LA MADRE (2023)

critica la madre

Jennifer López se sumerge en la acción con algunos altibajos técnicos. La Madre no va más allá de una propuesta entretenida. Transmitiendo en Netflix, con Joseph Fiennes y Gael García Bernal.

La producción de Netflix y la dirección, a cargo de Niki Caro, están dispuestos a darle todos los gustos a la superestrella del cine y la música Jennifer López. La versátil actriz es el centro absoluto de atención en un film de guion simple y edición entrecortada que, a la vista, termina perjudicando la calidad de cada secuencia de acción. Dichos altibajos también se exhiben en parte de la historia en donde no era necesario un tiempo de ejecución de dos horas para desarrollarla. La Madre, no es el retorno esperado de Jennifer Lope al cine de acción pero cumple con su función de entretener.

La trama sigue a la embarazada francotiradora (Jennifer Lopéz) convertida en informante del FBI con el fin de hacerse con la captura de dos traficante de armas, Adrian Lovell (Joseph Fiennes) y Héctor Álvarez (Gael García Bernal).  Los hombres no son solo objetivos de la agencia, sino que también representan un riesgo considerable para La Madre, ya que uno de ellos es presumiblemente el padre.  Después de un fallido intento de asesinato contra ella, se ve obligada a desaparecer para proteger a su hija. Años más tarde, sale de su escondite cuando descubre que su hija adolescente se encuentra en peligro.

Se dijo que La Madre tiene altibajos técnicos que pueden llegar a sopesar lo que debería ser una solida película de acción. Su simple guion le permite moverse de una secuencia a otra pero pocas veces lo hace con éxito y ello se debe a su mala edición, visiblemente entrecortada. La dirección cuidada en los planos de la bella figura de López, en donde nos muestra su excelente estado de forma , no se condice con una destacada puesta en escena en los momentos de acción.

En su defensa su puede argumentar que aquellos cortes rápidos e intempestivos puede deberse al uso de dobles en escena o para encubrir algún error en la filmación. Pero lo cierto es que la edición aquí empleada impide que la acción se prolongue un tiempo más del habitual, restando emoción y calidad en el producto final. Con lo que los entretenidos momentos de acción exhibida, se muestran descalibrados.

La película tiene una historia de fondo un tanto desprolija. Si bien el componente Madre-Hija se encuentra relativamente bien plasmado, la dinámica de personajes secundarios no evidencia atención alguna. Los hombres más buscado del FBI y que representa un riesgo considerable en la Madre se encuentran desdibujados. El personaje de Gael García Bernal es el que más sufre y luce intrascendente. Joseph Fiennes tiene un poco más de peso protagónico moldeando un sencillo villano sin ninguna faz emocional. En este aspecto el talento en pantalla, es desperdiciado.

Ahora bien, la clave de la confianza de La Madre es Jennifer López. Esta comprometida con su trabajo. A pesar del evidente uso de dobles en algunas escenas (especialmente los planos largos), López luce esplendida y no desentona cuando entra en acción. Lo mismo sucede con la interacción con su hija. La Madre es dura y de pocas palabras pero posee un instinto maternal que el personaje trata de negar. López logra transmitir esa sensación y hace que la película, a pesar de todo, funcione.

Por último, queda la sensación que a la película le sobre media hora en sus dos horas de tiempo de ejecución. La narración directa y sencillez del guion no son equilibrados, siendo el segundo acto (drama familiar) el que más se prolonga en el tiempo, y si bien sirve para acercar la distancia emocional entre Madre e Hija, no logra culminar acabadamente el tercer acto final, ligeramente anticlimático.

RESUMEN

Con todo, se puede decir que La Madre no es de aquellas películas de acción a considerar. La edición, entrecortada, no logra lucir las secuencias de acción que merecían ser más prolongadas. No obstante ello, cumple como entretenimiento con una Jennifer López comprometida.

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CREED III (2023)

Critica Creed III

La tercera entrega del “olvidado” hijo de Apollo Creed no está al nivel de sus predecesoras. Con una ausencia palpable de Rocky, Creed III, se abre indefectiblemente a su propio camino con una narrativa poco seductora y una convincente dirección que brinda un entretenimiento asegurado.

Michael B. Jordan parece tener las cosa claras, el actor ( ahora devenido director) que interpreta al “olvidado” hijo de Apollo Creed, Adonis Creed, está decidido a transitar su propio camino. Con la notoria ausencia (con aviso) de Sylvester Stallone y cualquier reminiscencia hacia Rocky Balboa, la nueva cinta de boxeo toma el inevitable riesgo de continuar sin el alma de la franquicia. Como entretenimiento cumple sin exigencias con sus pulidas secuencias de boxeo pero flaquea en puntos centrales de su narrativa que pueden llevarla al desgaste de la historia.

