HIGH HEAT (2022)

El encanto de Olga Kurylenko y la vuelta de Don Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad. Entre las moderadas secuencias de acción y su apuesta a la comedia, High Heat desaprovecha todo lo que construye.

Los créditos iniciales de High Heat presume pensar que la película será tan ligera como un plato de comida rápida. Algo que no es un reproche, teniendo en cuenta las dimensiones presupuestarias que tienen los largometrajes de clase “B”. Pero mientras estas se construyen con una idea clara en términos de ejecución, High Heat no logra imponer los géneros que transita. La indefinición se hace notoria cuando mezcla la acción, comedia y algo de drama sin buenos resultados a pesar del buen elenco actoral el cual no tiene mucho material con el que trabajar. Las buenas intenciones de la película no se plasman en su estructura a pesar del encanto de Kurylenko y la vuelta de Don Johnson. Así, High Heat tiene poco para ofrecer y desaprovecha todo lo que construye.

La historia sigue a Ana (Kurylenko), una promisoria chef que está a punto de inaugurar un restaurante de primera categoría. La acompaña su esposo y socio comercial (Don Johnson), quién esa noche recibe vistas inesperadas de un antiguo amigo que reclama una deuda. Cuando los mafiosos se deciden quemar los cimientos de restaurant, se revela que Ana no solo tiene el talento para el arte culinario sino también que es una antigua integrante de la KGB. Para salvar el emprendimiento, deberá desterrar sus “habilidades” en lo que será un enfrentamiento de una sola noche.

Se dijo que la película tiene buenas intenciones y esto se evidencia en el tono rápido y caricaturesco que se le imprimen a todos sus personajes. El problema radica en su aspiración a ser algo más de lo que realmente es. High Heat tiene una duración de una hora y veinte minutos y trata de abarcar y mezclar diferentes géneros con resultados negativos. El elenco secundario a disposición de la dirección es realmente bueno (raro en películas de clase “B”) pero aquellos interpretes no tienen ni el guion ni el tiempo para profundizar sus personajes. Ejemplo de ello es el cómico aporte (desaprovechado ) de Jackie Long, convirtiéndose, quizás en el único ejemplo de éxito en ese sentido.

La película tiene pocas locaciones. La cocina del restaurant y un estacionamiento vacío son los entornos donde se desenvuelven las pocas y aceptables secuencias de acción. En este aspecto no tiene mucho para ofrecer y se siente algo moderada y un tanto limitada teniendo en cuenta lo disparatado de su comicidad. Olga Kurylenko usa su encanto para materializar cualquier situación de peligro pero ello no es suficiente y no puede salvar a la película de su mediocridad.

En cuanto a Johnson, muestra química con su estrella principal y si bien es la fuente del conflicto con la cuantiosa suma de dinero adeudada , su aporte no deja de ser secundario. La interacción de mafiosos, deudores y asesinos encubiertos no está bien materializado y ello se evidencia en los focos de conflicto que se van abriendo camino. Así, High Heat se va apagando con el correr de los minutos mientras se observa de reojo las agujas del reloj. Un pecado capital para una propuesta que tiene el fin de generar entretenimiento, sin exigencias.

RESUMEN

High Heat tiene buenas intenciones que la dirección no alcanza a ejecutar. Lo que debería ser su fuerte de exposición (la acción ) es moderada y limitada con lo que la expectativa y el interés se irán diluyendo en el correr de los minutos. El elenco no es un problema pero el guion sí lo es al no saber controlar los diferentes géneros que transita. Con todo, Kurylenko y Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad.

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LOS CRIMENES DE LA ACADEMIA (2023)

La novela policíaca protagonizada por Christian Bale adopta una narrativa simple y medida en términos de misterio gótico. Inobjetable técnicamente pero discutible en cuento a personajes involucrados, Los Crímenes de la Academia ( The Pale Blue Eye) se hace fuerte por su competente reparto actoral logrando que la historia se vuelva cautivadora. Disponible en Netflix.

No es muy común en el cine moderno apostar por un genero de películas que representen la investigación y el misterio en el siglo XIX. La ambientación de época que representa el vestuario y diseño de producción, al igual que un reparto actoral involucrado, son cruciales para dar vida a una investigación de asesinato. Los Crímenes de la Academia cumple acabadamente en estos términos dentro de su simple premisa. Puede ser juzgada por la escasez de pistas o personajes sospechosos pero se redime en su tercer acto con un final más que satisfactorio.

La historia sigue al famoso detective Augustus Landor (Christian Bale), quién es convocado por la Academia Militar de los Estados Unidos para resolver una muerte en sus instalaciones. Con la ayuda oculta del cadete y poeta Edgar Allan Poe (Harry Melling), Landor busca llegar a la verdad y resolver el misterio en el que pueden estar involucrado practicas satánicas. Mientras se acerca a la monstruosidad del acto violento, los motivos detrás de él son tan humanos como parecen.

