HIGH HEAT (2022)

El encanto de Olga Kurylenko y la vuelta de Don Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad. Entre las moderadas secuencias de acción y su apuesta a la comedia, High Heat desaprovecha todo lo que construye.

Los créditos iniciales de High Heat presume pensar que la película será tan ligera como un plato de comida rápida. Algo que no es un reproche, teniendo en cuenta las dimensiones presupuestarias que tienen los largometrajes de clase “B”. Pero mientras estas se construyen con una idea clara en términos de ejecución, High Heat no logra imponer los géneros que transita. La indefinición se hace notoria cuando mezcla la acción, comedia y algo de drama sin buenos resultados a pesar del buen elenco actoral el cual no tiene mucho material con el que trabajar. Las buenas intenciones de la película no se plasman en su estructura a pesar del encanto de Kurylenko y la vuelta de Don Johnson. Así, High Heat tiene poco para ofrecer y desaprovecha todo lo que construye.

La historia sigue a Ana (Kurylenko), una promisoria chef que está a punto de inaugurar un restaurante de primera categoría. La acompaña su esposo y socio comercial (Don Johnson), quién esa noche recibe vistas inesperadas de un antiguo amigo que reclama una deuda. Cuando los mafiosos se deciden quemar los cimientos de restaurant, se revela que Ana no solo tiene el talento para el arte culinario sino también que es una antigua integrante de la KGB. Para salvar el emprendimiento, deberá desterrar sus “habilidades” en lo que será un enfrentamiento de una sola noche.

Se dijo que la película tiene buenas intenciones y esto se evidencia en el tono rápido y caricaturesco que se le imprimen a todos sus personajes. El problema radica en su aspiración a ser algo más de lo que realmente es. High Heat tiene una duración de una hora y veinte minutos y trata de abarcar y mezclar diferentes géneros con resultados negativos. El elenco secundario a disposición de la dirección es realmente bueno (raro en películas de clase “B”) pero aquellos interpretes no tienen ni el guion ni el tiempo para profundizar sus personajes. Ejemplo de ello es el cómico aporte (desaprovechado ) de Jackie Long, convirtiéndose, quizás en el único ejemplo de éxito en ese sentido.

La película tiene pocas locaciones. La cocina del restaurant y un estacionamiento vacío son los entornos donde se desenvuelven las pocas y aceptables secuencias de acción. En este aspecto no tiene mucho para ofrecer y se siente algo moderada y un tanto limitada teniendo en cuenta lo disparatado de su comicidad. Olga Kurylenko usa su encanto para materializar cualquier situación de peligro pero ello no es suficiente y no puede salvar a la película de su mediocridad.

En cuanto a Johnson, muestra química con su estrella principal y si bien es la fuente del conflicto con la cuantiosa suma de dinero adeudada , su aporte no deja de ser secundario. La interacción de mafiosos, deudores y asesinos encubiertos no está bien materializado y ello se evidencia en los focos de conflicto que se van abriendo camino. Así, High Heat se va apagando con el correr de los minutos mientras se observa de reojo las agujas del reloj. Un pecado capital para una propuesta que tiene el fin de generar entretenimiento, sin exigencias.

RESUMEN

High Heat tiene buenas intenciones que la dirección no alcanza a ejecutar. Lo que debería ser su fuerte de exposición (la acción ) es moderada y limitada con lo que la expectativa y el interés se irán diluyendo en el correr de los minutos. El elenco no es un problema pero el guion sí lo es al no saber controlar los diferentes géneros que transita. Con todo, Kurylenko y Johnson no pueden salvar a la película de la mediocridad.

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PARADISE CITY (2022)

Bruce Willis y John Travolta se vuelven a reunir en una película desechable. Paradise City, no tiene con qué cubrir las apariciones ocasionales de las dos estrellas a pesar de contar con un director competente.

Resulta una atracción ver en pantalla a Bruce Willis y John Travolta en una película de acción. Desde la premiada obra de Quentin Tarantino, Tiempos Violentos, las dos estrellas se vuelven a reunir con un resultado decepcionante. Está claro que la pretensión aquí no va más de allá lo mínimo esperable en cuanto a entretenimiento se refiere, dentro de un guion predecible y un esperable andar luminoso de sus figuras centrales. Pero lo cierto es que la historia les reserva apariciones ocasionales dejando todo el flujo de entretenimiento en actores secundarios. El director Chuc Russell no logra sortear el obstáculo y convierte a Paradice City en un película de acción decepcionante.

La historia sigue a Ian Swan (Bruce Willis), un cazarrecompensas que desapareció en algún lugar de las islas hawaianas.  En su búsqueda de un narcotraficante internacional al que ha perseguido durante años, Swan queda atrapado en un fuego cruzado y se presume que está muerto.  Su hijo, Ryan Swan (Blake Jenner) sigue el rastro de su padre hacia un inframundo criminal.  Acompañado por la ex pareja de su padre, Robbie Cole (Stephen Dorff), y Savannah, una detective local (Praya Lundberg), todos se disponen a encontrar al presunto asesino.  Mientras tanto, un corredor de bolsa (John Travolta), amenaza la paz de la isla (Paradise City) con un proyecto de destrucción de sus recursos naturales.

