SISU (2022)

Sorprendentemente entretenida, el thriller de acción finlandés hace su propia justicia en el arte de derrotar a los peores villanos de la historia de la humanidad. Sisu, se abre camino entre lo serio y lo absurdo, galopando con un sentido de la épica fenomenal.

Las atrocidades que ha cometido la Alemania nazi durante la segunda guerra mundial son fuente de inspiración de varias películas del siglo XXI para justificar la venganza de los peores villanos que han tenido la humanidad. Dentro de un contexto histórico real pero con personajes e historias ficticias, las narrativas allí previstas giran hacia el entretenimiento en sí mismo, donde lo posible y absurdo tienen límites contiguos. En esta línea de expresión se encuentra Sisu, un thriller de acción violento, sangriento y exagerado que representa la derrota nazi en un viajo épico fenomenal.

Contada en siete capítulos, la trama se abre con un minero finlandés que encuentra oro en los campos de Loponia, durante la retirada de la Alemania nazi en 1944. Mientras los despiadados nazis intentan apoderase del tesoro, el veterano excavador saca a relucir una serie de habilidades que lo hacen evadir de la muerte. Cuando los villanos descubren que el hombre al que le robaron es el legendario héroe de la “Guerra del Invierno”, comienza una despiadada y sangrienta cacería, llena de sorpresas y acción épica que los fanáticos de la acción no pueden dejar pasar.

La dirección de Sisu, a cargo del finlandés Jalmari Helander es sumamente atractiva en lo visual, con locaciones que representan bellos y desolados paisajes de Laponia, mientras un pelotón de despiadados nazis avanzan destruyendo todo a su paso. Aquí, el cineasta es hábil en la representación de la paleta de colores, dejando el tono más sombrío en los campos de retirada nazi , en donde fluye la gran parte de las secuencias de acción.

Las sorpresas no tardan en llegar y cada uno de los capítulos del film muestran una energía épica, en ocasiones extravagante, aumentada por las situaciones de supervivencia que atraviesa el personaje. Aatami Korpi (Jorma Tommila) es un veterano minero aislado en los campos de Laponia, en compañía de su perro. Cuando los nazis se apoderan de lo ajeno y descubren que aquél pertenecía a un antiguo grupo comando finlandés, el film se vuelve violento, sangriento y brutal.

Hay un punto donde la función del entretenimiento se desvía hacia lo extravagante, y que bien puede ser marcado como poco realista. Pero en su defensa se puede argumentar que el film no se toma demasiado en serio a sí mismo. En este punto hay una evidente inspiración en películas como Rambo, John Wick y Bastardos sin Gloria (la de Tarantino) y es por ello que no se puede negar la naturaleza convincente de la película en general.

Sisu cuenta con pocos diálogos. A Tommila se le asignaron aproximadamente tres líneas, pero su presencia es firme y convincente en pantalla. La determinación de su supervivencia se exhibe en el castigado cuerpo del personaje en la que el interprete solo le basta su solida actuación facial. Llegado el momento de la acción, las escenas se vuelven brutalmente violentas. Algunas algo sanguinarias, con un exceso de sangre gore que sirve para glorificar la cacería nazi. Con todo lo dicho, Sisu tiene una historia sencilla par contar que logrará cautivar a cualquier fanático del cine de acción.

RESUMEN

En definitiva, Sisu, a pesar de sus momentos extravagantes, reúne los mejor del cine de acción con un historia de supervivencia bien ejecutada y un sentido de la épica fenomenal, que logrará entretener de principio a fin.

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THE LAST OF US (Serie Tv-2023)

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El primer episodio de la serie de HBO es una fiel adaptación del clásico videojuego. Con un inicio tenso, violento y postapocalíptico, The Last Of Us demuestra que lo mejor está por venir.

Adaptar un exitoso videojuego a la pantalla no siempre es garantía de éxito. Múltiples razones como no saber capturar la esencia del material original, profundizar su trama o simplemente equivocarse en el formato de transmisión elegido pueden llegar a estropear cualquier buena intención creativa. No son pocos los que han fallado en el intento de materializar la vivencia y atracción de lo que genera la naturaleza de un videojuego, que capta multitudes y horas de apego a la televisión, determinando una inquietante decepción a la hora de su resultado final. No es el caso de The Last of Us, el fantástico juego de supervivencia de la famosa consola playstation de Sony, cuya adaptación, sabiamente elegida en formato de serie, logra captar la misma sensación de su fuente original.

El espíritu del primer videojuego cobra vida en su primer capítulo que la cadena de televisión HBO adopta en su primera temporada. Con un trasfondo postapocalíptico, The Last of Us es un camino desesperanzador en búsqueda de la esperanza, aquella que pueda calmar el dolor de un padre mientras un virus desconocido azota a la humanidad. Una niña solitaria será la clave de una historia conmovedora. Tensa, interesante y violenta en su ejecución, The Last of Us (su primer capítulo) capta la esencia del videojuego y transmite la extraña sensación de lo que lo mejor está por venir.

The Last of Us sigue a Joel (Pedro Pascal), un hastiado residente de la Zona de Cuarentena de Boston que perdió a su hija durante un brote de un virus (Cordyceps). La pandemia lleva 20 años azotando a la humanidad y ahora la fuerza militar fascista (Fedra) controla todos los puntos limítrofes, imponiendo reglas y responsabilidades que si se desobedecen se paga con la pena de muerte. En ese contexto trabaja Joel, contrabandeando píldoras y productos ilícitos dentro de la Zona de Cuarentena. Hasta que la líder de la resistencia Marlene le encarga una tarea que no puede rechazar. Debe llevar fuera de los límites permitidos a Ellie (Bella Ramsey), una niña que puede tener la solución al destino de la humanidad.