Los Crímenes de la Academia acierta con su primer acto con un lenguaje visual que logra captar inmediatamente la atención. En este punto el director Scott Cooper demuestra astucia en exponer el hilo de la historia en sus minutos iniciales, creando un atmósfera oscura sin abusar de la crueldad del acto violento. La habilidad aquí radica en atrapar al observador con un misterio simple y descansar en las espaldas de un excelente reparto actoral como de su impecable fotografía. Lo dicho, no quita el innegable talento de la dirección. Pero a juzgar por el material que tenía entre manos bien podría haber involucrado más personajes sospechosos genuinos. La advertencia es hartamente discutible ya que se puede rebatir ( y con razón ) en que no es necesario una gran cantidad de personajes para develar un misterio y dar forma al increíble acto final que tiene el film.

Christian Bale es un gran actor. Sus interpretaciones tiene el sello de credibilidad y en esta ocasión el interprete se siente demasiado cómodo. August Landor es un detective tranquilo e intenso, rasgos que Bale sabe matizar a la perfección como también los vaivenes de su carácter. Sin embargo no está solo. Lo acompaña un vibrante y cautivador Harry Melling, como Poe, que si bien tiene un rol secundario, su interpretación y aporte están en el mismo nivel que su estrella principal. El resto del elenco cumple en buenos términos (Robert Duvall tiene un pequeño papel aquí ) pero por lo dicho anteriormente se sienten algo desaprovechados. Ejemplo de ello es la familia del Dr. Marquis que bien podría haber tenido mayor focalización y tiempo de calidad en su narrativa para que atraigan más sospechas que las que realmente tienen.

La investigación (con ingredientes sobrenaturales) que se desarrolla en un tiempo de ejecución de aproximadamente dos horas se puede llegar a sentir algo extensa y con la idea de que se podría haber acelerado el ritmo y sensación de urgencia en algunas escenas. Ante ello se puede argumentar que la dirección no tendría la intención de generar lo esperable en cuestiones de clímax, sino fortalecer la trama con pistas y relatos para desembocar en su satisfactorio final. En relación a ello, puede que resulte necesario una segunda visualización para incorporar algunos detalles perdidos durante su primera. La cuestión será si abra voluntad de volver por la misma experiencia.

RESUMEN

En última instancia, Los Crímenes de la Academia es una buena película de misterio. No es innovadora ni digna de aplausos. Pero cumple acabadamente con una premisa efectista. Las interpretaciones de Bale y Melling junto a su destacable puesta cinematográfica hacen del film un valor agregado.

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EL ANGEL DE LA MUERTE (2022)

Intrigante en su mayor tiempo de ejecución y con grandes actuaciones de Jessica Chastain y Eddie Redmayne, El Ángel de la Muerte (The Good Nurse) es un drama criminal que te mantendrá expectante hasta el final. Disponible en Netflix.

El Ángel de la Muerte se basa en una historia real. El material adaptado, del libro de crímenes reales del año 2013 de Charles Graeber, es cruel, intrigante y en ocasiones escalofriante. La dirección, a cargo de Tobias Lindholm, resalta aquellos ingredientes de una manera pausada sin perder de vista la estrechez y sospecha de los personajes. Con grandes actuaciones de Jessica Chastain y Eddie Redmayne, el drama criminal de Netflix te mantendrá expectante hasta el final.

Amy Loughren (Chastain) es una enfermera y madre que intenta equilibrar su trabajo y su vida personal mientras sufre un problema médico que amenaza con ser fatal si no descansa.  Cuando Charles Cullen (Redmayne) ingresa a trabajar en la enfermería del Hospital pronto se hacen amigos. Ambos relatan sus historias personales, pero es Amy la que cuenta como secreto su grave condición (miocardiopatía) atento que le restan cumplir cuatro meses de trabajo para que el nosocomio le otorgue cobertura medica. Pronto lo lleva a su casa para que conozca a sus dos hijas, convirtiéndolo gradualmente en parte de la familia.  Cuando un paciente muere en circunstancias sospechosas, dos detectives tienen la tarea de investigar lo sucedido.  Las cosas se complican cuando las pistas comienzan a apuntar hacia Charles y Amy se encuentra atrapada entre la amigable relación y la sospecha.

La película tiene la habilidad de transmitir diferentes momentos emocionales en una dramatización en donde el sistema de salud también forma parte de los crueles hechos aquí narrados. La historia de la buena enfermera (tal la traducción de su título en su idioma original) y su afección cardíaca es un dispositivo de la trama que encaja bien con la historia principal. Amy, es una madre soltera que hace lo mejor que puede. Su condición medica cala hondo ya que se ve obligada a controlar los síntomas, mientras cuenta los días para recibir el apoyo financiero. En este punto, la dirección aprovecha la afección de Amy, mientras construye su confianza con Charles. La película no explota como debería la aquella relación pero los protagonistas hacen que el atajo empleado sea efectivo.