Después de ostentar el título mundial de pesos pesados, Adonis Creed decide alejarse de los cuadriláteros y concentrarse en su vida familiar y promover a futuros boxeadores. En su gimnasio se entrena el campeón mundial de los pesados, título que se tendrá que revalidar próximamente y el que Adonis gestiona su promoción. Sin embargo, un amigo de la infancia y antiguo boxeador, Damian Anderson, (Jonathan Majors), resurge después de cumplir una larga condena en prisión, interrumpiendo la paz que Creed ha encontrado para sí mismo en su retiro.  Ansioso por demostrar que merece su oportunidad en el ring, Damian crea problemas en las que solo se pueden solucionar arriba del ring. Ahora, Creed tendrá que enfrentar a un hombre que no solo tiene hambre de gloria sino que no tiene nada que perder.

Como preludio de lo que se dirá a continuación hay una serie de factores que bien pueden tenerse en cuenta y que inevitablemente balanceará en el animo del público adulto, estos últimos asiduos seguidores de la franquicia Rocky/Creed. La ausencia con aviso pero inexplicable de Sylvester Stallone como Rocky-primera película sin la parecencia del icónico personaje- hace que todo lo que luzca se mire de reojo, como una observación de prueba y comparación con sus anteriores entregas. Hay que decir que estos métodos son síntomas inevitables que funcionan automáticamente por culpa del legado exitoso de Rocky Balboa y su sana costumbre de presenciarlo en pantalla.

El otro condicionante es el arrastre de la historia que limita la eficiencia del guion. Aquí, Michael B. Jordan, en su doble rol- actor/director- cuenta con un guion poco seductor y su animo de ofrecer algo diferente en términos visuales termina sacrificando cierta cuota de emotividad. Esta sensación de humildad y grandeza ante la superación personal no debe ser comparada con las películas de Rocky y su explicación se debe a que la audiencia ya la ha comprado y no acepta imitaciones. Ello, no obstante, se ha tenido en cuenta en Creed III al matizar la sesiones de entrenamiento y otorgar un original uso de cámara lenta en las secuencias de boxeo.

Dicho esto, Creed III se balancea entre el pasado del protagonista, con la irrupción de un antiguo amigo boxeador, y un drama familiar que lo mantendrá alerta. Ninguna de las cuestiones tienen el impacto deseado y si bien son manejadas con criterio por la dirección e interpretes, nunca alcanzan el nivel máximo de de emoción genuina. En su defensa, se puede decir que el guion no colabora demasiado. Basta mencionar la oportunidad que tiene el amigo de Adonis, a pesar de que nunca ha boxeado a nivel profesional para luego enfrentarse al que detenta el título. Esta observación del esquema narrativo puede pecar de exagerado pero es justamente la grandilocuencia del oponente lo que ha caracterizado toda la franquicia y Creed III no lo tiene.

A pesar de ello, las actuaciones aquí son convincentes. Especialmente de Jonathan Mayors como Damian “Dame” Anderson, quién logra por momentos opacar a la figura de Creed con una interpretación matizada. En el cuadrilátero es donde mejor se desenvuelve la película ofreciendo una novedad en el desarrolla de las secuencias de combate. El uso, en ocasiones trascendentales, de la cámara lenta ofrecen una cuota de frescura y originalidad. La técnica utilizada recuerda al enfoque estilizado de las películas 300 y Sherlock Holmes con una dirección creativa solida. Pero, como toda novedad, puede que distorsione la fluidez constante y brutal que se requiere en las películas de boxeo en donde la materialización de la emotividad no requiere de esos trucos.

Michael B. Jordan parece encaminar el titulo de la saga en una cuarta entrega. Decidido a olvidar su pasado (la referencia a Rocky es nula) deberá encontrar más trucos que los visuales para suplantar el rendimiento de emotividad decreciente. Eso sí, Creed III cumple acabadamente como entretenimiento.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Creed III cumple con el deseo de entretener pero adeuda emotividad y no está al nivel de sus predecesoras. La creatividad detrás de cámara (con efectos de cámara lenta) logran su cometido pero no va más allá de un meritorio truco visual. Creed se olvida completamente de Rocky Balboa, algo que no será esquivo en los seguidores del semental italiano.

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SECUESTRO EN DIRECTO (2022)

critica secuestro en directo

El thriller de Mel Gibson no efectiviza su propio engaño. Secuestro en Directo (On the Line) tiene un buen comienzo pero su final no es recompensado.

La exitosa carrera de Mel Gibson ha sufrido un desvío hacia el abismo cuando el actor se vio involucrado en algunas declaraciones por demás controvertidas. A diez años de aquél suceso, su imagen ha entrado en decadencia y fue puesto en una lista negra por los grandes estudios cinematográficos. Esto motivó a que Gibson se involucre en películas mediocres o de bajo presupuesto para mantener viva su estampa de estrella de cine o de generar algún dinero, con el menor esfuerzo posible. La realidad es que es un tanto desalentador ver un talento como Gibson desperdiciado durante tantos años sin protagonizar películas a gran escala. Secuestro en Directo, no es un regreso triunfal de Gibson. Ni siquiera entra dentro de sus 15 mejores películas. Pero a pesar de sus fallido final, logra entretener por el carisma del actor. Algo que la dirección a cargo no supo como premiar.

