mundial los enfrentamientos bélicos se exaltan con largas batallas, locaciones destruidas y recuentos de sobrevivientes. Nada de eso se encontrará en el Arma del Engaño. Un film que pretende contar una historia de espías espiados en una guerra silenciosa y oscura, donde la mentira es la principal arma del engaño. Con un elenco británico comprometido dentro de una trama “adulta”, el drama de guerra es sutilmente entretenido.

Basada en una genuina historia militar de la Segunda Guerra Mundial,  Operación Carne Picada (Operation Mincemeat ) cuenta la historia de cómo la inteligencia militar británica convenció a la Alemania nazi de que los aliados planeaban invadir Grecia en lugar de Sicilia. Para ello dieron forma a una mentira cargando un cadáver con documentos falsos para luego tirarlo cerca de las costas españolas, donde la información y su descreimiento es la batalla de los espías.

Los dos encargados de liderar el plan son Ewen Montagu (Colin Firth), un oficial naval que acepta la asignación después de que su esposa e hijos huyen a Estados Unidos, y Charles Cholmondeley (Matthew Macfadyen), un soltero solitario que le ha prometido a su madre la búsqueda de su hermano caído en la guerra.  Mientras el primer ministro británico (Winston Churchill) elabora una estrategia de ataque en tierras italianas; los nombrados y su equipo de inteligencia deberán elaborar una mentira estratégica. Aquella que pueda confundir la realidad con la ficción.

El film cuenta con un elenco británico lo suficientemente creíble como para que la historia militar cuente con las bases de autenticidad deseadas. Dicen que las historias la cuentan los que ganan y no es motivo cuestionar aquí ningún hecho supuestamente verídico. Pero la cuestión es que la trama se enfoca en una operación estratégica, cuyo único fin es engañar a los servicios de contrainteligencia de la Alemania nazi. El enfoque elegante y adulto que adopta la película es en sí meritorio. Lo mismo los diálogos de los personajes. Tienen buen ritmo y mantienen a la audiencia entretenida con una hipótesis de engaño bien definida.

Ahora, el film se sumerge en un mundo de espías del cual no puede sobresalir. Hay una trama secundaria sobre un posible traidor entre ellos, pero se siente algo descuidada. Lo mismo sucede cuando la historia se traslada a España. En este aspecto el juego de espías no tiene el impulso necesario para definir la línea de meta de la historia. Esto que podría ser fatal en otra propuesta. No lo es en el arma del engaño por el compromiso de un elenco que está a la altura de las expectativas.

Mientras se definen los puntos centrales de ejecución de la Operación “carne picada”, hay un relación platónica entre los integrantes de la organización que se siente lo suficientemente convincente para acompañarlos. Los horrores de la guerra y lejanía de los seres queridos intuye a pensar que la vida se muestra en la mirada del otro. Al margen de aquel comportamiento, sutilmente manejado por los interpretes, el guión se encarga de centrar las conducta de los personajes en su mundo real y el mensaje, mitad esperanzador, mitad desgarrador, es un acierto.

Se habla mucho de que todos en la comunidad de inteligencia escriben o quieren escribir una novela de espías, lo que rima muy bien con la operación en sí, que consiste en construir una vida ficticia para el cadáver que forma parte de la Operación.  Ahora, lo que le quita cierta solvencia a la trama son los guiños a las novelas de espías Ian Fleming, siendo James Bond su personaje emblemático.

En un secuencia del film, Fleming agarra un reloj que tiene una cierra circular, que gira a toda velocidad. La audiencia sabrá que es un guiño a las películas de Bond y si bien Fleming era un oficial de inteligencia distraído, su displicente semblante hace que la misión pierda algo de realismo. Al margen de ello, la visión romántica de los personajes y la historia en general (no, las escenas de espías) hace que el film tenga su cuota de entretenimiento.

