Fantasía archivos - El Crítico

05/07/202205/07/2022

LA PRINCESA (2022)

Disney toma un nuevo rumbo. Ahora las princesas son de armas tomar. Con una tendencia hacia la acción sangrienta, La Princesa (The Princess) tiene algunos momentos entretenidos dentro una narrativa plana y mediocre. Con Joe King, Dominic Cooper y Olga Kurylenko.

Los cuentos de hadas han cambiado, o por lo menos van en camino a ello. Lo cierto es que una princesa inocente y prisionera, que espera el rescate de su príncipe azul en lo alto del castillo ya se siente desactualizado. Ahora, son ellas las que hacen frente a la situación con una serie de habilidades que harían levantar la ceja a cualquier héroe de acción. En La Princesa -The Princess-, la acción con movimientos de lucha sangrientos parece ser lo único que verdaderamente importa dentro de un guion mediocre y plano, como la espada que empuña su protagonista. Con el nuevo giro violento del cuento de hadas, Disney pretende dar un golpe sobre la mesa. Tiene momentos divertidos y se evidencia un esfuerzo en la heroína de acción, pero sobre la superficie queda la sensación de ser un producto fallido.

The Princess (La Princesa) sigue a una princesa sin nombre que se encuentra atrapada en lo alto de un castillo. Encadenada y vestida de novia, la princesa se despierta de sus aposentos y decide dar comienzo a su liberación. A simple vista no parece una tarea fácil a raíz de que un ejercito invasor ha tomado posesión del castillo con planes de tomar el poder del reino ficticio de su padre. Hasta que unos guardias ingresan a la habitación y la princesa los elimina rápidamente. Así, comienza un viaje para llegar al descenso de la torre y salvar a su familia de las garras de su posible esposo abandonado.

Para empezar La Princesa, tiene la clara intensión de sorprender a la audiencia con secuencias de acción violentas y sangrientas. La yuxtaposición de aquella herramienta con el estilo cinematográfico de las películas de Disney es un buen contrapunto que sin embargo no define hacia quién está dirigido. Claramente es una película de acción no apta para todo público por el alto nivel de violencia que ejecuta, pero aún así la línea de su historia y de sus personajes no siguen el mismo camino. Con lo que todo parece encolumnares detrás de los movimientos de lucha y manejo de la espada de la princesa frente a su enemigos.

Este indicador puede llegar a resultar un placer culpable al ver una bella y joven princesa matar a muchos hombres adultos en el camino de descenso de la torre. Pero la realidad, es que no tiene mucho más para aportar al carecer de una historia que potencie el desarrollo de personajes secundarios. Desde el rey hasta el potencial esposo abandonado (Dominic Cooper), ningún de ellos parece tener peso en la narrativa. La utilización de flashbacks ayudan a comprender el manejo rápido de la trama pero termina condenando la labor protagónica del antagonista, del cual solo se desprende un personaje común. Solo Olga Kurylenko alcanza levemente a destacarse componiendo a una villana temible pero no es la intención de The Princess interiorizarse en ellos.

Toda la atención esta puesta en Joey King (La Princesa). La actriz demuestra compromiso con las secuencias de acción y con algunas maniobras coreografiadas. El personaje sangra, resiste caídas, aguanta la respiración bajo el agua y demás. No hay nada nuevo aquí que no se haya visto antes e incluso algunas conductas son demasiadas predecibles. El impacto que genera ver a una bella joven, que se presume es un delicada princesa, ejecutar movimientos rápidos, violentos y sangrientos se diluye con el correr de los minutos. Algo que el público adulto notará a causa de la falta de una historia con personajes secundarios que potencien la inclinación violenta de la trama.

RESUMEN

En definitiva, The Princess ( La Princesa)toma riesgos al adaptar un cuento de hadas de princesas con un corte acción sangriento. Su principal problema es la falta de una historia con personajes secundarios que justifiquen su trama violenta. Con todo, la película tiene momentos divertidos, pero se relaciona con la princesa y su idea de salvarse a si misma.

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23/02/202223/02/2022

NO ME MATES (2021)

La película italiana es una mezcla de terror y romance adolescente sin buenos resultados. No Me Mates es lo nuevo del catalogo de Netflix.

Debe ser realmente difícil o inevitablemente fácil desarrollar una idea para entretener en estos tiempos modernos. Aquellos que han visto, han visto demasiado y los que no han llegado a esa posibilidad, ven cosas ya vistas. Entonces, el juicio de lo valor de lo que se está por ver dependerá de nuestra experiencia cinéfila. No Me Mates, está dirigida a un público adolescente, que no hay que subestimar, y es en su esencia una típica película de vampiros con un trasfondo romántico gótico, toxico y perverso. Dirigida por el italiano Andrea De Sica, la mezcla de terror y romance adolescente recicla ideas probadas, sin buenos resultados.

La historia gira en torno a Mirta (Alice Pagani), una adolescente italiana que vive un fuerte amorío con Robin (Rocco Fasano), quien es un adicto a las drogas. Con lo promesa de que aquello termine, Mirta accede a drogarse con su novio y ambos mueren por sobredosis. Cuando ella vuelve a la vida, se da cuenta que su cuerpo ha cambiado y necesita alimentarse de sangre para no morir. Mientras se esconde de un grupo de cazadores, llamados Benadantie, intenta encontrar el amor de su vida para que pueden estar juntos para siempre.

No me mates – Revisión | Película de terror de Netflix

No Me Mates, navega en aguas demasiado profundas y se queda sin salvavidas. Si bien es una historia de vampiros, a los que llama Supermuertos, apuesta a un costado romántico oscuro y perverso pero en el camino se olvida del fantástico vinculo que une a cada persona. Aquí, el amor en términos de sensaciones y búsqueda, esta prácticamente ausente. Mirta regresa a la vida pero su personaje está más preocupado por alimentarse que por reencontrase con su amado Robin. El trasfondo romántico y emocional planteado aquí traerá sensaciones encontradas. El amor está dentro de la vida y continuar intencionalmente sin ella, en el mundo de los no muertos, deja un sabor extraño en la boca y si bien es perversamente original, se desprende de ella a mitad de camino.