Elvis (Mel Gibson) es un locutor de radio experimentado que trabaja en un programa nocturno, que atrae a un público con diversas problemas personales.  Cuando se dispone a salir al aire, una amenazante llamada lo involucra personalmente. Un ex-militar, Gary, decide poner toda su atención cuando le informa que su esposa y su pequeña hija han sido secuestradas por el maltrato que le dio a una exempleada, después de su paso en su programa. Con el destino de su familia en sus hombros o lo que es mejor su voz, Elvis deberá seguir las reglas del juego de Gary para asegurarse de que sus seres queridos salgan con vida.

Secuestro en Directo tiene una premisa simple y moldea su capacidad de atracción en una amenaza inesperada. Es un punto atrapante cuando hay vidas en riesgo y se plantea la forma para llegar a salvarlas. Aquí, Gibson interpreta a Elvis, una estrella de la locución nocturna que está acostumbrada a lidiar con personas desesperadas. Engreído por su capacidad de respuesta y presumido en su resolución, Elvis, recibe una queja de su jefa sobre la forma en que lleva a cabo su programa. El personaje le permite a Gibson desplegar su picardía pero pronto todo se desploma cuando recibe el llamado de Gary, quién llama para afirmar que el estilo mordaz de Elvis destruye vidas.

El reclamo se revela cuando el agresor comunica que su mejor amiga y ex empleada de la radio se suicidó por el trato de Elvis. Con el secuestro de su esposa e hija, comienza un serie de pruebas que se traducen en amenazas verbales si el anfitrión no está dispuesta a sobrellevarlas. Aquí, la dirección intenta atormentar a la audiencia con un suspenso desnivelado. Mientras Elvis y sus acompañantes tratan de recorrer el estudio buscando pruebas de vida, la guía de la voz agresora no tiene el impacto deseado.

Lo mismo sucede con el tercer acto final. Cuando la película muestra algunas cartas, el observador sabrá ganar la partida de antemano. La firme sospecha de que algo es como se cree que es será descubierta y le restará puntos al film. Una apuesta que pierde el factor sorpresa por utilizar dos veces el mismo truco. En relación a ello, se puede decir que en los momentos finales la dirección no aprovecha ni extiende el talento dramático de Gibson, pero a juzgar por los créditos finales no hay una intención clara de que ello ocurra. En definitiva, Secuestro en Directo entretiene pero no logra cerrar las expectativas dejando una falsa sensación de suspenso.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Secuestro en Directo (On the Line) juega con el factor sorpresa y con algunas dosis de suspenso. Ninguno de los dos cumplen las expectativas. Aun así entretiene y será valorada por los seguidores de Mel Gibson.

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ACCIDENT MAN 2 : Hitman’s Holiday (2022) 

critica accident man 2

Con abundantes coreografías de artes marciales en donde brilla el talento de Scott Adkins, Accident Man 2 no aprovecha los aciertos de su antecesora pero no deja de ser un viaje divertido.

Scott Adkins pertenece al genero de actores infravalorados. Su talento en el arte marcial lo ha llevado a ser un referente en películas de bajo costo en donde los recursos se materializan por la acción coreográfica que el actor inglés ejecuta. En esta oportunidad, Adkins impulsa un proyecto propio que comenzó en el año 2018 y en la que ha pasado desapercibido. Accident Man (algo así como el hombre accidente) centra su narrativa en los asesinatos accidentales con un toque de comedia negra . Su continuación se aparta de la esencia de su antecesora y en su lugar despliega abundantes coreografías de acción en donde brilla el talento marcial de Adkins. A saber, es un viaje entretenido para los seguidores del actor como para aquellos que busquen un placer culpable.

Accident Man 2 se centra en el asesino profesional Mike Fallon (Scott Adkins). Después de los acontecimientos de Londres, Mike huye a Malta para mantenerse desapercibido y continuar como contratista de asesinatos accidentales. Cuando su antiguo amigo Fred es secuestrado por una jefa de un peligroso sindicato del crimen, Mike se ve obligado a proteger a su hijo a cambio de la vida de su compañero.

Para empezar hay una clara intención en Accident Man 2 de exaltar una narrativa alegre, absurda y caricaturesca. Desde sus simples y desvergonzados diálogos hasta su ligera introducción de la historia hacen que resulte indiferente visualizar su primera parte ya que su continuación se sostiene por sí sola. Dicho esto, se puede decir que la original había construido las bases para el desarrollo en las preparación de los asesinatos accidentales. Si bien no hay ninguna pisca de originalidad en ella, ya que bien podría haberse tomado de la película El Mecánico (con Jason Statham) en donde el protagonista también disfrazaba los encargos de homicidio en un accidente, la utilización del humor negro y el estilo sombrío de las ejecuciones tenían su valor agregado.