El primer capítulo de la serie de The Last of Us es una sólida entrada para los conocedores del reconocido videojuego de Sony como para aquellos que se inician en la aventura postapocalíptica zombie. A la pregunta de que si no es algo tarde para su adaptación, teniendo cuenta que el juego debutó en la consola PlayStation 3 en el año 2013, sumado al extenso catalogo de películas y series con argumento zombie, en la que se destaca de The Walking Dead, se puede decir que el inicio de la serie tiene un drama emocional que va más allá de lo que pueda suceder con la amenaza del virus.

Afortunadamente el creador del juego, Neil Druckmann, se involucra en el programa de televisión asegurando que la esencia postapocalíptica dramática sea la misma que el juego que le procedió. Los personajes de Joel y Ellie van dando forma a lo que será el verdadero espectáculo de la historia. Todo ello con un trasfondo futurista y de desesperación de la raza humana en la que se exhibe con sorprendente calidad, como acostumbra la cadena HBO en la mayor parte de sus producciones.

Así, la visión que representa The Last of Us como su perfil dramático necesita de un tiempo de ejecución necesario para profundizar todos sus personajes. El acierto de la producción de HBO es haber elegido el formato de la televisión apara desarrollar cualquier referencia directa al videojuego. Con un elenco en el que se destaca Pedro Pascal, los nueve episodios permitirán contar la sorprendente historia en toda su extensión. El debut promisorio de su primera entrega (de hora y veinte minutos de duración) no hace más que pensar que lo mejor está por venir.

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EL VALET (2022)

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Con un elenco encantador y una historia que fluye sin altibajos, El Valet es una reconfortante pieza visual a tener en cuenta. Disponible en Star+.

En el genero de la comedia, trabajar sobre dos personas con personalidades diferentes puede resultar familiar. Pero El Valet tiene mucho para ofrecer gracias a un guion dulce que potencia el humor, sin antes rescatar los valores familiares. Ayuda que los dos protagonistas sean encantadores, lo que facilita que en muchos aspectos la historia fluya sin altibajos. Eugenio Derbez y Samara Weaving llevan adelante una reconfortante pieza visual que no se debería dejar pasar.

La historia sigue a Antonio (Derbez), un aparcacoches del centro más pudiente de Los Ángeles que se encuentra atravesando una crisis matrimonial. Sus días de separación no son los esperados, se entera que su esposa está saliendo con alguien, mientras vive con su lujuriosa madre y con escaso dinero. Un día choca con su bicicleta un automóvil en el cual se estaba subiendo Olivia (Weaving), una famosa actriz cuya imagen se encuentra en todos los carteles publicitarios de la ciudad. Los dos no tienen nada en común, solo los vincula un hecho fortuito, atento que Antonio se transforma en un novio falso para ocultar la aventura de Olivia con un multimillonario casado. Mientras cumplen lo pactado, ambos se darán cuenta que tienen mucho que aprender sobre la vida del otro.

La premisa de la película atrapa desde su sencillez construyendo una relación central adornada con pequeñas tramas secundarias. El Valet se hace fuerte en la relación de Antonio y Olivia, como personas. Su inesperado vínculo tocará las fibras más sensibles de la audiencia, atento que ambos tienen una historia para contar dentro de sus vidas desiguales. En este punto, se evidencia un claro equilibrio entre los interpretes en donde la intervención de uno es el inicio para el lucimiento del otro. Samara Weaving irrumpe la pantalla con su belleza escénica pero es la descontracturación de la actriz y su soledad lo que la hace fascinante.

El mundo del espectáculo, aunque bello y pudiente muestra algunas capas de miseria que el dinero no puede suplantar. Y aquí es donde emerge la figura de Antonio. Eugenio Derbez es el corazón de la película al afrontar diferentes situaciones de drama y comedia, en los cuales el actor se desenvuelve de manera sobresaliente. Si bien el guion le da suficientes sensaciones para que el que trabajar, es el carisma y el aporte genuino de Derbez lo que hace que el film sea un triunfo. La resolución de las diferentes situaciones que atraviesa su personaje marcan una línea dramática empapada con un humor elegante y familiar. Derbez se luce en una de las escenas finales del film con un discurso conmovedor que puede incitar aplausos en la audiencia.

El elenco secundario funciona realmente bien como soporte complementario. Desde los amigos de Antonio hasta su lujuriosa y simpática madre, la narrativa les otorga líneas de humor genuino que harán sacar algunas risas. En este aspecto, El Valet reconoce las diferencias de clase alta de la sociedad norteamericana con la comunidad inmigrante a la cual Antonio pertenece, pero no profundiza en los problemas raciales. Los integra de una manera matizada y sutil, con algunos comportamientos éticos que el dinero no paga.

Ahora, El Valet cuenta con algunas subtramas que no tiene un desarrollo completo Desde los detectives que se esfuerzan en la tarea de vigilancia hasta el peligro de desaparición del vecindario en el que vive Antonio, sirven para enriquecer a la historia pero tiene un tratamiento reducido. En esencia, la película brilla cuando Olivia y Antonio se desenvuelven en el mundo de las apariencias y en su descubrimiento. La relación de la pareja se lleva el foco de atención por tiempo completo y su resolución satisface de diferentes puntos de vista.