Algunos observadores se sentirán atraídos por la Saga Crespúsculo. Pero la realidad es que se sentirán defraudados porque sus intenciones son más oscuras de las esperadas. La película, de hora y media de duración, se hace algo lenta cuando Mirta recuerda (por medio de flashbacks) los buenos momentos que tuvo cuando estaba viva. En este aspecto, se refleja el vacío momento familiar que genera la ausencia de un ser querido, pero la película no sabe que hacer con los padres de Mirta. Los arcos de sus personajes se sienten inconclusos y solo sirven para dar pie a la organización que la persigue.

La persecución y la amenaza de la Organización secreta impulsa a la historia. Mirta tendrá que aprender a sobrevivir del acoso de un grupo selecto de cazadores, armados con teaser, que existen desde el siglo XVII. Aquí, la trama sigue la puesta en escena de otras propuestas similares con lo que la confrontación tendrá los efectos sangrientos requeridos. Sin ser demasiado exagerado, los efectos de maquillaje y violencia están correctos pero podrían haberse jugado un poco más, en términos visuales. Los últimos 20 minutos aprovecha el estilo gore que demanda esta clase de propuestas pero llega algo tarde. No obstante ello tiene una buena conclusión.

La cinematografía es la que se espera en las películas de terror. Es oscura en su mayor tiempo de ejecución, resaltando eficazmente los ojos de la protagonista en el periodo previo a su abstinencia de sangre. La banda sonora es suave y acompaña los momentos de tensión. No Me Mates, por todos los conceptos que ejecuta debería haber tomado el camino de una serie, en donde podría haber evolucionado de una manera menos superficial.

RESUMEN

En líneas generales, No me Mates ( Non mi uccidere) tiene una actuación aceptable y se reserva los mejores momentos en su parte final. Cuenta algunas escena de sexo, frías como sangre de vampiro, que pueden verse con una abuela sin ningún tipo de pudor. Después de todo, sigue siendo una historia de amor, mal formulada y dudoso de gusto.

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28/01/202228/01/2022

LA HIJA DEL REY (2022)

Pierce Brosnan estelariza un cuento de fantasía apurado y confuso. La hija del rey intenta cobrar vida y encanto pero su artificialidad no se lo permite.

En ocasiones , hay películas que se filman en un determinado tiempo y por diversas razones quedan estancadas sin salir a luz. Esperar el momento oportuno, retoques en postproducción o simplemente desconfianza son factores que inducen a retrasar el estreno de un film. La hija del rey, ha seguido este camino. Filmada en el año 2014 y retenida desde su lanzamiento, la adaptación de la novela “La Luna y el Sol” de Vonda N. McIntyre, hace su debut cinematográfico no con muy buenos resultados . La hija del rey es un cuento de fantasía apurado, confuso y sin encanto.

La hija del rey se inicia con un resumen de lo que es la introducción de un cuento de fantasía. La voz en off de Julie Andrews narra la historia de la hija ilegitima del Rey Luis XIV, Marie-Josèphe, que estuvo encerrada en un convento. El rey sol (Pierce Brosnan) le teme al envejecimiento, su espíritu egoísta y vanidoso encumbrado en la prosperidad de Francia lo llevan a encomendar la captura de una mística sirena. Las cosas se complican cuando se invita a su hija a la Corte para que sea compositora de música, descubriendo la existencia de la criatura. Marie-Josèphe (Kaya Scodelario) se encontrará con su destino cuando descubra los verdaderos planes de los miembros de la realeza, mientras se vincula simbióticamente con la sirena.

La película tiene una historia simple pero su apresurada narrativa terminan complicando algunas secuencias subdesarrolladas. Para empezar la trama tiene varios puntos sensibles, pero no están lo suficientemente explotados para generar un compromiso emocional en el observador. La trama central involucra una sirena, un romance acelerado entre la hija ilegitima del rey y un ambicioso pesquero, un médico con malas intenciones y un sacerdote (William Hurt) con objeciones morales.

Los personajes interactúan dentro de una colección de ideas mal ejecutadas que perjudican el título del film. Así, la hija del rey pierde brillo en el protagónico femenino. Marie-Josèphe, se muestra como una joven rebelde en el convento que siente atracción hacia el mar y que es talentosa con la música. Todos estos ingredientes no están lo suficientemente matizados en la historia al igual que el interés romántico. La relación de Marie-Josèphe con el ambicioso pescador se siente apresurada y sin desarrollo, situación que desnivela el ánimo emocional por falta de encanto.

La hija del rey está ambientada en Francia del siglo XIV y fue filmada en parte en el Palacio de Versalles. El vestuario, en ocasiones, no parece ser propio de la época en cuestión. Los impecables vestidos de los lugareños como su maquillaje marcan la tendencia de filmar con un vestuario anacrónico. La mezcla de lo antiguo con lo moderno es eficaz y luce bien, pero debe ser secundario para no caer en la artificialidad. Sin magia y sin encanto en la trama, la hija del rey se sumerge en cuestiones estéticas.

Ahora bien, la película tiene valores destacables. La partitura es dramática y es utilizada apropiadamente en momentos que requieren emoción y colabora con la creación visual de un mundo de fantasía. En cuanto al elenco. Pierce Brosnan luce convincente (a pesar de su frondosa peluca) como un rey que lucha contra su mortalidad. Es un rey, orgulloso, negligente y mujeriego, que busca el perdón de Dios cada mañana. A su lado se encuentra William Hurt, quien interpreta un fiel sacerdote que lleva adelante sus preceptos religiosos, sin antes cuestionar la inmortalidad. La interacción de Brosnan y Hurt son efectivas pero no logran compensar su débil estructura narrativa. Cada detalle del guion arruina el conocimiento del personaje de Brosnan, del cual no logramos entender y empatizar, lográndose caricaturesco.

Así, la hija del rey pierde brillo y sustancia en la protagonista principal. Marie-Josèphe (Kaya Scodelario) no logra impulsar algunos toques dramáticos porque la trama tiene demasiados hilos narrativos en qué preocuparse. Ello, termina perjudicando la performance de la protagonista que debería haber brillado mucho más si se hubiese acortado las motivaciones de otros personajes.

PUNTOS POSITIVOS

La estética del film luce bien. Ello no quiere decir que sea fiel a la época.
La partitura levanta en los momentos adecuados.
La experiencia de Pierce Brosnan y William Hurt para maquillar personajes artificiales.

