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21/07/202103/08/2021

LA BELLEZA Y EL ENIGMA (2021)

El thriller matrimonial de Netflix es una grata sorpresa que cautiva de inmediato.

Si usted está al frente del televisor mirando el catalogo de Netflix, olvídese por un segundo de los estrenos estelares que ofrece la plataforma y posiciónese en el film de la India. Durante el relato se encontrará con una historia de amor poco convencional en donde las costumbres, la lujuria, el misterio y la traición se ensamblan de manera más que convincente. A pesar de su controvertida narrativa, el film logra ese efecto mágico que muchos añoran y que se pierde en el intento y es la atracción inmediata. La Belleza y el Enigma cautiva, encanta y entretiene, apoyada por un gran talento actoral y un controvertido giro narrativo. Así que, si usted se embarca en esta historia de amor innovadora no podrá hacer otra cosa que esperar hasta su desenlace final. Atrévase, que el viaje vale la pena.

Haseen Dillruba Taapsee Pannu Rani Kashyap Netflix

La historia comienza con una investigación. Una explosión de gas dejó una persona muerta, parece ser un eventual accidente doméstico pero el inspector de la causa sospecha de la reciente esposa, con lo que la convoca a la comisaria para brindar declaración. Cuando empiezan a interrogarla, ella comienza a contar la historia del matrimonio y la narrativa se retrotrae a sus comienzos.

Rishu (Vikrant Massey) es un agradable ingeniero en busca de una esposa. Las costumbres de la India lo obligan a consensuar su elección con su familia con lo que cada pretendiente es estudiada rigurosamente. Es ante todo un matrimonio arreglado en donde la mujer tiene que destacarse en las actividades domésticas, algo que a Rishu no le importa demasiado. Un día se enamora de Rani (Taapsee Pannu) y decide contraer matrimonio, a pesar de la negativa de su madre. En este punto el film aporta un aire romántico agradable con efectivos toques de comedia, que se mantendrán en gran parte del relato. Pero lo cautivador es la forma en que la pareja protagónica se desenvuelve, con una naturalidad que deslumbra.

Haseen Dillruba Taapsee Pannu Rani Kashyap Vikrant Massey Rishabh Rishu Saxena Netflix

Pero, la falta de pasión se hace evidente en el matrimonio y Rani encuentra consuelo en los brazos de otro hombre. Ello traerá consecuencias, desencadenando un giro obsesivo y peligroso para Rishu. Su carácter afable se ha perdido, siendo ahora un hombre herido y taciturno por una infidelidad que se ha hecho pública. “Estuve caminando todo este tiempo desnudo y fui el último en darme cuenta” dice el protagonista. Graficando su situación, ante la relación extramarital descubierta. En este aspecto, se evidencia el comienzo de la oscuridad del relato. Lo llamativo y destacable es que la atracción visual sigue latente, más allá de la cuestionable relación matrimonial.

Al fin de cuentas, hay un cadáver en el piso. Algo que el inspector tendrá que desentrañar. ¿Es un crimen pasional o es un asesinato premeditado? Rani es la principal sospechosa y explica todo su situación cuidadosamente aclarando que ella no mató a su esposo. A partir de aquí, el cineasta Vinil Mathew juega con el observador. Introduce la duda y la sospecha de forma satisfactoria gracias a la notable labor de sus protagonistas. Tiene nuestra atención y la aprovecha hasta su desenlace final.

El gran manejo de su narrativa es lo que impulsa a La Belleza y el Enigma, pero lo que logra encantar es la comedia romántica de su primera mitad. Diseñada como una serie de telenovelas en donde los personajes resultan sumamente atractivos. A tal punto que, de haberse seguido por ese camino, con otro trasfondo, el resultado hubiese sido más convincente de lo que es. Pero esto es un drama matrimonial en donde la obsesión, la lujuria, la traición y el amor forma parte de su historia. Con lo que hay que esperar lo inesperable.

Si hay que señalar un defecto, es el final. Un tanto exagerado y controvertido. Pero la película es una historia de amor y de lo que uno esta dispuesto hacer para conservarlo.

PUNTOS POSITIVOS

El elenco. Todos destacables, inclusos los actores secundarios.
Rina (Taapsee Pannu) ilumina la pantalla con su presencia. El relato descansa sobre sus hombros. Su rostro diferencia notablemente los momentos de felicidad y angustia.
La dinámica narrativa es cautivadora.
El modo romántico establecido es sumamente eficaz. De haberse continuado con esa temática el resultado hubiese sido más optimo.
El film tiene escenas graciosas y dan en la tecla.

PUNTOS NEGATIVOS

Su final es algo controvertido y exagerado.
Algunos observadores pueden interpretar como toxica a la relación matrimonial.

RESUMEN

La Belleza y el Enigma es precisamente eso. Una cautivadora historia de amor con solventes giros narrativos. Es atrapante por su dinámica y por su elenco protagónico. Sin ellos el film perdería algo de ventaja en términos de credibilidad.

[usrlist “Puntuación: 4.0”]

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21/06/202103/08/2021

LUCA (2021)

La ultima animación de los estudios Disney/Pixar es un encanto que valora la vida y la amistad y que llega directamente al corazón.

Si Ud. es ajeno a los dibujos animados o a la animación computarizada, tómese un segundo y piense en el simple placer de la emoción. En aquella sensación de tristeza y alegría que se genera con solo mirarla o sentirla, representada en valores tan arraigados como la vida misma. Ahora, tomase otro segundo y piense si está dispuesto a revivirla a través de la mirada de dos niños que buscan consolidar la amistad. Sinceramente, Luca no lo defraudará. Es una historia simple y cautivadora que demuestra la importancia de los valores humanos, muchas veces olvidados, que resultan vitales para la construcción de una sociedad mejor.

Luca es una criatura marina que vive en el fondo del océano junto a su familia. Su exigente madre lo controla constantemente mientras el hace su trabajo diario, que no es otro que custodiar los peces como si fuese un pastor. La monotonía le hace sentir curiosidad por la superficie, algo que sus padres le tienen prohibido porque los humanos piensan que son monstruos marinos y su instinto es matar a todo aquello que genere peligro. Sin embargo, Luca se siente atraído por algunos artefactos caídos en el fondo del mar (un reloj despertador y unos naipes) y decide subir a la superficie.