Esta característica tan bien ganada en Accident Man es desaprovechada en su segunda parte y en este punto es donde la película pierde su eje. En su lugar lo compensa con las increíbles coreografías de artes marciales en las que Scott Adkins demuestra que es uno de los mejores en su genero. En relación a ello, todas las escenas de lucha se ven claras. Cada golpe lleva el destino deseado y si bien pecan de exageración van a tono con el aspecto caricaturesco de los personajes. Todas las piezas de acción fueron supervisadas por los hermanos Kirby (a cargo de la dirección). Especialistas en acrobacias, dando sobradas muestras que lo suyo son lo combates vistosos y exagerados. Quienes busquen este tipo de propuestas saldrán altamente recompensados.

Accidente Man 2 cuenta con una buena química en sus protagonistas. Gran parte de su éxito radica en el carisma de sus personajes y en los pasos de comedia que en muchas veces se ven involucrados. En este punto la incursión de Sarah Chang, quién, salvando las distancias, emula a un servidor del Inspector Clouseau  en la Pantera Rosa está bien direccionada. Su aporte trae frescura al elenco y es una buena opción para explotar su personaje, si es que hay una tercera parte. Con todo, Accidente Man 2 tiene lo que se necesita para entretener dentro de su caótica narrativa.

RESUMEN

En definitiva, Accidente Man: Hitman’s Holiday es un viaje alocado lleno de combates coreografiados donde brilla la figura marcial de Scott Adkins.

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MEDIEVAL (2022)

critica medieval

Seria en su estética y estilizada en su representación de época, Medieval, no logra su máximo potencial a pesar de su inspiración en otras películas de genero. La ambiciosa producción checa cuenta con algunos combates brutales y una destacada localización pero no logra la calidad deseada. Con Ben Foster y Michael Caine. Estreno el 8 de Noviembre en Netflix.

Se puede decir que hay una audiencia para cada genero cinematográfico en donde se procesan gustos preestablecidos. Pero en ciertos ocasiones las películas históricas logran unificar toda la atención ya que reviven momentos legendarios de la historia con la recreación de imponentes batallas con enfurecidos y obstinados guerreros. Medieval, está basada en la historia del héroe popular checo Jan Zizka, que se dice nunca fue derrotado en una batalla. Con un nivel de presupuesto acotado, situación en que los trabajos de edición de cámara y las hermosas localizaciones se encargan de disimular convenientemente en los brutales enfrentamientos, la producción checa goza de una seria estilización en su representación de época, pero no logra la calidad deseada de sus antecesoras.

Medieval comienza con Europa al borde del caos tras la muerte del Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico.  Son momentos de incertidumbre, codicia y tiranía en donde la legitimación del poder se establecía con la coronación de la Iglesia Católica. Con dos Papas en el horizonte, uno en Roma y otro en Francia, el negociador Lord Boresh (Michael Caine) tiene la tarea de lograr un paso seguro al heredero del Imperio (actual rey de de Bohemia), a la capital romana para efectivizar aquel propósito.

Sin embargo, se enfrentan con la oposición de Lord Rosenberg (Til Schweiger), un noble adinerado con la mirada puesta en la corona de Bohemia, y el rey húngaro Segismundo (Matthew Goode), el medio hermano del sucesor imperial, cuyo objetivo es llegar al poder.  Como el digno sucesor esta en bancarrota y necesita de los fondos necesarios para el viaje, Boresh se hace de los servicios de Žižka (Ben Foster) y sus mercenarios con el fin de secuestrar a la prometida de Rosenberg, Lady Catherine (Sophie Lowe), que también es sobrina del Rey de Francia, a cambio de un rescate.

Medieval basa su narrativa en traiciones y persecuciones de los aspirantes al trono sucesorio en donde sus ideas se materializan en la acción de sus guerreros. Desde esta perspectiva el guion no tiene mucho que hacer en cuanto a intriga de poder se trata, atento que los planes de los interesados se revelan inmediatamente. Esta falta de profundidad reflejada en sus diálogos no hace más que revitalizar el interés encubierto de la producción en la violencia brutal de los enfrentamientos. Lo señalado no se condice con la postura visualmente atractiva de la película, con hermosos paisajes y locaciones de imponentes de sitios históricos, que la dirección trata de resaltar en todo momento con cuidadas tomas aéreas.

El trasfondo político que se nutre la película no es del todo aprovechado. Hay buenos interpretes aquí (casi todos ingleses en una producción checa) pero el film no se detiene en situaciones de corte político que bien hubiesen servido para fundamentar más aún el interés de la misión principal. El digno sucesor, el actual rey de Bohemia Wenceslao IV, tiene un aporte intrascendente y su personaje se diluye en la atracción del secuestro de  Lady Katherine (Sophie Lowe). El giro rápido y repetitivo de su captura y recaptura, con traiciones y deslealtades incluidas, hace que la película pierda algo de ritmo. Algo extraño atento que no es una película artística, con una clara intención de exponer su cruda violencia.

Las escenas de batallas tiene sus puntos altos, con escenas de sangre y mutilaciones en forma explicita pero no tiene el impacto deseado. Incluso, en ocasiones, se evidencia un dejo de desprolijidad en el trabajo de edición que dificulta la mirada limpia de las peleas en momentos culmines. En relación a esto, se puede decir que Medieval se queda en las puertas de la gloria al carecer del sentido de la épica. En su defensa se puede argumentar la postura seria y terrenal del héroe principal, que según se cuenta nunca ha perdido una batalla. Pero dicho enfoque no le es favorable a Ben Foster (Žižka), cuya actuación es solida pero no así carismática. Lo mismo sucede con el reparto secundario, de manera que cada muerte le resultara intrascendente al observador.