PUNTOS NEGATIVOS

La trama se muestra simple pero en el fondo es intrincada y apresurada.
A pesar de ser una historia de fantasía, no tienen el encanto necesario para sobresalir.
La historia es llevada de forma artificial. El interés romántico de la historia no tiene ningún desarrollo.

RESUMEN

La hija del rey (The King’s Daughter) cuenta con una historia intrincada y personajes pocos desarrollados. La falta de encanto queda bajo la superficie, quedando como resultado un producto netamente artificial.

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09/12/202109/12/2021

NAVIDAD EN 8 BITS (2021)

La comedia familiar navideña cobra impulso por la nostalgia de la maravillosa generación de los años ochenta. Navidad en 8bits es un revivir del pasado con injerencia presente y, quizás, futura.

La Navidad, en toda familia, tiene dos puntos de vistas. La mirada del adulto, que disfruta de las festividades para estar en familia y en donde la reflexión es quizás su punto culmine y la mirada del niño, que espera ansioso el momento para pedir y abrir los regalos. Navidad en 8 bits tiene ese encanto a fuerza de una nostalgia pasada y que significó un fenómeno cultural, que aún persiste en las nuevas generaciones: las consolas de videojuegos.

La película sigue la historia de Jake Doyle (Winslow Fegley), un niño que desea fervientemente tener una consola Nintendo, la última tecnología en videojuegos de los años ochenta. La pide como regalo de Navidad pero tiene la resistencia de sus padres, lo cual lo lleva a idear un plan con sus amigos para obtenerla. Navidad en 8 bits, es narrada por el adulto Jake ((Neil Patrick Harris), quien cuenta la historia para su hija, que también quiere su propia nueva tecnología: un teléfono celular. Lo que sigue a continuación es una historia de aprendizaje y de comprensión que se adquiere en el transcurso de la vida en donde los regalos no siempre vienen envueltos en un papel.

Para empezar, la combinación de referencias de los años 80 es algo que valorarán los jóvenes adultos de la Generación X. El film ofrece sensaciones genuinas que harán recordar vivencias pasadas, para aquellos que tuvieron la oportunidad de transitarlo. Poseer una consola de videojuegos hogareña era un lujo que no muchos podían acceder y quien no la tenía contaba con dos opciones: concurrir a la vivienda de quien la tenía o imaginársela en funcionamiento, a través de una revista gamer. La primera opción está (exageradamente) representada en el film, en donde Jake y sus amigos son elegidos, por orden de llegada, por un desagradable “niño rico”.

Lo destacable del film es que a pesar de ser una historia pasada, en donde la tecnología no estaba al alcance de la mano (no había internet) el deseo de los niños no ha cambio mucho. Todos quieren (inconscientemente) formar parte de un sistema que oferta innumerables productos tecnológicos. La Nintendo del pasado es la Play Station o el celular inteligente del presente, con lo que las demandas de los niños y sus negativas, en su caso, de sus padres sigue siendo la misma. La esencia no ha cambiado, solo la tecnología. Ella es la que nos lleva a captar caprichos diferentes. En este punto, padre e hijo (como espectadores) lograran un punto de encuentro formidable y en el cual no pasará desapercibido.

Aunque la historia se centra en Jake y su Nintendo, en el film hay una trama secundaria sorprendente que involucra la relación de Jake con su padre. Es precisamente el resultado de aquella relación lo que ofrece las emociones más profundas y emotivas, y que si bien desvía la construcción originaria de la trama, deja un aire de satisfacción en su mensaje final, que será valorado por el público adulto.

Hay un buen elenco en Navidad en 8 bits y las actuaciones son solidas. Actores de carácter consagrados como David Cross y Steve Zahn brillan en la película. Zahn, quien interpreta al padre de Jake, es la figura más divertida del film. La madre de Jake, Kathy (June Diane Raphael), una maestra con exceso de trabajo, también tiene algunas buenas momentos. Sin embargo, el que se lleva el premio mayor es Fegley, como el joven Jake. Aporta compromiso en las situaciones graciosas y demuestra evidentes gestos de emoción y deseo cuando está en la búsqueda de la preciada Nintendo.

Como corolario se puede decir que las consolas de videojuegos, a pesar de sus detractores, han marcado un antes y un después en el sistema de entretenimiento. Para aquellos que han vivido la historia de una caja de plástico con cables negros enchufados ( el que suscribe, una Sega Megadrive) seguramente recordarán la magia que representaba poner un cartucho y apretar el botón Power. Sensación única e irrepetible que quedará grabada en la memoria del niño que llevamos dentro.

PUNTOS POSITIVOS

Es lo suficientemente entretenida para captar la atención del publico joven y adulto.
Aunque predecible, tiene un mensaje eficaz y emotivo.
Solidas actuaciones de su elenco.

PUNTOS NEGATIVOS

La construcción de su trama de desvía en el final. Aun así, la recompensa es satisfactoria.

CURIOSIDADES

A la hora y trece minutos de metraje, un amigo de el joven Jake le dice por el walkie talkie “Blue Bird, este es Rambo uno”. Esta es una referencia a John Rambo de “First Blood Part 2” donde Rambo estaba hablando por radio y se hacía llamar lobo solitario.

RESUMEN

En definitiva, Navidad en 8 bits (8 Bits Christmas) es una historia familiar navideña con una estructura narrativa (desarrollo y final emotivo) reconocida, convincente y técnicamente bien lograda.

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15/09/202115/09/2021

PRISIONEROS DEL PAIS FANTASMA (2021)

Nicolas Cage no puede imponer su histrionismo en un film absurdo e ilógico, que lo absorbe.

Nada tiene un sentido, parece decirnos el director japonés Sion Sono. En su película conviven pistoleros, samuráis, algún que otro zombi y personajes extravagantes dentro de un mundo post apocalíptico. Su visión esta ideada para sorprender desde lo absurdo, partiendo de una narrativa incomprensible y simplista en la que se apoya durante gran parte de su tiempo. Pero, esos extremos son lo suficientemente monótonos que aburren y en la que su estrella principal no puede emplear toda su “locura”. Nicolas Cage no puede imponer su histrionismo en un film absurdo e ilógico, que lo absorbe.