La película, en principio, es decepcionante en su conjunto al abordar diferentes tramas secundarias que se confunden con la principal. La queja radica en la forma de canalizarlas en la cual se presta a confusión. En toda película de bajo presupuesto (Paradice City lo es con todas las letras) hay una clara tendencia a predecir el resultado en beneficio del entretenimiento. Es una formula sencilla, casi automatizada, en donde la escritura es tan lineal como sus secuencias de acción. Aquí, las historias adicionales gozan de un apresuramiento desinteresado que terminan minando la trama principal con una falta de profundización en la motivación del plan del villano en cuestión.

El plan, que incluye la destrucción de los recursos naturales de la isla por un centro de drogas, solo se revela en la mente criminal del ejecutor. Situación que no se dedica mucho tiempo en explorarse y que la dirección no puede suplir con las coloridas imágenes de la isla. Esto hace que la narrativa de Paradice City tenga un andar desinteresado y cansino, con muy poco espacio para que el observador digiera lo que esta sucediendo. También tiene un gran problema de ritmo. Las apariciones ocasionales de Willis y Travolta son cubiertas por actores secundarios que no pueden llevar el interés de la trama. Resulta difícil sentir empatía por ellos atento que no se evidencia ningún tipo de carisma que los identifique.

La decepción llega en su punto culminante cuando se desarrollan las secuencias de acción. Ninguna de ellas tiene un componente confiable. Los movimientos de lucha como las escenas de disparos gozan de gran ordinarez como de una falta total de timing, desaprovechando el talento innato de Willis (a pesar de su diagnostico público de afasia). Resulta llamativo como un director competente como Chuck Russell, responsable de títulos taquilleros como La mascara y El Protector, haya elaborado tremendo descalabro. Las películas de acción tienen que tener como mínimo una sensación de vivacidad y Paradice City no la tiene.

RESUMEN

En definitiva, Paradice City es otro título de acción decepcionante. Las ocasionales intervenciones de Bruce Willis y John Travolta no fueron bien cubiertas por actores secundarios a los que resulta difícil empatizar. Con secuencias de acción poco confiable se vuelve un film desechable.

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TIEMPO PARA MI (2022)

Mark Wahlberg y Kevin Hart no pueden ir más allá de un guion simple y sin ideas. Tiempo para Mi (Me Time) es una comedia que apuesta a la risa fácil y a pesar de sus escasos momentos cómicos, se torna aburrida. Disponible en Netflix.

Si bien es cierto que hay que ser un poco benévolo con las comedias modernas de estos tiempos, atento que es muy difícil hacer reír, se demanda una cierta cuota de sentido en su escritura para poder incluir todo tipo de bromas, incluso aquellas de dudoso gusto como las escatológicas. Entonces, cuando la historia es rehén de la risa fácil (por catalogarla de alguna manera) el resultado queda a merced de los momentos cómicos. Tiempo para mí, fracasa en este sentido a pesar del esfuerzo de Kevin Hart.

La historia sigue a Sonny Fisher (Hart), un orgulloso padre de familia que está a cargo de la actividad doméstica. Mientras su esposa arquitecta triunfa en su profesión, Sonny necesita un tiempo a solas. Sus dos hijos y las tareas cotidianas, en las que se incluye su labor como director de concurso de talentos de la escuela de sus hijos, lo mantienen desbordado como padre de familia. Mientras tanto su ex gran amigo Huck, un soltero empedernido, (Mark Wahlberg) lo invita a su fiesta número 44 de cumpleaños. Cuando su esposa le ofrece llevarse a sus hijos para crear un vínculo de calidad, Sonny concurre a la celebración de su amigo. Pronto, la tranquilidad se convierte en un fin de semana salvaje que amenaza la reputación de Sonny como hombre de familia.

Para empezar la trama tiene la oportunidad de explorar los sentimientos de un matrimonio que tienen tareas diferentes. Sonny es amo de casa y esta abocado a la crianza y educación de sus hijos. Esto le quita tiempo personal y un replanteo de si ha elegido el camino correcto. Por otra parte, su esposa Maya, es exitosa en su profesión pero ha perdido dedicación de calidad en sus dos hijos. Lamentablemente, ninguna de las dos facetas se profundiza debidamente, quitándole peso emocional a la hora de su llegada. En su lugar, se crea una atmosfera de simple diversión en donde no abundan buenos momentos ganados.

Kevin Hart lleva el peso del relato y hace un gran esfuerzo para que la trama no sea más simple de lo que realmente es. Hart, un comediante nato, especialista en el arte del stand-up, potencia situaciones demasiadas simples y torpes, que a esta altura ya no hacen mucha gracia. Desde escapar de un animal salvaje, hasta quedar expuesto ante una situación indeseada, Hart utiliza su oficio como comediante pero no le es suficiente por el simple hecho que no tiene mucho con qué trabajar.

Tiempo para Mi, se abastece de lo escatológico y de ciertos gags de dudoso gusto. Si bien es cierto que la audiencia es para un público joven (casi adolescente) bien podría haberse abordado alguna faceta más emocional. En este sentido, el film desaprovecha la indecisión que puede generar la edad adulta como las obligaciones que impone la vida, sometiendo a los personajes en un simple juego caricaturesco.

Pero quién se lleva la peor parte es Mark Wahlberg. Acostumbrado a participar en roles de comedia, aquí el guion (otra vez) no la da muchas oportunidades para terminar de armar su personaje. Huck quiere seguir siendo un soltero y gastar en ella la mayor cantidad de dinero, lo que le hace meterse en problemas. La ejecución no está bien orquestada y la química con Hart apenas funciona. Con lo que la ordinariez absorbe el concepto de simpleza dejando a Tiempo para Mí, como un pasatiempo con gusto a poco.