RESUMEN

En definitiva, El Valet es un digno entretenimiento que no se debería dejar pasar. Con un elenco encantador y un reparto secundario eficiente, el film es un éxito en la exploración de los valores de la familia y la amistad.

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LOS TIPOS MALOS (2022)

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Con atractivas animaciones, personajes coloridos y guiños al público adulto, Los Chicos Malos (The Bad Guys) es un derroche de entretenimiento.

Las películas animadas están pasando por un buen momento. Desde hace años los hacedores del genero animando vienen marcando una tendencia, que no es otra que cautivar a los chicos con bellas animaciones y a los grandes con su argumento o algún guiño cómplice de películas reconocidas. Los Tipos Malos potencia ese criterio, configurando un entretenimiento puro y disfrutable. Con una historia bien elaborada y personajes coloridos el film es un derroche de entretenimiento.

Lobo, Serpiente, Tarántula, Piraña y Tiburón son los Tipos Malos. El quinteto tiene una mala y temible reputación. Tienen en vilo a la ciudad con sus constantes robos, mientras la comunidad se asusta con su sola presencia. Su único fin es cometer delitos y se vanaglorian con ello. Pero un día, mientras disfrutan de su ultimo escape, la gobernadora de la ciudad, Diane Foxington, deja un claro mensaje por televisión abierta y los cataloga como ladrones de segunda categoría y vacíos de felicidad.

El grupo entra en cólera y deciden idear un plan para ser considerados los mayores ladrones del mundo. Para ello, deben robar el delfín dorado, un prestigioso premio otorgado al mejor ciudadano. Sin embargo, la ejecución se complica y son atrapados. El ingenio del Lobo le hace jugar una última carta, entregarse al Profesor Mermelada ( un hámster bondadoso), quién esta convencido de que puede transformar en buenos a los tipos malos.

Los Tipos Malos tiene una narrativa dinámica y divertida con algunos giros que sorprenderán al público infantil. Es sorprendente el equilibrio en pantalla de todos los personajes. Cada uno de ellos tienen su punto de lucimiento y sus intervenciones están lo suficientemente cuidadas para ser el punto de encuentro de la gracia del otro.

La película no escapa a las emociones y es en este punto donde mejor se desenvuelve. El lobo es el ideólogo de la banda y su concepto de maldad no es refutable para el. Sin embargo, la película lo impulsa ayudar a los demás y hacer el bien de una manera que lo pone en desacuerdo con sus amigos, quienes se han acostumbrado a ser percibidos como los malos.  Este conflicto genera una buena tensión en el grupo a medida que la película avanza hacia un final, que es sorprendente y con un buen mensaje.

Los Tipos Malos está claramente inspirada en la saga de la Gran Estafa. El lobo (Wolf) tiene una forma de desenvolverse similar al de su contraparte de carne y hueso, George Clooney. Utiliza su encanto y su inteligencia para convencer a los demás en su beneficio hasta que encuentra la horma de su zapato, de una forma conveniente. En este punto es sumamente disfrutable como las cosas se cambian de órbita, mientras los personajes luchan por ser buenos. La película tiene un encanto propio en sus secuencias de acción, pero hay una evidente inspiración en las películas de misión imposible.

En cuanto al estilo de animación, también es bastante disfrutable. Su estética y diseño de personajes no llegan a ser tridimensionales. La paleta de colores es más bien apagada, arenosa, casi como un comic. Pero el efecto de suavizar los escenarios sobre el colorido de los personajes es un acierto visual, permitiendo disfrutar de la dinámica de la acción. Otro aspecto destacable es el elenco de voces que dan vida a los personajes. Se disfruta considerablemente en su idioma original, destacándose el “bondadoso” profesor Mermelada.

RESUMEN

En definitiva, Los Tipos Malos ( The Bad Guys) es un divertimento para toda la familia. Las bellas animaciones y el ritmo dinámico mantendrán entretenidos a los más pequeños. Los grandes, en su caso, se verán favorecidos por el humor y los guiños hacia películas reconocidas. Tiene

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EL SASTRE DE LA MAFIA (2022)

El Sastre de la mafia: fina explicado

El thriller criminal de los años 50 merece un vistazo por su historia y su excelente protagonista. En el Sastre de la Mafia, Mark Rylance brilla en un papel hecho a su medida.

El Sastre de la Mafia pertenece al grupo de películas en vías de extinción atento que la trama criminal se desarrolla en un solo escenario. Como si fuese una obra de teatro, los interpretes van dando muestras de carácter en una trama que permite tales atribuciones y en las que el protagonista principal las aprovecha. Mark Rylance, conocido por ganar un Oscar en el film puente de espías, brilla en un papel hecho a su medida.

Ambientada en 1956, la historia sigue a un modisto llamado Leonard (Mark Rylance). En su tienda de negocios tiene como clientes a gánsteres de la ciudad de Chicago. Estos, no solo aprovechan el talento de Leonard en la confección de elegantes trajes sino también utilizan el negocio como una fachada criminal. Leonard, y su asistente, permiten el acceso del personal de la mafia para cuestiones de mensajería pero desconocen los entramados de fondo. Un día, dos jóvenes gánsteres irrumpen la tienda debido a que este último recibe un disparo en una emboscada. Lo que suceda en las próximas horas, incluida la revelación de una cinta que induce a descubrir un espía en la banda, llevará a Leonard y a los criminales involucrados al límite.