Dicho esto, el héroe legendario checo no es implacable aquí. Goza de una buena secuencia estratégica pero no tiene un momento que lo ilumine como leyenda. Hay una evidente inspiración en Gladiador en la apariencia del protagonista como en su férrea voluntad de seguir sus convicciones pero su comparación aquí no es halagadora. Lo mismo sucede con las batallas. Su estética visual y sangrienta sigue el estilo de Corazón Valiente pero las dificultades antes señaladas (cortes de edición) le quitan limpieza visual a sus coreografías. Con todo, Medieval es altamente entretenida pero no consigue solidificar su historia, imponer el personaje y sobre todo, ignorar las películas mencionadas.

RESUMEN

En definitiva, Medieval no logra desarrollar todo su potencial. La falta de inversión en personajes de corte político, de carisma en su protagonista masculino, y del sentido de la épica en sus batallas hacen que la película se estanque en un simple entretenimiento.

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LOU (2022)

lou final explicado

El thriller de Netflix muestra su mejor forma en la actuación convincente de su protagonista principal (Allison Janney). Lou, tiene un buen comienzo y un ritmo adecuado pero sus giros no encastran del todo bien con el contenido de su historia. En su fin de entretener, Lou lo logra dignamente a pesar de su generalidad.

Lou, no pierde tiempo en captar la atención de la audiencia. En sus escasos minutos iniciales presenta una mujer solitaria, dura y misteriosa que oculta un extraño pasado. A esos ingredientes se le agrega un secuestro dentro de un pequeño pueblo en donde se avecina una gran tormenta. El thriller encuentra su mejor forma en el talento de Allison Janney, la actriz principal, de 62 años, que tiene ciertas “habilidades” para sobrevivir. Mientras que la nombrada como el elenco que la acompaña muestran actuaciones físicas y emocionales convincentes, el trasfondo de su historia no encastra bien con los giros que se ejecutan. Su resultado, es una experiencia visual entretenida y genérica dentro de un círculo narrativo un tanto confuso.

En un pequeño pueblo, Lou (Allison Janney) está a punto de tomar una drástica decisión. Después de buscar comida para su perro, matando un ciervo fuera de temporada de caza, y de extraer el total de su dinero bancario, del cual pretende donar a su vecina inquilina, la encuentra a punto de suicidarse. Mientras se avecina una fuerte tormenta, sus planes se ven interrumpidos cuando su vecina Hannah (Jurnee Smollett) le informa que su hija a sido secuestrada por su padre Philip ( Logan Marshall-Green). Sin ninguna posibilidad de comunicación con el sheriff de la ciudad, juntas inician una misión de rescate en donde se revelan algunos secretos.

Lou, trata de equilibrar la historia de los tres personajes centrales. Lou, Allison y Philip son los componentes de un guion que genera una indudable intriga. Se bien los personajes y sus historias se presentan con una elocuente moderación, a la hora de las revelaciones sus intenciones no están bien ejecutadas. Esto crea un ambiente de confusión con el trasfondo de la historia y sus motivaciones, logrando que el film no sea transparente y del todo efectivo en el uso de sus giros. Cuando llegan, pierden cierta influencia y no logran canalizar adecuadamente el sentido de su explicación. Así, entre la eficiente misión de rescate, con luchas incluidas, el circulo narrativo pierde brillo por la mención aludida.

Ahora bien, hay una cosa en particular en la que Lou es todo un triunfo. La actuación de Allison Janney (Lou) es eficiente, transformadora y brutal. Si bien no cambia el estereotipo de antihéroe, la forma salvaje en la que manifiesta su temperamento la hace digna de reconocimiento. Desafortunadamente, las futuras revelaciones no están en consonancia con el nivel interpretativo de la premiada actriz (ganadora de un globo de oro) quien brinda una performance solida y convincente, incluso en las escenas de lucha. En este punto, los desafíos físicos y obstáculos naturales que enfrenta la actriz gozan de buena credibilidad gracias a su impresionante fuerza emocional. El resto del elenco, la acompaña correctamente, sin sobresaltos.

La película también cuenta con una destaca ambientación. Con una dirección prolija, la película logra “vivir” el centro de la escena cuando las protagonistas están en peligro. Llegado el final y por el peso confuso de sus giros (en el cual se involucran cuestiones de maternidad) el film sufre de una generalidad inevitable. Con todo, Lou, con sus altibajos, logra entretener por la actuación sobresaliente de Janney y por un guion astuto, como genérico, que atrapará al observador por su misterioso comienzo.

RESUMEN

En definitiva, Lou, es un thriller que entretiene a pesar de su argumento genérico y de algunos giros no tan bien ejecutados. Como contrapartida, la transformadora y convincente actuación de Allison Janney hace que aquellos pasen algo desapercibidos.