Al salir del agua descubre lo impensado. Se transforma en un niño, de hecho lo es, pero con apariencia humana. Allí conoce a Alberto, otro miembro de su especie que le hará conocer un mundo completamente nuevo. Su nuevo amigo le enseña a caminar erguido y le muestra todos los tesoros encontrados, que guarda en una torre abandonada. En este momento vemos como los amigos se divierten intentando construir una motocicleta italiana Vespa, a la cual añoran tener para recorrer el mundo. Para encontrarla deberán llegar al pueblo.

Hasta que un día la madre de Luca se entera y le prohíbe volver a la superficie. A fin de evitar ser enviado al fondo del océano, Luca y Alberto se dirigen al Pueblo de Portorosso en busca de la ansiada motocicleta, pero se encuentran con Giulia, la hija de un pescador que quiere ganar el torneo Portorosso, un triatlón que consiste en nadar, comer pasta y una última etapa de bicicleta. Luca, Alberto y Giulia se preparan para vencer al campeón vigente, el matón Ercole Visconti que desprecia a los forasteros.

El cineasta italiano Enrico Casarosa construyó la historia en la Riviera italiana. Si bien no se detalla el periodo de tiempo, se presume, por la prendas y la música, que sería la década del 60. En este punto el aspecto visual es sobresaliente, tal y como nos tiene acostumbrado los estudios Disney/Pixar al desarrollar escenarios con amplio nivel de detalle. Tanto la claridad que traspasa la superficie y se refleja en el interior del océano como las pintorescas calles empedradas del pueblo lucen con una estética fotorrealista.

Pero la verdadera magia están en los personajes. Luca y Alberto son encantadores. Ambos transitan momentos de superación y lo mejor de todo que es verdaderamente sentido. Resulta increíble como las facciones del rostro de los personajes transmiten esa sensación de calidez emotiva ayudada por una narrativa simple pero efectiva. El hecho de que Luca explore su curiosidad por el mundo es fundamental para el desarrollo del personaje. Todo ello es llevado con un tono adorable gracias a la voz de los personajes como de las situaciones que afrontan.

Luca, es una historia simple donde se resalta los valores de la amistad, aquellos que elegimos pero que no abundan. En donde la ayuda llega cuando más se necesita y se valora mas allá de los silencios. Permítase emocionarse, en esta maravillosa aventura que aporta mucho corazón, y que seguramente usted ha sentido.

PUNTOS POSITIVOS

Los personajes. Luca, Alberto y Giulia son encantadores.
La animación computarizada es de primer nivel.
La idea del agua como peligro. Luca y Alberto no pueden mojarse si no quieren ser descubiertos.
Los valores que resalta el film. La amistad y la familia tienen un lugar destacado.
La musicalización. A tono con cada situación emotiva
Las voces de los personajes.

PUNTOS NEGATIVOS

Su trama se desvía un poco con la competencia de Portorosso.

RESUMEN

Luca es otro acierto de los estudios Disney/Pixar. Su agradable y simple mensaje no es ajeno a las emociones profundas. Una aventura divertida con un héroe adorable que valora la vida, la amistad y la educación. Un combo perfecto para disfrutar en familia.

[usrlist “Puntuación:4.0”]

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05/06/202103/08/2021

UNDERCOVER: Operación Éxtasis (2019-2020)

La plataforma de servicio de streaming NETFLIX produce su primera serie belga/holandesa, basada en una historia real.

Cada vez que nos disponemos a mirar un catálogo de series disponibles nos preguntamos si realmente vale la pena porque, a diferencia de un largometraje, la trama, en principio, está más elaborada. Esto quiere decir que se necesitan al menos tres capítulos para introducirnos en la historia, que juegan como un plazo de gracia para continuar con su visualización. Dicho esto, Undercover no lo necesita porque su relato logra captar el interés de inmediato gracias al magnifico trabajo de su plantilla actoral.

Ahora bien, ¿Cuál es la esencia de su trama? . La serie consta de dos temporadas, de 10 capítulos cada una, y se basa en la investigación policial en el tráfico de drogas y de armas ilegales. La policía belga/holandesa realiza un trabajo en conjunto para dar con la captura de Ferry Bouman, un capo de la droga que fabrica y trafica pastillas de éxtasis. Para ello necesitan infiltrarse en un camping belga para recabar información sobre los movimientos del grupo criminal.

Aquí entra en juego el titulo de la serie. Dos agentes encubiertos se hacen pasar por una pareja y alquilan una cabaña cerca de la Ferry. La misión es tratar de generar confianza para poder ingresar al selecto grupo de delincuentes y atraparlos en el momento de ejecutar la operación ilegal. En este aspecto es donde la serie se hace fuerte a medida que avanza los capítulos. Que su titulo genérico no desoriente. Undercover hace hincapié en las tareas de infiltración, esto es buscar el punto débil para generar una situación de confianza ventajosa, con lo que no esperen grandes secuencias de acción, persecución o de combate porque no es el fin por el cual fue creada. No lo necesita.

Undercover, cuya traducción sería Encubierto, relata las vivencias que tienen que padecer los agentes encubiertos para llevar adelante su misión, dejando de lado su vida privada. No es el fin de elcritico.com.ar generar spoilers porque cada capítulo retroalimenta al siguiente, con lo que solo se adelantará la labor de la pareja protagónica como de sus villanos.

Bob (Tom Waes) y Kim (Anna Drijver) son dos agentes con vidas diferentes. El es un padre de familia y es asignado al nuevo caso, luego de una exitosa misión encubierta. El estilo interpretativo que imprime el actor belga es realmente notable porque logra resaltar su personaje de una forma realista sin caer en sobreactuación. ¿Cómo lo hace? Utiliza su capacidad actoral en el momento oportuno y cuando la narrativa se lo permite, con lo que sus medidas expresiones faciales y sus silencios están desarrollados con buen timing.