El sastre de la Mafia logra algo sorprendente y es mantener la atención del observador en todo momento. Su hora y 45 minutos de duración puede ser excesiva para una película que se desarrolla en una sola locación, pero el argumento, el elenco y su brillante protagonista hace que el tiempo se lleve de una manera reconfortante. Señores, El Sastre de la Mafia demuestra que lo importante no es el la duración ni la escenografía (de excelente diseño, por cierto) sino su calidad. El film cuenta con un ritmo informal lo suficientemente ameno para sentarse a disfrutarlo. Es una historia bien contada, casi pasada de moda, que explota los monólogos de sus protagonistas como si fuese una obra de teatro.

La película cuenta con un sólido elenco pero es Mark Rylance (Leonard) la que lo hace recomendable. La película está diseñada específicamente para adaptarse al actor mientras su personaje navega en una noche peligrosa con gánsteres. Los diálogos , los silencios y las miradas, ante un acontecimiento no deseado, son realizados magistralmente por el actor británico, quién compone un personaje atractivo como enigmático. Durante la noche y en su negocio, los gánsteres interactúan con el modisto, mientras la audiencia lo examina. Rylance se favorece de un pequeño elenco y de una historia de un solo escenario pero en las espaldas del actor descansa la calidad del la película.

Dicho esto, el sastre de la mafia no es la típica película de gánster. Aquí no hay asesinatos ha investigar ni acción que caracteriza al genero. Es una historia de un hombre (Leonard) que trata de sobrevivir la noche. Con su comportamiento en examen, Rylance pone lo mejor de sí dentro de una elegante tienda de trajes de los años 50. A medida que avance el metraje el sastre (que le gusta que le digan modisto) va aflorando conductas que habrá que descifrar. Todo desarrollado en una sola locación, con un diseño de producción bien confeccionado y un elenco que aprovecha la calidad de su argumento. No es necesario agregar nada más para no entorpecer los giros de una trama que merece la pena investigar.

RESUMEN

En definitiva, El Sastre de la Mafia (The Outfit) es un thriller bien elaborado que hace un buen uso de su escenario con un excelente protagonista. Mark Rylance compone un personaje enigmático que la audiencia tendrá que descifrar. Los fanáticos de las películas pasada de moda (terminología bien intencionada) disfrutarán y aplaudirán la película.

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SING 2 (2021)

Con una puesta en escena animada fabulosa, Sing 2 tiene el equilibrio justo para complacer a niños y adultos por igual.

Cinco años después de la exitosa Sing (2016), los animalitos que cantan vuelven a repetir su éxito pero con un proyecto más ambicioso. Con más de 40 melodías de rock, pop y rap a lo largo de toda la película, el cineasta Garth Jennings (a cargo también de la primera parte) ilumina un mundo de fantasía en donde los sueños se cumplen, si estás dispuesto a perseguirlos. Matthew McConaughey lidera el reparto de voces en las que también se incluye Reese Witherspoon, Scarlett Johansson y Bono (vocalista del grupo U-2).

Ambientada años después de la primera película, el Kola Buster Moon (Matthew McConaughey) al fin tiene su propio teatro. Su obra musical, lleno de entusiastas y profesionales artistas, tiene localidades agotadas y está siendo un éxito. Ello lo entusiasma a ser reconocido en el mundo del espectáculo y tener la oportunidad de adicionar en la ficticia Redshore City, ciudad parecida a Las Vegas.

Cuando una cazatalentos le dice que su compañía teatral no tiene lo que se necesita, reúne a su equipo y emprende un viaje hacia la gran ciudad. En poco tiempo y a pura improvisación, Buster Moon convence al jefe de la industria musical Jimmy Crystal para que organice un evento moderno de ciencia ficción. Sin embargo el sueño de triunfar en “las grandes ligas” tiene una condición: deberá contar con la legendaria estrella de rock Clay Calloway (Bono), quien está aislado del mundo del espectáculo por la muerte de su esposa y se niega volver a actuar.

Para empezar Sing 2 es un triunfo porque es sencilla en su planteo, sin perder su cuota de emotividad. Desde su inicio todo funciona como un resort de cinco estrellas en donde el observador espera lo que busca, teniendo una satisfacción garantizada. La animación animada y sus detalles, la interpretación gestual que los animalitos hacen de cada tema musical y el camino que recorren para cumplir el sueño es una fantasía no muy lejana a la realidad. El koala y su equipo tienen un problema, convencer al León de que salga de su retiro autoimpuesto. Aquí es donde el film alcanza un nivel de narración emocional elocuente, Calloway no puede suplir la ausencia de su esposa, la cual fue su musa inspiradora, no encontrando razón para cantar de nuevo.

La agradable y tierna voz de Scarlett Johansson, en la piel de la puercoespín Ash, y su vinculo con el León, marca uno de los momentos más maravillosos del film. En este punto, el director Garth Jennings expone un episodio triste pero sincero y lo aprovecha en el momento culmine del film.

Mientras tanto, los restantes personajes vuelven para entretener sin dejar de exponer sus miedos. Desde el gorila, que toma clases de baile bajo la atenta y despótica mirada de su supervisor. La elefanta que encuentra un amor y no sabe declararlo y la chanchita “Rosita” que tiene pánico a las alturas, al momento de realizar una puesta en escena, todos exponen un problema y buscan el camino para superarlo. No faltará la ayuda de algún buen extraño dispuesto a colaborar, movilizada por la voluntad de superar los obstáculos que tienen por delante. En este aspecto, la forma en que se exponen los problemas y los llevan adelante es realmente plausible.