CURIOSIDADES

  • Se ha dicho que Ian Fleming fue el autor de esta operación. La operación se detalló y se le dio crédito a Fleming en la miniserie de televisión Fleming (2014).
  • La identidad del hombre fallecido no se reveló hasta 1998. Solo entonces se dijo la verdad de que Michael murió sin ningún pariente vivo que le diera permiso.  La lápida tallada en su lugar de entierro en España originalmente hacía referencia al nombre de su supuesto padre como “John Glyndwyr Martin” y a su madre como “Antonia Martin”.  Después de que todo finalmente se hizo público, a la lápida se le agregaron las palabras: “Glyndwr Michael se desempeñó como comandante William Martin, RM”.
  • La Operación Mincemeat fue una apuesta masiva por parte de la inteligencia naval británica. Incluso mucho después de que se supiera que la red de espionaje alemana había caído en la trampa.  Un oficial nazi de alto rango, que se cree que es Heinrich Himmler, supuestamente le dijo a Adolf Hitler que tenía la sensación de que era un engaño, pero sus preocupaciones fueron descartadas.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El arma del engaño centra su narrativa en una operación que cambio el curso de la guerra. La intencionalidad romántica de los personajes es un acierto y es llevada con total sutileza, gracias al convincente aporte de sus protagonistas. Como reproche, se puede decir que el film está lejos de ser un thriller de espías.

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365 DIAS: Aquel día (2022)

365 días: aquel día: final explicado

La secuela de 365 días ofrece más de lo mismo dentro de su vacía narrativa. Hace alarde de sus excesivos y atrevidos montajes sexuales y paga un precio muy alto: se tornan risibles. Disponible en Netflix.

En los tiempos modernos se evidencia una animosidad cinematográfica de ir más allá de lo imaginable. La audiencia parece demandar constantemente algo nuevo, algo que la sorprenda; que lo saque de su zona de confort y que haga vibrar sus sentimientos. Y parece que hay propuestas que están dispuestas a intentar contemplar aquellas supuestas peticiones. Las películas de suspenso erótico se han convertido en un entretenimiento masivo al confrontar los límites de la censura, con representaciones de sexo que exaltan y justifican diversas formas de control y dominación.

Ir más allá de lo permitido parece ser el camino del éxito y 365días lo explota con escenas sexuales que ocupan el ochenta porciento del tiempo de ejecución. El error no es aquel exceso. Es no saber contar una historia que transmita el erotismo que trata de representar. Así, la secuela de 365 ofrece más de lo mismo y al hacerlo perjudica su propia fantasía.

La primera parte de 365 días abordaba prácticamente un secuestro y la trama en resumidas cuentas era prácticamente así; una ejecutiva (Laura) de Varsovia es secuestrada por Massimo, un jefe de la mafia italiana, quién le da un año para enamorarse de él. En la secuela, Laura y Massimo están felizmente casados. Laura perdió a su bebé por nacer en el accidente durante el clímax de la primera película, lo mantiene en secreto de su nuevo esposo, quien, también no sabe que estaba embarazada. Su única confidente es su mejor amiga Olga, quién la acompaña en la nueva vida de lujos de la cual parece aburrirse. Una noche en una fiesta, Laura es testigo de una infidelidad y decide abandonar a Massimo. Desencantada, encuentra consuelo en lo brazos de un apuesto jardinero, mientras su esposo inicia su búsqueda.

365 fue controvertida y muy criticada porque se consideró como una glorificación del abuso. Parece ser que la vida lujosa de Massimo y su bella apariencia justificaban un delito tan aberrante como es el secuestro. Si bien es cierto los reproches, la historia tenía algo de sustancia dentro de su propia fantasía. La secuela tiene una escritura que puede catalogarse como espantosa. En esta segunda parte se trata de abordar los aspectos de su anterior premisa al entender que fue Laura quien decidió apostar en la relación.

Este cambio de actitud viene con la faceta, en principio, dominante de Laura. Ahora ella le reprocha las ordenes a Massimo, haciéndole saber que quiere tener una vida independiente a la de su esposo. No quiere ser una simple ama de casa y desea desafíos. Aquel accede obviamente y se somete a los juegos sexuales de Laura. En las escenas sexuales, que comprenden el 80 % del tiempo de ejecución, ella asume el control. Evidenciando que ya no es la prisionera de Massimo, sino su esposa.

Se puede decir que esta “corrección narrativa” va en perjuicio de la película en términos de entretenimiento. Los montajes sexuales, acompañados por diferentes clases de música pop, aunque atrevidos, son excesivos. Llegado un punto, la constante muestra de pasión de los personajes se vuele un tanto risible. No por lo que están haciendo, sino por la repetición de lo mismo. Llegado el momento el observador se preguntará si hay algo más para contar pero los realizadores no tienen respuesta para ello. Entonces, al festival de sexo, compras, cenas, paisajes y autos lujosos, aquí hay alrededor de 15 minutos de trama.