Esta cualidad interpretativa le permite transitar los 20 capítulos de la serie con total facilidad porque su personaje no cansa. Al contario, va evolucionando a medida que se encuentra con dificultades de la trama. Sin dudas un actor con buena presencia escénica, que maneja varios idiomas, y que se desenvuelve como si fuese una especie de Jean Paul Belmondo moderno.

En cuanto a su compañera de elenco, la actriz y modelo holandesa (Anna Drijver) desarrolla un digno papel al ser la figura de contrapeso dentro de la pareja encubierta. Representa a una mujer soltera con hábitos policiales estratégicos diferentes al de su partenaire. Ambos necesitan acercarse a Ferry lo más rápido posible y ella será clave al empezar un vínculo afectivo con la mujer del traficante.

Y llegamos a unos de los villanos por el cual se basa la historia. Ferry Bouman, interpretado por Frank Lammers. Nobleza obliga es lo primero que elcritico.com.ar tiene para decir. ¿Por qué esta expresión? Porque el actor holandés interpretó al mismo personaje en Ferry (2021), film posterior a la serie y donde luce más joven para narrar los comienzos de su imperio. La impresión no fue positiva pero si lo es en Undercover.

Lammers desarrolla su personaje de forma magistral. Es el alma de la serie y su presencia es significativa cada vez que aparece en pantalla. Si bien compone a un narcotraficante violento y desconfiado logra ese aura que muy pocas actores logran exteriorizar. Sabemos que es el “malo” y que en algún momento recibirá su cometido, pero al mismo tiempo nos resulta atractivo visualmente generando una empatía pocas veces vistas en otro personajes.

Caracortada (1983) o Fuego Contra Fuego (1995) pueden resultar de ejemplos en donde los maleantes nos pueden resultar atractivos. Que no se malinterprete, se hace referencia a la cualidad interpretativa, Aquella que despierta un interés en el observador por la composición del personaje, no así por su comportamiento ilícito.

Lammers está en esa línea. Lo que alguna vez supieron exhibir actores como Al Pacino y Robert De Niro, lo hace el actor holandés brindando una excelente interpretación. Sin dudas Ferry Bouman le dará la fama mundial que no necesita en su país de origen.

Ahora Ferry no está solo, es el líder de una banda de narcotraficantes. En este aspecto el grupo luce vulnerable, salvo su cuñado que se encarga de los contactos y de los negocios representando al hombre de confianza. Pero la parte dramática/ emocional se la lleva la actriz holandesa Elise Schaap, representando a la esposa de Ferry. Su interpretación de mujer “inocente” será la clave para que los agentes puedan infiltrarse en la vida del matrimonio . La serie le tiene reservada varios capítulos en donde se evidencia una clara transformación emocional de la protagonista.

Sin ánimo de revelar spoilers la segunda Temporada introduce a dos villanos, los hermanos Bergers. Ambos lucen convincentes y mantienen el interés ganado de la primera parte. Se diferencian de Ferry en su comportamiento y en su actividad. Los hermanos, Jean-Pierre y Laurent, son mas cerebrales y fríos, con lo que inducirá a utilizar nuevas tácticas de infiltración. El transporte ilegal de armas es una empresa familiar donde la corrupción parece estar disimulada por un rancho de caballos que representan la tradición estadounidense. Vale la pena señalar la correcta interpretación de todos los actores/actrices secundarios que forman parte de un engranaje en la que se mueve la máquina visual Undercover. Es justamente ese equilibrio adecuado entre los interpretes que logra que la serie sea totalmente adictiva.

Undercover se sumerge en una historia basada en hecho reales pero lo aborda desde el punto del vista de los agentes encubiertos. De aquellas personas que dejan su vida para representar a otra a costa de un procedimiento legal. En este aspecto la serie se permite autocuestionarse. ¿Hasta que punto se pueden respetar las normas legales y morales para atrapar a un delincuente? En ese camino de duda transita Undercover donde el riesgo y la supervivencia se balancean.

PUNTOS POSITIVOS

Las interpretaciones. Son de primer nivel. Frank Lammers (Ferry) y Tom Waes (Bob) ofrecen labores destacadas.
Muy buenos actores secundarios.
La premisa como su secuencia narrativa están bien ejecutadas. Los capítulos atrapan y son netamente adictivos.
Esta inspirada en un hecho real.

PUNTOS NEGATIVOS

La temporada 2 tiene pocos minutos de Ferry.
Algunos conceptos morales que intenta resaltar el Jefe de Bob. Lucen desatinados teniendo en cuenta el esfuerzo y el sacrificio personal del protagonista y de la operación.

RESUMEN

Undercover es una recomendable serie de crimen donde las tareas de infiltración tienen una destaca puesta en escena. Su atractiva premisa solventemente ejecutada y su adecuado equilibrio interpretativo la hacen un producto policial adictivo.

[usrlist “Puntuación:4.0”]

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28/03/202123/08/2021

THE FATHER (2020)

GANADOR PREMIO OSCAR MEJOR ACTOR ANTHONY HOPKINS

GANADOR PREMIO OSCAR MEJOR GUION ADAPTADO

Dramatizar una situación familiar implica desarrollar una temática que resalte los problemas como el desgaste emocional de enfrentarlos. Este punto se vuelve mas íntimo cuando representa a ciertas personas que han transitado o transitan enfermedades no resueltas por la comunidad científica.

The Father (El padre) aborda la demencia senil y el sentimiento de angustia por no resolverlo. Es una película dura de ver por lo que representa y por las decisiones que están en juego. Elcritico.com.ar adelanta parte de la reseña para advertir aquellas personas sensibles que han sido testigo de los padecimientos de la enfermedad de algún familiar.

Anthony Hopkins interpreta a Anthony, un ex -ingeniero octogenario que vive en un amplio departamento en Londres. Su hija tiene planes de vivir en París y se encuentra preocupada por la futura soledad y salud de su padre. Para ayudarlo va contratando diferentes cuidadoras de ancianos que el progenitor rechaza porque niega su condición de salud. En este punto el observador entrará en una instantánea confusión que se ira desvaneciendo con el transcurso de los minutos. El comportamiento de Anthony demuestra una disociación emocional con lo cual el observador no tardará en darse cuenta que el protagonista está enfermo.