Pero todo plan tiene un cerebro y aquí esta el Koala para ejecutarlo. La obra espacial que idea, con Rosita a la cabeza, es digno de ver. Compuesta por una serie de piezas espectaculares y conmovedoras, los cuatro números musicales finales elevan a Sing 2 a un nivel de entretenimiento nunca antes visto en dibujos animados. A las pegadizas y reconocibles temas musicales se le suma un impacto visual coreográfico estupendamente realizado. Pero lo destacable son los valores que el film deja bajo la superficie, los animalitos no son solo un grupo de artistas, buscan el logro de sus aspiraciones a fuerza de su voluntad interior. Un acierto por la la forma en que los personajes expresan sus sensaciones.

PUNTOS POSITIVOS

  • La narrativa es simple y emotiva.
  • Grandes y niños disfrutaran por igual. Aunque su narrativa está enfocadas más en el publico adulto.
  • Los efectos animados son de primer nivel. Todos los personajes tienen un nivel de detalle sorprendente.
  • La obra espacial final. Compuesta por una serie de piezas espectaculares y conmovedores números musicales. Todos los personajes tienen “su momento”.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Por momentos parece más un musical que una película animada.

RESUMEN

Sing 2 es divertida, visualmente espectacular y emotiva. Una gran propuesta que satisfará adultos y niños por igual. El elenco de voces, liderado por Matthew McConaughey, no tiene ningún problema en adaptarse a un dibujo animado. Con más de 40 melodías, puede ser que el film parezca más un musical que una película animada.

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FINCH (2021)

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Tom Hanks brilla en una aventura distópica de un solo hombre.

El hombre y el medio ambiente. El medio ambiente y el hombre. ¿Cuál de los dos se extinguirá primero ? Pregunta que no amerita respuestas pero que el séptimo arte se ha encargado de representar con futuros apocalípticos. En esta oportunidad, el drama postapocalíptico profundiza en el concepto de la perseverancia de un hombre para sobrevivir, junto al desastre climático causado por la destrucción de la capa de ozono. Tom Hanks, brilla en una aventura distópica de un solo hombre.

Finch (Tom Hanks) retrata la historia de un hombre en una ciudad desierta. Una erupción solar, causada por el agotamiento de la capa de ozono, ha llevado a la humanidad al extremo de la supervivencia. Las tormentas de polvo y las altas temperaturas, causados por los fuertes rayos UV, han hecho de la tierra un lugar inhabitable. Finch, es un ingeniero de robótica que ha estado viviendo en un bunker durante décadas junto a su perro y a un pequeño robot. Su espíritu de supervivencia y su capacidad de adaptación lo han mantenido a flote, pero la comida escasea y su salud se deteriora, mientras se avecina una gran tormenta con fines inevitables. Con el fin de garantizar un futuro para su perro construye un robot, más tarde llamado Jeff, con una inteligencia artificial fascinante. Replica los movimientos del ser humano pero también calcula y estudia sus directivas principales.

Poco después, y con la presencia amenazante de la tormenta y de las altas temperaturas, emprenden un viaje por las solitarias carreteras, a bordo de una casa rodante. Su destino es llegar al puente de San Francisco, pero la principal preocupación de Finch es que Jeff comprenda todas las directivas del cuidado de su perro, sin importar lo que requiera la situación.

Para empezar, si usted tiene una mascota , en este caso un perro, seguramente disfrutará el film como ninguno. Finch, es un viaje desolador, la humanidad se ha vuelto egoísta y contribuyó con su desidia a la destrucción del medio ambiente. Pero, en ese entorno postapocalíptico, nace el amor de un hombre hacia su fiel compañero canino. Es una relación esperanzadora, de vida, y que motiva al personaje a construir un robot con datos informáticos que resalta lo mejor de la humanidad.

Tom Hanks, ya ha demostrado su calidad en trabajos en solitario. Naufrago, fue un punto de quiebre en su carrera al representar un sobreviviente en una isla y hablando con una pelota (Wilson). Aquí, hace lo mismo con el robot, pero la diferencia es que el androide mantiene una conversación con sentimientos genuinos, que ayudan a la historia y al fantástico intérprete a mantener el drama en la superficie.

Así, mientras Finch mantiene un concepto desesperanzador en la raza humana, Jeff desarrolla una creciente curiosidad sobre su identidad y sobre los valores de la vida. En este punto, es realmente conmovedor como un androide de alto funcionamiento intenta comprender la psicología del hombre. ¿ Por qué el ser humano es egoísta? Por que tiene una capacidad de autodestrucción? Si bien el film no lo responde, las preguntas y pensamientos del androide las transporta al observador. Es quizás, el mensaje que quiere dar su director (Miguel Sapochnik) al concientizar a la población mundial que el medio ambiente hay que cuidarlo y protegerlo para las futuras generaciones.

Por lo demás, el film cumple en su apartado visual. Con espectaculares efectos visuales pero que son opacados por la relación de Finch, el perro y el androide. Ellos configuran un viaje esperanzador dentro de la desesperanza y que logrará cautivar, en mayor medida, a aquellos observadores que cuenten con la compañía de quien es el mejor amigo del hombre.