Cuando la película cambia de tono, con la incipiente sospecha de asesinatos en Charles, la investigación de los hechos empieza a ganar terreno. Aquí, la entrada en escena de la pareja de detectives no cuenta con el tiempo deseado en pantalla. Pero el film va más allá de la elucubración de los hechos y la búsqueda de la verdad material, de por sí escalofriante de parte del criminal del cual se adapta la historia. También se revela la acción poco ética e insidiosa de los sistemas hospitalarios al permitir la contratación de un empleado sospechoso de un asesinato. En este punto, la codicia y el desinterés de la gerencia a cargo de los nosocomios en los que acceden al servicio de salud están a la vista.

Jessica Chastain y Eddie Redmayne impulsan el drama criminal adaptado, con sobresalientes interpretaciones. Chastain logra transmitir la ternura que imprime su personaje en la sana creencia de percibir bondad en las personas. Su personaje lucha con la angustia de sostener a una familia mientras se acrecienta las sospechas en Charlie. Cuando salen a la luz, el nivel interpretativo de Chastain aumenta. En este aspecto, la actriz estadounidense muestra su mejor faceta actoral en un genero que parece ser el suyo.

Redmayne por su parte, acierta con su caracterización . Siniestro en la oscuridad de los hechos pero tierno en la superficie, el actor se mantiene contenido en su personaje a punto tal que logra sembrar algunas dudas en su participación. En cuanto a la dirección, logra mantener la intriga y el suspenso hasta su tercer acto final, sin caer en la tentación de acciones directas. Con todo lo manifestado, El Ángel de la Muerte tiene momentos de miedo gracias a su efectivo uso del suspenso inducido y que no es representado por acciones directas.

RESUMEN

En resumidas cuentas, El Ángel de la Muerte (The Good Nurse) es un solido drama criminal que elude cualquier tipo de intensidad brutal. En su lugar, construye una relación de estrechez y de sospecha que mantendrá a la audiencia expectante hasta el final.

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ACCIDENT MAN 2 : Hitman’s Holiday (2022) 

critica accident man 2

Con abundantes coreografías de artes marciales en donde brilla el talento de Scott Adkins, Accident Man 2 no aprovecha los aciertos de su antecesora pero no deja de ser un viaje divertido.

Scott Adkins pertenece al genero de actores infravalorados. Su talento en el arte marcial lo ha llevado a ser un referente en películas de bajo costo en donde los recursos se materializan por la acción coreográfica que el actor inglés ejecuta. En esta oportunidad, Adkins impulsa un proyecto propio que comenzó en el año 2018 y en la que ha pasado desapercibido. Accident Man (algo así como el hombre accidente) centra su narrativa en los asesinatos accidentales con un toque de comedia negra . Su continuación se aparta de la esencia de su antecesora y en su lugar despliega abundantes coreografías de acción en donde brilla el talento marcial de Adkins. A saber, es un viaje entretenido para los seguidores del actor como para aquellos que busquen un placer culpable.

Accident Man 2 se centra en el asesino profesional Mike Fallon (Scott Adkins). Después de los acontecimientos de Londres, Mike huye a Malta para mantenerse desapercibido y continuar como contratista de asesinatos accidentales. Cuando su antiguo amigo Fred es secuestrado por una jefa de un peligroso sindicato del crimen, Mike se ve obligado a proteger a su hijo a cambio de la vida de su compañero.

Para empezar hay una clara intención en Accident Man 2 de exaltar una narrativa alegre, absurda y caricaturesca. Desde sus simples y desvergonzados diálogos hasta su ligera introducción de la historia hacen que resulte indiferente visualizar su primera parte ya que su continuación se sostiene por sí sola. Dicho esto, se puede decir que la original había construido las bases para el desarrollo en las preparación de los asesinatos accidentales. Si bien no hay ninguna pisca de originalidad en ella, ya que bien podría haberse tomado de la película El Mecánico (con Jason Statham) en donde el protagonista también disfrazaba los encargos de homicidio en un accidente, la utilización del humor negro y el estilo sombrío de las ejecuciones tenían su valor agregado.

Esta característica tan bien ganada en Accident Man es desaprovechada en su segunda parte y en este punto es donde la película pierde su eje. En su lugar lo compensa con las increíbles coreografías de artes marciales en las que Scott Adkins demuestra que es uno de los mejores en su genero. En relación a ello, todas las escenas de lucha se ven claras. Cada golpe lleva el destino deseado y si bien pecan de exageración van a tono con el aspecto caricaturesco de los personajes. Todas las piezas de acción fueron supervisadas por los hermanos Kirby (a cargo de la dirección). Especialistas en acrobacias, dando sobradas muestras que lo suyo son lo combates vistosos y exagerados. Quienes busquen este tipo de propuestas saldrán altamente recompensados.