Cage interpreta a un ladrón de bancos. Su intento de robo luce frustrado a raíz de la perdida de control de su compañero, desencadenando la muerte de varias personas. Años más tarde se encuentra encarcelado pero es liberado por un hombre de traje blanco y guantes rojos al que llaman “El Gobernador”, quién le ofrece un trato: rescatar a su nieta Bernice, que ha sido vista por última vez en Ghostland, un pueblo fantasma en el que nadie puede salir.

Para garantizar el cumplimiento del trato, Cage (al que llaman Héroe) se ve inducido a llevar un traje de cuero negro con explosivos en sus brazos, cuello y testículos. Si intenta hacerle daño o tratar de abusar de Bernice, las cargas explosivas se detonarán. Misma suerte correrá si no cumple con su misión en cinco días.

Ahora, la premisa invita a su visualización. Tiene todos los ingredientes para satisfacer a un publico masivo, con un sentido de lo absurdo inicial bien empleado y con un protagonista que puede dar rienda suelta a su “locura”. Pero, sorprendentemente ello no sucede. Prisioneros del país fantasma es un rejunte de géneros, pretende ser un western samurái en un país distópico pero se ahoga en su incomprensión. El film cuenta con dos set de filmación y se emplea este término por su evidente ausencia de localizaciones y su bajo nivel de presupuesto.

La ciudad Samurái está recreada con la convivencia de pistoleros y samuráis, todos ellos asiáticos, bajo el dominio de “el gobernador”, un personaje disparatado que tiene un coro musical y un guardaespaldas, que resultó ser lo mejor de la película. Por otro lado, se encuentra Ghostland, la ciudad fantasma. Recrear en unas pocas líneas lo que sucede aquí es una tarea casi imposible. El delirio se apodera de la escena y con ella el impulso inicial de su prometedora premisa.

Basta decir que los residentes que habitan allí viven bajo la sombra de un gran reloj. Esto es, temen que el paso del tiempo ocasione una explosión nuclear. Para ello, los lugareños ataron una cuerda en el segundero de un gran reloj y tiran de ella para evitar su avance y una posible catástrofe. Este espectáculo delirante es un festival de lo absurdo y de lo ilógico que sienta las bases del aburrimiento. Nunca se determina el sentido de la maldad que controla esta ciudad y en la que se encierra en si mismo. Personas encerradas dentro de maniquíes, apariciones ocasionales de fantasmas y sueños irracionales determinan un nivel de locura inmanejable para compensar el deficiente desenlace de su historia y de sus personajes.

Y en ese mundo post apocalíptico se encuentra Nicolás Cage, un actor ideal para estas propuestas porque, sencillamente, no le teme al ridículo. Incluso lo controla o disimula por su fuerte capacidad histriónica. Aun así, no se lo aprovecha, teniendo sus momentos más enérgicos en su secuencia inicial.

Se lamenta lo que podría haber sido y no fue. Mezclar espadas con pistolas o samurái con pistoleros es un absurdo divertido. La gran cantidad de personajes hacia parecer que ocurriría algún enfrentamiento entre ellos, pero nada de ello sucede, quedando limitado al decorado visual. Salvo, por la injerencia del artista marcial Tak Sakaguchi que ni siquiera tiene que hablar para imponer su presencia. El guardaespaldas de el gobernador ( Yasujiro) es lo mejor de la película, cuando saca su espada deja un tendal de enemigos en cuestión de segundos. Lamentablemente, la escena viene en el final y es de corta duración.

Dicho esto, se puede decir que Prisioneros de un país fantasma es tan mala que aburre. Algo llamativamente sorprendente, porque en ocasiones causa el efecto contrario.

PUNTOS POSITIVOS

Su Introducción. La sorprendente premisa promete entretenimiento a pesar de su absurdo. Lamentablemente, a la media hora se desvanece.
Tak Sakaguchi, el artista marcial japonés impone presencia y destreza en el arte de la espada.
Los ciudades están bien diferenciadas. Se logra recrear la ciudad fantasma como un ambiente distòpico. Pero, compararlo con Mad Max o Escape en Nueva York, es tan absurdo como su trama.

PUNTOS NEGATIVOS

A pesar de su falta de lógica y de incomprensión narrativa aburre.
La variedad de géneros se queda en el decorado. Los pistoleros y samuráis nunca se enfrentan.
No hay un sentido de la maldad que contra el mundo que se encierra en si mismo.

RESUMEN

Prisioneros del País Fantasma (Prisoners of the Ghostland) recrea un mundo incomprensible y absurdo. Su nivel de locura absorbe a su narrativa y a su personaje principal y en el camino sienta las bases para el aburrimiento.

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04/09/202104/09/2021

CENICIENTA (2021)

La adaptación musical del cuento de hadas fracasa por no respetar su esencia.

Se han realizado muchas adaptaciones de La Cenicienta, películas y dibujos animados fueron recreando el cuento de hadas más popular que existe. Su historia y sus orígenes pueden haber sufrido alguna modificación a través de los años, pero siempre se respetó su trasfondo. La Cenicienta es una historia de amor y esperanza. Es la búsqueda de la felicidad a través del amor correspondido, esta es su verdadera y genuina esencia mas allá de cualquier adaptación cultural.

La Cenicienta del servicio de transmisión, Amazon, intenta mezclar lo nuevo con lo viejo en una adaptación musical para recrear la historia del personaje. Su gran problema es la inexistencia de diálogos y de romance entre los protagonistas. Una omisión imperdonable e indisimulada, a pesar de su buena música. Protagonizada por la cantautora Camila Cabello, la nueva versión se olvida de la magia del amor y nos presenta una princesa que no necesita un hombre. Así, la adaptación musical del cuento de hadas fracasa por no respetar su esencia.

Ambientada en un periodo de tiempo vago pero de inevitable desigualdad social se encuentra La Cenicienta. Su padre a fallecido y se encuentra bajo la tutela de su madrastra, quién, junto a sus dos hijas, impone la forma de vida hogareña y social. Cenicienta es tratada como una huérfana y esta sometida a una “suavizada” servidumbre. Ello no le impide llevar adelante su gran pasión, ser diseñadora de moda y vender sus vestidos. El sótano es el lugar de la casa a la cual fue relegada, pero allí realiza innumerables diseños de vestir con el deseo de que algún día su sueño se haga realidad.