La irrupción de un tercer personaje que pone en jaque a la pareja resulta ser un despropósito. Al comienzo del film, Nacho, un apuesto jardinero, entra en escena para “consolar” a Laura. Pretende funcionar como un triangulo amoroso pero no cuenta con las herramientas actorales para lograrlo. Massimo y Nacho son apuestos, no hay dudas de ello y deben haber sido elegidos en función de lo bien que se ven en medio de un acto sexual simulado. Pero el estándar de actuación es increíblemente malo. Ninguno de los dos aporta credibilidad en las pocas situaciones dramáticas que tiene la película. Más, Massimo ( Michele Morrone) que no puede dar muestra de carácter cuando no está desnudo en escena.

El film cuenta con un giro revelador que no trasciende porque el guion no le da el tiempo necesario de maduración. Cuando llega, se torna ridículo y artificial perdiendo cualquier tipo de sorpresa. Pero a esta altura no creo que ello importe demasiado. Entre tanto montaje de sexo, paisajes y bellos autos , 365 días parece ser un videoclip para adultos con el agravante que es repetitivo y un tanto risible.

RESUMEN

En definitiva, 365 Días: Aquel día fracasa como secuela. Con una escritura y actuación que podría describirse como espantosa, el film se olvida completamente de su propia fantasía. En su lugar, se repiten hasta el hartazgo montajes sexuales, paseos en lujosos autos y muestras de bellos paisajes. Aquí, hay alrededor de 15 minutos de trama. Diálogos que se interrumpen constantemente con música pop y nada más.

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PUNTO DE INFLEXION (2021)

critica punto de inflexión

El drama criminal italiano es algo predecible, simple y trágico. Pese a ello, brilla por la excelente química de sus protagonistas. Disponible en Netflix.

Resulta extraño resistir un planteo amigable entre un perpetrador y un simple estudiante que solo busca definir su camino. Pero la película italiana lo logra gracias a la química de sus protagonistas. Con ella, la trama se va tornado entrañable hasta su cambio de genero. Punto de Inflexión es predecible, simple y trágica pero tales concepto le sientan bien dentro de su narrativa. Un pequeño logro cinematográfico que mantiene el interés durante todo su tiempo de ejecución.

La historia se abre con Ludovico (Brando Pacitto), un estudiante de economía deprimido y con muy baja autoestima. El tiene un departamento bastante agradable pero no se ocupa mucho de ello. Su padre lo reprende por su poca eficacia en los exámenes y lo acusa de perder su oportunidad en la universidad, mientras dibuja comics, su verdadera pasión oculta. Hay un razón en el comportamiento de Ludovico que no es una vagancia percibida. Lidia con una depresión de un año, es inseguro, retraído y con ataques de ansiedad. Su comportamiento antisocial le impide acercarse a su vecina, mientras observa de lejos como se pelea con su novio.

En otra lugar, Jack ( (Andrea Lattanzi) roba una considerable suma de dinero y escapa de un jefe de la mafia local. La circunstancia hace que busque refugio en el complejo de departamentos en la que esta Ludovico. Mientras este saca la basura, Jack lo sorprende y lo toma como rehén en su departamento. Sin un plan de salida, los dos tendrán que tolerarse mientras miembros de la mafia local acechan los alrededores. No pasará mucho tiempo para que ambos se encariñen y entablen una profunda amistad.

El punto de inflexión, pero ¿por qué?

La película parte de una premisa cuestionable. Resulta extraño que cualquier mortal simpatice con un ladrón, a punto tal de volverse amigos, cuando inclusive te apunte con su pistola en la cabeza. Pero Punto de Inflexión trata de vincular sus personajes a través de sus contrastes. El argumento le da seriedad al problema de Ludovico, lo trata sutilmente y la da la posibilidad al interprete para su lucimiento. Ludovico es tímido y reprimido pero tiene un gran talento para los comics. Su gran temor es comunicar a su padre su gran pasión en vez de seguir estudiando la carrera de economía. Cuando surge el ladrón Jack y lo obliga a confinarse emerge un vínculo fraternal entre ambos lo suficientemente convincente para acompañarlos en la relación.

La trama tiene momentos emocionales predecibles y simples pero genuinos. La pérdida de confianza en uno mismo y su “volver a creer” están presentes en el rostro y en la sensibilidad de Ludovico. El film hace que la audiencia empatice con él en todo momento, mientras Jack lo impulsa a cumplir sus sueños. Es una relación que nace de la violencia, es cierto, pero aquí se impulsa en la ayuda mutua con un grado de sensibilidad notable.