Accidente Man 2 cuenta con una buena química en sus protagonistas. Gran parte de su éxito radica en el carisma de sus personajes y en los pasos de comedia que en muchas veces se ven involucrados. En este punto la incursión de Sarah Chang, quién, salvando las distancias, emula a un servidor del Inspector Clouseau  en la Pantera Rosa está bien direccionada. Su aporte trae frescura al elenco y es una buena opción para explotar su personaje, si es que hay una tercera parte. Con todo, Accidente Man 2 tiene lo que se necesita para entretener dentro de su caótica narrativa.

RESUMEN

En definitiva, Accidente Man: Hitman’s Holiday es un viaje alocado lleno de combates coreografiados donde brilla la figura marcial de Scott Adkins.

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LOU (2022)

lou final explicado

El thriller de Netflix muestra su mejor forma en la actuación convincente de su protagonista principal (Allison Janney). Lou, tiene un buen comienzo y un ritmo adecuado pero sus giros no encastran del todo bien con el contenido de su historia. En su fin de entretener, Lou lo logra dignamente a pesar de su generalidad.

Lou, no pierde tiempo en captar la atención de la audiencia. En sus escasos minutos iniciales presenta una mujer solitaria, dura y misteriosa que oculta un extraño pasado. A esos ingredientes se le agrega un secuestro dentro de un pequeño pueblo en donde se avecina una gran tormenta. El thriller encuentra su mejor forma en el talento de Allison Janney, la actriz principal, de 62 años, que tiene ciertas “habilidades” para sobrevivir. Mientras que la nombrada como el elenco que la acompaña muestran actuaciones físicas y emocionales convincentes, el trasfondo de su historia no encastra bien con los giros que se ejecutan. Su resultado, es una experiencia visual entretenida y genérica dentro de un círculo narrativo un tanto confuso.

En un pequeño pueblo, Lou (Allison Janney) está a punto de tomar una drástica decisión. Después de buscar comida para su perro, matando un ciervo fuera de temporada de caza, y de extraer el total de su dinero bancario, del cual pretende donar a su vecina inquilina, la encuentra a punto de suicidarse. Mientras se avecina una fuerte tormenta, sus planes se ven interrumpidos cuando su vecina Hannah (Jurnee Smollett) le informa que su hija a sido secuestrada por su padre Philip ( Logan Marshall-Green). Sin ninguna posibilidad de comunicación con el sheriff de la ciudad, juntas inician una misión de rescate en donde se revelan algunos secretos.

Lou, trata de equilibrar la historia de los tres personajes centrales. Lou, Allison y Philip son los componentes de un guion que genera una indudable intriga. Se bien los personajes y sus historias se presentan con una elocuente moderación, a la hora de las revelaciones sus intenciones no están bien ejecutadas. Esto crea un ambiente de confusión con el trasfondo de la historia y sus motivaciones, logrando que el film no sea transparente y del todo efectivo en el uso de sus giros. Cuando llegan, pierden cierta influencia y no logran canalizar adecuadamente el sentido de su explicación. Así, entre la eficiente misión de rescate, con luchas incluidas, el circulo narrativo pierde brillo por la mención aludida.

Ahora bien, hay una cosa en particular en la que Lou es todo un triunfo. La actuación de Allison Janney (Lou) es eficiente, transformadora y brutal. Si bien no cambia el estereotipo de antihéroe, la forma salvaje en la que manifiesta su temperamento la hace digna de reconocimiento. Desafortunadamente, las futuras revelaciones no están en consonancia con el nivel interpretativo de la premiada actriz (ganadora de un globo de oro) quien brinda una performance solida y convincente, incluso en las escenas de lucha. En este punto, los desafíos físicos y obstáculos naturales que enfrenta la actriz gozan de buena credibilidad gracias a su impresionante fuerza emocional. El resto del elenco, la acompaña correctamente, sin sobresaltos.

La película también cuenta con una destaca ambientación. Con una dirección prolija, la película logra “vivir” el centro de la escena cuando las protagonistas están en peligro. Llegado el final y por el peso confuso de sus giros (en el cual se involucran cuestiones de maternidad) el film sufre de una generalidad inevitable. Con todo, Lou, con sus altibajos, logra entretener por la actuación sobresaliente de Janney y por un guion astuto, como genérico, que atrapará al observador por su misterioso comienzo.

RESUMEN

En definitiva, Lou, es un thriller que entretiene a pesar de su argumento genérico y de algunos giros no tan bien ejecutados. Como contrapartida, la transformadora y convincente actuación de Allison Janney hace que aquellos pasen algo desapercibidos.

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EMILY THE CRIMINAL (2022)

critica emily the criminal

Potenciada por la sobresaliente actuación de su protagonista principal, Emily The Criminal juega con cartas usadas pero logra imponer su propias reglas. Con un guion dinámico, el thriller gana puntos en intensidad y es todo un triunfo.

El bajo mundo del crimen se manifiesta de múltiples formas y ello ha sido motivo para que los hábiles guionista de Hollywood pongan toda su inspiración para recrear posibles situaciones delictivas. Emily The Criminal, cuenta con tales ingredientes y apuesta a una intensidad que a la postre, es bien recompensada. Potenciada por la sobresaliente actuación de Aubrey Plaza, el thriller se nutre de conceptos ya vistos. Juega con cartas usadas pero imponer sus propias reglas. Su resultado es todo un triunfo.