Ahora bien, lo que hace recomendable la película es su puesta en escena y su alto nivel interpretativo. El hecho de narrar la historia como si fuese una obra de teatro no es casualidad. Florian Zeller es un dramaturgo con fuerte experiencia teatral. Su novela homónima la traslada a la gran pantalla imprimiendo esa composición escénica. ¿Cómo lo hace? Con una solo locación. Toda la película se desarrolla en un departamento donde el uso de las puertas sirven para representar el inicio o fin de una escena. También se vale del timing teatral en donde los diálogos y las pausas están prefabricadas para armonizar la representación escénica.

Todo ello no se podría realizar sin la labor de sus intérpretes. Anthony Hopkins desarrolla una interpretación fabulosa, digna de un Oscar. Caracteriza a un hombre confundido que lucha con su propio síntoma. Transita diferentes momentos de conducta en donde el actor galés hace gala de su estilo dramático/teatral. Pasa de la comprensión a la inestabilidad emocional en cuestión de minutos y lo hace con un desempeño artístico notable.

Hay dos diálogos en particular que movilizarán sentimentalmente al observador. En el inicio y final es donde casualmente el protagonista parece entender lo que está viviendo. Una actuación memorable y de obligatoria visualización para todos aquellos que valoran la calidad interpretativa.

En el mismo nivel esta su compañera de elenco Olivia Colman. La actriz británica, conocida por interpretar a la reina Isabel en The Crown (La Reina), desarrolla un personaje conmovedor. Anne es la hija que observa el deterioro mental de su padre. La angustia y sufrimiento que transmite es emocionante porque cualquier decisión que tome será reprochada. No por el observador, que seguirá sus movimientos con suma pena, sino por el personaje que combate hasta último momento la enfermedad de su padre. Ella tiene derecho a una vida y a ser feliz ya que conoció a un hombre en París, pero ¿Cómo separar ese vinculo paternal inquebrantable? ¿Quién podría juzgar su comportamiento? Seguramente habrá posiciones encontradas pero en la vida uno hace lo que puede y como puede en un determinado contexto.

Florian Zeller se vale de un par de trucos para representar el deterioro mental de Anthony. Los muebles, la iluminación y los colores de la entorno irán cambiando sutilmente porque la enfermedad esta retratada desde el punto de vista del enfermo. Un punto por demás innovador ya que el protagonista transita una realidad irreal producto de una enfermedad progresiva que afecta su memoria.

The Father producirá diversas sensaciones y en las que ganará en emotividad. Pero hay una de ellas que representará al terror por lo desconocido ya que el Mal de Alzeimer es una enfermedad que afecta la etapa de la vejez y en la que todos vamos en camino.

PUNTOS POSITIVOS

Anthony Hopkins y Oliva Colman. Perfectos en sus papeles. El padre y la hija en una relación angustiante y conmovedora.
La enfermedad desde el punto de vista del protagonista. Su texto narrativo y su cambio de entorno permiten individualizar el decreciente estado mental.

PUNTOS NEGATIVOS

El ritmo narrativo decae un poco en su segunda mitad. Esto no es óbice para que los protagonistas mantengan un alto nivel interpretativo.
No recomendable para aquellas personas que han sido testigos directos de la enfermedad de un familiar.

RESUMEN

The Father es una obra literaria llevada a la gran pantalla. Su delicado contenido narrativo es representado en forma formidable por dos artistas que han sido formados por escuelas de arte dramática británica.

[usrlist “Puntuación:4”]

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01/02/202124/08/2021

BAJOCERO (2021)

El factor sorpresa es un recurso dentro de la técnica narrativa cinematográfica. Su éxito dependerá de varias secuencias que hagan que el observador no adivine el camino del relato.

Al momento de narrar una historia se va planteando una secuencia narrativa. Esto es una serie de escenas que se van desarrollando y que configuran el desarrollo de una trama. Ahora bien el argumento nos ubica en tiempo y espacio pero ello no significa que suministre indicios de su tono narrativo. Este planteamiento es utilizado en Bajocero donde su puesta en escena entrelaza giros narrativos sorpresivos.

TRASLADO A BAJAS TEMPERATURAS

El frío invernal y la densa niebla de madrugada es el entorno en el cual se desarrolla la película. Bajo este clima dos policías deben trasladar a seis presos de un establecimiento penitenciario. Hacia allí se dirigen Martín y Montecinos quienes se conocen minutos antes a la tarea encomendada.

Durante la inspección de rutina los internos transitan (uno a uno) la exigente inspección de requisa corporal en donde se evidencia el comportamiento reglamentario de Martín. Es un agente que se mueve según los protocolos con lo que le llevará algún que otro entredicho con Montesinos. Es un policía que no pierde la compostura y que no entra en el juego verbal con los presos.

Luego de la requisa los internos son introducidos en un camión blindado con celdas independientes. El vehículo de traslado es escoltado por un móvil policial pero en el trayecto son sorprendidos por un extraño sujeto que reclama la liberación de uno de los reclusos sin motivo aparente.

Los reclusos a punto de confrontar con Martín

El director Lluís Quilez elabora un thriller de suspenso apoyándose en el carácter interpretativo de los protagonistas y en la ambientación invernal. Para ello desarrolla una premisa sencilla y de fácil lectura visual utilizando un buen timing narrativo para introducir el elemento sorpresa.

Cuando el camión de traslado es atacado en plena carretera se empieza a diagramar un escenario de suspenso e intriga con pequeñas sub-tramas bien elaboradas que se irán conectando con el avance de la historia y que no es posible develar.

El cineasta parte de una situación simple y no es otra que el ataque al camión de traslado. La escena muestra a un individuo preparar una hilera de clavos en el camino para detenerlo. Luego del éxito de la trampa comienza a disparar al personal policial. Los disparos llevan destino de muerte con lo que Martín decide bajarse y verificar el estado de Montesinos.

En ese momento observa el cuerpo tirado de su compañero y un móvil de acompañamiento volcado. En su interior se encuentran dos policías muertos con lo que decide trasladarse a la parte trasera del camión. Allí encontrará seguridad porque el cubículo es blindado pero deberá lidiar con el grupo de reclusos.