Con todo, el film no ofrece nada nuevo de lo que se puede esperar para esta clase de comedias. La casi ausencia de conceptos como la paternidad, maternidad e inmadurez en la etapa adulta le quita al film cualquier grado de estabilidad emocional, que cuando llega, no tiene el peso suficiente para prevalecer. En este sentido y sumado a las pocas risas confiables, el entretenimiento aquí no esta garantizado.

RESUMEN

En definitiva, Tiempo Para Mí (Me Time) , es una comedia que desperdicia el potencial cómico de Kevin Hart ofreciendo un film sin ideas (antes vistas y mejor ejecutadas) y escasas risas escasas poco confiables.

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INTERCEPTOR (2022)

critica interceptor

La nueva producción de Netflix es un rejunte de otras películas, pero no se permite creer su propia tontería. Protagoniza Elsa Pataky.

Las películas de acción modernas en donde el protagonista principal tiene la clara misión de salvar el día, necesitan de una estrategia narrativa para que todo funcione como un reloj. La amenaza exterior, por más inverosímil que sea, debe ser compensada por la impronta de un héroe dispuesto a arruinar los planes de los villanos en cuestión. Entonces, con exitosas películas (transformadas en clásicos) como Duro de Matar o Alerta Máxima, resulta una tarea difícil recrear un material que transmita nuevas sensaciones. Interceptor, no cuenta con las piezas necesarias para crear un digno entretenimiento por una sencilla razón: no se permite creer su propia tontería.

Elsa Pataky interpreta a la capitana JJ Collins, quién retorna a una de las dos bases secretas de interceptores de misiles del ejercito de los Estados Unidos. Estas bases son la última línea de defensa en caso de un ataque nuclear de Rusia o de cualquier otro enemigo del planeta. Después de enfrentar un acoso sexual, Collins es degradada a su antiguo puesto militar. Cuando llega, se anoticia de un ataque terrorista coordinado, que pone en peligro la paz mundial. Con una línea de defensa caída y con la clara intención de lanzar 16 misiles atómicos en ciudades americanas, la capitana Collins deberá resistir los embates del enemigo, siendo la última esperanza de los Estados Unidos.

La película tiene un crédito de apertura temerario por la forma en que describe un potencial escenario de enfrentamiento militar. En ella describe que un misil atómico ruso puede tardar 24 minutos en llegar a un destino estadounidense y a su vez, 12 de ellos en contrarrestarlo. Las líneas de defensa americanas son secretas y una de ellas está en el medio del océano pacifico. Se presume pensar que la amenaza de los terroristas y la resistencia a sus embates se hará en toda la base militar flotante. Pero ello sucede en escasos minutos, transcurriendo gran parte de la acción en una pequeña habitación de comunicación.

Con lo que la heroína en cuestión (una Elsa Pataky en forma) se limita a ser un obstáculo en si misma, perdiendo todo tipo de sorpresa. Esto es, Interceptor se vuelve anodina y algo tonta. Capitaliza una idea trepidante y de acción sin respiro, pero su ejecución es un intento equivocado. Si bien hay una clara inspiración en películas ochentonas, como Duro de Matar, no fundamenta su propia historia, con el agravante de que tampoco se la cree.

La película pierde su equilibrio cuando se trata de revelar las motivaciones del villano Alexander. Interceptor, juega con la mente criminal característica de los villanos de James Bond, pero en el fondo no se llega a entender del todo sus motivaciones. Hay un fin monetario por cierto, pero el hecho de matar a millones de personas, con un reducido numero de terroristas, no convence en absoluto.

Dicho esto, la historia es una tontería en general, que es aplaudida por un invitado inesperado, que no pertenece al elenco de Interceptor. Se trata de Chris Hemsworth, casualmente productor del film y marido de Elsa Pataky, que sigue la misión televisada en un centro de ventas de electrodomésticos. Se entiende que se quiere aportar algo de gracia y humor a la narrativa, pero aquí su aporte no suma, contrarrestando la seriedad de su mujer. Pataky suda bastante para ofrecer algunas aceptables secuencias de acción. La actriz se encuentra en excelente estado de forma, mostrando sus marcados músculos de crossfit. Pero no logra profundizar los aspectos más personales de su personaje. Como heroína esta en deuda al no exhibir la personalidad que imponen las estrellas de acción.

Interceptor, cuenta con escenas demostradamente risibles. Desde el falso intelectualismo del villano Alexander; secuencias ordinarias de lucha y escondite; cameo de Hemsworth mal ejecutado; actitudes intrascendentes de ejecutivos como de la presidenta de los Estados Unidos y un uso del segundero al límite de su tiempo hacen que el film sea una invitación a la risa y a un rápido olvido.

CURIOSIDADES

  • Elsa Pataky y Chris Hemsworth son marido y mujer en la vida real. Esta es la segunda película en la que colaboran juntos después  d Tropa de Herés (2018).
  • Esta película se inspira en varios aspectos en la película Duro de Matar (1988). La revelación en el medio de la película de que Kessel realmente solo está en esto por el dinero es un guiño a los motivos de Hans Gruber en Die Hard. 

RESUMEN

En definitiva, Interceptor intenta hacer una película de acción con ingrediente pasados. Fracasa en todos sus aspectos a pesar del esfuerzo físico de Elsa Pataky.