El trasfondo criminal es otro punto a favor. La mafia local constituye un elemento de violencia que contrasta la incipiente relación fraternal de Jack y Ludovico. Dicho esto, el film se encarga generar crudeza en las escenas, con secuencias dignas de una película de gánster. Son duras, sangrientas y logran el impacto deseado. El jefe de la mafia como sus secuaces representan los clásicos estereotipos del crimen organizado donde un error se paga con la muerte. Resulta pintoresco, más allá de la violencia que escenifican, los diálogos como las actitudes que llevan a cabo los miembros de la organización mafiosa, demostrando que el cine italiano, como sus interpretes, si quieren, pueden volver a transitar tranquilamente el genero gansteril. En el contexto de la historia, la irrupción de la mafia funciona.

Ahora bien, el final de la película tampoco puede ser ignorado. Hay algo de Quentin Tarantino aquí y logra convencer con un giro inesperado. Con todo, Punto de Inflexión cultiva buena voluntad entre los personajes con un peligro latente del que ambos tendrán que salir. Es simple y algo predecible, pero vale la pena.

RESUMEN

En definitiva, Punto de Inflexión (La Svolta) parte de una historia simple que cultiva la buena voluntad entre los personajes. Sus efectivas dosis de violencia y su fuerte final contrasta aquellas emociones bien ganadas dentro de la cultura de su historia.

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INFINITE STORM (2022)

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Naomi Watts en un drama de supervivencia mal ejecutado que no aprovecha su fuerte carga emocional. Infinite Storm, es un viaje simple y adormecedor.

Llevar a la pantalla una historia real basada en el heroísmo, la supervivencia y la fuerza de voluntad ante los golpes de la vida es una buena oportunidad para demostrar el talento, delante y detrás de cámara. Infinite Storm, cuenta con la siempre creíble Noami Watts. Pero el film no aprovecha todo su talento dramático, mientras la actriz camina por un terreno escarpado y nevoso durante un tiempo de ejecución excesivamente extenso. Con una cinematografía simple (como su trama) la película es un drama de supervivencia mal ejecutado que no cumple con su fuerte carga emocional, olvidándose por completo de los cinéfilos.

La historia sigue a Pam Bates (Noami Watts), una escaladora de montaña que ha sufrido una tragedia personal. A un año de aquel acontecimiento, emprende un camino hacia la cúspide de una montaña. Sin embargo, antes de que llegue a la cumbre, una gran tormenta de nieve la obliga a volver hacia abajo. En su retiro, observa huellas de zapatillas que la inducen a seguir los rastros de un hombre (John) a punto de congelarse que se encuentra allí por motivos desconocidos. Usando sus habilidades de rescatista, Pam y John deberán bajar antes de que la tormenta los mate a ambos.

Infinite Storm cuenta con una gran historia central sobre la resistencia y como debemos sobrellevar los trágicos momentos cuando se pierden seres queridos. Pero, el reproche aquí no es exigir una aventura trepidante y heroica (el film no los tiene). Sino hacer sentir momentos de tensión y emoción de estar viendo lo que intentan transmitir los personajes. Que no se malinterprete. La protagonista sufre una tragedia familiar y ello la impulsa a seguir adelante. Aquel momento desgarrador está latente pero no es bien manejado en la trama a causa de flashbacks intermitentes que aíslan la secuencia por completo. Ello produce una falta de conexión cuando la rescatista emprende el viaje y hace frente a la tormenta.

Con lo dicho, el film fracasa porque fue estipulado para transmitir su fuerte carga emocional, que se arruina por su deficiente ejecución. El mensaje poético del film sobre cómo un horrible evento de vida terminó salvando a otro no llega a sobrecargar el nivel de emoción requerido, luego de haber transitado una hora y treinta y ocho minutos de ejecución. Otro punto negativo es el enfoque de la acción. Se entiende que es un film dramático e independiente. Pero la acción no es realista ni tiene el peso necesario para trascender. Lo compensa el sonido. El diseño de sonido juega un papel importante, ya sea por la falta de él o por las pocas instancias en las que suena música.

Watts se encuentra en buena forma física pero los planos de la actriz caminando por la nieve no están bien rodados. Por momentos parece un documental. La lentitud con la que se va desarrollando la historia dentro de una cinematografía amateur (véase los planos frontales de la actriz ) me hizo pensar los peligros que puede llegar a generar un viaje de rescate de esa magnitud. Lo cierto es que en Infinite Storm hay una falta clara de urgencia en la caminata por la montaña. Las vidas están en juego y el rescatado tiene los pies congelados, lo que debería ser una aventura sin respiro.