Durante una excursión a la ciudad, Cenicienta se encuentra con alguien de la realeza. El Príncipe (de incógnito) le propone comprarle un vestido, antes de invitarla a una gran fiesta de baile que puede resultarle útil para sus propósitos comerciales. Los dos se sienten atraídos. Se podría decir que están enamorados, al menos el Príncipe, que es el que insiste con la fiesta, de la cual surgirá su futura princesa . Ello lo lleva a discutir con el Rey (Pierce Brosnan), un hombre acostumbrado a imponer su voz y sus decisión en las uniones matrimoniales. Sin embargo, el Príncipe (Nicholas Galitzine) quiere casarse por amor y su elección no esta puesta en alguien de la realeza. Mientras tanto, la Cenicienta es presionada por su madrastra para que se case con alguien con quien no desea. Todo ello desarrollado en un gran musical, con entusiastas bailarines pero sin magia y encanto.

La Cenicienta es una historia de amor dentro de un cuento de hadas y aquí nada de ello ocurre. Los interpretes centrales no tienen la química necesaria para transmitir la situación de enamoramiento. El romance está ausente, no se evidencia miradas o encantos en ninguno de ellos, lo que hace que el film pierda su principal fuente de interés. Tampoco ayuda mucho la constante musicalización. Si bien es un musical, debió haber tenido un equilibrio necesario para emplear ciertos diálogos de romance entre Cenicienta y el Príncipe. El ritmo dinámico de las canciones no ayudan a la historia atento que le impide a los protagonistas desarrollar sus emociones, mas preocupados por no desentonar o de hacer bien la mímica, que de expresar los sentimientos que requería el cuento.

También, la película se apoya en una serie de tramas secundarias que obstaculizan demasiada la historia como para ignorarlos. Cenicienta tiene la ambición de ser una diseñadora de modas, es ingeniosa y no necesita el amor de un príncipe. Aquí, la historia pierde impulso porque se dedica a resaltar el empoderamiento femenino. Algo que es valorado pero que no ha sido tratado con suficiente elegancia.

La magia del film pierde efecto cuando Cenicienta prioriza su trabajo sobre el amor. Por momentos parece que le da lo mismo el afecto del Príncipe y ello se evidencia en su puesta en escena. La música, sus coreografías y señalar los problemas del sexismo y el sistema patriarcal parecen haber sido su principal preocupación. En el camino se olvidaron de los orígenes de Cenicienta, como es como persona fuera de sus circunstancias. Y esto va para todos los personajes, ninguno de ellos logra destacarse mas allá de su impecable vestuario, transformando la actuación al servicio de la vocalización y de sus pasos de baile.

Con lo dicho, el musical funciona como un pasatiempo. Podemos contestar nuestros teléfonos celulares sin que nos perdamos ningún acontecimiento importante. La puesta en escena es vistosa y colorida gracias a su impecable vestuario, pero carece de encanto y su magia se desvanece antes que el hechizo de la Cenicienta. En relación a ello, la aparición de un hada padrino no resulta tan efectivo como debería, Billy Porter luce un exagerado vestido dorado y su esfuerzo por destacarse por sobre la transformación de la protagonista queda en evidencia. Su hechizo hace posible la aparición de un carruaje junto a tres roedores, que logra convertir en hombres. La transformación causa efecto, pero no su resultado. El estado emocional está ausente y la protagonista no tiene los recursos necesarios para elevarlos.

Desafortunadamente, Cenicienta no logra colmar las expectativas. ¿La culpa? No solo la falta de emoción, sino su excesivo costado feminista. Que no se malinterprete, el empoderamiento femenino es valorado y bienvenido. Pero, aquí perjudica el espíritu narrativo al darle preeminencia a la oportunidad y elección laboral de Cenicienta por sobre el amor genuino hacia el Príncipe. Como resultado, la adaptación musical del cuento de hadas fracasa por no respetar su esencia.

DISPONIBLE EN EL CATALOGO DE AMAZON.

PUNTOS POSITIVOS

El vestuario. Los magníficos trajes compensan algunas transgresiones de su narrativa original.
Buena música. Suenan algunos clásicos de Madonna y del grupo Queen.
Buen elenco. Pierce Brosnan y Minnie Driver aportan calidad al relato.

PUNTOS NEGATIVOS

Su excesivo feminismo termina perjudicando la base central de la historia. Las simples enseñanzas de la esperanza, la imaginación, la bondad y el amor correspondido no se valoran aquí.
Algunos personajes secundarios son aburridos.
Camila Cabello (Cenicienta) no tiene el carisma necesario para componer el personaje. Le faltó base emocional.
La pareja de enamorados son superficiales. No logran transmitir la energía y la emoción necesaria para representar el amor correspondido.

RESUMEN

La Cenicienta (Cinderella) utiliza sus frecuentes temas musicales para contrarrestar su falta de diálogos. Como resultado, logra un mensaje superficial y vacío que no puede disimular por la ausencia de la esencia de la historia. Su lección sencilla de que el amor correspondido está presente en cualquier lugar y ante cualquier circunstancia no son valoradas en esta versión.

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02/09/202102/09/2021

LAS FORMAS ANTIGUAS (2020)

Oculta tus miedos y sufrimientos antes que el demonio se apodere de ti.

Las películas de exorcismos en los espectadores no afines a estas propuestas, en las que se encuentra el que redacta, generan sensaciones encontradas. Una parte de la voluntad se interesa por su visualización por el temor a lo desconocido, mientras que la otra parte solo quiere evitarla para no potenciar ese temor. Esa línea de supuesta indecisión, cuando logramos superarla positivamente, nos posiciona en un lugar de expectación y de incomodidad al esperar algo que sabemos que existe pero que no vemos.

Independientemente de la religión que se profese, se sabe que el mal existe y que se manifiesta de diferentes maneras. Por eso es tan intrigante, temario y aterrador las posesiones y las prácticas de exorcismo. Dicho esto, Las Formas Antiguas se basa en la brujería antigua en una pequeña localidad mexicana. De manera que, en la trama no hay ninguna evidencia de Cristo o de practicas occidentales plasmadas en otros films de genero. Oculta tus miedos y sufrimientos antes que el demonio se apodere de ti.