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INFIERNO EN LA FRONTERA (2019)

critica infierno en la frontera

La historia del primer afroamericano representante de la ley es algo insulsa y de escasos recursos artísticos. Infierno en la frontera (Hell on the Border) es un western fallido, a pesar de su intento de reivindicar un héroe legendario. Disponible en Netiflix.

Los créditos de apertura declaran que los vaqueros afroamericanos han sido dejado de lado por los libros en los cuales se escriben las historias. Esta es la vida de Badd Reeves, un hombre que nació en la esclavitud para luego convertirse en el primer mariscal de color en el salvaje oeste. Con todo lo expuesto, el film parece tener algo interesante para contar pero no lo aprovecha, al recrear un western insulso y de escasos recursos artísticos.

La historia se centra en un capitulo de lo que se supone que fue la vida de Badd Reeves (David Gyasi). Habiendo escapado de la servidumbre durante la guerra civil, se encuentra trabajando como ayudante de uno de los agentes de la ley a cargo del juez del condado de Arkansas. Mientras el peligroso fugitivo Bob Dozier ( Frank Grillo) y su pandilla confrontan las autoridades, Reeves acepta la misión de capturarlo con la ayuda de un criminal (Ron Perlman). Para demostrar su valía, Reeves, no solo debe protegerse de los disparos. Sino también de una severa discriminación, con la esperanza de ganarse una estrella en el pecho.

Infierno en la frontera , tiene una buena historia entre sus manos. Un supuesto héroe legendario ( no reconocido) dentro del salvaje oeste y un trasfondo histórico racial indisimulable, donde los afroamericanos recién salían de la esclavitud y buscaban un lugar en el mundo. La trama aquí planteada es difícil de discutir y el film se vale de ello, donde los hombres de color no tenían ni siquiera oportunidad de votar. Es decir, no eran considerados ciudadanos con plenos derechos.

En esa época de cambios civiles renace la figura de Badd Reeves, un hombre que no solo decide tener un sistema de justicia justo, sino dedicarse ello. En este punto, el guion le da material necesario a los personajes para que puedan dotarlos de carácter. Hay algunas intervenciones del Juez Parker que reflejan la lucha social por el reconocimiento de los derechos afroamericanos pero los ojos no están puestos en ello. En el centro, Gaysi no logra matizar su personaje, componiendo un Bad Reeves demasiado calmo y lineal. Su escaso carisma parece estar absorbido por los acontecimientos reales de la historia. Es cierto que la música (descoordinada y con falta de empuje) no le ayuda demasiado, pero el personaje, por sus habilidades, debería haber tenido un mejor resultado.

Pero lo que hace fallido a la producción, es justamente sus escenas de tiroteos. Ninguna de ellas logra el impacto deseado. Dentro de su evidente bajo presupuesto, no hay un cuidado en el uso de la acción coreografiada. Los tiroteos se desarrollan con una notoria rapidez desincronizada, con evidentes fallos de edición. Lo que hace que lo que debería ser el punto más fuerte de un western sea un deseo incumplido. Tampoco se desarrolla la habilidad que tiene Reeve en desenfundar el arma. Es rápido y letal, pero no se profundiza demasiado su talento para un hombre que ha salido de la esclavitud.

Otras debilidades se encuentran en su tiempo de ejecución, el cual se hace demasiado extenso. Ron Perlman y Frank Grillo tratan de cubrir aquella deficiencia, con personajes coloridos pero ninguno de ello da en la tecla.  Así las cosas, se dice que Badd Reeves fue fuente de inspiración de el llanero solitario y ha influido en el genero occidental durante más de 100 años después de su muerte, en 1910. A juzgar por lo visto, no hay nada aquí que ensalce su gloria.

CURIOSIDADES

  • Gran parte de la película se filmó en Tannehill State Park en McCalla, Alabama (cerca de Birmingham).

RESUMEN

En definitiva, Infierno en la Frontera (Hell the Border) desperdicia su interesante trama con una producción de escasos recursos artísticos. Sus casi dos horas de duración se hacen demasiado largas, que se habría beneficiado de una edición más juiciosa. Con una partitura musical equivocada, el elenco y sus tiroteos, no logran disipar los repentinos aires de aburrimiento.

RESUMEN

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SHARK BAIT (2022)

critica shark bite

Tan tonta como agotada, la premisa de un hambriento tiburón blanco es otra “mordida” mediocre. Shark Bait, toca fondo a pesar de un par de buenos momentos.

No es lo mismo ver un tiburón que verlo venir. A eso han apuntado las recientes producciones con un escuelo hambriento que se encuentra al acecho por decisiones tontas de sus victimas. Dirigida por James Nunn, quien también fue el director de segunda unidad de Terror a 47 metros y su secuela, Shark Bait toca fondo a pesar de un par de buenos momentos.

En esta oportunidad un grupo de jóvenes adolescentes se encuentran disfrutando de unas vacaciones en alguna playa de México. Su único fin parece emborracharse hasta el amanecer y es de aquí que toman la decisión de robar un par de motos de agua y alejarse de los límites de la costa. El problema surge cuando chocan las motos, jugando a un tonto juego que consiste en un duelo para saber quien es el más cobarde.