Pero, como se dijo, la película se enfoca más en representar el espíritu humano y esta bien que así sea. El tema es que su mensaje se pierde a largo de todo el metraje. Cuando lo retoma, en su conclusión final, no tiene la suficiente fuerza emocional producto del viaje simple y aburrido.

RESUMEN

En definitiva, Infinite Storm tiene una buena historia para contar que no ha sido bien ejecutada. Desaprovecha el talento de Noami Watts como su fuerte carga dramática y no hace nada por los cinéfilos. Estos últimos, necesitan algo que les haga sentir que están viviendo el momento junto con los personajes.

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EL SASTRE DE LA MAFIA (2022)

El Sastre de la mafia: fina explicado

El thriller criminal de los años 50 merece un vistazo por su historia y su excelente protagonista. En el Sastre de la Mafia, Mark Rylance brilla en un papel hecho a su medida.

El Sastre de la Mafia pertenece al grupo de películas en vías de extinción atento que la trama criminal se desarrolla en un solo escenario. Como si fuese una obra de teatro, los interpretes van dando muestras de carácter en una trama que permite tales atribuciones y en las que el protagonista principal las aprovecha. Mark Rylance, conocido por ganar un Oscar en el film puente de espías, brilla en un papel hecho a su medida.

Ambientada en 1956, la historia sigue a un modisto llamado Leonard (Mark Rylance). En su tienda de negocios tiene como clientes a gánsteres de la ciudad de Chicago. Estos, no solo aprovechan el talento de Leonard en la confección de elegantes trajes sino también utilizan el negocio como una fachada criminal. Leonard, y su asistente, permiten el acceso del personal de la mafia para cuestiones de mensajería pero desconocen los entramados de fondo. Un día, dos jóvenes gánsteres irrumpen la tienda debido a que este último recibe un disparo en una emboscada. Lo que suceda en las próximas horas, incluida la revelación de una cinta que induce a descubrir un espía en la banda, llevará a Leonard y a los criminales involucrados al límite.

El sastre de la Mafia logra algo sorprendente y es mantener la atención del observador en todo momento. Su hora y 45 minutos de duración puede ser excesiva para una película que se desarrolla en una sola locación, pero el argumento, el elenco y su brillante protagonista hace que el tiempo se lleve de una manera reconfortante. Señores, El Sastre de la Mafia demuestra que lo importante no es el la duración ni la escenografía (de excelente diseño, por cierto) sino su calidad. El film cuenta con un ritmo informal lo suficientemente ameno para sentarse a disfrutarlo. Es una historia bien contada, casi pasada de moda, que explota los monólogos de sus protagonistas como si fuese una obra de teatro.

La película cuenta con un sólido elenco pero es Mark Rylance (Leonard) la que lo hace recomendable. La película está diseñada específicamente para adaptarse al actor mientras su personaje navega en una noche peligrosa con gánsteres. Los diálogos , los silencios y las miradas, ante un acontecimiento no deseado, son realizados magistralmente por el actor británico, quién compone un personaje atractivo como enigmático. Durante la noche y en su negocio, los gánsteres interactúan con el modisto, mientras la audiencia lo examina. Rylance se favorece de un pequeño elenco y de una historia de un solo escenario pero en las espaldas del actor descansa la calidad del la película.

Dicho esto, el sastre de la mafia no es la típica película de gánster. Aquí no hay asesinatos ha investigar ni acción que caracteriza al genero. Es una historia de un hombre (Leonard) que trata de sobrevivir la noche. Con su comportamiento en examen, Rylance pone lo mejor de sí dentro de una elegante tienda de trajes de los años 50. A medida que avance el metraje el sastre (que le gusta que le digan modisto) va aflorando conductas que habrá que descifrar. Todo desarrollado en una sola locación, con un diseño de producción bien confeccionado y un elenco que aprovecha la calidad de su argumento. No es necesario agregar nada más para no entorpecer los giros de una trama que merece la pena investigar.

RESUMEN

En definitiva, El Sastre de la Mafia (The Outfit) es un thriller bien elaborado que hace un buen uso de su escenario con un excelente protagonista. Mark Rylance compone un personaje enigmático que la audiencia tendrá que descifrar. Los fanáticos de las películas pasada de moda (terminología bien intencionada) disfrutarán y aplaudirán la película.