Emily (Plaza) tiene antecedentes criminales. Un violento asalto en el año 2016 le impide sortear una exitosa entrevista de trabajo, cuyo empleador, a sabiendas, le pide que lo manifieste expresamente en su presencia. Frustrada y enojada por su estigmatización decide optar por un camino que le cambiará la vida. Mientras trabaja en un servicio de catering, un compañero le informa sobre un trabajo de pago fácil. Emily necesita el dinero para pagar una deuda estudiantil por un título de arte que nunca recibió, razón por la que la necesidad económica es su principal interés.

En el centro de la escena y sin ningún tipo de coacción, se encuentra en medio de una estafa con tarjetas de crédito. El trabajo consiste en comprar un producto y presentar el “plástico” falsificado y esperar que no la descubran. Con la atenta mirada del jefe de la operación, Yousef, Emily se debate entre hacer algo ilegal y la tentación del dinero fácil.

La película retrata a una persona que se encuentra frustrada por un pasado delictivo que no puede borrar y una necesidad económica que la acecha, un combo peligroso para alguien que intenta reinsertarse en la sociedad. El film no victimiza aquí la posición del personaje sino que la centra en un lugar de toma de decisiones en donde las reglas están lo suficientemente claras para arrepentirse.

Emily, tiene un talento para los dibujos de diseño y espera tener una oportunidad en una agencia de publicidad, mientras su amiga Liz trata de conseguirle una entrevista con su jefa desde adentro. La decisión de Emily es mantenerse por el camino correcto hasta que su compañero de catering la tienta con la posibilidad de ganarse un dinero fácil. Solo tiene que llamar a un número desconocido el que le brindará más información cuando asista personalmente. Hay algo evidentemente ilegal aquí, Emily lo sabe y aún así toma la decisión de arriesgarse. En este sentido, la protagonista transmite momentos de tensión sumamente acertados. Su lenguaje corporal, al igual que sus ojos, exhiben muestras de ansiedad y nerviosismo cuando se adentra en cumplir actos ilegales.

El guion es dinámico y le otorga a Aubrey Plaza la posibilidad de transitar diferentes capas de su personaje. La temática sigue la línea de otras propuestas de genero pero logra imponer sus propias reglas. Esto es, ofrece un nivel de emoción genuino gracias a la sobresaliente actuación de su protagonista. El riesgo personal que corre durante todo el film mantendrá expectante a la audiencia, quien la apoyará en circunstancias complejas. Esta situación de aliento es independiente al hecho ilícito en sí, razón por la cual la actuación de Plaza es más meritoria.

Ahora bien, la película se nutre de actos ilegales posibles. La orquestación de la estafa con tarjetas de crédito no dista mucho de la realidad y eso hace que la intriga se mantenga a flote en todo momento. En este aspecto, el líder de la organización y mentor de Emily, Youcef (Theo Rossi) , tiene un papel destacado. Con todo, Emily The Criminal funciona por una historia ordinaria pero meticulosamente ejecutada y una protagonista que transmite emociones genuinas.

RESUMEN

En definitiva, Emily The Criminal es un thriller con profundidad en sus personajes y con un guion meticulosamente ejecutado. Con la tensión e intriga en aumento, toca conceptos de estigmatización social y de su aprovechamiento, mientras la antihéroe ( Aubrey Plaza) afronta riesgos personales. Su resultado es un triunfo.

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CENTAURO (2022)

Entretenimiento simple y pasajero que no se detiene en detalles. Centauro, mantiene su expectativa en la velocidad de un guion que se corresponde con la de su moto. Disponible en Netflix.

Un promisorio piloto de motociclismo y asiduo trabajador portuario se sumerge en el inframundo criminal para salvar a su ex-mujer de una deuda de drogas. Con esa premisa, el guion no ahonda en detalles, configurando un thriller en línea recta hasta su punto de meta. Así, Centauro, no tiene intenciones de auto exigirse demasiado más que brindar un entretenimiento pasajero. Cumple en esos términos, en una rápida ejecución de 90 minutos. Pero llega con el combustible justo.

La historia sigue a Rafa (Álex Monner), un joven que sueña con convertirse en piloto profesional de motos. Divide su tiempo entre las pruebas de manejo, su trabajo en el puerto de Barcelona y su rol de padre. Cuando su ex-mujer, quién vive con su hijo, es víctima de un robo de drogas, Rafa tendrá que enmendar la situación para sacar a su familia fuera de peligro. Para pagar la deuda, se tendrá que introducir en un mundo criminal, haciendo uso de la habilidad con la moto.