A toda velocidad, el par de jetsky se enfrentan y se produce el inevitable choque. El resultado es el hundimiento de una moto, un inconsciente y un herido con una grave lesión sangrienta en su pierna. Con una embarcación a flote, los cinco amigos se encuentran varados a millas de distancia y un con un celular que no tiene señal. Mientras encuentran la forma de volver a la orilla, un gran tiburón blanco los acecha para devorarlos.

Cebo para tiburones 1

Las películas de tiburones entretienen por la sencilla razón de que los tiburones existen y están ahí, en el fondo del océano. En cada de uno de nosotros hay un miedo intrínseco cada vez nos que decidimos a bañarnos en el mar. No hay que ir más allá por las dudas dirá nuestro inconsciente. Sobre esta sensación de miedo y terror a lo que no vemos y puede venir, los escritores de Hollywood han ideado numerosas secuencias modernas con un tiburón como protagonista. Great White (Tiburón Blanco) y The Requin fueron las ultimas que abordaron esta temática, con no muy buenos resultados. Ahora le toca el turno a Shark Bait, un film que toma una idea lo suficientemente tonta con la clara intención de mejorar los niveles de entretenimiento.

Desde el momento que se presentan los cinco personajes sabemos que las cosas no van a terminar bien. La decisión de jugar a un juego que incluye la posibilidad de que las motos robadas colisionen a millas de distancia de la costa es un riesgo que va en desmedro de los protagonistas. Cuando colisionan (por su estúpido comportamiento) es difícil empatizar con ellos y es probable que alentemos al tiburón a realizar su tarea. En este punto, el observador hará un juego mental sobre quien será la próxima victima y su intuición es más que probable que de en el acierto. Ello se debe a las tontas decisiones que toman los personajes post al accidente que hacen que el resultado se vuelva demasiado predecible.

Cebo de tiburón 2

Ahora bien, con un gran tiburón blanco acechando la única moto de agua a flote, la escritura de la película le agrega un tono dramático con discusiones tediosas sobre la revelación de que uno de los personajes tuvo una aventura con el novio de su amiga. El celular es la fuente del descubrimiento del engaño y su consecuente reproche parece darle una prioridad superior mientras los personajes se encuentran a merced de un gran depredador. Este toque dramático se siente inoportuno y totalmente desinteresado.

Una vez que aparece el tiburón, Shark Bait mejora un poco. El cineasta James Dunn logra una buena primera aparición del escualo con una secuencia inquietante. La técnica de mostrar poco, solo la aleta del tiburón y su presencia amenazante debajo del agua da resultado. El problema se presenta cuando el tiburón sale del agua y se muestra en primer plano. Una escena en la que ataca la moto de agua es sencillamente artificial y rompe el aceptable suspenso ganado. Lo mismo ocurre con las muertes de la película, los efectos se evidencian demasiado computarizados y dejan mucho que desear. El film es relativamente corto, con una hora y veinte minutos de metraje los fanáticos del genero pueden pasar un rato entretenido por así decirlo. Por lo demás, Shark Bait no logra despegarse de la mediocridad de recientes propuestas que impulsan a la decadencia de un genero agotado.

RESUMEN

En definitiva, Shark Bait es otra película mediocre. La tonta premisa no puede mantenerse a flote a pesar de algunos buenos momentos del tiburón. Se puede decir que es un poco mejor que las recientes Great White o The Requin, pero ello no genera merito alguno.

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AGENT GAME (2022)

critica agent game

Con un presupuesto limitado y una escritura confusa, Agent Game se muere en el intento de ser interesante.

La apertura inicial comienza con un hombre sentado en un banco que recibe una notificación en su celular. Pronto, se levanta y comienza a disparar. Ese hombre es nada más que Mel Gibson, justamente la imagen que se antepuso arriba como muestrario. Pero que el observador no se entusiasme, el reconocido actor solo participa en pequeños fragmentos del film, que no pasarán de más de cinco minutos en total. Dicho esto, Agent Game cuenta con un elenco con caras conocidas (Jasson Issacs, Delmot Mulroney) pero su confusa escritura no logra atrapar al observador, que solo verá un simple ejercicio de actuación.

En Bélgica, un grupo especial norteamericano tiene la misión de extraer a un agente fugitivo para luego llevarlo a su país. En Europa del Este, tres agentes, Bill (Jason Isaacs), Visser (Annie Ilonzeh) y Harris (Dermot Mulroney) se encuentran interrogando un líder de la resistencia acusado de terrorismo. El sospechoso niega los hechos, mientras soporta varias técnicas de persuasión, lo que hace dudar a los examinadores. Mientras tanto, un director de la CIA (Mel Gibson) supervisa aquellas misiones con el fin de que se cumple un solo objetivo. A medida que pasa el tiempo, más se sospecha de las misiones.

Agent Game: Review

Agent Game, juega con la incertidumbre en no saber lo que realmente está sucediendo o cuales son las líneas de poder involucradas. Para ello divide la historia en tres líneas de tiempo diferentes, presumiendo una intriga que no es bienvenida. La confusión es su principal defecto y si bien ello se aclara a medida que avanza la trama, queda la sensación de desprolijidad en una escritura que está lidiando con un evidente límite presupuestario.

Jugar con las líneas de tiempo, el misterio y la desorientación es un riesgo que Agent Game no está dispuesto asumir. La misión de Bélgica, en tiempo actual. La de Europa del Este ocurriendo cinco semanas antes y la Washington DC que viene en dos semanas más tarde generan desconcierto. Pretende imprimir una intriga internacional, pero tiene el efecto contrario. Las líneas atemporales terminan siendo una perdición al no saber ordenar su intencional desorden. Con lo que la escritura termina siendo de un gusto incomodo e irritable para el observador, tornándose aburrida.