Mientras tanto uno de ellos planea fugarse con una pequeña ganzúa que escondió en los momentos previos a la requisa. Por los antecedentes y por el trato que se le dispensa pareciera ser el interno más violento. Su proyecto de poner un bar lo mantiene firme en la idea de fuga pero chocará con el espíritu reglamentario de Martín que no dejará que nadie se burle de la ley.

Pero el escape de los reclusos no es la base del relato sino la presencia violenta y demandante de un misterioso tirador en la carretera. Su ataque es en principio desconocido pero genera la muerte de tres policías. Su demanda no es otra que la liberación del interno Nano quién dice desconocerlo.

Aquí se logra un contrapunto. Como el personal de seguridad se encuentra disminuido el protagonista (Martín) deberá lidiar con dos clases de amenazas: la interna (reclusos) y la externa (sujeto desconocido).

Pero la principal preocupación la generará el individuo de nombre Miguel que no tiene escrúpulos para matar y que intenta negociar con los integrantes del camión por la liberación de Nano. En este momento se producirán una serie de acciones y consecuencias que no se revelarán pero que ensalzan el interés del relato.

A esta altura el cineasta logra captar la atención del observador y que irá en aumento a medida que avanza la trama. Es justamente su sencillez la que hace que tome fuerza narrativa partiendo de una base argumental sólida, que genera sub-tramas, pero que no deja de ser lineal.

Las situaciones planteadas son llevadas con un timing narrativo sobresaliente que generan adecuados puntos de tensión e incertidumbre. Por momentos el hecho de no saber lo que realmente está sucediendo esta muy bien logrado.

En definitiva el diagrama del relato va introduciendo diferentes tipos de situaciones. Algunas de ellas dramáticas y claustrofóbicas donde la vida y la muerte penden de un hilo. El resultado no deja ser más que satisfactorio logrando reunir todos los interrogantes en su desenlace final.

Martin bajo fuego en una escena de la película

MUY BUEN DESEMPEÑO ACTORAL

Javier Gutiérrez interpreta a Martín. Su caracterización de policía honesto y reglamentario es convincente. Logra conectarse emocionalmente con todos los intérpretes. No se evidencia sobreactuación ni exceso de protagonismo.

La interacción con uno de los reclusos (Ramis) y con Miguel (Karra Elejalde) es digna de comparación con obras estadounidenses en las que trabajan figuras estelares. Muy buen trabajo.

El cine español goza de una excelente reputación al producir diferentes tipos de series y películas de notable factura técnica e interpretativa. Bajocero es una de ellas configurando un thriller de primer nivel y a la altura de las grandes producciones hollywoodenses.

Bajocero se encuentra disponible en el catalogo de Netflix.

PUNTOS POSITIVOS

La ambientación. Las interpretaciones de Javier Gutiérrez (Martin), Luis Callejo (Ramis) y Karra Elejalde (Miguel).
Buen manejo del tono narrativo. Las sensación de claustrofobia dentro del camión.
Su espectacular final.

PUNTOS NEGATIVOS

La ausencia de apoyo policial durante el ataque al camión penitenciario.
El comportamiento del personaje de Karra Elejalde no justifica su petición. El hecho de tirar a matar a los agentes policiales se podría haber evitado. Su omisión le hubiese dado un toque más emotivo y valedero a su reclamo.

RESUMEN

Bajocero es un thriller de primer nivel que conjuga diferentes situaciones narrativas. Su fuerte carga interpretativa la ubica a la par de producciones hollywoodenses.

[usrlist “Puntuación:4”]

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28/12/202025/08/2021

SOUL(2020)

GANADORA PREMIO OSCAR MEJOR PELICULA ANIMADA

GANADORA PREMIO OSCAR MEJOR BANDA SONORA

Los estudios Pixar tienen la habitualidad de elaborar películas de animación computarizada con un corte netamente infantil. Han transcurrido 25 años desde el estreno de Toy Story, quizás su éxito mas rotundo.

Ya no se elaboran simples películas animadas para entretener solamente a los chicos sino que ahora se incluye al adulto. Los pequeños se distraen con los dibujos. Los grandes con la historia.

El logro de los estudios Pixar es saber crear personajes que capten la atención de los niños pero con un trasfondo narrativo dedicado al publico adulto que en definitiva disfrutará la historia por su contenido político, económico y social.

Soul sigue esa línea, pero se animaron a ir mas allá. Su contenido es netamente para adultos. Es una historia profunda, de valores y de sentimientos. De difícil lectura para los niños pero de gran valor emocional para los grandes.

UNA PELICULA QUE LLEGA AL ALMA

La historia narra la vida de Joe. Un profesor de música que esta a punto de ser nombrado titular permanente en una escuela. Su pasión por el Jazz lo lleva a probarse en una banda a cargo de la popular saxofonista Dorothea Williams. Luego de demostrar su talento en el piano es contratado por la áspera dama a tocar todas las noches y formar parte de su banda.

Su alegría es tal que recorre distraído las pobladas calles de New York, hasta caer en una alcantarilla. Inmediatamente vemos como su alma deja el cuerpo de Joe y se eleva “al más allá” .

Tal situación es tratada con total maestría por los estudios Pixar ya que el personaje ha muerto. Pero la secuencia es tan rápida que no da tiempo a procesar lo que estamos mirando.

Como se rehúsa a morir termina cayendo en un lugar llamado “el gran antes”, donde se encuentran las almas nuevas que están esperando un cuerpo para vivir. En este lugar conoce al número 22, un alma nueva que no le interesa vivir y en cual pasaron diferentes tipos de mentores para tratar de convencerla.

Esta visión surrealista es adornada por coloridos escenarios donde conviven diferentes tipos de almas nuevas, cada una con su personalidad, guiadas por un mentor seleccionado por un ser supremo de nombre Jerry.

Pixar explica este universo como un colegio donde las almas nuevas tiene un maestro que le rinde cuentas a su director, quién es el encargado de mandar las almas a la tierra.

El alma de Joe tratará de sacar provecho de esta situación y se hará pasar por un mentor del alma numero 22, quién no tiene ningún deseo de vivir. Diferentes tipos de mentores han fracasado en la búsqueda de encontrar esa chispa y que Joe tratará de aprovechar para poder regresar a la tierra.