De este modo, hace un trato con un líder criminal colombiano quién tiene dificultades para entregar mercadería prohibida por asfalto. A bordo de su moto, a toda velocidad, y al margen de la ley, Rafa tendrá cumplir el peligroso encargo, poniendo en juego su vida, su trabajo y su sueño de ser piloto profesional.

Carlos Bardem

Centauro, se mueve sobre territorio conocido a raíz de que es una remake de Burn Out (película francesa, también disponible en Netflix) en donde se vuelve a exponer la misma narrativa, pero con actores españoles. Pero en vez de aprovechar los errores de su predecesora, los vuelve a repetir con una historia que no profundiza en sus personajes. Àlex Monner cuenta con suficiente material para trabajar las capas de su protagónico, pero no tiene el tiempo suficiente para dramatizarlo.

La trama, de desarrollo simple y rápido, no es benevolente con el actor catalán atento que se le plantea varias situaciones por resolver y todas se sienten algo descuidadas. Incluso la sexy secuencia de reconciliación con la madre de su hijo apenas funciona para un hombre que quiere ser piloto de carrera, mientras hace de mula a las ordenes del capo criminal Carlos. En este aspecto, la narrativa ejecuta un cúmulo de situaciones que no está dispuesto a procesar y las maquilla con secuencias en moto a alta velocidad, en tanto se fragmenta el aspecto cansino del motociclista con su pasión por formar parte de una escudería de carreras. Todo lo dicho, se resuelve de un modo precipitado.

Centauro película

Ahora bien, se puede decir que Centauro se destaca por las secuencias de manejo de motos. Pero la realidad es que no hay motivo para sorprenderse. Desde la efectiva secuencia de apertura, filmada como si fuese una transmisión de carrera de GP, hasta las persecuciones nocturnas, no hay nada aquí que valga la pena un aplauso. No obstante ello, las escenas se entienden y son acompañadas por una pegadiza musicalización.

Dicho esto, la película se mueve en un tiempo de ejecución relativamente corto. Los recurrentes toques de edición le dan algo de sustento a su, de por sí, simple narrativa. Se entiende el recorrido del protagonista y su odisea de llevar sustancias prohibidas desde Marsella hasta Barcelona. Lo queda difuso es el trayecto que recorre con sus dos horas de demora. Queda la sensación de que se podría haber sacado algo más de rédito a las persecuciones (la policía persigue solamente con juego de luces) y no ser un simple recorrido lineal. El rápido y no tan creíble final logra corregirlo, pero no es suficiente.

RESUMEN

En resumidas cuentas, Centauro trabaja sobre un material ya visto (remake de Burn Out) y recorre el mismo camino. No agrega nada. Con una historia simple y con personajes desdibujados, solo algunas dosis de velocidad y adrenalina bien ejecutadas cumplen el propósito de entretener.

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AMBULANCIA (2022)

critica ambulancia

La acción al servicio del entretenimiento. El director de Transformers y La Roca, entre otras, impone su sello en otra otra propuesta divertida.

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En ocasiones los directores son conocidos por sus películas antes que por su propio nombre. Cuando se logra captar el estilo que imprimen aquellos hacedores de cine nos damos cuenta que es lo que nos espera. Ambulancia (Ambulance) es una típica película de Michael Bay en donde las explosiones y la cantidad de autos destruidos es una indicación para acercarse o alejarse de la película. Adaptada de la película danesa del año 2005, del mismo nombre, Ambulancia es una propuesta divertida con el sello del director. Protagonizan Jake Gyllenhaal y Eiza González.

La trama se abre con un ex-marine de los Estados Unidos (Yahya Abdul-Mateen II) que busca desesperadamente trabajo. Ha tenido un bebé y su esposa necesita de una cirugía de urgencia que su seguro medico se niega a pagar. Desesperado, visita a su hermano (Jake Gyllenhaal) en busca de un préstamo. Pero este, siendo un ladrón de bancos, tiene otros planes y lo convence de participar en un robo a un banco que los dejaría con 32 millones de dólares. El plan parece sencillo, entrar y salir sin matar inocentes. Pero un novato policía interfiere, sin saberlo, en sus planes, lo que lleva a los hermanos a secuestrarlo en una ambulancia con una paramédica (Eiza González) a bordo. Con la policía y el FBI pisándole los talones, comienza una trepidante persecución por la ciudad en busca de una salida.

Ambulancia no da respiro y su narrativa hace que ello sea posible gracias al forma de filmar del cineasta norteamericano. Con diálogos demasiados planos y propensos al chiste fácil, que funcionan en ocasiones, la película parece haber tenido el presupuesto necesario para instalar el sello de Michael Bay. Banderas norteamericanas por todos lados, explosiones y autos volando por los aires son una constante en el film.