Agent Game Movie: Katie Cassidy pointing a gun

Agent Game es lento y anodino, y toma casi una hora antes de que toda la situación se aclare un poco, ya que el equipo de Bélgica lidia con mensajes de texto secretos y un prisionero encapuchado, mientras que en Europa del Este suceden más cosas de las que se ven a simple vista. El film presenta algunos juegos psicológicos con un par de giros narrativos, pero distan de ser interesantes. Al final, con el inevitable enfrentamiento todo se vuelve predecible. Es como preparar algo para sorprender que ya tiene gusto y eventualmente los disparos se abren paso a la película, pero llegan algo tarde.

En este aspecto, el film cuenta con una decente secuencia de extracción incial, con disparos y explosión de buena calidad, pero parece que se ha destinado todo el dinero en ello. Las restantes se desenvuelven en una filmación oscura, pero el impacto visual es demasiado poco, acusando el lastre narrativo. Se evidencia un trabajo confiable en Jason Isaacs y Dermot Mulroney, pero mucho más no pueden aportar, más que un ejercicio de actuación.

RESUMEN

En definitiva, Agent Game hace malabarismo con tres líneas de tiempo de una sola historia y no trae más que confusión. La incertidumbre y el misterio de espías no es ejecutado con ningún gusto, en un thriller con un presupuesto limitado. Con un aporte irrisorio de Mel Gibson y solidas actuaciones de Jaacs y Dermot Mulroney, el film no es más que un ejercicio de actuación.

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PANAMA (2022)

critica panamá 2022

El thriller de acción abarca más de lo que puede manejar. Panamá, marca el regreso del director de Crank luego de siete años de ausencia. Protagonizado por Cole Hauser y Mel Gibson.

En el año 2006 el director Mark Neveldine codirigió Crank, aquella hiperactiva y frenética película protagonizada por Jason Statham dando muestras (a pesar de los gustos) que el cine de bajo presupuesto puede ser original y brindar un buen entretenimiento. A este éxito le sucedieron la secuela de Crank y Gamer, todas centradas en una narrativa lineal y focalizadas en la historia de sus personajes. Panamá, es otra propuesta de bajo presupuesto pero con un enredo político que el director es incapaz de manejar. Con un Mel Gibson que oficia de narrador en off y con una participación secundaria, el film recae en las espaldas del insulso Cole Hauser. Panamá, marca el regreso del director de Crank luego de siete años de ausencia y en este ocasión no tiene lo que se necesita para hacer una película interesante. Simplemente abarca más de lo que puede manejar.

La película se centra en el ex marine James Becker (Cole Hauser), un hombre desolado por la muerte de su esposa que acostumbra dormir todos los días en la tumba de su esposa. Cuando recibe la vista del agente de la CIA, Stark (Mel Gibson) su vida vuelve a los carriles normales. Acepta una misión que involucra un trato de armas (la compra de un helicóptero militar) con el gobierno de Panamá para luego se utilizado por los Contras en la región de América Central. En el proceso, Becker se ve involucrado en la invasión estadounidense de Panamá (el film se centra en el año 1989) y en las conspiraciones políticas que genera aquella consecuencia.

Panamá es notoriamente una película de bajo presupuesto. Sus créditos de apertura exhiben una veintena de productores con lo que hace suponer que la producción debió reunir los fondos necesarios para que la historia sea posible. El problema del film no es este. Tampoco lo es los detalles del trasfondo político (narrado a grandes rasgos) de un hecho que ha ocurrido hace 33 años. Su inconveniente radica en abarcar más de lo puede manejar. La misión inicial comprende la compra de un helicóptero ruso al gobierno panameño para luego ayudar a los contras contra los sandinistas.

En el proceso, hay inferencia políticas, de inteligencia y un romance local que sirve para llenar los minutos en pantalla. Desafortunadamente, el cineasta neoyorkino no ofrece los elementos para complementar los arcos de todos los personajes. La narrativa involucra los contras, factor opositor del gobierno de Manuel Noriega, y sus motivos pero su tratamiento, al igual que la conspiración política, se siente descuidada. Entonces, la apuesta y la atención se centra en las escenas de acción. Se presume que contrataron al Neveldine para imprimir cierto frenetismo y emoción a ciertas secuencias pero en realidad el estilo del cineasta aquí exhibido es tosco y desprolijo. En líneas generales y por el argumento y tono del film, la elección del director es incongruente.

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Panamá, está protagonizada por Cole Hauser, un rostro medianamente conocido en participaciones secundarias de grandes películas. ¿Cuáles? Lagrimas del Sol y la segunda parte de Rápidos y Furiosos, en esta ultima interpretando al malo del film. Aquí, se presenta como un hombre de acción, rudo y sin miedo al peligro pero su falta de carisma es evidente. No le ayuda los pocos diálogos pero los que ensaya no son tan entusiastas. Su romance con la prostituta local Camila brinda un aire de erotismo pero es la excusa perfecta para que Neveldine enfoque las partes del cuerpo femenino. En este punto se intenta exponer una atmosfera de calidez que no se compensa con el porte frío de Hauser.