A partir de aquí comienzan la relaciòn entre las dos almas generando un vínculo afectivo que llevaran hasta su desenlace final y que no se revelará para no generar spoilers.

Dicho esto la película es emocionante. Narrada de forma magistral. Nos damos cuenta que el mundo creado por Pixar es más que un dibujo. Tiene una profundidad inusitada en lo que respecta al sentido de la vida. Al solo hecho de vivir simplemente.

Parece mentira que en un año desastroso a nivel social y económico donde el maldito coronavirus sigue estando presente existan este tipo de películas que nos hagan recordar que somos seres vivos a pesar de todo y que hay que disfrutar de la vida. Solo eso. No hay lugar para cualquier otro análisis.

Con respecto al apartado grafico, es más que notable su realización, con un nivel de detalle que roza la perfección. La escena de la peluquería y las coloridas calles de New York dan muestra de ello.

RESUMEN

Soul es una película animada para adultos. Disfrutable de principio a fin y en donde nuestro corazón y sentimientos serán puestos a prueba.

[usrlist “Puntuación:4”]

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18/12/202025/08/2021

GOLDFINGER (1964)

Cuando en 1962 se estrenó Dr. No, la primera película del agente secreto 007, la audiencia y la crítica no estaban preparadas para lo que vendría: el nacimiento de una de las sagas más exitosas de la historia del cine.

Fue tanto el impacto visual que causó la película que en los años siguientes le sucedieron De Rusia Con Amor (1963) y Goldfinger (1964). Esta última terminó de consolidar al personaje y a su actor protagónico, el gran Sean Connery.

Basada en la novela de Ian Fleming Goldfinger (Dedos de Oro) continua con las aventuras de sus antecesoras donde los autos, las persecuciones y las mujeres eran un combo irresistible para esa época.

ETERNO CONNERY

Mucho tuvo que ver la elección del actor que se pondría en la piel de 007 y Sean Connery reunía todos los atributos. Si bien al comienzo fue una apuesta de parte de los productores (no olvidemos que Connery era escocés) su consolidación fue definitiva porque era un actor que era aceptado por el público (femenino y masculino).

La platea femenina pagaba la entrada para ver a Connery. Era alto, morocho, vestía bien, manejaba lindo vehículos y era todo un seductor. En cambio el hombre asistía al cine para ver lo que Connery podía hacer por ellos, se sentían representados porque era un personaje que tenia todo lo el hombre deseaba. Autos, trajes, mujeres. Connery era su representante en la fantasía. Todos querían ser como el.

Eso es lo que Connery logró. Unir a todo una generación de hombres y mujeres que asistían en masas para presenciar un mundo de fantasías. El niño tenía el jardín y el colegio. El adulto a 007. Era su entretenimiento.

Seguramente muchos dirán que cualquier otro actor hubiera llevado el mismo éxito que Connery porque el personaje, el agente 007, el espía con licencia para matar era la clave. No importaba el actor sino el personaje. Seguramente si, o quizás no, no lo sabemos.

La realidad es que Connery contribuyó con su talento y carisma a fortalecer al personaje. Le dio vida y le dio una impronta. Su caracterización como agente cínico, duro, seductor y que no duda en matar, fue tomada por el vigente 007 Daniel Craig. Siempre se vuelve a las fuentes y Connery tenía la receta.

Además no solo se veía bien en pantalla sino que era el dueño de una voz muy particular, agradable al oído, única. Su tono fuerte, claro y de locutor se identificaba hasta con los ojos cerrados.

Para el critico.com.ar fue el actor que mejor pronunció el nombre Bond James Bond. Lo hizo con seducción y sin mover ningún rasgo de su cara. Incluso con un cigarrillo en la boca. Su secreto estaba en la naturalidad. Por ello Connery nació para interpretar a 007.

GOLDFINGER: HISTORIA

James Bond deberá investigar a un poderoso magnate que transporta sus reservas en oro sin ser detectado. Pronto descubrirá que su plan no eso otro que quebrar las reservas de Estados Unidos atacando directamente el Fuerte Konx.

La película comienza con su tradicional introducción. Una mira apunta al agente, mientras se encuentra caminando. Luego dispara y la pantalla se tiñe de sangre. Esta secuencia se transformó en una marca registrada de las películas de 007 haciéndola única en el mundo del espectáculo.

Las películas de 007 siempre comienzan con una misión que no tiene nada que ver con el trasfondo de la historia. Este tipo de montaje, generalmente de cuatro o cinco minutos sirve para la presentación del personaje, que ya conocemos, pero que esperamos atentos por las secuencias de acción que están por sobrevenir. Es como un plato de entrada antes de la comida principal.

Cuando culmina su misión, generalmente exitosa, comienzan los títulos de presentación con un tema musical, seleccionado especialmente para el nombre de la película, que se repetirá, en tono orquestal, cada vez que el agente entre en escena o cuando alguna situación romántica lo amerite.

La voz de Shirley Bassey en el tema de apertura es espectacular. Su voz limpia, potente y clara con las trompetas sonado de fondo ya es un clásico. Ella es la verdadera chica Bond ya que también prestó su voz en Los Diamantes son Eternos (1971) y Moonraker (1979).

Es increíble como a lo largo de sus 24 películas se siga manteniendo el estilo. Pasan las generaciones y se mantiene el mismo formato. Solo cambió, por supuesto, la velocidad narrativa, muy propio de la actual generación.

Goldfinger es una película de espías, muy propia de esos tiempos. Su lento ritmo sirve para introducirnos en ese mundo, donde el argumento es el tema central. Aquí la grieta esta divida de antemano. Hay Buenos y Malos.

El actor alemán Gert Forbe interpreta a Godfinger. Es el villano que trabaja para SPECTRE, una organización secreta terrorista cuyo principal objetivo es el dominio del mundo, y que que contará con la ayuda de un oriental de nombre Oddjob cuya arma es un sombrero con filo de metal que arroja como una sierra.

EL plan de Goldfinger es llevar adelante la Operación Grand Slam y atacar el Fuerte Knox, lugar donde se encuentra la mayor reserva de oro del mundo, para colapsar el sistema financiero.