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TIERRA SALVAJE (2022)

critica tierra salvaje

El drama que transmite Tierra Salvaje (Jungleland) tiene sus momentos pero no tiene el impacto deseado. Protagonizan Charlie Hunnam y Jack O’Donnell, como dos hermanos en busca del sueño americano. Disponible en Netflix.

Se dice que el boxeo es el arte de pegar sin que te golpeen, más o menos como en la vida en la cual se trata de cometer los menos errores posibles. Tierra Salvaje utiliza los golpes de puño como una referencia omnipresente en donde dos hermanos buscan el anisado sueño de la autoeficiencia económica. Impulsada por su oscuro tono dramático, la historia tiene sus momentos pero son sus giros los que no tienen el impacto deseado. Charlie Hunnam es en los papeles la estrella aquí pero es Jack O’Donnell el que sale más beneficiado.

Tierra Salvaje gira en torno a dos hermanos que están en bancarrota. Sin familia a que recurrir y en compañía de un perro galgo recurren al talento boxístico de uno de ellos para sobrevivir. Sin embargo, las cosas no le resultan nada fáciles al joven boxeador Lion (Jack O’Donnell), su hermano y manager Stanley (Hunnam) afronta una pesada deuda con el jefe mafioso local y pronto se verán en problemas. La relación consanguínea se pone a prueba cuando irrumpe una compañera sorpresa (Jessica Bardem), la cual deberán llevar en forma obligada si quieren participar de un torneo de boxeo sin guantes. Tal circunstancia pondrán en jaque las decisiones personales y profesionales.

La película no tarda en definir a sus protagonistas. Los hermanos merodean la ciudad en busca del sueño americano, queriendo lograrlo a fuerza de puños. Todos sus protagonistas son de descendencia británica pero ello no impide aquí representar la nacionalidad aludida. Con un precario trabajo en un fabrica textil, los personajes se mueven en un territorio conocido con lo que la audiencia se sentirá familiarizada. El film tiene un evidente enfoque de lo que sería una película de boxeo pero en realidad es mucho más profundo que ello, es la relación de hermanos con una dinámica muy complicada.

El guion le da a los protagonistas suficiente material para moldear sus personajes, resultando favorecido el talentoso boxeador (O’Donnell) atento que su sufrimiento se intensifica en los tramos finales del film. Hunnam (Stanley) tiene el personaje más llamativo pero no alcanza a llevar su papel al límite. Últimamente acostumbrado a personificar situaciones en desgracia (Véase Last Looks) parecería que el actor busca un salto de calidad que todavía no ha logrado conseguir. No obstante ello, su actuación es solida y convincente aunque en un nivel inferior a su compañero.

La historia cuenta con algunos giros, no tan bien definidos. Desde la introducción de una compañera de ruta de nombre Sky hasta la irrupción de un temible mafioso, cada conflicto sufre de un impulso decaído. Cuando la película cambia hacia el territorio del suspenso, con matones que representan al inframundo criminal, su revelación es demasiado absurda con el tono dramático de la película. El giro retorcido que se intenta aplicar aquí es tardío y no tienen el impacto deseado. De haberse manejado con más vehemencia, quizás el resultado no hubiese sido tan artificial.

Las emociones llegan en su acto final, pero como en todos sus giros, se siente con falta de eficacia. No obstaste ello, el drama que se intenta materializar reúne los ingredientes clásicos del genero aunque nada indica que su resultado pueda perpetuarse como tal.

RESUMEN

En definitiva, Tierra Salvaje (Jungleland) es un drama de dos hermanos con una dinámica muy complicada que puede verse a través de un enfoque de una película de boxeo. Las solidas actuaciones no se condicen con sus giros, los cuales sufren de un impulso decaído.

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BESTIA (2022)

bestia final explicado

Con poco sentido de la lógica , Bestia (Beast), ofrece un aceptable entretenimiento que no es tan bueno como el esperado. Esta vez, en cuanto a sustos, la frase de que no es lo mismo llamar al león que verlo venir, queda para otra oportunidad. Con Idris Elba.

Recrear animales salvajes y lograr que interactúen con actores de carne y hueso en una misma escena ha sido un desafío para los especialistas en efectos especiales. En el caso, la portentosa, intimidante y respetuosa figura del león puede ser que sea la más difícil de lograr por las características propias de los felinos. Bestia (Beast) tiene el mérito de, por momentos, conseguirlo pero desaprovecha una gran oportunidad a causa de un argumento con poco sentido de la lógica. La película ofrece un aceptable nivel de entretenimiento, que no es tan bueno como el esperado.

La historia se abre con el Dr. Nate Samuels (Elba), quién viaja a Sudáfrica junto a sus dos hijas para visitar el origen de su difunta esposa. Allí lo espera su amigo Martin (Sharlto Copley), que administra una reserva de caza. Mientras exploran la vida silvestre descubren que los lugareños han sido atacados por un león que ha escapado de cazadores furtivos. Atrapados y sin lugar a donde ir, deben encontrar la manera de sobrevivir en un territorio desconocido.