Dicho esto, Panamá no tiene el dinero ni el elenco para lograr los objetivos dramáticos y cinematográficos que propone. La excepción es el carismático Mel Gibson, que se compromete en todo lo que puede. Sin embargo, su breve aporte, que rodeará unos cinco minutos de metraje, no alcanzan para elevar al film a la superficie.

RESUMEN

En definitiva, Panamá es una película de bajo presupuesto que debió caer en manos de otro estilo de cineasta. Mark Neveldine (director de Crank) lleva adelante una narrativa desprolija con pobres secuencias de acción. Cole Hauser se muestra falto de carisma y Mel Gibson se compromete en todo lo que puede. Si bien el actor de Arma Mortal es el foco de marketing aquí, su participación en pantalla como su narración en off no va más allá de cinco minutos.

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VENGANZA A GOLPES (2022)

critica venganza a golpes

Con un estilo no definido y con escenas de artes marciales sin emoción, Venganza a Golpes es un producto reciclable que va directo a la basura. Disponible en Netflix.

Venganza a los golpes es la continuación de la serie de artes marciales Wu Assassins, que se estrenó en Netflix en el año 2019. La serie solo tuvo una temporada y ahora recapitula su historia en formato de largometraje con otros artistas marciales. En general, la película no cuenta con una historia original y se encarga de que ella sea particularmente confusa y de poca profundidad. El desinterés que emerge de su atmosfera contagia a los enfrentamientos que tienen sus protagonistas. Los combates son enérgicos y repetitivos y tratan de representar el cine moderno con la vieja escuela. Desafortunadamente, la confusa mezcla no da resultado y el observador tardará los primeros cinco minutos en darse cuenta. Con un estilo no definido y con escenas de artes marciales sin emoción, Venganza a Golpes es un producto reciclable que va directo a la basura.

La película comienza un tiempo después de los acontecimientos de la serie. Tres amigos, Tommy, Kai y Lu Xin, se encuentran en Bangkok en busca de venganza. La hermana de Tommy ha sido asesinada y buscan a los responsables a fuerza de golpes. La simple trama tiene un trasfondo sobrenatural basado en la mitología china. El villano es una mujer que puede usar sus poderes para destruir el mundo y reiniciarlo a su semejanza, con lo que el destino de la humanidad está en peligro. Solo Kai (el asesino del Wu) y sus amigos podrán evitarlo.

Venganza a Golpes es algo confusa. La breve introducción de su historia no alcanza para entrar en clima y ello hace generar un desinterés total en los acontecimientos futuros de los protagonistas. Se podría decir que no es necesario haber visto la serie, pero hay cierta información en las características de los personajes que ya vienen de fábrica. Kai ((Iko Uwais) es el último asesino del Wu y combina su magia y talento marcial para enfrentar a las fuerzas del mal. Mezclar lo sobrenatural con los combates marciales, la mitología china con técnicas modernas y, sobre todo, la acción de la vieja escuela con un estilo moderno, no siempre da resultado. Venganza a Golpes, tiene un gran problema de indefinición que no es capaz de disimular. No se decide que estilo elegir y qué publico representar. Así, en términos de contenido es bastante pobre.

Su rápida premisa tiene un desarrollo lento. Se tarda cerca de 25 minutos para entrar en acción, que es lo realmente importa aquí. Las luchas están bien coreografiadas pero se evidencia demasiada planificación, como si fuese un entrenamiento en una escuela de boxeo. Agacharse o esquivar para luego lanzar el puñetazo o patada se hace demasiado repetitivo, y si bien las peleas son entretenidas, el trabajo de edición no ayuda demasiado en su espectacularidad. La cámara no se queda demasiado tiempo en los artistas marciales, no logrando el efecto deseado por su continuo movimiento. Por momentos, parece una película barata de los años noventa en donde los atacantes llegan de a uno, como si estuviesen sacando un numero para luego ser atendidos. En este sentido, Venganza a Golpes involuciona en las tradicionales películas de artes marciales ofreciendo un espectáculo artificial y anticuado.

El elenco cuenta con la participación de Iko Uwais, una estrella marcial que mostró su talento en La Redada (The Raid). Pero aquí se encuentra limitado y absorbido por una serie de coreografías genéricas que no resaltan todo su potencial. Uwais, es el productor ejecutivo del film y su personaje como su elenco están demasiado americanizados y ello se evidencia con líneas de diálogos genéricas y no sentidas. El film también incluye un romance, pero todo parece estar orquestado para facilitar el desnudo de la protagonista femenina. Este acoplamiento es un ejemplo de las débiles conexiones entres los personajes, lo que hace que la venganza inicial parezca superflua.

Venganza a Golpes es ante todo una película de bajo presupuesto. Cuenta con algunas escenas de persecución y tiroteos pero todo se reduce a los asiduos combates coreografiados, que hacen perder algún resabio de su confusa historia. Los noventa minutos de ejecución, si se resiste, serán fácilmente olvidados atento que no hay nada para destacar aquí.

PUNTOS POSITIVOS

  • Las secuencias de lucha son algo entretenidas. Pero los seguidores de este genero saldrán decepcionados.

PUNTOS NEGATIVOS

  • La Banda Sonora. Fuera de tiempo en las secuencias de combate, no ayuda en generar emoción.
  • Tiene un estilo confuso. Es como ver una serie de los años noventa. Mezcla un poco de sangre, magia y acción. Todo se hace defectuoso.
  • Los combates están demasiados planificados. Por momentos los artistas marciales parecen los Power Rangers.
  • No se aprovecha el talento de la estrella marcial Iko Uwais.
  • Personajes y diálogos genéricos.