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BATTLE: Estilo Libre (2022)

80% Drama, 20 % Baile. Battle: Estilo Libre, ahonda en un drama familiar poco convincente y se olvida de sus pasos de baile. Disponible en Netflix.

Battle Freestyle Ending Explained Amalie, a hip-hop dancer

Siendo honesto, el avance de Battle: Estilo Libre me llamó la atención. Gente demostrando habilidades en el baile moviendo su cuerpo como si fuesen contorsionistas me hacía pensar que iba a presenciar un espectáculo coreográfico a todo ritmo. Mi nula experiencia en la materia despertó una atención saludable de lo que podría llegar a ser una competencia de baile en esos niveles. Desafortunadamente, he sido engañado. La película noruega ahonda en un drama familiar poco convincente y descuida el concurso de baile. Cuando llega, el film cobra el impulso que le corresponde sin sorprender demasiado.

La historia sigue a Amelie (Lisa Teige), una bailarina callejera que integra, junto a su novio, un grupo de baile de amigos llamado Illicit. El equipo está a punto de desintegrarse cuando el supuesto líder comunica que está próximo a ser padre. Sus motivos están justificados, necesita ganar dinero para mantener a su familia y el baile grupal callejero no le ayuda mucho. Entonces Amelie recibe una gran noticia. El equipo de baile acaba de ganar un codiciado puesto en un concurso de París, con un gran premio monetario para el ganador. Decididos a alcanzar sus sueños, emprenden el viaje a París, pero Amalie tendrá que confrontar con su pasado familiar. Su madre, quien la abandono cuando era niña, intenta unir los lazos mientras se prepara para el gran concurso.

Battle Freestyle Netflix

Battle: Estilo Libre no debería llamarse así. Aparenta una película de baile pero en realidad es un drama personal desdibujado. Llena de contradicciones, elige un enfoque dramático poco convincente entre una madre y una hija abandonada. Pero lo que se juzga aquí no es el camino elegido, sino la forma de contarlo, más allá de presumir un concurso de baile. Amelie y sus amigos (que forman el grupo Illicit) se muestran como una hermandad. Pasan mucho tiempo juntos y comparten sus vivencias. Añoran el concurso a celebrarse en París y cada uno de ellos (con trabajos dependientes) hacen lo posible para asistir. Incluso Amelie, renuncia a su trabajo porque su jefe no le autoriza a participar en la competencia.

Hasta aquí todo alegre y enérgico. Seguir los sueños hasta donde sea posible es un material narrativo trabajado hasta el hartazgo pero que da resultado si es llevado en un buena forma. Pero el film se desvía de su camino y en su lugar se centra en el drama de Amelie, quién ostenta graves problemas de comunicación. Ella frecuenta a su madre en París y comienza a retornar el vinculo afectivo. Lo que sucede es que no se lo comunica al grupo. Solo a su inerte novio que solo atina a cumplir su promesa de no transmitirlo. Con lo que la introducción de unión del grupo, en donde ríen, duermen y bailan se siente resquebrajado por una inexplicable falta de comunicación. Si con ello quisieron crear tensión en el grupo, no se logra.

El comportamiento incomprensible de Amelie direcciona la película a un camino dramático emocional no ganado. El vinculo con su madre va más allá del valor afectivo (con injerencias de ballet incluido) y afecta el enfoque enérgico de la película. Cuando retorna, se ha diluido gran parte del metraje quedando escasos minutos para lo que realmente fue creada. El concurso de baile se reserva paras los últimos veinte minutos y luce apresurado.

En cuanto a las escenas de baile, pueden llegar a se valoradas por los fanáticos del arte. Los pasos que se ejecutan son realizados con gran habilidad pero, francamente no sorprenden. No hace falta tener mucho conocimiento para darse cuenta que solo dos miembros del grupo tiene un real talento para realizar piruetas espectaculares. Los demás solo se dedican a mover sus brazos de una forma exagerada. Si Michael Jackson reviviera en su plenitud le daría una paliza bárbara. En fin, es algo agradable en el baile pero intranscendente el campo dramático.

RESUMEN

En definitiva, Battle: Estilo Libre es como su titulo bilingüe. Un drama disfrazo de baile que se ve afectado por el enfoque del film en el comportamiento incomprensible de la protagonista. Lisa Teige (Amelie) alterna algunos buenos momentos pero como bailarina no sorprende. Para aquellos que se sientan atraídos por las reglas del baile callejero, se sentirán defraudados.

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es_COSpanish (Colombia)