La película tiene el potencial para generar algunos sustos por la impactante presencia del león que merodea asiduamente a sus protagonistas, pero lo logra en contadas ocasiones. La razón puede ser que haya sido intencional para equilibrar la clasificación de edades de la audiencia. Pero lo cierto es que hay precisos momentos en que la falta del sentido de la lógica termina perjudicando cualquier intento de verosimilitud. Mientras que la película logra dar vida a un vengativo león, con destacado efectos en los movimientos de acecho y ataque, su guion es ejecutado sin riesgos ni sentido común.

Desde el carácter de sus protagonista (todos valientes ante el acecho constante del felino) hasta la forma en que son impulsados a defenderse, con un último acto por demás exagerado, el film minimiza su propia premisa. El reproche aquí no está en las cualidades heroicas de sus personajes sino en las aptitudes del león, en las que solo quedan como una simple amenaza. A saber, sin ser especialista en el comportamiento de estos animales es preciso mencionar que estos felinos tiene una impecable visión nocturna. Lo mismo con su olfato, el cual les sirve para detectar cualquier rastro de sangre cercana. Con lo que el film le niega este atributo esencial con una omisión pasmosa, ofreciendo en su lugar un clásico juego de las escondidas.

En el medio de la supervivencia, la película trae conflictos personales e intenta dramatizar la relación de Nate con sus hijas, mientras se producen los ataques del león. Esta circunstancia funciona en pocas ocasiones. Se presume que están diagramadas para poner los pelos de punta al observador, pero es la falta de sentido común las que impregnan sus decisiones logrando desvalorizarlas. En este sentido se podría haber profundizado un poco más en los problemas familiares (incluso hay recuerdos que lucen algo vacíos en su conjunto) agregando un poco más de tensión a un guion supeditado en la supervivencia de la familia.

En cuanto a las secuencias de acción, y al margen de lo antes dicho, se puede decir que están bien escenificadas. Visualmente, los ataque del león tienen el impacto deseado pero por diversos motivos no logra generar el susto esperado. En este sentido la película Garras o La Sombra y la Oscuridad, aquella película de 1996 protagonizada por Michael Douglas y Val Kilmer, es infinitamente mejor. No obstante ello, la ferocidad del felino está presente a pesar de su guion superficial. En cuanto al elenco, Idris Alba y sus hijas mantienen sus interpretaciones sin sobresaltos siendo el papel secundario de Sharlto Copley el más destacado.

RESUMEN

En definitiva, Bestia (Beast), es una película de supervivencia que se balancea en cuanto a entretenimiento. Con poco sentido de la lógica y un guion superficial, cuya atención se centra, principalmente, en los ataques del león.

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FALL (2022)

Con una increíble sensación de vértigo, (Fall), cumple en el genero de supervivencia. Eso sí, no es ajena a situaciones torpes como inoportunas.

Las películas de supervivencia no requieren mucho trabajo de narrativa. Los personajes y sus conflictos juegan un papel secundario de su estrella principal, que es el peligro que se genera. Con lo que todo se focaliza en el desarrollo de los efectos especiales para recrear un atmosfera de riesgo, vital, para cualquier forma de supervivencia. Fall, sigue ese criterio y lo cumple acabadamente recreando una increíble sensación de miedo en las alturas. Como todo película de genero no es ajena a un argumento torpe y por momentos inoportuno en el que se desenvuelven sus personajes principales.

Fall sigue a Becky (Grace Caroline Currey), una escaladora que no puede salir de un pozo depresivo. Su aventurero marido Dan ha perdido la vida mientras escalaban una montaña rocosa y ello le ha quitado su forma de vivir, refugiándose en el alcohol. Al cabo de 51 semanas aparece su entonces amiga Hunter (Virginia Gardner) para sacarla del ostracismo con una propuesta. Le ofrece escalar una torre de radio de 610 metros de altura en el medio del desierto. Cuando se comienza la aventura y llegan a la cima de la torre, la escalera se cae y quedan atrapadas en las alturas sin servicio de celulares, sin agua y sin que nadie las pueda socorrer. El tiempo y el vértigo apremian, mientras encuentran la forma de bajar.

La película sigue los parámetros del genero de supervivencia tal cual nos tienen acostumbrados. No hay aquí ninguna innovación que determine una idea diferente sino más que seguir un patrón de conducta de los personajes en la osadía de aventurarse al peligro y sus consecuencias. Esta situación genera un clima de torpeza en las decisiones que se someten sus actos, atento que no hay nada que las haya puesto allí más que su propia voluntad. Pero, fuera de la rebeldía de las protagonistas de turno como su endeble significado de la vida ( en donde el peligro de perderla es un factor común) hay una recreación del miedo a las alturas muy bien configurada.

Ese vértigo se representa en la pantalla de forma totalmente eficaz con imágenes que representan la altura de la torre en el medio del desierto. Así como Tom Cruise en el Protocolo Fantasma de Misión Imposible, Fall, triunfa en este aspecto con destacados efectos especiales de impecable factura técnica. Es más que probable que las acrobacias (si las hubiese) y la configuración de su entorno se hallan hecho en una sala de edición. Pero aquí hay que tener un ojo clínico para darse cuenta de ello. Desde que las protagonistas deciden subir la escalera de la antena de comunicación, con poco espacio para moverse, el miedo a las alturas comienza a producir efecto.