RESUMEN

Venganza a Golpes está lleno de defectos que no puede disimular. Su confuso estilo, su hueca historia y sus planificados combates marciales la hacen un producto decepcionante.

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BLACK FRIDAY (2021)

Black Friday exhibe en la vidriera una comedia de terror con un vicio redhibitorio. No cumple con lo que promete, desperdiciando todo su potencial.

Un central comercial con importantes descuentos en el que asisten miles de compradores compulsivos, en el día de acción de gracia en los EE.UU, es un tratamiento que bien puede representar una metáfora de lo que representa el comercio minorista y el consumismo en la actualidad. Ahora, si se agrega un factor alienígena en aquellos conceptos, representado por criaturas que se apoderan del cuerpo de los furiosos compradores, la idea cobra un sentido de critica social que Black Friday desaprovecha. En su lugar, ofrece un producto de terror de clase “B”, sin demasiado sentido narrativo y de lo que es peor, sin emociones baratas. Así, la comedia de terror lleva inmerso un vicio oculto que no tarda en salir a la luz. No cumple con lo que promete, desperdiciando todo su potencial.

Black Friday se centra en un grupo de trabajadores en una tienda de juguetes, preparándose para recibir a una “manada” de compradores que buscan ofertas en el día de acción de gracias. Es una época donde las ventas y el consumo están en su pico más alto, con lo que se requiere un esfuerzo y una dedicación adicional del personal del comercio minorista. Sin embargo, una misteriosa forma de vida alienígena invade el local e infecta a los compradores, provocando una reacción en cadena y desatando un caos violento y sangriento. Ahora, lo único que importa es buscar la forma de sobrevivir

Se puede catalogar a Black Friday (viernes negro) como una representación del subgénero de supervivencia zombie. Aquí, se reemplaza los tradicionales “no muertos” por una forma de vida alienígena, de color rosado y amorfa, que invade como un meteorito el local de compras. En este aspecto, la presentación de la criatura y sus protagonistas es de desarrollo rápido. Los primeros momentos prometen lo que podría ser una divertida película de terror, con una critica social indirecta, pero el film se vuelve obsoleto con bastante rapidez, en razón de su falta de inventiva.

Black Friday, desaprovecha su elenco, el entorno y las criaturas, no logrando equilibrar lo absurdo con lo aterrador. Es un riesgo que las películas de clase “B” están dispuesta asumir. Cuando no lo logran, el resultado es altamente decepcionante porque da curso al sentido del ridículo. Nada de lo que ocurre en la película es creíble, algo que no está mal por cierto, pero todo se desarrolla con una energía deprimente.

Igualmente decepcionante, es la utilización de la juguetería como escenario. Es un lugar divertido para esconderse y utilizar algunos juguetes como armas, pero el film no los aprovecha. En lugar de ello, se repite una y otra vez la misma secuencia de escape, lo que hace de Black Friday algo monótona. Lo mismo sucede con sus personajes, no reciben la atención que se merecen y son solo piezas que escapan del asedio de las criaturas. En este sentido el artista marcial Michael Jai White es el más perjudicado, al componer un personaje fuerte y decidido, pero sin posibilidad de mostrar sus habilidades.

Black Friday opta por tomar la ruta superficial en su crítica social, con algunas líneas sobre la codicia corporativa y el consumismo estadounidense. No profundiza mucho más que ello, especialmente cuando George A. Romero lo hizo tan bien hace más de 40 años en El Amanecer de los Muertos. La falta de ingenio se vuelva más evidente y aunque algunas bromas quitan el aburrimiento, no son suficientes ya que se lanzan en sus primera mitad. Lo que resta, es un festival de corridas sin sentido. Las criaturas que contagian a los compradores tiene un maquillaje por demás cuestionable. Su diseño es feroz, con unos dientes afilados y una lengua pegajosa que usan para contagiar a otros. Sin embargo, son risueños. Saltan, corren y muerden pero no hay ningún indicio de terror aquí que pueda llegar a impresionar hasta el más asustadizo.

Dicho esto, los creadores de las criaturas no hacen absolutamente nada con ellos. Ni siquiera una genuina emoción barata y repetitiva que se haya visto antes. Así, Black Friday nos regala una comedia de terror que no se encuentra.

PUNTOS POSITIVOS

  • Los primeros minutos. Luego se vuelve obsoleta.
  • Su elenco. Todos competentes, pero subdesarrollados.
  • Michael Jai White merecía mostrar sus habilidades marciales. Solo empuña una pistola con clavos.

PUNTOS NEGATIVOS

  • Elenco desaprovechado. El film cuenta con el aporte de Bruce Campbell (mejor conocido por interpretar a Ash Williams en la   franquicia El despertar del Diablo ).
  • Las criaturas tienen un nivel de detalle por debajo del promedio.
  • La historia se vuelve obsoleta con rapidez.
  • Bromas esporádicas y poco índice de sangre.

RESUMEN

Black Friday desaprovecha su elenco competente en beneficio de una idea, más que una historia. No logra equilibrar lo absurdo con el terror, y lo que es peor no supo aprovechar su potencial. Al fin de cuentas, se siente como aquel producto tecnológico que ostenta un vicio oculto y que requiere la devolución del dinero.

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