PUNTOS POSITIVOS

  • Tom Hanks. El famoso interprete brilla en un ambiente de un solo hombre. Pero cuenta con la ayuda de un robot de alto funcionamiento que aporta riqueza emocional a las conversaciones.
  • Los efectos especiales están a la altura de lo que representa un mundo distópico.

PUNTOS NEGATIVOS

  • A parte del factor climático, hay amenazas humanas, pero no se muestran.

RESUMEN

FINCH, es una aventura postapocalíptica con un evidente mensaje climático. No obstante ello, la audiencia experimentará preguntas y sentimientos genuinos entre un hombre y un robot incomprendido, en la búsqueda del bienestar del mejor amigo del hombre.

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EL JUEGO DEL CALAMAR (2021)

el juego del calamar

El drama de supervivencia es tan sangriento, sádico y despiadado que rompe agresivamente con las convenciones del genero.

Jugar a un juego representa una idea de entretenimiento en donde su fin principal es tratar de ganar para no perder. Las reglas como su resultado son claras y para participar hay que acceder voluntariamente. Hasta aquí, nada que cualquier mortal no conozca. Pero, ¿Qué sucedería si la vida de los participantes están en juego? Ello es lo que plantea el juego del calamar, la transformación del comportamiento humano y cuan lejos puede llegar para lograr su cometido. El drama de supervivencia es tan sangriento, sádico y despiadado, que rompe agresivamente con las convenciones del genero.

Un fotograma de Squid Game.

La serie coreana, de nueve capítulos, parte de una situación desesperante. Solo las personas con grandes deudas tienen la oportunidad de participar en el juego, posición que es estudiada, meticulosamente, por sus creadores. De manera que, la escoria de la sociedad es atraída con la promesa de recibir dinero fácil. Para ello, se les entrega una tarjeta representada con un circulo, un triangulo y un cuadrado con un número telefónico al que tienen que llamar para ingresar al juego. Pero lo fácil se vuelve difícil, 456 personas sin suerte deberán participar en seis juegos al cabo de seis días.

Los juegos están sujetos a tres artículos que los organizadores hacen firmar con el consentimiento del jugador. El primero dispone que el jugador no podrá dejar de jugar, el segundo establece que el jugador que se niegue a jugar será eliminado y su tercero contempla que los juegos pueden terminar, si la mayoría acepta. Todos los jugadores en fila organizada van firmando el documento, pero el evento tiene una trampa: se desconoce que los juegos son mortales y un error equivale a la muerte. ¿El premio? 45600 millones wones para el ganador.

Un fotograma de Squid Game.

La serie abre su capitulo inicial focalizando la atención en unos de sus personajes centrales. Seong Gi-hun (el número 456) es un deudor empedernido, divorciado y que tiene una hija de la cual ha perdido su custodia. Vive con su madre a quien explota miserablemente. Se puede decir que es un autentico “imbécil” al gastar todo lo que tiene en apuestas de carreras de caballos. Apaleado por las deudas y por la amenaza de un mafioso local, quién le reclama su dinero a cambio de sus órganos, accede a los juegos como método de salvación.

Entre los compañeros participantes se encuentran un amigo de la infancia, una carterista, un anciano con un tumor maligno, un gánster y un trabajador paquistaní. Todos ellos tendrán su peso en la historia y tendrán sentimientos encontrados a lo largo de los juegos. En este aspecto se evidencia un compromiso en el tratamiento de los personajes, cada uno de ellos tiene movilizaciones diferentes y la serie se toma su tiempo en profundizarlos. El observador irá descubriendo con los personajes los efectivos giros de su trama, mientras se paraliza con la crudeza de los juegos.

Un fotograma de Squid Game.

Los seis juegos que se presentan son básicos, algunos infantiles, pero son a muerte. La crudeza con la que se representa la eliminación de los participantes es notaria, las ejecuciones a manos de los soldados de rojo (custodios de las reglas de los juegos), es brutalmente descarnada. El impacto de su violencia grafica se emplea generosamente con un índice de sangre que salpica la pantalla, los cortes, las caídas y los disparos sobre la humanidad de los participantes son retratadas en forma explicita.

La malvada premisa cobra vida con los impecables decorados de los juegos, todos con un amplio nivel de detalle y con un enfoque suficientemente cerca para impresionar. Lo mismo sucede con los responsables del juego, su líder lleva una mascara distinguida del resto, envuelto en un traje negro y que controla los juegos desde un panel de control, mientras escucha música clásica. El ambiente amenazante que se ha creado aquí es eficiente antes, durante y después de cada juego. Sin dudas un logro al equilibrar los momentos de tensión y su clímax entre los participantes y el entorno.

El juego del calamar es más que un juego, tiene alguna moraleja a pesar de su violenta y sádica premisa. Si se logra sobrellevar el impacto brutal de las ejecuciones, mantendrá el nivel de expectativa desde su minuto inicial y no se podrá hacer nada para contrarrestarlo.

PUNTO POSTIVOS

  • Su premisa, aunque sádica, es cautivadora.
  • Los juegos. Algunos son infantiles pero entretenidos y de fuerte impacto visual.
  • Los decorados son de un nivel de ingenio notable.
  • El elenco actoral. Se destaca Jung-jae Lee ( Seong Gi-hun).

PUNTOS NEGATIVOS

  • Su violencia grafica puede desanimar algunos observadores.