La historia sigue el destino de Cristina López, una periodista estadounidense, con raíces mexicanas, que decide investigar la historia cultural de su país de origen. Para ello, viaja a su hogar ancestral en Veracruz (México) y entra en una cueva misteriosa y prohibida llamada “La Boca”. Algo extraño ha sucedido. Despierta en una habitación en donde se realizan practicas de brujería para luego enterarse de que los lugareños la han tomado cautiva. ¿El motivo? Piensan que Cristina tiene un demonio en el interior de su cuerpo y no la dejarán ir hasta tanto sea extraído por las formas antiguas.

La película representa una nueva versión del subgénero de posesión. Se crea un ambiente de misticismo basado en la brujería antigua en donde se realizan rituales, exorcismos forzados y “cirugía psíquica”. En relación a ello, el film se posiciona entre la incertidumbre y la negación de la protagonista en donde sus miedos internos juegan un papel estelar. Resulta interesante, desde lo visual, la practica para expulsar el supuesto espíritu maligno cuando la bruja entra en escena. Lo hace con su rostro pintado, de imponente maquillaje, y con métodos que llaman la atención.

Pero, lo interesante no aterra y ello puede interpretarse de diferentes maneras. Como película de exorcismo está bien hecha, tiene momentos de gran expectativa y una historia intrigante por la brujería antigua mexicana. El inconveniente pude producirse en el terror que genera. Sobre eso, se puede decir que no es suficientemente aterradora. Tiene algunas imágenes de fuerte impacto visual, pero nada que no se haya visto antes.

Seguramente, Las Formas Antiguas será comparada con viejas propuesta de genero, como El exorcista y El Rito y pero lo cierto es que no tiene nada que ver con ellas. Aquí, se utiliza el horror corporal como una forma de representar los demonios internos de Cristina y su negativa a lidiar con ellos. En este punto, se evidencia una destacada actuación de su actriz principal (Brigitte Kali Canales), como quienes la acompañan al transmitir sinceridad emocional en las escenas más elocuentes.

Como resultado, Las Formas Antiguas explora un subgénero que ha sido transitado desde décadas y lo hace de manera convincente. Se puede decir que esta vez, el interés y la intriga le ganan al terror en su terreno. Un gran acierto para el espectador promedio, como el que redacta, pero un desacierto para los amantes del genero.

PUNTOS POSITIVOS

La premisa esta llevada con interés e intriga.
Solvente actuación de su actriz principal.
Buenos efectos visuales.
Destacada ambientación.
Buen uso de su metraje.

PUNTOS NEGATIVOS

No logra generar el terror que sí generan otras propuestas de genero.

RESUMEN

Las Formas Antiguas (The Old Ways) tiene una historia y una cultura integrante que capta la atención de inmediato. Tiene algunos momentos espeluznantes que logran incomodar, pero después de todo no logra aterrar.

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18/08/202118/08/2021

SNAKE EYES: El Origen (2021)

Un film que no llega a elevarse por su sobrecarga narrativa.

Basado en la línea de juguetes GI:JOE y en la serie de dibujos animados de los años ochenta, del mismo nombre, Snake Eyes: el Origen es un intento de reflotar una franquicia olvidada. GI Joe: The Rise of Cobra de 2009 y GI Joe: Retaliation de 2013 exploraron el enfrentamiento ente el bien y el mal. El primero es un equipo militar de élite. El segundo un sindicato del crimen, una organización destinada a crear conflictos para apoderarse del mundo, llamada Cobra. El titulo de origen es un reinicio de la serie de películas previamente establecidas, donde se cuenta el inicio de uno de los futuros miembros de GI: JOE: Snake Eyes, o más conocido como el ninja negro. Con combates demasiado rápidos y enérgicos el film nunca llega a elevarse por su sobrecarga narrativa.

La historia se abre con un niño que presencia el asesinato de su padre. Veinte años después se encuentra luchando en torneos clandestinos mientras anhela su venganza. En ese momento se hace presente Kenta, un líder de los yakuza que le ofrece una oferta tentadora, unirse a su organización a cambio de encontrar al ejecutor de su padre. Al cabo de unas semanas, Snake está ayudando a los yakuzas a traficar armas en el puerto.

Pero, un día se resiste a ejecutar a un traidor y lo ayuda a escaparse ganando su confianza. Resulta que esa persona es el líder del clan Arashikage, un grupo que ha protegido a Japón por mas de 600 años. Allí será puesto a prueba mediante los tres desafíos, para probar su valía como guerrero y demostrar que puede formar parte del clan Arashikage. Pero las cosas no son como son ni son como parecen. La organización “Cobra” esta al acecho y busca la “Joya del Sol”, una piedra con poderes extraordinarios que se encuentra bajo custodia del clan Arashikage. Entonces, el corazón y la lealtad de Snake competirán con la necesidad de vengar a su padre.

Primeramente hay que decir que la historia tiene un potencial que se ha desaprovechado. Cuando Snake Eyes llega a Japón se nos introduce ciertas tradiciones orientales con alguna libertad mitológica. El problema radica en su aprendizaje, en el arte de aprender el sigilo ninja y el honor de los samuráis. Aquí nada de ello ocurre, el campo de entrenamiento con espadas y sus técnicas están ausentes en una ambientación acorde para hacerlo. En su lugar se presentan los llamados “tres desafíos del guerrero”, algo que no se aprovecha demasiado y que aporta un grado de fantasía desmedida. El hecho de que el personaje se llame Ojos de Serpiente (Snake Eyes) no implica que tres serpientes gigantes reconozcan su corazón puro. El aporte mitológico es bienvenido, pero aquí parece demasiado mucho.

Quizás la mayor fortaleza de la película sean sus secuencias de acción. Pero las mismas son tan enérgicas como inestables. Esto significa que el uso de la cámara es tan rápida y movible que no permite disfrutar las secuencias de combate como se debería. Incluso le falta una impresión de dosis de sangre, necesaria para que la acción sea más contundente. Quizás su calificación ( para mayores de trece años) haya influido en sus dosis de violencia donde el índice de sangre actúa como nivelador.