Dicho esto, Bay, sabe como entretener y utiliza varios trucos de su repertorio técnico . En este aspecto se evidencia un “intenso” manejo de la cámara. A menudo toma una panorámica del costado de un edificio antes de caer en picado y girar en una rotación de 360 ​​​​grados que puede causar desagrado o ser emocionante al mismo tiempo. Se puede argumentar que la técnica es necesaria para representar las persecuciones, teniendo en cuenta que en gran parte del metraje los protagonistas se la pasan dentro de la ambulancia. La acción en sí es impresionante. Las secuencias de persecución como las explosiones son de primer nivel y los observadores que busquen un entretenimiento efectivo saldrán satisfechos. Eso sí, dentro de la filmografía de Michael Bay (La Roca, Dos policías rebeldes, Armagedón, entre otras) el film no está entre sus mejores trabajos.

Ahora bien, si bien la película se hace fuerte en la parte técnica visual se basa en la relación entre los dos hermanos. Will (Yahya Abdul-Mateen II) y Danny (Gyllenhaal) tienen personalidades diferentes pero se preocupan mucho uno en el otro. Will es tranquilo y representa al típico marine que se preocupa por los inocentes. El guion no es muy benevolente en términos lógicos pero el actor afroamericano se las arregla para llevar adelante su personaje.

Gyllenhaal, por su parte, interpreta a un hombre que está a punto de perder los estribos en todo momento. Puede llegar a traer sensaciones extrañas en aquellos observadores acostumbrados a verlo en papel de héroe. Aquí el actor es demasiado histriónico pero en su defensa se puede argumentar que su actitud va a tono con el estilo de la película. En cuanto a Eiza González, mantiene su actuación a flote en todo momento y ciertamente la bella actriz mexicana cumple.

RESUMEN

En última instancia, Ambulancia no defrauda si eres seguidor de la filmografía de Michael Bay. Si bien la película se alarga un poco mas de lo necesario, mantiene un buen equilibrio entre la tensión de los personajes y la constante persecución. Con explosiones, autos volando por todos lados y un trabajo de cámara intenso, la película cumple con lo que promete pero no está entre los mejores trabajos del director.

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PUNTO DE INFLEXION (2021)

critica punto de inflexión

El drama criminal italiano es algo predecible, simple y trágico. Pese a ello, brilla por la excelente química de sus protagonistas. Disponible en Netflix.

Resulta extraño resistir un planteo amigable entre un perpetrador y un simple estudiante que solo busca definir su camino. Pero la película italiana lo logra gracias a la química de sus protagonistas. Con ella, la trama se va tornado entrañable hasta su cambio de genero. Punto de Inflexión es predecible, simple y trágica pero tales concepto le sientan bien dentro de su narrativa. Un pequeño logro cinematográfico que mantiene el interés durante todo su tiempo de ejecución.

La historia se abre con Ludovico (Brando Pacitto), un estudiante de economía deprimido y con muy baja autoestima. El tiene un departamento bastante agradable pero no se ocupa mucho de ello. Su padre lo reprende por su poca eficacia en los exámenes y lo acusa de perder su oportunidad en la universidad, mientras dibuja comics, su verdadera pasión oculta. Hay un razón en el comportamiento de Ludovico que no es una vagancia percibida. Lidia con una depresión de un año, es inseguro, retraído y con ataques de ansiedad. Su comportamiento antisocial le impide acercarse a su vecina, mientras observa de lejos como se pelea con su novio.

En otra lugar, Jack ( (Andrea Lattanzi) roba una considerable suma de dinero y escapa de un jefe de la mafia local. La circunstancia hace que busque refugio en el complejo de departamentos en la que esta Ludovico. Mientras este saca la basura, Jack lo sorprende y lo toma como rehén en su departamento. Sin un plan de salida, los dos tendrán que tolerarse mientras miembros de la mafia local acechan los alrededores. No pasará mucho tiempo para que ambos se encariñen y entablen una profunda amistad.

El punto de inflexión, pero ¿por qué?

La película parte de una premisa cuestionable. Resulta extraño que cualquier mortal simpatice con un ladrón, a punto tal de volverse amigos, cuando inclusive te apunte con su pistola en la cabeza. Pero Punto de Inflexión trata de vincular sus personajes a través de sus contrastes. El argumento le da seriedad al problema de Ludovico, lo trata sutilmente y la da la posibilidad al interprete para su lucimiento. Ludovico es tímido y reprimido pero tiene un gran talento para los comics. Su gran temor es comunicar a su padre su gran pasión en vez de seguir estudiando la carrera de economía. Cuando surge el ladrón Jack y lo obliga a confinarse emerge un vínculo fraternal entre ambos lo suficientemente convincente para acompañarlos en la relación.

La trama tiene momentos emocionales predecibles y simples pero genuinos. La pérdida de confianza en uno mismo y su “volver a creer” están presentes en el rostro y en la sensibilidad de Ludovico. El film hace que la audiencia empatice con él en todo momento, mientras Jack lo impulsa a cumplir sus sueños. Es una relación que nace de la violencia, es cierto, pero aquí se impulsa en la ayuda mutua con un grado de sensibilidad notable.