Lo genial de estos personajes es el trato cínico y respetuoso, a la vez, con el agente 007. No existe el insulto o la grosería en su vocabulario. Son villanos sofisticados. Locos pero respetuosos. Golfinger es uno de ellos, interpretado magistralmente por el intérprete alemán.

En cuanto a la presencia femenina, tan frecuentes en estas películas, se destaca la bella actriz británica Honor Blackman, interpretando a Pussy Galore, a la que Bond tratará de convencer para frustrar los planes de Goldfinger.

La dirección estuvo a cargo de Guy Hamilton. Si bien el cineasta ingles tenía todas las cartas a su favor, ya que contaba con una novela exitosa, una gran villano y un 007 consagrado, su logro fue dosificar la intervención de cada personaje respetando la regla de oro en el cine: la acción y el argumento deben comprenderse.

La escena en Suiza donde Bond recorre la ruta sinuosa de Ginebra es otro clásico. Esta filmada con simpleza pero no es lo que se muestra sino lo que representa. Un Bond en estado puro a bordo de un portentoso Aston Martin DB5 color gris plata con el paisaje suizo de fondo elevan al personaje, dándole un matiz elegante y sofisticado, a tono con el estilo británico.

Sean Connery falleció el 31 de octubre del 2020. Fue más que un grandioso actor, fue un modelo a seguir, un icono del cine. Será recordado por las diferentes interpretaciones que ha realizado a lo largo de su extensa y exitosa carrera. Pero para la generación del 60 y 70 siempre será recordado como Bond. James Bond

RESUMEN

Goldfinger aprovecha la estrella de Connery para narrar una historia de fantasía. Imposible en los tiempos actuales, pero muy agradable de ver. Cuenta con un tiempo narrativo pausado pero eficaz y nos demuestra que a veces los tiempos de antes eran mejores.

[usrlist “Puntuación:4”]

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04/12/202025/08/2021

MOSUL (2019)

Las películas ambientadas en el medio oriente tuvieron fieles exponentes en cuanto a tratamiento bélico se refiere, siendo las más recordadas La Sombra del Reino(2007), La Noche Más Oscura (2012) y El sobreviviente (2013).

Mosul se agrega a la lista pero con una particularidad: es una cinta protagonizada por actores iraquíes, en su idioma (Kurdo) y con evidente producción americana.

La película esta basada en hechos reales y está ambientada en la guerra contra el Estado Islámico (ISIS) cuya organización invadió y ocupó la ciudad de Mosul , con matanza y violación indiscriminada del pueblo de Irak. Es precisamente esta zona de conflicto, Mosul, donde un grupo armado iraquí (al que llaman “Swat”) resiste y combate al ISIS para proteger a su pueblo.

DIRECTOR DEBUTANTE CONOCEDOR DEL GENERO

El debutante director Matthew Carnahan, hijo del reconocido cineasta Joe Carnahan (Narc) desde el comienzo nos introduce en una ciudad devastada por los enfrentamientos bélicos. Donde el grupo iraquí “swat” frecuenta calles desoladas y destruidas. Donde en cada rincón hay una amenaza, logrando una destacada ambientación de los escenarios que hacen que el espectador realmente este viviendo una experiencia de guerra en el medio oriente.

Este logro del cineasta no es casualidad ya que es un guionista especializado en oriente medio siendo además el autor de la cinta La Sombra del Reino, arriba mencionada, por lo que debe saber de primera mano las vivencias a las que fue sometida el pueblo iraquí.

En cuanto a los protagonistas, se destaca el nivel actoral del comandante del grupo iraquí Jasem, interpretado por el actor Suhail Dabbach, quién es el personaje guía del equipo mostrando grandeza por sus compañeros caídos en combate como el amor que siente por la ciudad de Mosul. Basta mencionar una escena donde Jasem levanta la basura del piso y la tira a un cesto demostrando que se puede ordenar en el desorden de una ciudad destruida.

Las secuencias de Acción son variadas y muy bien desarrolladas. No hay ningún exceso de exaltación de patriotismo ni exageración en las escenas de combate. Son planos en secuencia real donde la matanza de uno y otro bando es sangrienta, cruel, pero no es desmedida.

Su desarrollo narrativo es más bien pausado. No hay constantes movimientos de cámara. Luciendo una puesta en escena cómoda para el espectador cada vez que el grupo iraquí transita, a pie o abordo de los hammers, las destruidas calles de Mosul.

La película cuenta con la producción ejecutiva de Anthony y Joe Russo, directores del film más taquillero de la historia del cine Advengers: EndGame.

CONCLUSION

Mosul es una película bélica en donde nos muestra la crudeza de la guerra y las consecuencias que se generan por ella, pero también nos recuerda que es lo más importante en este mundo y por el cual vale la pena vivir: LA FAMILIA

[usrlist “Puntuación:4”]

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19/11/202026/08/2021

ENTRE DOS FUEGOS (1996)

Una cosa es mirar una película de acción y otra cosa, bien distinta, es mirar una película de acción con Bruce Willis.

La particularidad que tiene el actor de llevar adelante las escenas de acción, que elcritico.com.ar señalara en el transcurso de la presente reseña, lo hacen único en un genero tan competitivo como es el de la acción.

En esta película interpreta a John Smith, un pistolero a sueldo que llega a un pueblo desconocido, de nombre Jericho, que es manejado por dos bandas mafiosas que se dedican al contrabando de alcohol. Como no hay orden, ni ley, el protagonista arriesgará su vida al tratar de prestar sus servicios a los dos grupos quedando como su titulo lo indica, “Entre dos Fuegos”.-

La película, cuyo titulo original es “The Last Man Standing” o el “El último hombre de pie”, conocida en Latinoamérica como “Entre Dos Fuegos”, tiene dos pilares fundamentales, complementándose uno con el otro, que hacen que las secuencias de acción luzcan espectaculares, crudas y originales a la vista del espectador. Estamos hablando de Walter Hill y Bruce Willis.