La película cuenta con algunos giros que pueden volverse un poco previsibles y hasta repetitivos de otras propuestas. Pero lo cierto es que sirve para complementar la acrofobia. En este aspecto las dos protagonistas no tienen mucho con que trabajar, más que evitar caer al vacío. No está del todo claro el mensaje de la vida que quiere transmitir el film (no hace falta ponerla en riesgo para darse cuenta de ello) pero esto no es motivo de análisis aquí. La cuestión es que los intentos de supervivencia y rescate están diseños para transmitir sensaciones de miedo en las alturas y en esto cumple satisfactoriamente en un tiempo de ejecución de casi dos horas.

CURIOSIDADES

  • La torre de televisión B67 no es una torre existente. Según el director, la película se basó en la torre de radio KXTV/KOVR, también conocida como Sacramento Joint Venture Tower. Muchos saltadores, a lo largo de los años, han invadido ilegalmente la propiedad y han escalado la torre para saltar y lanzarse en paracaídas al suelo.   La torre de radio KXTV/KOVR tiene una altura de 625 m (2049 pies). 

RESUMEN

En definitiva, Fall, entretiene por sus logrados efectos visuales y por su sensación de miedo a las alturas. Si bien agrega una nueva perspectiva al genero de supervivencia, no hay nada más que eso en su obvio contenido.

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ROMANCE EN VERONA (2022)

critica romance en verona

Sin mucho para ofrecer, en cuanto a originalidad, Romance en Verona (Love In The Villa) es una simpática comedia romántica que entretiene a pesar de su extensa duración. Disponible en Netflix.

Relaciones de parejas que se rompen y viajes programados que se concretan, a pesar del infortunio amoroso, es una premisa clásica para dar pie al descubrimiento de un nuevo amor. Romance en Verona adapta elementos reconocibles en otras películas de genero, con dos dispares protagonistas que no van más allá de su simple guion. Sin mucho para ofrecer, en cuanto a originalidad, el film entretiene por la ligereza del romance, pese a su extensa duración.

La historia comienza con Julie (Kata Graham), una romántica maestra de tercer grado que está a punto de viajar a Verona junto a su novio de cuatro años, Brandon. Mientras planifica su estadía en la ciudad del amor se encuentra con lo impensado, su novio la deja porque se encuentra demasiado ahogado con la relación. Desencantada, decide realizar el planificado viaje y conocer el balcón donde Romeo se le declaró a Julieta. Después de su accidente viaje a Italia, Julie se anoticia de que su reserva está ocupada por Charlie (Tom Hopper), un apuesto pero cínico británico que no está dispuesto a irse de la habitación. Cuando logran un acuerdo de convivencia se avecina un enfrentamiento entre ambos para ver quién se va de la Villa primero. Con el encanto romántico de la ciudad no tardarán en acercar sus diferencias.

Quien esté esperando un film a prueba de pañuelos o con ingredientes suficientemente emocionantes como para respirar un aire de romanticismo, es preciso señalar que Romance en Verona no los tiene. A pesar del encanto de la ciudad italiana y de algún que otro giro del “corazón”, el film sienta las bases en el juego de las diferencias de sus protagonistas y no aprovecha el impulso final, que sí se requiere para este tipo de comedias.

No hay una representación precisa en cuanto a la perspectiva de los personajes. Todo se desarrolla en forma simple y rápida, negando cualquier tipo de individualidad. Esto hace que el trasfondo de la historia y su romanticismo pierda fuerza a causa de la ligereza en que se retrata sus 15 minutos iniciales en donde prevale las situaciones accidentadas. De manera que, ninguno de los personajes cuenta con el peso necesario para resaltar y exponer sus historias. Esto le quita profundidad a la trama atento que tanto Julie como Charlie no tienen mucho para contar sobre ellos mismos, salvo algunos escasos diálogos.

Lo mismo sucede con el viaje que lleva el título del film. Julie ha planificado minuciosamente su viaje a Verona pero poco se muestra de su itinerario. De haberse involucrado más esta circunstancia el resultado hubiese sido más satisfactorio atento que el film se beneficia enormemente por las locaciones de la ciudad.

A pesar de estos problemas, Romance en Verona tiene la capacidad para entretener por méritos ajenos antes que propios por la sencilla razón de que repite una fórmula ya comprobada. En cuanto a la pareja protagónica, cumplen acabadamente, sintiéndose más cómoda y espontanea Kat Graham que su partenaire masculino, en deuda en su tramo final cuando se requiere una exigencia de compromiso romántico. A pesar de su simpleza y por momentos, irreal guion, la pareja ofrecen una aceptable química.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Romance en Verona (Love in the Villa) es una comedia romántica más. Con una historia simple y carente de individualidad en sus personajes, es capaz de entretener, sin exigencias.

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