El trasfondo criminal es otro punto a favor. La mafia local constituye un elemento de violencia que contrasta la incipiente relación fraternal de Jack y Ludovico. Dicho esto, el film se encarga generar crudeza en las escenas, con secuencias dignas de una película de gánster. Son duras, sangrientas y logran el impacto deseado. El jefe de la mafia como sus secuaces representan los clásicos estereotipos del crimen organizado donde un error se paga con la muerte. Resulta pintoresco, más allá de la violencia que escenifican, los diálogos como las actitudes que llevan a cabo los miembros de la organización mafiosa, demostrando que el cine italiano, como sus interpretes, si quieren, pueden volver a transitar tranquilamente el genero gansteril. En el contexto de la historia, la irrupción de la mafia funciona.

Ahora bien, el final de la película tampoco puede ser ignorado. Hay algo de Quentin Tarantino aquí y logra convencer con un giro inesperado. Con todo, Punto de Inflexión cultiva buena voluntad entre los personajes con un peligro latente del que ambos tendrán que salir. Es simple y algo predecible, pero vale la pena.

RESUMEN

En definitiva, Punto de Inflexión (La Svolta) parte de una historia simple que cultiva la buena voluntad entre los personajes. Sus efectivas dosis de violencia y su fuerte final contrasta aquellas emociones bien ganadas dentro de la cultura de su historia.

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EL SASTRE DE LA MAFIA (2022)

El Sastre de la mafia: fina explicado

El thriller criminal de los años 50 merece un vistazo por su historia y su excelente protagonista. En el Sastre de la Mafia, Mark Rylance brilla en un papel hecho a su medida.

El Sastre de la Mafia pertenece al grupo de películas en vías de extinción atento que la trama criminal se desarrolla en un solo escenario. Como si fuese una obra de teatro, los interpretes van dando muestras de carácter en una trama que permite tales atribuciones y en las que el protagonista principal las aprovecha. Mark Rylance, conocido por ganar un Oscar en el film puente de espías, brilla en un papel hecho a su medida.

Ambientada en 1956, la historia sigue a un modisto llamado Leonard (Mark Rylance). En su tienda de negocios tiene como clientes a gánsteres de la ciudad de Chicago. Estos, no solo aprovechan el talento de Leonard en la confección de elegantes trajes sino también utilizan el negocio como una fachada criminal. Leonard, y su asistente, permiten el acceso del personal de la mafia para cuestiones de mensajería pero desconocen los entramados de fondo. Un día, dos jóvenes gánsteres irrumpen la tienda debido a que este último recibe un disparo en una emboscada. Lo que suceda en las próximas horas, incluida la revelación de una cinta que induce a descubrir un espía en la banda, llevará a Leonard y a los criminales involucrados al límite.

El sastre de la Mafia logra algo sorprendente y es mantener la atención del observador en todo momento. Su hora y 45 minutos de duración puede ser excesiva para una película que se desarrolla en una sola locación, pero el argumento, el elenco y su brillante protagonista hace que el tiempo se lleve de una manera reconfortante. Señores, El Sastre de la Mafia demuestra que lo importante no es el la duración ni la escenografía (de excelente diseño, por cierto) sino su calidad. El film cuenta con un ritmo informal lo suficientemente ameno para sentarse a disfrutarlo. Es una historia bien contada, casi pasada de moda, que explota los monólogos de sus protagonistas como si fuese una obra de teatro.

La película cuenta con un sólido elenco pero es Mark Rylance (Leonard) la que lo hace recomendable. La película está diseñada específicamente para adaptarse al actor mientras su personaje navega en una noche peligrosa con gánsteres. Los diálogos , los silencios y las miradas, ante un acontecimiento no deseado, son realizados magistralmente por el actor británico, quién compone un personaje atractivo como enigmático. Durante la noche y en su negocio, los gánsteres interactúan con el modisto, mientras la audiencia lo examina. Rylance se favorece de un pequeño elenco y de una historia de un solo escenario pero en las espaldas del actor descansa la calidad del la película.

Dicho esto, el sastre de la mafia no es la típica película de gánster. Aquí no hay asesinatos ha investigar ni acción que caracteriza al genero. Es una historia de un hombre (Leonard) que trata de sobrevivir la noche. Con su comportamiento en examen, Rylance pone lo mejor de sí dentro de una elegante tienda de trajes de los años 50. A medida que avance el metraje el sastre (que le gusta que le digan modisto) va aflorando conductas que habrá que descifrar. Todo desarrollado en una sola locación, con un diseño de producción bien confeccionado y un elenco que aprovecha la calidad de su argumento. No es necesario agregar nada más para no entorpecer los giros de una trama que merece la pena investigar.

RESUMEN

En definitiva, El Sastre de la Mafia (The Outfit) es un thriller bien elaborado que hace un buen uso de su escenario con un excelente protagonista. Mark Rylance compone un personaje enigmático que la audiencia tendrá que descifrar. Los fanáticos de las películas pasada de moda (terminología bien intencionada) disfrutarán y aplaudirán la película.

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