RESUMEN

El juego del calamar es un salvaje y violento entretenimiento que capta la atención de inmediato. En cuestión de minutos el observador estará inmerso en su malvada premisa y no podrá salir hasta el final.

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CODA (2021)

coda

Una experiencia alegre como emotiva que engrandece el valor de la familia.

Si usted esta cansado de las noticias cotidianas en donde se transmiten las miserias humanas. Si está saturado de largometrajes o de series focalizadas en la violencia, en la sangre y en el sexo y quiere encontrar un aire de calidez que lo contrarreste, no dude ni en segundo, Coda es su película. Un film convencional pero magistralmente estructurado que cuenta con el placer genuino de generar emociones. La risa y el llanto están presentes en el drama familiar, que cuenta la historia de una adolescente de la secundaria que es la única persona que escucha en la familia. Basada en la película francesa de 2014 “La Famille Bélier”, pero con la suficiente autenticidad para desprenderse de aquella, Coda es una experiencia alegre como emotiva que engrandece el valor de la familia.

El titulo de la película significa hijos de adultos sordos. Se refiere a los jóvenes oyentes que se han criado con padres sordos y que se comunican con señas como su primer idioma. En ese contexto se desenvuelve Ruby Rossi (Emilia Jones), una adolecente que divide su tiempo entre la secundaria y el trabajo. Su familia está abocada a la pesca, tienen un viejo barco en el cual navegan todas las mañanas para poder subsistir y en el cual Ruby ejerce una tarea fundamental.

Su labor es ser interprete en el mundo exterior. No solo se encarga de comunicar los negocios de la pesca sino también los problemas cotidianos. Esto significa que debe estar presente hasta en las conversaciones mas íntimas, como cuando sus padres contraen una enfermedad genital y Ruby debe acompañarlos al médico para traducir. Algo que le es realmente agotador porque le quita tiempo para llevar adelante su propia vida. Pero Ruby tiene algo que la desconecta y es su pasión por el canto, tiene un talento natural que necesita ser pulido. Un exigente y divertido profesor de música la impulsa a soñar con asistir a la universidad, pero para ello deberá lidiar con la familia en la búsqueda de su propio camino.

La película trata la historia con una espontaneidad increíble. La familia de Ruby tiene dificultades de comunicación evidentes con los terceros que lo rodean. Pero son personajes realizados, algo que se encarga de imprimir la cineasta Sian Heder en cada una de sus intervenciones. La familia se encuentra en una difícil situación económica pero encuentran sus momentos para divertirse. En este punto el film cuenta con algunas situaciones graciosas acompañadas por el lenguaje de señas. Pero, que no se malinterprete, causa gracia la situación y la audiencia se reirá con ellos, no de ellos.

Ahora bien, la película tiene conceptos dramáticos convencionales ya antes vistos. Una joven con talento para cantar, asistida por un profesor exigente y el sueño de triunfar. Pero lo realmente innovador es la familia de Ruby en el camino de comprender el talento de canto de su hija. En este aspecto la cineasta logra generar momentos emocionales genuinos. Su padres, por su discapacidad, no pueden entender la actividad del canto. Algo que se exhibe en pantalla mediante una pequeña ausencia de sonido cuando aquellos concurren a un canto del colegio. Sin embargo, se descubrirá el talento musical de Ruby mediante los gestos de las personas a su alrededor. Pieza clave de la película, por su aporte emotivo, dramático y actoral configurando una verdadera pieza de artesanía visual.

Coda cuenta con varias escenas que tocara la fibra del corazón y traerá algunas lagrimas en la audiencia por el sueño de Ruby y la cual se acompañara hasta su evaluación final. En la escuela, Ruby es una joven de apariencia sencilla objeto de alguna que otra burla escolar, en el limite del bulling, son pequeños conflictos que se tratan rápidamente para darle preeminencia a la enseñanza en el canto de la protagonista. Aquí entra en escena el profesor Bernardo Villalobos, quien descubre la bella voz de Ruby y la impulsa a tener una oportunidad en la universidad mediante el acceso de una beca.

El señor “V” es un profesor severo pero justo. Eugenio Derbez lo retrata con una naturalidad cautivadora sin caer en la sobreactuación. El se encargará de explotar el talento de Ruby y la prepara para cantar un dúo musical junto a un joven que le despierta algún interés. Contexto emocional/romántico que la cineasta trata rápidamente para llegar al clímax final. Cuando llega,  la pieza musical final es un momento culminante que toca las fibras del corazón más que cualquier otra película sentimental.  Para algunos, puede parecer exagerado, pero  Coda se dedica a hacer que los espectadores sientan todas las emociones posibles.

Como resultado, Coda es una propuesta dramática familiar conmovedora. Con un elenco extraordinario que pondrá a prueba nuestras capacidades emocionales. Asique, si usted esta cansado de tanta violencia y busca algo diferente, que lo haga reír y llorar, Coda sería una elección inteligente.

PUNTOS POSITIVOS

  • El elenco. Todos cumplen estupendamente.
  • Su narrativa es tan dramática como divertida.
  • Resalta el valor y el apoyo de la familia.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Algunas situaciones narrativas son tratadas rápidamente.

RESUMEN

Coda es un estupendo drama familiar que generará diversas emociones gracias a un elenco que supo estar a la altura de su convencional premisa. Su mensaje es cautivador, esperanzador e inclusivo. Recomendable.