DIRECTOR A LA ALTURA DE SU PROTAGONISTA

Walter Hill es un director de cintas exitosas a lo largo de su extensa carrera detrás de cámara. Títulos como 48 horas (1982) e Infierno Rojo (1988) engrandecen su currículum como cineasta. Tiene la peculiaridad de filmar sus escenas a la vieja usanza, al natural, sin ayuda de efectos visuales por computadora logrando un resultado mucho mas realista y honesto al mostrar lo que realmente se ve en pantalla. No hay nada artificial en su labor como realizador.

Se expone como ejemplo una fantástica escena de la película, sin caer en spoiler, en donde Smith (Willis) entra a un salón -luego de haber sufrido la rotura del parabrisas, cubierta y farol de su auto- a reclamar una cuenta pendiente, con un integrante de la banda de Doyle. En este momento y luego de un breve dialogo, intercambian miradas al mejor estilo del viejo oeste, produciéndose un duelo gangsteril en donde el personaje de Willis desenfunda primero sus dos armas, despegando una ráfaga incesante de tiros, haciendo que el cuerpo del hombre de Doyle salga despedido por el aire y caiga a la calle. Esta escena, si bien luce exagerada no hace mas que lograr un impacto visual en la audiencia, que no se lo espera, sin perder su realismo. Una muestra del talento del realizador sin dudas.

BRUCE WILLIS, UNICO EN SU ESPECIE

Pero si bien el director es fundamental en la dirección/edición de una película no deja de ser menos la labor desempeñada de su actor principal y es aquí donde Bruce Willis es una pieza clave en cuanto a interpretación se refiere.

No estamos hablando de su calidad actoral, que sin dudas las tiene, sino de sus gestos. Su ceño fruncido , su mirada y la forma en que desenfunda su arma y empieza a tirar tiros no lo tiene ningún actor. Es como que acompañara las balas con su cara haciendo que el espectador mire la humanidad entera de este actor, independientemente de la vestimenta y arma que empuñe.

Por este talento y por las películas que tiene en su haber se ha ganado el derecho de sentarse en la misma mesa con otras grandes del cine de acción, como lo son Stallone Y Schwarzenegger.

La película tiene la participación de Christopher Walken y de David Patrick Kelly ( el actor que es sostenido por el brazo débil de Schwarzengger en Commando, antes de tirarlo) personificando al jefe de la banda irlandesa de nombre Mr. Doyle.

La banda sonora es otro punto a destacar, sonando fuerte el sonido que produce las cuerdas de la guitarra cada vez que el protagonista está por entrar en acción.

Aplausos para esta película, que si bien es una remake de una remake ( siendo la original Yojimbo, de Akira Kurosawa), supo combinar el western con una historia de gángsters, con un Bruce Willis en su máxima expresión.

[usrlist “Puntuación:4”]

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18/11/202010/05/2022

CONTACTO SANGRIENTO (1988)

Las películas de artes marciales tuvieron su momento de esplendor en la década del 70 y 80. Bruce Lee, Chuck Norris y Jackie Chan, entre otros, fueron sus principales exponentes. Era una época en que la demostración del arte marcial, quizás un poco como ahora, se mostraba en pleno movimiento, sin pausa, y que si bien formaban parte de una coreografía lucían fluidos a la vista del televidente.

Esto se mantuvo en el tiempo hasta que entró en escena un artista marcial belga de nombre Jean Claude Van Damme que cambió el estilo de hacer este tipo de películas.

Elcritico.com.ar no se refiere al contenido, que obviamente sigue siendo el mismo, sino a la forma en que se desarrollan las escenas de peleas luciendo mucho mas pausadas, en algunas casi en cámara lenta, dando un sentido de espectacularidad cada vez que intervenía Van Damme.

Muchos dirán que el logro de este “descubrimiento” se debe a Newt Arnold. Un cineasta casi desconocido pero que logró reconocimiento mundial al ponerse detrás de la realización de Contacto Sangriento (Bloodsport).

Pero dichas escenas fueron, son y serán una marca registrada de Van Damme quién realizo su primer papel protagónico con un espíritu y carisma arrollador comprándose al público de inmediato y de paso pulverizando todo posible competencia actoral en este genero.

La cinta (basada en el vida real de Frank Dux) gira en torno a la participación de un soldado/luchador del ejercito estadounidense( interpretado por Van Damme) en un torneo ilegal de artes marciales en Hong Kong al que llaman “Kumite”.

Como en todo producción ochentera no falta “el maestro” que enseña a nuestro protagonista a luchar, lo fue el “Señor Miyagi en la recordada Karate Kid (1984), dando un toque de justificación a la historia.

Con la aparición de estos personajes que transmiten todo tipo de conocimientos, no solo de combate, se logra una mueca satisfactoria y de aceptación en el espectador. Basta mencionar la escena donde el “Sensei Tanaka” le hace traer el desayuno con los ojos vendados al protagonista , quién luego de servirlo, logra detener un golpe dirigido por su maestro. Esta técnica será de suma utilidad en los tramos finales del film.

ESTILOS DE COMBATE PROPIO

Pero lo que realmente es destacable en esta cinta, es la puesta en escena de los combates en los que Van Damme se luce con dos estilos que lo marcaron para siempre en la historia del cine de artes marciales y de acción.

Estamos hablado de su artesanal “patada voladora”, “doble patada” o “patada helicóptero” dando un sentido de espectacularidad cuando es filmada en cámara lenta, como bien se señaló al comenzar esta reseña.

El otro estilo es el Split o apertura de piernas que Van Damme hace a la perfección, como si fuera un bailarín de teatro. Estos dos estilos son recurrentes en toda la filmografía de Van Damme que ha hecho de su físico un templo sin perder esa chispa o don natural que solamente tienen los elegidos, que es el carisma.

También es justo mencionar la labor del artista marcial, de nacionalidad china, Bolo Yeung, que participa en la cinta como el campeón defensor en el torneo de “Kumite”, logrando componer un personaje desafiante y amanzánate para el protagonista.

Una película altamente recomendable que ningún fanático de las artes marciales se debería perder.

Este año Van Damme cumplió 60 años. Así que SALUD Jean Claude y que el éxito le siga golpeando la puerta en este maravilloso mundo del cine que no tiene otro fin más que entretener.

[usrlist “Puntuación:4”]

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