Pero, valga la redundancia, es un requisito indispensable en la lucha con katanas en donde se requiere una acción mas contundente. En vez de ello, se priorizó escenas de lucha algo confusas con mucho grito y movimientos sin sentido. En los combates con espadas o katanas, a juicio del que redacta, se debe priorizar la mezquindad. Esto es, dar a la lucha la técnica necesaria para que sea entendible, con un uso de la cámara relajada que permite disfrutar los movimientos en pantalla. ¿Cuál puede ser un ejemplo? La reciente Samurai X: El Origen, es uno de ellos donde la lucha es rápida, entendible y con sentido.

En cuanto al elenco, la carga de llevar el peso del film recae en Henry Golding interpretando a Snake Eyes. Si bien el guion y el uso rápido de cámara lo ayudan, no realiza un antihéroe convincente. Su lealtad al clan Arashikage como la búsqueda de venganza no están bien definidas. Golding no transmite esa mezcla de incertidumbre con ferocidad que demandan los personajes atormentados por su pasado. Snake Eyes, por su sufrimiento, debió ser representado con más seriedad y vehemencia, sensación que transmite los ojos de una serpiente.

Lo mismo sucede con el reparto femenino, todos los personajes están subdesarrollados. La española Úrsula Corbero interpreta a la Baronesa de la organización Cobra con un vestuario muy similar a la que uso Trinity en Matrix. Su carácter explosivo esta ausente y luce desaprovechada. Misma suerte corre la jefa de seguridad del clan Arashikage, Akiko, quien desconfía del recién llegado Snake Eyes no sacándole la vista ni un segundo. En el momento crucial, se le escabulle con una facilidad pasmosa.

Dicho esto, Snake Eyes: El Origen a pesar de formar parte del universo GI JOE, debió ser más mezquina y respetar la técnica de lucha con katanas con un uso de cámara más estable. La mitología que propone con sus tres desafíos, la historia de venganza del protagonista, su lealtad y traición y un arma cotizada (la joya del sol) parecen mucho material para una sola película. Su resultado no deja de ser un rejunte de contenidos asimilados por sus enérgicas secuencias de acción.

PUNTOS POSITIVOS

La historia del ninja negro tiene potencial. No lo aprovecha.
Como pasatiempo funciona correctamente. Pero, los que busquen seriedad no tienen nada que hacer aquí.
La localización del castillo del clan Arashikage.
Pude ser la mejor película de la franquicia.

PUNTOS NEGATIVOS

El arte de enseñanza ninja esta ausente.
La acción es enérgica pero sin sentido. Debió haber sido mas mezquina en términos visuales.
Los tres desafíos lucen desaprovechados.
Ausencia de sangre en los combates. Requisito necesario para que la acción (con katanas) sea mas contundente.
Henry Golding. No supo imprimir el carisma necesario para transformar a Snake Eyes en un antihéroe.
El plantel femenino. Lucen subdesarrolladas. Ninguna tiene la fuerza ni la energía suficiente para contrarrestar la mediocre labor de Golding.

RESUMEN

Snake Eyes: El Origen es la mejor película de la franquicia GI: JOE pero eso no significa que sea buena. La gran cantidad de temas disponibles hizo que se perdiera el eje central de su propuesta, que es contar el origen del personaje. Aún así funciona como un pasatiempo, si estás dispuesto aceptarlo.

[usrlist “Puntuación: 2.0”]

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09/08/202109/08/2021

LA NUBE (2021)

La ambición al límite de la locura.

Se dice que la principal característica del ser humano es su capacidad de razonamiento. Ello supone resolver determinados tipos de conflictos que alteran su entorno individual y colectivo. Pero cuando se activa el instinto de supervivencia las teorías psicológicas quedan de lado y se abre camino a aquellos impulsos primarios que nos obligan mantenernos en la superficie. Con lo que, resolver una situación desesperante, como lo es la manutención de una familia, puede generar los más altos sacrificios. El problema surge cuando la codicia y la ambición se extralimitan en el limite de la locura. Esto es lo ocurre con La Nube, una propuesta made in Francia donde los pequeños y masivos saltamontes son el detonante del oscuro y obsesivo comportamiento humano.

El film comienza con una familia compuesta por una viuda y sus dos hijos. Su único medio de subsistencia es una pequeña instalación de cría de langostas comestibles que aportan fuerte contenido en proteínas. Pero el negocio no está siendo redituable, Virginie (Suliane Brahim) no encuentra la forma de que las langostas se reproduzcan y que aumente de tamaño. Ello le dificulta la venta en sus consumidores como en la calidad del producto con lo que se propone, luego de una charla familiar, a buscar nuevos horizontes.

En un ataque de furia se dispone destruir la instalación de langostas pero un pequeño corte involuntario la hace desvanecerse. Cuando se despierta descubre que a las langostas les gusta la sangre y ello hace que puedan reproducirse con facilidad. Al ver el progreso decide expandirse y multiplica sus instalaciones para que la ganancia sea más rentable. Pero las langostas han mutado, su único alimento es la sangre y conseguirla no será una tarea fácil. El sacrificio fue exitoso pero mantenerlo a cualquier costo tendrá consecuencias.

El film plantea una narrativa familiar de desarrollo lento, aborda el drama de una madre y hasta donde es capaz de llegar para la subsistencia económica de su familia. Su hija adolescente está en desacuerdo con su emprendimiento, le reprocha que sea objeto de burla escolar por la cría de insectos. Su comportamiento rebelde creará algunos problemas en la trama, pero es la principal testigo del rotundo cambio de actitud de su madre. El hijo menor, por el contrario, es el más comprensivo pero su inocencia le dificulta ver la realidad. Viginine esta plenamente abocada a la cría de langostas, al esforzarse genera una adicción al trabajo y ello le genera un riesgo a su persona y a su familia. Su sacrificio inicial se derrumba al exponer su forma de vida saludable en beneficio de una ganancia ambiciosa.

¿El fin justifica los medios? Se supone que el trabajo y su dedicación da sus frutos. Pero los medios para conseguirlo a veces traerán consecuencias no esperadas. Virgine alimenta a las langostas con sangre, ello hace que el film haga un cambio radical de genero. El drama familiar lentamente se va oscureciendo dando paso al terror. En este aspecto se destaca el comportamiento de las langostas. Su aspecto agresivo esta motivado por la búsqueda de sangre, lo que motiva a preguntarse hasta donde puede llegar el hombre para saciar su ambición. Los detalles técnicos del enjambre en la oscuridad, como su sonido están correctamente elaborados. En el momento de climax, logra generar el impacto visual requerido.