[usrlist “Puntuación: 4.0”]

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AMOS DEL UNIVERSO: Revelación (2021)

critica amos del universo revelación

El poder de la infancia ha vuelto. Amos del Universo es un encanto que te dejará con ganas de más.

Pensar que todo comenzó con las Guerras de las Galaxias, la compañía de juguetes Mattel buscó copiar la fórmula de aquel genero exitoso. Se inspiraron en un universo galáctico con un escenario propio mezclando personajes con espadas y hechicería. Así nació Eternia, un lugar de confrontación entre el bien y el mal. Las fuerzas oscuras estaban dirigidas por el señor de la destrucción, Skeletor, un personaje siniestro que solo le importa apoderarse del castillo de Grayskul. Pero, el reino fantástico de Eternia tenía un defensor. Un campeón con el poder suficiente para derrotarlo. Su nombre es He-Man y Netflix lo trae de regreso.

La serie animada de los años ochenta vinculada a una compañía de juguetes y sus reinicios siempre tuvo como eje central de la historia a He-Man y a Skeletor. La lucha constante entre ambos personajes representaba la mitología de Amos del Universo, pero en Revelación se logra un giro inesperado sin perder los orígenes de la historia. El pasado de los personajes se respeta. Sus nombres, sus figuras y sus esencia están muy bien cuidadas. En este sentido se puede decir que se honra al pasado.

Entonces. ¿Qué es lo nuevo que ofrece Revelación? Impulsa la historia abriendo un nuevo camino. El primer episodio titulado “El poder de Greyskul” sirve como base central del destino de los personajes y de la historia. Allí, He-Man y Skeletor se enfrentan en una batalla final, el secreto que atesora el Castillo de Greyskul es descubierto y está en juego el destino de Eternia y del Universo. Sin animo de generar spoiler, hay que decir que tanto He-Man como Skeletor no son los personajes centrales. Sirven como trasfondo de la encantadora historia, donde el honor, la valentía, la amistad, la redención y los miedos serán puestos a prueba.

Las voces de los personajes y la paleta de colores utilizados están muy bien logrados, respetando la estética de los años ochenta pero con una animación moderna. Pero lo que logra destacarse es su historia. La opción elegida para su narrativa fue otorgarle a He-Man una participación secundaria. Algo inesperado, por cierto, pero sirve para fundamentar su arriesgada decisión. Entonces, la verdadera protagonista es la capitana Teela, quién tendrá la difícil misión de formar un equipo de buenos y villanos para salvar el universo entero.

Sin Magia, Eternia y el Universo corren el riesgo de desaparecer. Con lo que resulta interesante como los enemigos de toda vida se juntan en un mismo equipo. Sin dudas, un acierto ya que brinda un aporte de originalidad al relato y sirve para conocer los orígenes de algunos personajes. Los fanáticos de toda la vida sabrán quienes son estas personas y se sentirán más que satisfechas al ver que su tesoro oculto de su niñez se encuentra muy bien cuidado y representado. Sin embargo, para aquellos recién iniciados lo verán como una novedad o como un dibujo más. Pero logrará atraparlos, sin duda.

Amos del Universo: Revelación presume de una narrativa serializada. Si bien no utiliza expresiones o diálogos que adolezcan de una calificación restringida, se encuentran más emparentados con el público adulto. Ello favorece a la historia porque le otorga un aire de madurez. Los personajes tienen diferentes motivaciones pero todos siguen el mismo camino pero cuando todo esta por explotar la historia nos deja con ganas de más, que continuará seguramente en una etapa posterior.

Los cinco episodios de Amos del Universo: Revelación, de aproximadamente 25 minutos cada uno, están llena de referencias a la serie animada original, a sus juguetes y a su película en carne y hueso. Algo que los fanáticos valorarán con suma alegría y nostalgia. El productor Kevin Smith, responsable de este resurgimiento animando ha dado en la tecla. Logra consolidar la historia con una narrativa arriesgada e interesante, sin perder su encanto.

Como corolario se puede decir que He-Man y sus Amos del Universo a través de sus muñecos y sus episodios animados han hecho feliz, en el pasado, a muchos niños. Como que el que redacta, quien valora con una sonrisa y mirando un personaje en lo alto de la repisa haber tenido una infancia de esa naturaleza. Amos del Universo: Revelación es una continuación de esa felicidad olvidada. Una continuación hecha con respeto al pasado, que encanta en el presente y que tiene vida para el futuro.

LOS PRIMEROS CINCO EPISODIOS ESTAN DISPONIBLES EN EL CATALOGO DE NETFLIX

PUNTOS POSITVOS

  • La historia. Su narrativa es arriesgada pero interesante.
  • La paleta de colores utilizados. Recrean la estética de los ochenta pero con la tecnología moderna.
  • Es nostálgica y encantadora.
  • Las voces de los personajes son de primer nivel. Se destaca la voz de Skeletor.

PUNTOS NEGATIVOS

  • He-Man y Skeletor tienen roles secundarios. Ello podría enojar algunos espectadores pero es en beneficio del relato. Seguramente retornarán con fuerza en la segunda temporada.

RESUMEN

Amos del Universo: Revelación es una digna y satisfactoria continuación de una de las series animadas más recordadas y queridas. Toma la arriesgada decisión de someter al héroe y al villano en roles secundarios sin perder el encanto. El poder de Greyskull nunca se fue, solo había que despertarlo.

[usrlist “Puntuación: 4.0”]

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