Ahora bien, La Nube adolece de un lento ritmo narrativo que puede producir fatiga en algunos observadores. No es un film comercial de consumo rápido. Al contario, su desarrollo se irá aplomando con el correr de los minutos dando preeminencia al drama familiar, al instinto de supervivencia de una madre para alimentar a sus hijos. Irónicamente, cuando lo logra, pone en riesgo su modo de vida y de su familia. En cuanto a los insectos, los experimentos que hacen sobre ellos es lo que hace que el comportamiento humando sea tan objetable. El peligro no está en la naturaleza sino en la codicia del ser humano, en la ambición al limite de la locura.

PUNTOS POSITIVOS

Abarca dos géneros dispares. El drama es una antesala al terror.
Buen reparto actoral. Se destaca su actriz principal.
Correctos efectos especiales. El enjambre de langostas sobresale en la oscuridad de la granja.

PUNTOS NEGATIVOS

Su final es abrupto.
Su lento ritmo narrativo puede condicionar la paciencia de algunos observadores.
La relación de Virgine con su amigo viñero no esta bien profundizada.

RESUMEN

La Nube ( la Nuèe) es un drama familiar demasiado ambicioso por el giro de su narrativa. Sin embargo generará intriga en la búsqueda de la supervivencia, en su ambición y en sus consecuencias.

[usrlist “Puntuación: 3.0”]

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07/07/202103/08/2021

LO QUE ELLOS QUIEREN (2019)

Una remake con cambio de genero que no aporta nada nuevo.

¿Recuerdan aquella película protagonizada por Mel Gibson en la que podía leer las mentes de las mujeres? Lo que ellas quieran (2000) fue una comedia divertida y original que aprovechó el talento de sus interpretes como de su directora. La cinta de Nancy Meyers no tenía la profundidad suficiente que puede llegar a tener el pensamiento de Freud, pero abordaba un costado interesante de lo que podrían llegar a pensar las mujeres en la sociedad o, como en el caso, en el trabajo. Mel Gibson se ponía en la piel de un publicista que se caracterizaba por ser individualista y machista. Por una descarga eléctrica comienza a leer el pensamiento de las mujeres, descubriendo que son mucho más inteligentes que de lo que los hombres piensan.

Ahora, con Lo que ellos quieren se produce un cambio de genero dentro de la misma secuencia narrativa, pero con una clara diferencia: leer las mentes de los hombres no acarrea ninguna ventaja porque se descubre lo que realmente son. Esta característica tiene una clara desventaja como comedia porque los hombres con lo que la protagonista tiene que confrontar (en su área laboral) son machistas egocéntricos. De manera que al leer sus mentes descubre lo que realmente pensaba, unos imbéciles que no quieren que ascienda en una empresa de publicidad deportiva.

Ali Davis ( Taraji P. Henson) es la única agente deportiva femenina de la compañía en Atlanta. Su ambición es llegar a ser socia de la empresa, un cargo que ocupan todos miembros masculinos. Su presidente está próximo a elegir una vacante y ella es favorita para ocuparlo. Sin embargo, no es elegida mas allá de haber trabajado duro. La explicación que se le brinda es que no ha fichado a ningún atleta masculino de las tres grandes ligas de la NFL, MLB o NBA. Con lo que su director ejecutivo considera que es indigna para el cargo.

El problema que enfrenta Ali no es de capacidad, sino de reconocimiento. El film se encarga de resaltar el comportamiento social de los hombres en un negocio multimillonario como lo es deporte masculino en la alta competencia. Algo que la protagonista está dispuesta a enfrentar en las próximas negociaciones con una estrella de baloncesto en ascenso. Pero para calmar su reciente decepción se reúne con sus amigas en una despedida de soltera. La ingesta de un té y un repentino golpe en la cabeza le brindan poderes mágicos. Ella puede leer la mente de los hombres con lo que los utilizará como estrategia para lograr su ansiado cargo como socia de la empresa.

Ahora bien, la premisa reciclada cuenta con una dificultad. Los pensamientos que escucha la protagonista no tienen el toque de sorpresa cómica necesaria. Algo que si tenía su antecesora al enfrentar dos géneros opuestos en un cargo común. Aquí, la desigualdad de trato es tan evidente que los poderes psíquicos no tienen demasiado sentido. Ali descubre de los hombres lo que realmente piensa, con lo que sus poderes solo confirman su sospecha.

No obstante ello, el guion del film reserva un lugar para cubrir o salvar el espíritu masculino. No todos son machistas. Ali entabla una relacion con un padre soltero viudo al que utilizará para sus fines comerciales. Sus poderes le servirán para darse cuenta que los hombres no son todos iguales pero llegado al punto no aporta demasiado al film; es una pequeña muestra de lo que sucede genéricamente en una comedia romántica de rápida digestión.

¿Qué es lo que ellos quieren? No queda demasiado claro ni tampoco se preocupan por profundizar en ello. Solo se exhiben algunos egos masculinos y síntomas de machismo, que no funcionan y que no aportan gracia en los diálogos internos de sus mentes. El film está intrínsecamente vinculada a cuestiones de género y prejuicios raciales en el lugar de trabajo y el guión aborda esos temas, no con buenos resultados. Por lo demás, el reparto actoral se desenvuelve bastante bien con una energía desmesurada de su protagonista.

Lo que ellos quieren no logra la calidad de su antecesora. Quizás el error fue el haber cambiado de genero demostrando que, en lo que a pensamiento respecta, las mujeres son más interesantes que los hombres.

PUNTOS POSITIVOS

El vínculo laboral entre la protagonista y su asistente.
Taraji P. Henson. Si bien aporta una energía desmesurada, su actitud sostiene el film en momentos de altibajo narrativos.

PUNTOS NEGATIVOS

Es previsible y desinteresada. Gracias a la falta de sorpresa cómica.
El trama romántica luce genérica.

RESUMEN

Lo que ellos quieren (What Men Whant) no logrará complacer a la audiencia que haya visto su antecesora. Su comparación será innegable y ello le juega una mala pasada al carecer de originalidad y de sorpresa cómica.

[usrlist “Puntuación: 2.0”]

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